Maria Muldaur

• Maria Muldaur raíces musicales muy profundas. Nació y creció en Greenwich Village de la ciudad, Muldaur estaba rodeado de pasto azul, viejo timey, jazz, blues y música gospel, pero sus influencias musicales muy primeros de los registros de Williams country Hank cantantes, Kitty Wells, Hank Snow y Ernest Tubb. A la edad de cinco años, cantaba Kitty Wells "No fue Dios quien hizo Honky Tonk Angels", mientras que su tía la acompañaba en el piano. Cuando era adolescente, María sintonizado en ritmo y blues temprano y fue un ávido fanático de Fats Domino, Little Richard, Clyde McPhatter y Ruth Brown. Ella se interesó en los grupos de chicas que llegan al escenario y formó su propia, El Cachemiras, mientras que en la escuela secundaria.
• Como la radio pop llegó a ser menos sentimental, María se dirigió a la riqueza de la música de raíces americanas que se está redescubriendo la derecha en su propio patio trasero. En un día cualquiera, podía pasear por Washington Square Park, en el pueblo y escuchar blues, jarra de banda, el gospel y la música antigua timey. Pronto fue salir y unirse a los atascos en las noches y los swaps de canción llamada hootenannies.
• En la Villa, María pronto se involucró con los Amigos del Viejo Timey Música, un grupo de que viajó a la zona rural del sur de encontrar artistas legendarios como Doc Watson, Bukka White, Skip James y Mississippi John Hurt, luego llevarlos al norte de presentarlos en concierto para un público urbano. Los aspirantes a jóvenes músicos como John Sebastian, Bob Dylan, John Hammond, Jr. y Muldaur fueron la búsqueda y la creación de una nueva ola de música de raíces norteamericana.
• "Estábamos acostumbrados a tener después de los atascos de las horas en las noches de sábado", dice María. "Canción triste de leyendas como el Reverendo Gary Davis vendría encima. Me encontré sentado a los pies, no sólo de él, pero Mississippi John Hurt, Son House y el blues diva Victoria Spivey." Profundamente inspirado por la música puro de la montaña del Doc Watson y la familia Watson, María salió de la intensa escena de Nueva York y viajó a Carolina del Norte para aprender violín. Durante sus largas visitas con la familia Watson, que absorbió la música de los Apalaches y la cultura de las reuniones nocturnas en el porche de atrás de Doc.
• Después de regresar a Nueva York de una de sus excursiones en el sur, María se acercó a Juan Sebastián, David Grisman y varios amigos que habían formado una banda de jarra y estaban a punto de grabar para el sello Spivey. Victoria Spivey, dueño del sello, alentó a los miembros de la banda joven María para agregar a sus Incluso banda Docena de jarro. En preparación para la grabación, María y sus compañeros de banda poros a través de cientos de viejo blues y la jarra 78s banda. Entre estas joyas vintage fueron grabaciones de Memphis Minnie, Ma Rainey y Bessie Smith.
• Cuando sus compañeros de banda se fue a la universidad, María emigró a Boston y se unió a la popular Jim Kweskin Jug Band. Su primera canción que grabó con ellos fue "I'm a Woman", el himno del poder femenino y la sexualidad gozosa. Ha sido su tema desde entonces. La banda Kweskin grabó varios discos juntos y durante este tiempo María se casó y tuvo una hija, Juanita, con su compañero compañero Geoff Muldaur. Cuando el grupo se disolvió en 1968, la pareja se quedó con Reprise, grabando dos álbumes aclamados, Cerámica Pie y camotes. En ese momento, que residían en Woodstock, Nueva York y pasó a formar parte de una nueva comunidad musical que incluye a Bob Dylan, The Band, Paul Butterfield, completa Janis Joplin Tilt Boogie Band y muchos otros notables artistas. Estos músicos ya habían hecho la transición de la música acústica a una más en toda regla contemporánea (y lucrativo) sonido eléctrico. El ambiente musical fue fértil y dio lugar a una colaboración creativa. "En numerosas jam sessions de toda la noche, los músicos como Paul Butterfield y Rick Danko me animó a expresarme con la fuerza bruta y la energía que sería igual a la intensidad de su juego." Irónicamente, fue quien se unió a Geoff Butterfield para formar mejores días, por lo tanto la disolución de la asociación musical y maritales con María.
