El Caballero de la Noche Asciende

Hace ocho años que Batman desapareció en la oscuridad, dejando de ser un héroe para convertirse en fugitivo. Al asumir la culpa por la muerte del fiscal del distrito Harvey Dent, el Caballero Oscuro decidió sacrificarlo todo por lo que consideraba, al igual que el Comisario Gordon, un bien mayor. La mentira funciona durante un tiempo, ya que la actividad criminal de la ciudad de Gotham se ve aplacada gracias a la dura Ley Dent. Pero todo cambia con la llegada de una astuta gata ladrona, que pretende llevar a cabo un misterioso plan. Sin embargo, mucho más peligrosa es la aparición en escena de Bane, un terrorista enmascarado cuyos despiadados planes para la ciudad obligan a Bruce a regresar de su voluntario exilio.

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The Cinematic Orchestra

The Cinematic Orchestra es un grupo inglés de música fundado en 1999 por Jason Swinscoe, cuyo estilo se mueve en el llamado nu jazz..

Me encantan… yo los descubrí hace tiempo con su álbum Ma Fleur, que he escuchado y admirado hasta la saciedad, cabeza de álbum el tema de Patrick Watson “To Build a Home”, que por mucho que pueda embastarlo del derecho y del revés, siempre termina emocionándome.

Espero ansioso cada nuevo trabajo de los británicos The Cinematic Orchestra. Creo que son una de las bandas contemporáneas que innovan estilo y conceptos en varias áreas de la música al mismo tiempo...

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Thomas Bergersen Illusions

• Bueno Para mi este disco es maravilloso , Representa un monton de sensaciones solo Escuandole ..
• El álbum en sí ,representa un homenaje magnífico a la épica..........................
• Illusions vio la luz como tal en el año 2011, después de que Bergersen comenzase su exitosa carrera
•  en solitario tras haber pertenecido a Two Steps From Hell junto a Nick Phoenix, on el que alcanzaría ya un prestigio considerable gracias a los álbumes titulados Power Of Darkness y y Dreams And Imaginations.
• No nos encontramos ante un álbum normal. 
• Dicho así puede resultar cuanto menos descabellado,
•  pero no deja de ser aplastantemente cierto. 
• El disco Illusions de Thomas Bergersen no puede dejar indiferente a nadie.
•  Lejos de lo cotidiano y cotizado, se trata de un derroche de poderío,
•  grandiosidad y fantasía desde sus mismos comienzos hasta el final.
•  Fue un trabajo que supuso todo un descubrimiento para mí. Como el que dice, “amor a primera vista”.
•  ¿Quién dice que no se sigan editando ya álbumes de la calidad de antes? 
• Illusions es la prueba palpable de que a día de hoy sigue haciéndose música de una calidad extraordinaria.
•  Cada uno de sus dieciocho temas en sí mismos representa un verdadero homenaje a la épica y a la magia.
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James Last

• James Last (también conocido como "Hansi"; nacido el 17 de abril de 1929, en Bremen, Alemania) es un compositor alemán, director de orquesta y líder de su propia big band. Su "música alegre" ha vendido numerosos álbumes en Alemania y Reino Unido. Su composición Happy Heart (1969) se convirtió en un éxito internacional, en la interpretación de Andy Williams y Petula Clark.
• El padre de Last era un funcionario del departamento de obras públicas de la ciudad de Bremen (Alemania), por lo que el pequeño Last se crió en el suburbio de Sebaldsbrück. Aprendió a tocar el piano a la edad de 12 años; luego, en su adolescencia, pasó al contrabajo. Su ciudad natal fue bombardeada en la Segunda Guerra Mundial, y se difundió por radio el mensaje de la necesidad de puestos de comando de defensa para las incursiones bélicas. Así, a los 14 años, se inscribió en la Escuela Militar de Música Bückeburg, de las fuerzas alemanas Wehrmacht.
• Después de la caída de los nazis, en 1946, se unió a la Hans-Gunther Österreich Radio Bremen Dance Orchestra. En 1948 se convirtió en el líder del conjunto Last-Becker Ensemble, labor que desarrolló durante siete años. Durante ese tiempo, fue elegido como el mejor bajista en el país por una encuesta alemana de jazz, durante tres años consecutivos, entre 1950-1952. Después de la disolución de Last-Becker Ensemble, se convirtió en arreglista de la casa discográfica Polydor Records, así como en una serie de emisoras de radio europeas. En la década de 1960, ayudó a organizar visitas de artistas como Helmut Zacharias, Freddy Quinn, Lolita, Alfred Hause y Caterina Valente.
• Durante este período se da a conocer como Hans Last, de ahí su apodo de "Hansi
  Last realizó sus primeros álbumes en los EE.UU. bajo el título de The American Patrol, de Warner Brothers, desde 1964. En este año, formó su propia orquesta, la James Last Orchestra (extensión de su big band). También lanzó una serie de 9 discos en una serie llamada Classics Up To Date vols. 1-9, basados en arreglos de melodías clásicas con cuerdas, ritmo y coro sin palabras, desde mediados de la década de 1960 hasta la de 1970. En 1965, Last lanzó el álbum Non-Stop Dancing, una grabación de versiones breves de canciones populares, todos unidos por un ritmo de baile insistente y ruidos de multitud (parecidos a una discoteca de la época). El álbum fue todo un éxito, y ayudó a hacer de él una de las estrellas más importantes de Europa. Durante las siguientes cuatro décadas, Last ha grabado más de 190 registros musicales, entre ellos varios volúmenes de Non-Stop Dancing. En estos registros, varía su fórmula mediante la adición de diferentes canciones de diferentes países y géneros, así como artistas invitados, tales como Richard Clayderman y Astrud Gilberto. También tuvo una exitosa serie de televisión propia en la década de 1970, con invitados como ABBA y Lynsey de Paul. A pesar de que sus conciertos y discos fueron siempre exitosos, especialmente en el Reino Unido, donde tuvo 52 discos exitosos entre 1967 y 1986, sólo superado por Elvis Presley en el ranking de álbumes, sólo ha tenido dos singles de éxito con "The Seduction", el tema del filme American Gigolo (1980), compuesta por Giorgio Moroder, y "Bizcaya", del álbum Bizcaya.
• En 1969, compuso la canción Happy Heart, que se convirtió en un éxito internacional, en la interpretación de Andy Williams y Petula Clark. En 1972, compuso la canción "Music from Across the Way", interpretada también por Andy Williams, cuya base es una melodía de sensación clásica, y que fue un éxito en todo el mundo.
• En 1977, Last compuso la famosa melodía "The Lonely Shepherd". Junto con su orquesta, tanto en compañía de Gheorghe Zamfir como por separado, la ha interpretado por más de tres décadas, y es reconocida como una de sus melodías emblemáticas. La melodía fue elegida por Tarantino, para su película Kill Bill 1 (2003).
• Last ha ganado numerosos premios populares y profesionales, incluyendo el Premio Billboard de las Estrellas del Año, en 1976; y ha sido premiado por su trayectoria con el premio alemán ECHO, en 1994. Last tiene una gran base de fans en Europa y en otros lugares del mundo. El sello de los arreglos de su big band, en los hits de la música pop; y su serie de álbumes; es igualmente conocido. A lo largo de su carrera, ha vendido más de 100 millones de álbumes.
• En abril de 2008, lanzó el DVD titulado "James Last - Live At The Royal Albert Hall", que muestra una grabación en vivo de un concierto especial, realizada en 2007, en el prestigioso salón musical de Londres, Reino Unido, donde Last celebraba sus 80 años de vida y 50 en el mundo de la música.
• Last, a lo largo de su carrera, también ha editado álbumes con temas de música clásica, y ha participado como director de orquesta en presentaciones de óperas famosas (en lo principal, en su país natal).
• En enero de 2011, como cada año, ha anunciado una fecha de conciertos europeos.
• En la actualidad, en sus presentaciones, suele aparecer junto con su orquesta, conocida por su versatilidad en cuanto al repertorio (van desde el clásico Ave María hasta una canción pop de Lady Gaga), y su alegre expresión física y gestual al momento de interpretar (bailes, coreografías, aplausos, gesticulaciones, expresiones especiales con los instrumentos); origen del apelativo de "música alegre".