• En una visita a Nueva York, María tuvo un encuentro casual con Mo Ostin, el presidente de Reprise Records. Al enterarse de que ella y Geoff ya no estaban juntos, Ostin ofreció María la oportunidad de hacer su primer disco en solitario. Maria Muldaur fue disco de platino en dos años y para siempre consagrado María en la mente de los "baby boomers" en el mundo entero. "Midnight at the Oasis" sigue siendo hasta hoy un tema básico en la radio multi-formato. Cuatro álbumes en Warner Brothers seguido entre ellos su aclamado segundo disco, camarera en una tienda de rosquillas, que contenía su éxito próximo single, una nueva versión de "I'm A Woman". Invitó a sus amigos y héroes musicales para unirse a sus aventuras musicales y es la lista de un quién es quién de los grandes de verdad duradera en la música americana: el Dr. John, Ry Cooder, Paul Butterfield, Lowell George, Linda Ronstadt, Stevie Wonder, Jr. Walker , James Booker, Benny Carter, JJ Cale, Kenny Burrell, Doc Watson y Hoagy Carmichael, por nombrar algunos.
• En los años ochenta, María grabó dos discos de jazz aclamado por la crítica, dos álbumes de gospel y un álbum de canciones swing para "niños de todas las edades." Dulce y lento, un álbum a dúo con su antiguo colaborador, el Dr. John, presentó canciones de Fats Waller, Duke Ellington y otra de las heroínas de María blues, Sippie Wallace. Ella también giras con su banda tanto en los Estados y en el extranjero. Sus conciertos frecuentes con el Dr. John llevó a un creciente reconocimiento y cariño por el sonido de Nueva Orleans. Ella incorporó ese sabor en su repertorio musical propio y doblado este Gumbo de recto blues, R & B y música de Louisiana ", bluesiana".
• En 1992, María Negro firmó con registros superiores. Louisiana Love Call, grabado en su querida Nueva Orleans, se produjo en un momento en que la música de raíces americana comenzó a experimentar un aumento enorme en todo el mundo en popularidad. El álbum contó con invitados como el Dr. John, Aaron Neville y Charles, el acordeonista Zachary Richard y gurú de la guitarra Amos Garrett. Al instante abrazado por los críticos y aficionados por igual, con elogios impresionantes que vienen de todas partes, Louisiana Love Call fue aclamado como el mejor disco de su carrera. Rolling Stone, Gente, Entertainment Weekly y Billboard, la radio alternativa de adultos y la radio blues deliró. El álbum fue galardonado como "Mejor Álbum Adulto Alternativo del Año" por la Asociación Nacional de Distribuidores Independientes de grabación. Ella también obtuvo una nominación por "Mejor Álbum de Blues" de los Premios de la Música Área de la Bahía. El seguimiento, Nos vemos en Midnite, también ganó amplia aclamación de la crítica y fue nominada para el premio WC Handy Blues. María tiene la distinción de ser artista Negro Top de mayor venta.
• Maria Muldaur continuó su odisea de toda la vida musical con su álbum debut en Blues Telarc, avivando las llamas. Grabado profundo en el país pantano de Louisiana, avivando las llamas estaba empapado en las tradiciones de blues fervoroso del Sur. hermanas desde hace mucho tiempo el alma Mavis Staples, Bonnie Raitt y Ann Peebles se unió a María en varias pistas, así como guitarra slide asistente Sonny Landreth y R & B cantante Johnny Adams. Avivando las llamas obtuvo la aclamación de la crítica y, finalmente, rompió el Billboard Blues gráfico.
• Continuando con su historia de amor con el "bluesiana" sonido, Muldaur hecho compositor Bruce Cockburn "Southland del Corazón", el corte de su segundo título de la grabación Telarc en 1998. Como escribió la revista People, "Muldaur tiene el blues ... una vez que concentrarse en los matices emocionales de su acento finamente erosionada, usted escuchará un cambio inspirado en el corazón - su voz se convierte en un oasis para las almas en problemas."
• Dedicada a la pianista incomparable vocalista Charles Brown, su lanzamiento de 1999, Meet Me donde juegan los Blues, contó con la última aparición grabada por el inventor de la "West Coast Blues". Demasiado enfermo para hacerlo en el estudio, la voz de Brown sobre "Gee Baby, Ain't I Good to You" fueron grabados en un asilo de ancianos. De hecho, Muldaur había elegido originalmente muchas de las canciones para este proyecto con el piano de Brown en mente. Brown murió ese mismo año, pero la música y el espíritu de este gran trovador de Texas blues en vivo a través de este impresionante proyecto.