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Hans Zimmer

• Hans Zimmer (Fráncfort, Alemania, 12 de septiembre de 1957) es un compositor de bandas sonoras cinematográficas, pionero en la integración de música electrónica y arreglos orquestales tradicionales. Es ganador de premios cinematográficos como los Globos de oro, BAFTA, Emmy, Saturn, Grammy, además de un Óscar de la Academia por su trabajo en El rey león (1995), premios a los que ha sido nominado en otras 7 ocasiones desde 1988 con Rain man.
• En la actualidad es considerado[cita requerida] uno de los compositores más sobresalientes de Hollywood, apodado por gran parte de la crítica como «el omnipresente Zimmer» por sus numerosas apariciones, ya sea como compositor principal o como colaborador de alguno de sus múltiples discípulos..
• De pequeño recibió clases de piano, más tarde se trasladó a Londres entrando en el mundo de la música durante una larga colaboración con su mentor Stanley Myers. A comienzos de los ochenta se sumergió en el mundo del synthpop y new wave, formando The Camera Club con Bruce Woolley, de The Buggles, y Thomas Dolby, y después, Helden, al lado de Warren Cann, baterista de Ultravox, y Zaine Griff. Cabe destacar que acompañó al grupo español Mecano en un concierto celebrado en Segovia en 1984. En 1986 realizó su primer trabajo autónomo en Vardo, aunque siguió colaborando con Myers hasta 1988
• 1988 es un año que determina un punto de inflexión en la carrera de Zimmer. La composición de la banda sonora de la ganadora del Óscar Rain Man, de Barry Levinson, significaría su primera nominación a la estatuilla y que el mundo cinematográfico centrara su atención en el entonces joven compositor, autor de melodías muy rítmicas, con temas muy identificativos y totalmente acoplables a una película. Tras el éxito de Rain Man, Zimmer se integra en Hollywood y realiza dos trabajos muy importantes: Black Rain y Driving Miss Daisy; además de la polémica Thelma y Louise entre otros trabajos en películas de carácter más comercial como Days of thunder (Días de trueno), caracterizadas por su sello inconfundible.
• Tras sus valorados trabajos en dos películas que llegaron a ser ganadoras de los Óscars a principios de los 90, Zimmer se consolida como un talento en Hollywood. Condición que se consagra en 1994 con su trabajo para Walt Disney en el El rey león (The Lion King), banda sonora que le valió su hasta ahora único premio Óscar.[3]
• En 1998, la banda sonora de la ambiciosa producción animada de DreamWorks, El príncipe de Egipto (Prince of Egypt), de la que es autor, es nominada a los Globos de oro, Óscars, Saturn y OFCS Awards
  La segunda mitad de los años 1990 y los años 2000 destacan sobre manera en la carrera musical de Hans Zimmer, teniendo en cuenta la gran cantidad de nominaciones de sus trabajos, sobre todo, en los principales premios cinematográficos como son los Óscars (7 nominaciones, 8 si añadimos la nominación de Rain man en 1988) y los Globos de oro con 9 nominaciones de las cuales 8 se otorgan casi consecutivamente desde 2000. Forman parte de estas nominaciones sus trabajos en: Origen (2010), El desafío - Frost contra Nixon (2008), El código Da Vinci (2006), Spanglish (2004), El último samurai (2003), Spirit: El corcel indomable (2002), Pearl Harbor (2001) o Gladiator (2000), esta última la única que consigue el Globo.
• Así, en 2000 destaca en su autoría para el filme The Road to El Dorado; además en este año destaca al componer la banda sonora para la película Gladiator del director Ridley Scott y ganadora del premio Óscar a mejor película de ese año; trabajo el cual desarrolla con la colaboración de Klaus Badelt (con quien compartirá de nuevo realización en Piratas del Caribe) y Lisa Gerrard. Ese año, la banda sonora de Gladiator resultará nominada en la mayoría de premios cinematográficos y musicales como por ejemplo los Óscars, BAFTA, Saturn, Grammy, además de los Globos de oro y Satellite, ganando estos dos últimos en 2001 entre otros como los ASCAP.
• En los años 2000, Zimmer desarrolla bandas sonoras originales e innovadoras con elementos muy distintos a sus primeros trabajos, como es el caso de «El último samurái» trabajo por el que consigue la nominación a los Globos de oro y consiguiendo el Saturn entre otros premios menores. También forman parte de estos trabajos las tres secuelas de «Piratas del Caribe», en las cuales ha ido perfeccionando e innovando progresivamente el trabajo de su alumno Klaus Badelt.
• En 2005 compuso la música de Batman para la película Batman Begins del director Christopher Nolan en la cual colaboró con James Newton Howard. En 2008 la dupla repitió en la segunda entrega de la saga, El caballero oscuro, un film cuya banda sonora también fue nominada en varios certámenes, algunos de la talla de los BAFTA, consiguiendo el premio en su categoría en los Grammy y Saturn entre otros.
• Su aporte al cine continúa con la composición en 2007 del tema «Spider Pig» para la película de los Simpson y en 2008 The Traveling Song para Madagascar 2: Escape de África.
• Sus trabajos no sólo se quedan en Europa y América sino que también alcanzan Japón donde trabaja en la composición, junto a otros creadores, de la banda sonora del anime japonés Blood+.
• Zimmer ha trabajado en repetidas ocasiones con el director Ron Howard musicalizando las películas El Código Da Vinci, Ángeles y Demonios, The Holiday y Frost/Nixon.
• Por primera vez el compositor se sumergió en el mundo de los videojuegos creando la banda sonora del juego de Infinity Ward, Call of Duty: Modern Warfare 2 que salió a la venta el 10 de noviembre del 2009.
• Además, la banda finlandesa de power metal sinfónico Nightwish, ha usado sus piezas como intro para sus presentaciones, algunas de ellas han sido «Red Warrior», de El último samurai, en el Once Tour 2004-2005 y Resurrection en el Dark Passion Play Tour 2007-2009.
• Obtuvo una nominación al Óscar en 2010 como compositor de la mejor banda sonora debido a su trabajo en la película Sherlock Holmes. Durante el mismo año realizó la banda sonora de las películas Megamind e Inception (Origen), esta última nominada en 2011 en prácticamente todos los premios mayores desde los Globos de oro, pasando por los Óscars, los Grammy o los BAFTA ganando sólo algunos premios de menor calado como los Phoenix Film Critics Society Awards o los Mundo BSO[4] otorgado por votación de los cibernautas gracias al mismo filme. En este mismo año también fue nominado a los Emmy su trabajo en la miniserie de la HBO The Pacific.
• Ya en 2011, continua su relación con la saga Piratas del Caribe y la cuarta entrega de la misma, y compone el tema principal del videojuego Crysis 2, lanzado en PlayStation 3, Xbox 360 y PC
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Gene Kelly

• Gene Kelly nació en uno de los barrios de trabajadores de Pittsburgh (Pennsylvania), en el seno de una familia obrera. Su padre era vendedor de fonógrafos y su madre, Harriet, fue la encargada de hacer que Gene y sus hermanos se interesaran por el mundo de la danza. Fue ella quien propulsó la formación del grupo "The Five Kellys", compuesto por los cinco hermanos. Tras deshacerse el grupo, él y su hermano Fred continuaron bailando y preparando enérgicas coreografías bajo el nombre de "The Kelly Brothers".
• Durante la depresión económica de 1929 que sacude los Estados Unidos y mientras acababa sus estudios universitarios (se licenció en Económicas en 1933), Kelly comenzó a trabajar en diversos oficios para ayudar a sacar adelante a su familia. Finalmente, y como negocio familiar, inauguran una primera academia de baile en Pittsburgh y después una segunda en Johnstown, en las que Kelly trabaja como codirector y profesor de baile. Cuando las academias empiezan a funcionar, él cree llegado el momento de viajar a Nueva York e intentar encontrar trabajo como coreógrafo
• Carrera cinematográfica
  Gene Kelly en Heredarás el viento, 1960.Así, en sus comienzos y con la firme decisión de convertirse en una figura del baile, Gene viaja a Nueva York y en poco tiempo, consigue un gran éxito en Broadway protagonizando el musical "Pal Joey" (1940), en el que conoció al por entonces chico de coro Stanley Donen. Kelly reconoció en él importantes cualidades técnicas y le ofreció trabajar para él como ayudante.
• Con esta obra llamó la atención del famoso productor David O. Selznick y del director de la MGM Louis B. Mayer. Selznick le ofrece un contrato para trabajar en Hollywood en donde se instala un año más tarde junto a su mujer Betsy Blair.
• Desafortunadamente, Selznick no estaba interesado en producir musicales y pensó que Kelly podría convertirse en un gran actor dramático, dejando de lado su carrera de bailarín. Sin embargo, Gene no estaba muy entusiasmado con la idea, por lo que recibió con agrado una oferta de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para protagonizar junto a Judy Garland la encantadora "Por mí y por mi chica", dirigidos por el coreógrafo y director Bubsy Berkeley ("La calle 42"). La película en la que se ponía de manifiesto una química entre los dos protagonistas que mantendrían ya para siempre, recibió muy buenas críticas, e hizo que Gene se convirtiera en el centro de la atención de Hollywood.
• Tras "Por mí y por mi chica", realizó una serie de películas con la MGM, y en 1944, protagoniza "Las modelos" (Cover Girl, de Charles Vidor) (producida por la Columbia y protagonizada también por Rita Hayworth). En esta película Kelly coreografía, con la ayuda de Stanley Donen, uno de los números de baile más revolucionarios de la historia del musical americano, el 'Alter Ego", un complejo duelo entre el personaje de Kelly y su conciencia que resulta ser un gran éxito y que convierte al actor en una enorme fuente de ingresos para la empresa.

• Las cosas le iban bien hasta que Pearl Harbor fue bombardeada y Gene decide alistarse y luchar por su país. Aunque en un principio no se lo permitieron, entre 1944 y 1946 combatió en la Segunda Guerra Mundial.
• A su vuelta del frente revitalizó su popularidad en películas como "Levando anclas" (1945, George Sidney) en su primer film mítico junto a Frank Sinatra, que incluye un célebre número musical junto al personaje de animación Jerry (de "Tom y Jerry"); "Ziegfield follies" de Vincente Minnelli, de nuevo con Judy Garland y coincidiendo también con Fred Astaire y Lucille Ball; "El pirata" (The Pirate 1948, de Vincente Minnelli, clásico del cine musical no estrenado en España hasta 1974, en el que compartía cartel con Judy Garland de nuevo) y "Los tres mosqueteros" (The three Musketeers, 1948 de la mano de George Sidney). En esta última, todo un éxito en su momento, estuvo acompañado por June Allyson, Lana Turner y Van Heflin. Cuando se estrenó "Un día en Nueva York" (On the town) Gene alcanza una fama que nunca antes había conocido. Éste fue su debut como director junto a Donen. La película la protagoniza junto a Frank Sinatra y Vera Ellen. Fue tal el éxito alcanzado, que la película ha marcado historia en el cine musical. Por primera vez una película musical es rodada en escenarios exteriores reales, convirtiéndose la ciudad en la verdadera protagonista del filme.El estudio se dio cuenta del potencial artístico y creativo de Kelly y decidió darle mayor libertad a la hora de poner en práctica sus ideas. Esa libertad fue la que hizo posible que se realizaran los dos musicales más recordados de todos los tiempos.
• "Un americano en París" (An american in Paris, 1951 de Vincente Minnelli) fue la película que elevó a Kelly al rango de superestrella. Fue uno de los mayores éxitos del año, llegando a conseguir seis Premios Óscar de la Academia, entre los que destacan el de "Mejor película", y uno honorífico por la versatilidad de Gene como actor, cantante, bailarín, director, coreógrafo y, más concretamente, por su aportación al género del musical.
• Al año siguiente, en 1952, Kelly volvió a hacer historia dirigiendo, coreografiando y protagonizando "Cantando bajo la lluvia" (Singin' in the rain), al lado de Donald O'Connor y Debbie Reynolds. Aunque en la actualidad está considerada como el mejor musical de todos los tiempos y una de las mejores películas de la historia, en aquellos años se vio eclipsada por el éxito de su predecesora. En 1954 continuó su fructífera colaboración con Vincente Minnelli en un film no muy apreciado en su día pero que se ha ido revalorizando con el tiempo, "Brigadoon". "It's always fair weather" (1955), especie de continuación en un tono de melodrama nostálgico y amargo de la citada Un día en Nueva York, también resultó ser muy alabada por la prensa y por el público. En 1956 rodó en Inglaterra uno de sus proyectos personales más ambiciosos: "Invitación a la danza".
• Tras esta gran oleada de éxitos, la carrera de Kelly empezó a declinar y a perder el esplendor conseguido. Apartado ya del musical, en 1960 realizó una de sus mejores interpretaciones en medio de un impresionante duelo interpretativo entre los legendarios Spencer Tracy y Fredric March en el film "La herencia del viento" de Stanley Kramer (uno de los grandes interrogantes sobre la carrera de Kelly es hasta donde hubiera llegado como actor dramático de no haber tenido como prioridad el mundo de la danza). Tanto su vida profesional como la personal se encontraban en un momento muy difícil. En 1957 su matrimonio de quince años con Betsy Blair ("Marty", "Calle Mayor") había terminado debido a la necesidad de crecimiento personal de Betsy. En 1960 Kelly se casó con Jeanne Coyne, quien desde hacía muchos años había sido su asistente y ayudante coreográfica y que años atrás había mantenido un breve matrimonio con su amigo Stanley Donen. De esta relación nacerían dos hijos, Tim y Bridget. (Tenía ya una hija de su primer matrimonio, Kerry).