• más reciente Muldaur los esfuerzos Tealrc incluyen una Sola Mujer con el Blues, un homenaje de 2003 y el icono de jazz Peggy Lee, y el jazz también quiere amor a la Danza, una colección de 2.004 canciones sobre el amor de los lados alternativamente brillantes y melancolía. Heart of Mine, una colección de canciones de amor escritas originalmente por el legendario trovador Bob Dylan, seguido en agosto de 2006.
• Su más reciente álbum, Yes We Can!, Tiene previsto su lanzamiento el 22 de julio de 2008. El álbum muestra el trabajo de algunos de los compositores más conciencia social de los últimos cincuenta años: Bob Dylan, Marvin Gaye, Allen Toussaint, el Rey Conde y Garth Brooks, por nombrar algunos. A lo largo de trece canciones del álbum, una serie de bien conocidos voces progresistas, colectivamente llamado Voces de Mujeres por la Paz Coro, Muldaur ayudar a arrojar la luz y mayor atención a la precaria situación del mundo y su futuro. Incluido en la lista de invitados de alto perfil son Bonnie Raitt, Joan Baez, Jane Fonda, Odetta, Phoebe Snow, Holly Near y varios otros. "La mayoría de estas mujeres tienen con valentía y sin descanso estado levantando sus voces para la paz, la no violencia y la justicia social durante toda su vida", dice Muldaur, "y su compromiso con estas causas ha sido muy inspirador para mí durante estos años. Es nuestra Esperamos que nuestros esfuerzos aquí inspirar a las mentes y los corazones, y que estas canciones se convertirán en una banda sonora para el cambio que todos debemos ser parte de. "

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Koko Taylor

• Koko Taylor (28 de septiembre de 1928 – 3 de junio de 2009) fue una cantante de Blues de Estados Unidos conocida popularmente como "la Reina del Blues. Por su voz áspera y potente y su estilo basado en el blues tradicional
  Su nombre de pila era Cora Walton. Nació en el condado de Shelby, Tennessee, siendo la hija de un aparcero. Dejó Memphis para ir a Chicago, Illinois en 1952 con su marido, el camionero Robert "Pops" Taylor. A finales de los años 1950 comenzó a cantar en clubes de blues de Chicago. Fue descubierta por Willie Dixon en 1962, lo que le llevó a tener mejores actuaciones y su primer contrato de grabación. En 1965, Taylor firmó con Chess Records, con la cual su single "Wang Dang Doodle" (escrito por Dixon, y siendo un éxito de Howlin' Wolf cinco años antes), y en que intervenía el guitarrista Little Walter, se convirtió en un gran éxito, alcanzando el número cuatro de las listas de R&B en 1966, y vendiendo un millón de copias.
• Taylor grabó muchas versiones de esta canción de Dixon en las últimas cuatro décadas, añadiendo más material, tanto original como versiones, pero nunca volvió a conseguir su éxito inicial en las listas.
• Su gira nacional a final de la década de los 1960 y principios de los años 1970 amplió su base de fans y comenzó a ser accesible a un mercado mayor, firmando por Alligator Records en 1975. Grabó nueve álbumes para esta discográfica, 8 de los cuales fueron nominados a los Grammys, dominando las listas de cantantes femeninas de Blues y ganando 24 premios de la música blues (más que ningún otro artista. Tras su recuperación de un accidente de tráfico gravísimo en 1989, en la década de los 90 hizo apariciones en películas como Blues Brothers 2000, y abrío un club de blues en Division Street, Chicago en 1994, pero tuvo que cerrar en 1999.
• Taylor ejerció su influencia sobre músicos como Bonnie Raitt, Shemekia Copeland, Janis Joplin, Shannon Curfman, y Susan Tedeschi. En los años previos a su muerte interpretó más de 70 conciertos al año y estableció su residencia al sur de Chicago, en Country Club Hills, Illinois.
• En 2008 la Internal Revenue Service declaró que Taylor le debía 400 000 dólares en reembolsos de impuestos, penalizaciones e intereses. Sus problemas con los impuestos que afectaban a los ejercicios de los años 1998, 2000 y 2001; en esos tres años, sus ingresos brutos combinados fueron de 949 000 $.