• En 1967,Gene Kelly participó en la clásica producción animada "Jack y las habichuelas mágicas". Esta maravillosa realización, mezcla de animaciones y personajes reales, cuenta las aventuras de Jeremy (Gene Kelly) junto a Jack (Bobby Rhia), quienes suben por el tronco de una habichuela gigante hasta el palacio de un ogro. La dulce Serena está cautiva allí y Jeremy deberá rescatarla.
• Después de unos años de aparente olvido, recuperó la fama al dirigir a Barbra Streisand y Louis Armstrong en "Hello, Dolly!" (1969), así como a James Stewart y Henry Fonda en "El club Social de Cheyenne" (The Cheyenne Social Club, 1970). Sin embargo, cuando Gene estaba empezando a conseguir mejores películas y mejores papeles, sufrió un duro golpe en su vida personal al diagnosticársele a su mujer leucemia, enfermedad de la que fallecería en 1973. Viudo y con dos hijos pequeños, decidió dedicarse a ellos y, a partir de ese momento, rechazó todos aquellos proyectos que pudieran tenerle lejos de Los Ángeles (California) durante un largo período. "Erase una vez Hollywood" (1974), "Hollywood, Hollywood" (1976), y "That's Entertainment III" (1994), la tercera de estas exitosísimas películas antológicas sobre el cine musical y la comedia de los años dorados del cine norteamericano, fueron seguramente sus últimos films reseñables.
• Durante la siguiente década, Gene realizó algunas intervenciones en televisión aceptando ocasionalmente algún trabajo como director. En 1980, realizó su última aparición en un musical pero, desafortunadamente "Xanadu" resultó todo un fracaso, aunque eso no impidió que la banda sonora, en la que él interpretaba y bailaba "Whenever you're away from me" a dúo con Olivia Newton-John, fuera un gran éxito de ventas. Xanadu fue la última aparición cinematográfica de Gene Kelly como actor. En 1985, recibió, entre otros muchos premios, el del "American Film Institute" en homenaje a toda su carrera profesional.
• Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996 por complicaciones de dos apoplejías sufridas en julio de 1994 y en febrero de 1995.
• Su nombre está escrito con letras de oro junto a los de Fred Astaire, Judy Garland, Stanley Donen o Vincente Minnelli, dentro de los anales de la historia del cine musical. Su enorme personalidad, la inteligencia de sus coreografías, la agilidad y el entusiasmo con que dotó a sus personajes y el endiablado ritmo de algunos de sus bailes le catapultaron a la fama dentro del período más dorado del género. Maravilloso bailarín y coreógrafo, magnífico actor y director y un encantador vocalista, la contribución de Kelly al musical es de una importancia incalculable y su obra ha ido creciendo a los ojos de las nuevas generaciones..
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Gene kelly

• Esta canción para mí siempre fue un sueño , que en su dia lo hice realidad con unos buenos amigos/as
• Por aquel entonces saliamos de juerga y novean lo que llovia :)..
• Eugene Joseph Curran Kelly (Pittsburgh, Estados Unidos, 23 de agosto de 1912 – Beverly Hills, Estados Unidos, 2 de febrero de 1996), mejor conocido como Gene Kelly, fue un actor, cantante, bailarín, director y coreógrafo estadounidense.
• Gene Kelly nació en uno de los barrios de trabajadores de Pittsburgh (Pennsylvania), en el seno de una familia obrera. Su padre era vendedor de fonógrafos y su madre, Harriet, fue la encargada de hacer que Gene y sus hermanos se interesaran por el mundo de la danza. Fue ella quien propulsó la formación del grupo "The Five Kellys", compuesto por los cinco hermanos. Tras deshacerse el grupo, él y su hermano Fred continuaron bailando y preparando enérgicas coreografías bajo el nombre de "The Kelly Brothers".
• Durante la depresión económica de 1929 que sacude los Estados Unidos y mientras acababa sus estudios universitarios (se licenció en Económicas en 1933), Kelly comenzó a trabajar en diversos oficios para ayudar a sacar adelante a su familia. Finalmente, y como negocio familiar, inauguran una primera academia de baile en Pittsburgh y después una segunda en Johnstown, en las que Kelly trabaja como codirector y profesor de baile. Cuando las academias empiezan a funcionar, él cree llegado el momento de viajar a Nueva York e intentar encontrar trabajo como coreógrafo.
• Así, en sus comienzos y con la firme decisión de convertirse en una figura del baile, Gene viaja a Nueva York y en poco tiempo, consigue un gran éxito en Broadway protagonizando el musical "Pal Joey" (1940), en el que conoció al por entonces chico de coro Stanley Donen. Kelly reconoció en él importantes cualidades técnicas y le ofreció trabajar para él como ayudante. Con esta obra llamó la atención del famoso productor David O. Selznick y del director de la MGM Louis B. Mayer. Selznick le ofrece un contrato para trabajar en Hollywood en donde se instala un año más tarde junto a su mujer Betsy Blair. Desafortunadamente, Selznick no estaba interesado en producir musicales y pensó que Kelly podría convertirse en un gran actor dramático, dejando de lado su carrera de bailarín. Sin embargo, Gene no estaba muy entusiasmado con la idea, por lo que recibió con agrado una oferta de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para protagonizar junto a Judy Garland la encantadora "Por mí y por mi chica", dirigidos por el coreógrafo y director Bubsy Berkeley ("La calle 42"). La película en la que se ponía de manifiesto una química entre los dos protagonistas que mantendrían ya para siempre, recibió muy buenas críticas, e hizo que Gene se convirtiera en el centro de la atención de Hollywood.
• Tras "Por mí y por mi chica", realizó una serie de películas con la MGM, y en 1944, protagoniza "Las modelos" (Cover Girl, de Charles Vidor) (producida por la Columbia y protagonizada también por Rita Hayworth). En esta película Kelly coreografía, con la ayuda de Stanley Donen, uno de los números de baile más revolucionarios de la historia del musical americano, el 'Alter Ego", un complejo duelo entre el personaje de Kelly y su conciencia que resulta ser un gran éxito y que convierte al actor en una enorme fuente de ingresos para la empresa.
• Las cosas le iban bien hasta que Pearl Harbor fue bombardeada y Gene decide alistarse y luchar por su país. Aunque en un principio no se lo permitieron, entre 1944 y 1946 combatió en la Segunda Guerra Mundial.
• A su vuelta del frente revitalizó su popularidad en películas como "Levando anclas" (1945, George Sidney) en su primer film mítico junto a Frank Sinatra, que incluye un célebre número musical junto al personaje de animación Jerry (de "Tom y Jerry"); "Ziegfield follies" de Vincente Minnelli, de nuevo con Judy Garland y coincidiendo también con Fred Astaire y Lucille Ball; "El pirata" (The Pirate 1948, de Vincente Minnelli, clásico del cine musical no estrenado en España hasta 1974, en el que compartía cartel con Judy Garland de nuevo) y "Los tres mosqueteros" (The three Musketeers, 1948 de la mano de George Sidney). En esta última, todo un éxito en su momento, estuvo acompañado por June Allyson, Lana Turner y Van Heflin. Cuando se estrenó "Un día en Nueva York" (On the town) Gene alcanza una fama que nunca antes había conocido. Éste fue su debut como director junto a Donen. La película la protagoniza junto a Frank Sinatra y Vera Ellen. Fue tal el éxito alcanzado, que la película ha marcado historia en el cine musical. Por primera vez una película musical es rodada en escenarios exteriores reales, convirtiéndose la ciudad en la verdadera protagonista del filme.El estudio se dio cuenta del potencial artístico y creativo de Kelly y decidió darle mayor libertad a la hora de poner en práctica sus ideas. Esa libertad fue la que hizo posible que se realizaran los dos musicales más recordados de todos los tiempos.