• Taylor murió el 3 de junio de 2009, tras complicaciones después de una intervención quirúrgica por sangrado gastrointestinal el 19 de mayo de 2009.[5] Su última actuación tuvo lugar en la sesión de entrega de los Premios de la Música Blues (Blues Music Awards) el 7 de mayo de 2009

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Mike Oldfield

• Michael Gordon Oldfield, nacido el 15 de mayo de 1953 en Reading, Inglaterra, es un compositor, multiinstrumentista y productor británico..
• Nació en la ciudad de Reading, Inglaterra el 15 de Mayo de 1953.
  Su padre Raymond fue un médico que tenía una guitarra que adquirió
  cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial.
   Mike recuerda como su padre "solía tocar la guitarra cada nochebuena, cantando
  la única canción que sabía tocar, Danny Boy.
• " Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto al virtuoso guitarrista Bert Weedon .
• "Lo vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida.".
• Los Oldfield se convirtieron en una familia musical. El hermano mayor de Mike, Terry ahora es un compositor de renombrado prestigio en el campo de la música de documentales para la televisión y ya tiene varios albumes en el mercado.
•  Su hermana Sally llegó a ser cantante profesional y consiguió un hit a principios de los 80 de todos conocido con el nombre de "Mirrors", Ahora se hace llamar Natasha Oldfield.
• A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él mas que un instrumento. era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo.
• A lo largo de esa década ya pasada, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud. Se tocaba música en muchos de los clubes que estaban abiertos durante ese periodo. Fue en uno de esos clubes donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que sus ideas musicales eran aceptadas por una gran mayoría del público. "Solía tener dos instrumentales de 15 minutos cada uno que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas.
• En cuanto me daban vacaciones en la escuela pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra.".
• Probó también con la música eléctrica. tocando piezas instrumentales de "The Shadows" en un grupo amateur. Cuando cumplió 13 años la familia Oldfield se trasladó a Romford en Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó Sallyangie, un dúo folk de voz y guitarra.
  Firmaron por la compañía Transatlantic que les editó el álbum "Children Of The Sun" en 1968
   y el single "Two Ships" en 1969.
• Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente
   influenciado por el "folk barroco popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch.
   Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
• Mike volvió a la música rock, formando otro grupo
  de parecida duración llamado Barefeet. Eso le condujo a trabajar como bajista con Kevin Ayers & the Whole World.
• Ayers fue miembro fundador de Soft Machine pero abandonó el grupo en 1968.
   Al año siguiente hicieron el álbum "Joy Of A Toy" que les llevó a hacer una gira en 1970.
• Tubular Bells : 1971-1973
• Durante ese periodo Mike comenzaba a ordenar las ideas musicales que más tarde formarían parte de Tubular Bells. Usando una grabadora de cuatro pistas con dos pistas que iban en un sentido y dos en el otro que le prestó Kevin Ayers, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un pequeño trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su sueño.
• Ese sueño era crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica.
• Con la grabadora de Ayers se metió en su dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo, y las ideas para su nuevo trabajo lentamente empezaron a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se empeñó en tocar todos los instrumentos él mismo.
• Y pensó que no le sería difícil con su don natural el poder dominar casi cualquier instrumento ; desde el glockenspiel al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa...
• . Mientras seguía trabajando con Kevin Ayers además ayudaba en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres.
•  Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, así que se las arreglaba para llegar más temprano y mientras los demás llegaban, él experimentaba con esos instrumentos y así incorporaba nuevos sonidos y texturas a sus ideas musicales. Ensimismado en su trabajo, se propuso plasmar todas las profundas emociones que estaba experimentando por aquella época en su música.
• De cualquier modo, habría que preguntarse si el estado mental de Mike le hubiera permitido aguantar la presión de trabajar con otras personas por mucho más tiempo.
•  Sobre todo teniendo en cuenta que aquel que estaba haciendo sería un trabajo que se iría convirtiendo gradualmente en un vehículo para descargar sus emociones mas profundas y con las que más le estaba costando vivir.
• Después de crear una pequeña maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyara su proyecto.
•  Todos le daban un NO rotundo por respuesta, diciendo que aquello "no era comercial" y que si en algún caso llegara a editarse nadie lo compraría. Obviamente eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Después de haber compuesto la introducción hipnótica (el tema que formaría parte principal de su obra magna después de desarrollarlo), seguiría acordándose de aquello.¡Si tan solo hubiera podido grabarlo, editarlo y promocionarlo.