• "Un americano en París" (An american in Paris, 1951 de Vincente Minnelli) fue la película que elevó a Kelly al rango de superestrella. Fue uno de los mayores éxitos del año, llegando a conseguir seis Premios Óscar de la Academia, entre los que destacan el de "Mejor película", y uno honorífico por la versatilidad de Gene como actor, cantante, bailarín, director, coreógrafo y, más concretamente, por su aportación al género del musical.
• Al año siguiente, en 1952, Kelly volvió a hacer historia dirigiendo, coreografiando y protagonizando "Cantando bajo la lluvia" (Singin' in the rain), al lado de Donald O'Connor y Debbie Reynolds. Aunque en la actualidad está considerada como el mejor musical de todos los tiempos y una de las mejores películas de la historia, en aquellos años se vio eclipsada por el éxito de su predecesora. En 1954 continuó su fructífera colaboración con Vincente Minnelli en un film no muy apreciado en su día pero que se ha ido revalorizando con el tiempo, "Brigadoon". "It's always fair weather" (1955), especie de continuación en un tono de melodrama nostálgico y amargo de la citada Un día en Nueva York, también resultó ser muy alabada por la prensa y por el público. En 1956 rodó en Inglaterra uno de sus proyectos personales más ambiciosos: "Invitación a la danza".
• Tras esta gran oleada de éxitos, la carrera de Kelly empezó a declinar y a perder el esplendor conseguido. Apartado ya del musical, en 1960 realizó una de sus mejores interpretaciones en medio de un impresionante duelo interpretativo entre los legendarios Spencer Tracy y Fredric March en el film "La herencia del viento" de Stanley Kramer (uno de los grandes interrogantes sobre la carrera de Kelly es hasta donde hubiera llegado como actor dramático de no haber tenido como prioridad el mundo de la danza). Tanto su vida profesional como la personal se encontraban en un momento muy difícil. En 1957 su matrimonio de quince años con Betsy Blair ("Marty", "Calle Mayor") había terminado debido a la necesidad de crecimiento personal de Betsy. En 1960 Kelly se casó con Jeanne Coyne, quien desde hacía muchos años había sido su asistente y ayudante coreográfica y que años atrás había mantenido un breve matrimonio con su amigo Stanley Donen. De esta relación nacerían dos hijos, Tim y Bridget. (Tenía ya una hija de su primer matrimonio, Kerry).
• En 1967,Gene Kelly participó en la clásica producción animada "Jack y las habichuelas mágicas". Esta maravillosa realización, mezcla de animaciones y personajes reales, cuenta las aventuras de Jeremy (Gene Kelly) junto a Jack (Bobby Rhia), quienes suben por el tronco de una habichuela gigante hasta el palacio de un ogro. La dulce Serena está cautiva allí y Jeremy deberá rescatarla.
• Después de unos años de aparente olvido, recuperó la fama al dirigir a Barbra Streisand y Louis Armstrong en "Hello, Dolly!" (1969), así como a James Stewart y Henry Fonda en "El club Social de Cheyenne" (The Cheyenne Social Club, 1970). Sin embargo, cuando Gene estaba empezando a conseguir mejores películas y mejores papeles, sufrió un duro golpe en su vida personal al diagnosticársele a su mujer leucemia, enfermedad de la que fallecería en 1973. Viudo y con dos hijos pequeños, decidió dedicarse a ellos y, a partir de ese momento, rechazó todos aquellos proyectos que pudieran tenerle lejos de Los Ángeles (California) durante un largo período. "Erase una vez Hollywood" (1974), "Hollywood, Hollywood" (1976), y "That's Entertainment III" (1994), la tercera de estas exitosísimas películas antológicas sobre el cine musical y la comedia de los años dorados del cine norteamericano, fueron seguramente sus últimos films reseñables.
• Durante la siguiente década, Gene realizó algunas intervenciones en televisión aceptando ocasionalmente algún trabajo como director. En 1980, realizó su última aparición en un musical pero, desafortunadamente "Xanadu" resultó todo un fracaso, aunque eso no impidió que la banda sonora, en la que él interpretaba y bailaba "Whenever you're away from me" a dúo con Olivia Newton-John, fuera un gran éxito de ventas. Xanadu fue la última aparición cinematográfica de Gene Kelly como actor. En 1985, recibió, entre otros muchos premios, el del "American Film Institute" en homenaje a toda su carrera profesional.
• Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996 por complicaciones de dos apoplejías sufridas en julio de 1994 y en febrero de 1995.
• Su nombre está escrito con letras de oro junto a los de Fred Astaire, Judy Garland, Stanley Donen o Vincente Minnelli, dentro de los anales de la historia del cine musical. Su enorme personalidad, la inteligencia de sus coreografías, la agilidad y el entusiasmo con que dotó a sus personajes y el endiablado ritmo de algunos de sus bailes le catapultaron a la fama dentro del período más dorado del género. Maravilloso bailarín y coreógrafo, magnífico actor y director y un encantador vocalista, la contribución de Kelly al musical es de una importancia incalculable y su obra ha ido creciendo a los ojos de las nuevas generaciones.
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Ennio Morricone