• Pero un rayo de luz iluminaría su futuro. Mike dejó la banda de Kevin Ayers y, para ganarse la vida trabajaba ocasionalmente como guitarrista.
•  Uno de esos trabajos lo hizo en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el "musical de amor-rock tribal" por 5 £ la noche.
• También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth.
• Era un equipo de buenos amigos. También estaban allí las novias de algunos de ellos para atenderlos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó mas tarde, "Todos los problemas que surgían los tratabamos como si fuéramos una gran familia"
• El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth le dio a Mike la oportunidad de grabar una maqueta de sus ideas musicales.
•  A los dos les encantó. Heyworth y Newman emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y para que les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo.
•  De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado. El proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper que se uniría a Branson para crear la discográfica Virgin. Draper tenía un amplio conocimiento musical y cuando escuchó las ideas de Mike, inmediatamente se entusiasmó.
• Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas a las que ahora podía dar un nombre : Tubular Bells aunque en principio llevara nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama) y Opus One (Opus 1).
• Pero casi había perdido las esperanzas de realizar su sueño cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor.
• Una amplia selección de instrumentos fue llevado al estudio y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo mas de la primera parte, y el resto de la obra durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones.
•  Muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para los recursos inventivos de Newman y Heyworth que mezclaron todo aquello todo lo bien que les fue posible en función de los conocimientos que poseían.
• El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike. Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas. Esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendieron muchas cosas de sus otros dos compañeros. Durante la sesión Mike tocó mas de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue tocada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (Voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (Percusión) y Mundy Ellis (Voces).
• Tom Newman y Simon Heyworth ganaron crédito como co-productores . Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de una compañía americana le dijo, "si le pones letra te lo compro por 20.000 $". Como nadie se mostraba interesado, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica Virgin Records.
• Tubular Bells vio la luz el 25 de Mayo de 1973. Salió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo. El público simplemente le abrió sus corazones.
• La prensa de su país se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder decir cuáles eran las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night Of The Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer.
• Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que a partir de los 19 años fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en Julio y pronto llegó al Nº 1. Tubular Bells comenzó a venderse por toda Europa.
• En Junio de 1973, fue dado un concierto en vivo de Tubular Bells en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Para ésta ocasión se unieron a Mike los guitarristas Mick Taylor (de los Rolling Stones), Steve Hillage (de Gong), Fred Frith (de Henry Cow) y Ted Speight.
• También participaron David Bedford, Kevin Ayers y Pierre Moerlen, el percusionista de la vanguardista banda de rock Gong y que sería uno de los fijos en la plantilla de músicos de Mike durante muchos años. Aunque estaba anunciada su aparición, Stevie Winwood no pudo tocar al final porque por ciertos problemas no había dispuesto de demasiado tiempo para ensayar. La respuesta del público fue descrita por un periodista del New Musical Express así : "Todo el público se puso de pie y empezó a pedir más. Eso sólo fue una de esas raras y espontáneas muestras de agradecimiento".
• Tubular Bells también fue editado en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la polémica película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado. En el Reino Unido, un single de Tubular Bells fue editado con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrafónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells "Quad" incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.
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Brian May

• Brian Harold May, CBE (Hampton, 19 de julio de 1947) es un músico y astrofísico británico. Es conocido mundialmente por haber sido guitarrista, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica Queen.
• Es considerado uno de los guitarristas más grandes de la historia.Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special.
•  En abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores.
• Antes de formar la exitosísima banda Queen, Brian y Roger Taylor tocaban en una banda llamada Smile. Freddie Mercury había llegado a Londres, y junto a John Deacon (quien se unió más tarde), formarían una de las mejores bandas de la historia del Rock.
• El sonido característico de la Red Special, la guitarra eléctrica que May armó a los 16 años con ayuda de su padre, es único y dotado de gran cuerpo y feedback. Impulsor de la "guitarra-orquestación", llamada así por el uso de varias guitarras que se escuchaban simultáneamente e imitando diferentes voces logrando así frases contrapuntísticas en toda la extensión musical. Ésta fue reverenciada por su bella complejidad armónica con la que lograba crear atmósferas y líneas melódicas llenando cada rincón de su música sin necesidad de sintetizadores, hasta "The Game", en 1980, y la cual se deja ver principalmente en los primeros discos de Queen tal como "A Night at the Opera", en 1975.
• Junto a Freddie Mercury, ha formado uno de los mejores duetos de la historia del Rock And Roll siendo parte de Queen
• Sus solos de guitarra y riffs históricos estaban dotados de armonía, lo que Freddie hacía con la voz se puede decir que Brian lo hacía con su "Red Special", mencionada arriba.
• May es conocido por rasguear las cuerdas con una moneda británica de seis peniques. Según él, con ella logra un sonido mucho más metálico y con más cuerpo. Muchos éxitos de Queen fueron compuestos por él (We Will Rock You, I Want It All, Save Me, Who Wants To Live Forever, Tie Your Mother Down, Hammer to Fall, White Queen (As It Began), The Show Must Go On, Now I'm Here, o No One But You (Only the Good Die Young) entre otros).
• Desde 2005 hasta 2009, Brian trabajó en el proyecto post-Queen, Queen + Paul Rodgers, que juntó a May y Taylor con Paul Rodgers, ex cantante de Free y Bad Company. Con esta banda realizaron un exitoso tour llamado The Return of The Champions (El regreso de los campeones) en el año 2005.
• El 15 de septiembre de 2008, salió a la venta el primer disco de estudio de Queen+PR, titulado The Cosmos Rocks, y es el segundo bajo el nombre de Queen desde la muerte de Freddie Mercury, después de Made in Heaven. El álbum contiene catorce canciones nuevas, incluyendo el exitoso single Say It's Not True y el nuevo corte C-Lebrity.
• A fines de 2008 finalizó el Tour Mundial The Cosmos Rocks, que los llevó por Europa, Asia, América del norte, y fue motivo del retorno de May y Taylor a tocar en escenarios de Sudamérica. Tras finalizar la gira, Paul Rodgers anunció que terminaba de forma amistosa su colaboración con Queen.
• En abril del 2010 Brian May se convirtió en el portavoz de la campaña ecologista "SAVE ME", por la protección de los animales, para tratar de impedir que el Partido Laborista de Gran Bretaña revoque una ley sobre caza, que dejaría sin protección a cientos de especies como el zorro.

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Lisa Lavie

• Lisa Lavie (6 de mayo de 1983) es una cantante y compositora canadiense originario de LaSalle, Quebec, Canadá.
•  Lavie es conocido por usar la Internet para promover de manera independiente su propia música y conciertos. Lavie voces han aparecido en bandas sonoras de las películas más importantes, y su producción independiente debut álbum Todo o Nada fue lanzado en iTunes en 2008.
•  Lavie ha recibido cobertura de la televisión nacional por su voz, y por su producción de la colaboración de video de caridad "We are the world 25 para Haití (YouTube Edición)." Ella fue elegida como vocalista para 2010-2011 Yanni giras del Sur, Central y América del Norte.
• En marzo de 2007, Lavie abrió una cuenta en el sitio web de vídeo YouTube, vagamente reflejado en su página de MySpace. Ella dijo que no previeron que sus actuaciones de vídeo "hágalo usted mismo" que avanzar en su carrera: "No tenía ni idea de qué esperar cuando comencé a subir videos en YouTube.
• " Ella inicialmente publicado videos no-estudio  de sí misma cantando sus propias canciones originales, incluyendo dos videos de ella cantando dentro de un automóvil
• . Lavie dijo que respondió personalmente a los comentarios de visor de tantos que, dijo, desarrolló el síndrome del túnel carpiano que requieren el apoyo de la muñeca visibles en su entrevista ET Canadá .
• Lavie respuestas a los espectadores fracasó el 11 de septiembre de 2007. software de YouTube interpretado sus muchas respuestas a los comentarios de espectador como equipo bot de spam generado, y automáticamente suspendida su cuenta. Sus fans de YouTube inició una campaña de petición en línea, y cuenta Lavie en YouTube fue reincorporado dos días después de la suspensión .
•  Dos de las canciones interpretadas en los vídeos de YouTube en 2007
  "Angel" (2008 versión del álbum)
• "Angel" es la canción que YouTube opiniones de vídeo han sido objeto de atención de los medios nacionales
• Semanas después de la reincorporación a su canal, el rendimiento Lavie de estudio de su canción original "Angel" se presentó en "primera plana" de YouTube y atrajo a más de un millón de visitas en su interior.