• Hablar de Ennio Morricone, es hablar de uno de los mejores compositores de la historia, y seguramente y en mi opinión, el mejor.
• Ennio Morricone nació el 10 de Noviembre de 1928 en Roma, Italia. Hijo del trompetista de jazz Mario Morricone y Lobera Ridolfi, Ennio fue el mayor de cinco hermanos: Adriana, Aldo, Maria y Franca.
• Su hermano Aldo murió en 1938 a los tres años de edad y ese mismo año Ennio fue inscrito en el Conservatorio de Santa Cecilia, en Roma, dadas sus excelentes dotes para la música.
• En 1943, su profesor de Armonía, Roberto Caggiano, viendo en él claras aptitudes musicales, lo insta a matricularse en composición.
• Ennio estudia composición a partir de 1944 con los prestigiosos Carlo Giorgio Garofalo y Antonio Ferdinandi.
• En octubre de 1946 se diploma en trompeta con notable y cuatro años después, en 1950, conoce a la que será su futura esposa, Maria Travia.
  Tras tres años de estudios de Música Coral y Dirección de Coros, en 1951 abandona dichos estudios en el último momento justo antes de recibir el título.
• Entretanto, Morricone ya había compuesto varias obras destacadas y el 14 de Julio de 1952 consigue su diplomatura en Instrumentación con nota de sobresaliente.
  El 6 de Julio de 1954 obtiene la diplomatura en Composición con una nota de 9.5 sobre 10 bajo la guía de Goffredo Petrassi.
• En 1955 comienza a escribir y arreglar música para películas y el 13 de Octubre de 1956 se casa con María Travia. En 1957 nace su primogénito, Marco, y cuatro años después, en 1961, su hija Alessandra.
• En ocasiones firmaba sus trabajos bajo seudónimos (Ennio Morricone es Dan Savio o Leo Nichols) y en 1964 fue un año doblemente importante para Morricone, ya que a la llegada de su tercer hijo, Andrea, hay que sumar el comienzo de su fructífera relación con el director italiano Sergio Leone, con el que comenzó colaborando en el "spaguetti western" titulado "Per Un Pugno Di Dollari" (Por un puñado de dólares, 1964).
  Aunque Morricone ha colaborado en numerosas ocasiones con otros prestigiosos directores, como Pier Paolo Pasolini ("Pajaritos y Pajarracos", "El Decamerón"), Bernardo Bertolucci ("Antes de la Revolución", "Novecento") o Brian De Palma ("Los Intocables", "Corazones de Hierro"), Leone es quizás el director más representativo y con el que más se asocia a Morricone.
  Obras como "Per qualche dollaro in più" (también conocida como "Por un Puñado de Dólares Más" o "La Muerte Tenía un Precio", 1965), la inmortal tonada silbada de "El Bueno, el Malo y el Feo" (1966), la aclamada composición minimalista de "La Misión" (1986), o la lírica jazzística "Érase una vez en América" (1983) quedarán para siempre en la memoria colectiva del aficionado musical.
• En 1966 nace su cuarto y último hijo, Giovanni. A partir de 1968 reduce drásticamente su trabajo como arreglista y se dedica plenamente a la composición de bandas sonoras, llegando a realizar hasta 25 partituras en un sólo año, como ocurrió en 1969.
  Desde 1970 a 1972, Ennio enseña composición en la prestigiosa Scuola Comunale di Musica Linicio Refice de Frosinoner y, poco después, en 1974 muere su padre, Mario.
• En 1979 consigue su primera nominación a los premios Oscar por su partitura para la película de Terrence Malick "Días de Cielo". Morricone ha conseguido un total de cinco nominaciones a los premios Oscar a lo largo de toda su carrera pero, incomprensiblemente, no lo ha ganado nunca, aunque en el corazón de los aficionados fuera vencedor en más de una ocasión.
• Sus otras nominaciones "La Misión", que es una de sus obras obras más conocidas y apreciadas, "Los Intocables" , "Bugsy" y "Malena".
  Pese a la injusta premiación por cualquiera de su extraordinarias composiciones, la Academia de Artes Cinematográficas de los E.U.A. le otorgó un merecido Oscar Honorifico por sus aportaciones musicales en la Entrega 79 del Oscar, en el 2007.
• Por otra parte, el trabajo de Ennio Morricone sí se le ha reconocido en numerosas ocasiones con muchos y variados galardones, entre los que destacan los Globos de Oro, los premios Bafta, los premios David de Donatello, los Golden Soundtrack de la ASCAP y un León de Oro a toda una carrera, que le fue otorgado en la 52ª Muestra de Cine de Venecia en el año 1995, justo un año después de la muerte de su madre.
  Su hijo Andrea, también músico de profesión, ha colaborado con él en "Acoso", "En la línea de fuego", "1900: La leyenda del pianista del océano" y, sobre todo, en la maravillosa e imprescindible "Cinema Paradiso".
• Actualmente, Ennio Morricone compagina su labor como compositor de bandas sonoras con otros trabajos más personales y con multitud de conciertos a lo largo y ancho del globo, los cuales no puede dejar de ofrecer debido a las peticiones y el fervor de su cada vez mayor número de seguidores en todo el mundo.
• Sin duda, Ennio ha sido uno de los compositores musicales para filmes más productivos y por ello es que en la actualidad Morricone pueda presumir de haber participado de una manera u otra en más de 500 producciones, varias de ellas muy famosas a nivel mundial.
  Hablar de Ennio Morricone es hablar de un mito dentro de las bandas sonoras. Un hombre culto y refinado con un carácter algo especial que siempre ha supeditado su música a las imágenes y ha sabido innovar cuando era necesario, creando escuela y dejando una huella imborrable en el mundo del cine y de la música en general.
  A continuación y para finalizar, se listan algunas de sus obras más representativas:
  •Ripley's Game (2002)
  •Malena (2000)
  •Vatel (2000)
  •Mission to Mars (2000)
  •La Leggenda del Pianista sull'oceano (1998)
  •What Dreams May Come (1998) (score rechazado)
  •Bulworth (1998)
  •Lolita (1997)
  •U Turn (1997)
  •Sostiene Pereira (1996)
  •Disclosure (1994)
  •Love Affair (1994)
  •Wolf (1994)
  •Una Pura Formalità (1994)
  •In the Line of Fire (1993)
  •City of Joy (1992)
  •Bugsy (1991)
  •Hamlet (1990)
  •¡Átame! (1990)
  •Cinema Paradiso (1989)
  •Casualties of War (1989)
  •Frantic (1988)
  •The Untouchables (1987)
  •The Mission (1986)
  •Red Sonja (1985)
  •Once Upon a Time in America (1984)
  •The Thing (1982)
  •Marco Polo (1982) (mini) TV Series
  •Days of Heaven (1978)
  •Il Gatto (1978)
  •Orca (1977)
  •Exorcist II: The Heretic (1977)
  •Il Decameron (1971)
  •Two Mules for Sister Sara (1970)
  •Once Upon a Time in the West (1968)
  •Il Buono, il Brutto, il Cattivo (1966)
  •Uccellacci e Uccellini (1966)
  •La Battaglia di Algeri (1965)
  •Per Qualche Dollaro in Più (1965)
  •Per un Pugno di Dollari (1964)
  •Prima della Rivoluzione (1964)
  •Il Federale (1961)

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