• Para los días que rodean 03 de octubre 2007, cuando el "Ángel" de vídeo logrado sus 1.000.000 de vista Lavie continuó para interactuar con los espectadores en línea. Pero el pasado eran los días en los que se podría tratar de responder a cada espectador Comentario: El "ángel" de vídeo sólo se habían registrado 10,000 comentarios espectador cuando cruzó el umbral de 1.000.000 ver .
• Durante el período del "Angel" característica, el canal Lavie en YouTube creció de menos de 4.000 abonados (a mediados de septiembre de 2007) a cerca de 8.000 suscriptores (7 de octubre de 2007) y, después de la subsiguiente exposición a la televisión en octubre y noviembre  a más de 11.000 abonados (a principios de diciembre de 2007). 
•  puntos de vista de vídeo total en el mismo período pasó de 188 000  a 1,79 millones de euros a cerca de 3.3 millones de dólares,  respectivamente. En tres meses y medio, el canal de YouTube de Lavie pasó del 74 Con más suscripciones músico YouTube de todos los tiempos.
• Escépticos del valor de YouTube vistas que ofrece, el Globe and Mail señaló que las opiniones de Angel YouTube poner el video en "empresa no lo que se dice exaltado", señalando que "un perro de las praderas desprevenidos cuya mirada larga de cinco segundos en la cámara se convirtió en conocido como el clip de Dramatic Chipmunk "había recibido tres millones de visitas" en cuestión de días. 
•  Sin embargo, después de describir" real "logros mundo de YouTube" estrellas "Esmee Denters y valiente Ysabella, el Globe and Mail señaló que el artículo "Lisa Lavie puede tener razones para esperar grandes cosas.
• En el momento de el Globe and Mail el comentario, Entertainment Tonight (ET) Canadá había llamado ya Lavie una "sensación en Internet cantando" y "fenómeno de Internet", citando a su nueva designación, "los próximos Mariah Carey". Al mes siguiente, eTalk CTV aparece como "estrellas de la música" como Lavie podría "llegar a la cima en sus propios términos."  En esa entrevista telefónica televisada, Lavie explicó cómo en el negocio de la música de hoy, para ganar la confianza de registro asustadizos etiquetas, los artistas se tienen que crear su propia moda.
• Después de esta exposición en los medios, Lavie siguió utilizando sitios web de Internet como YouTube (principalmente), sino también de MySpace, Facebook, BlogTV y Twitter, para propagar ese rumor. Ella siguió trabajando, en lo personal, en su propia promoción y la comunicación con los fans existentes. El YouTube Partner Program, un acuerdo de reparto de ingresos permita a los creadores y productores de contenido original para ganar dinero con sus videos, aceptó Lavie.
• En febrero de 2008, Lavie fue uno de los tres músicos YouTube invitado a actuar en el YouTube " Evento "en Nueva York. [cita requerida] En marzo de 2008, el rendimiento Lavie video de su canción original" Angel "estuvo entre los seis finalistas de los premios YouTube entre todos los videos musicales que sitio web. En noviembre de 2008, Lavie realizadas en el evento de San Francisco de YouTube en vivo .
• Continua sin afiliación con un importante sello discográfico, Lavie realizado en el 2008 "SPARKLE Libertad Celebración" concierto de Día de la Independencia en Santa Barbara, California la Muestra Gibson en Beverly Hills,  "Mujeres Cuidando del mundo" concierto en San Petersburgo, Florida,  y como una de las "sensaciones de YouTube" aparece en una conferencia AEM nacionales
• . Lavie también se realiza para eventos de caridad, como la televisión de Santa Bárbara de Navidad Teletón  y en el Festival du Bonheur (felicidad Festival) en su natal provincia de Québec.
• Al final de su primer año, a partir del canal principal marzo 2008 Lavie en YouTube adquirió unos 13.500 suscriptores, y el total de puntos de vista de carga sumaban alrededor de 3.75 millones. 
•  A finales de 2008, el primer año calendario completo después de la ET y eTalk características , cuenta Lavie en YouTube había más de 35.000 abonados, sus videos de YouTube en conjunto con 12.700.000 visitas, 96.000 comentarios espectador, y de haber sido "Favoritos" más de 52.000 veces, juegos de pistas Lavie MySpace ascendía a unos 1,2 millones. Durante el año calendario 2009, número de suscriptores creció a más de 112.000, puntos de vista a más de 30 millones de dólares, comentarios espectador a 186.000, y los favoritos de más de 126.000, mientras que un video fue visto, en promedio, cada 1.8 segundos.
•  A finales de 2010 , el canal de YouTube de Lavie había más de 212.000 suscriptores,  y el 10 de enero de 2011, su canal de puntos de vista total de carga alcanzó a 50 millones .

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Virginia Labuat

• Virginia Labuat participará el próximo dia 7 de mayo, a partir de las 20 horas, en una macrogala de 4 horas de duración organizada por 40 Principales Barcelona en la explanada del Palau Sant Jordi coincidiendo con la Final Four de Baloncesto. Todos los fondos recaudados irán destinados a Unicef. Entre otros artistas confirmados para este evento están además de Virginia; El Pescao, Edurne, The Monomes, Belgrado
• The time is now es un single que refleja con precisión la personalidad de Virginia Labuat. La canción es un recorrido por diferentes estilos del rock, que enlaza lo vintage y lo contemporáneo mezclando rockabilly, swing, country rock, high school… “He buscado ese aire porque es el que me gusta”, asegura Virginia. “Me siento identificada con el sonido, con los arreglos, con la producción…
• Es mi música, la que he escuchado, de la que he bebido. A los ocho años oía a Jerry Lee Lewis, a músicos de rockabilly, country rock, canciones de los años 50 de los vinilos de mis padres puestos en el tocadiscos mil veces”.
• Y The time is now es precisamente ese espejo de la personalidad de Virginia Labuat. “A los tres segundos de escuchar la canción ya se aprecia que tiene algo diferente”, dice. “Una mezcla de coqueteo años 50  que se mezcla con un grito de rebeldía, como diciendo enfadada: Soy músico, no una niña idiota.
•  Está cantada en inglés porque llevo cantando en este idioma toda mi vida, viene de mis influencias, y me parece que es una canción que reúne todas las cualidades: energía, originalidad… Y tiene referencias con las que la gente puede sentirse identificada”.
• El 22 de junio de 2008, Virginia ganó el concurso con el 55 por ciento de los votos tras haber situado en el nº1 de iTunes su versión de Creep, de Radiohead, lo que le abrió las puertas de Labuat, una banda que se ganó el prestigio internacional con una música de espíritu contemporáneo que mezclaba pop, bossa, funk, jazz, reggae, soul…
• Con Labuat, Virginia recorrió España pisando todos los escenarios posibles llegando a telonear a la mismísima Beyoncé, velando armas para llegar a Dulce hogar, su nuevo álbum que significa un paso definitivo en su carrera. “Tener el disco en mis manos me hace sentirme orgullosa porque he sido fiel a mí misma” asegura Virginia Labuat, que lanza The time is now como primer single. Es una canción que resume la vida de una artista de vocación firme, que refleja su cultura musical, que muestra su fortaleza. Un single que grita a los cuatro vientos que es la hora de Virginia Labuat.

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Paul Simon

• Durante su distinguida carrera, Paul Simon ha recibido numerosos honores y premios, entre ellos 12 Premios Grammy, tres de los cuales ("Bridge Over Troubled Water", "Still Crazy Después de tantos años" y "Graceland") fueron discos del año.
•  En 2003 se le dio un Grammy Lifetime Achievement Award por su trabajo como parte del dúo Simon and Garfunkel.
•  Él es un miembro del Salón de la Fama de Compositores, un destinatario de su premio Johnny Mercer y es en Roll Hall del Rock n 'de la fama como miembro de Simon y Garfunkel y como artista en solitario. Su canción "Mrs. Robinson" de la película "El graduado" fue nombrado en el top ten de 100 The American Film Institute años 100 canciones.
• Él era un recipiente de los honores del Centro Kennedy en 2002 y fue nombrado como uno de la revista Time de las "100 personas que forman nuestro mundo" en 2006. En 2007, el Sr. Simon se adjudicó la primera colección anual de la Asamblea Premio Gershwin de Canción Popular. Nombrado en honor del legendario George e Ira Gershwin, este premio de nueva creación se reconoce el efecto profundo y positivo de la música popular en la cultura del mundo, y se otorga anualmente a un compositor o intérprete, cuya vida útil contribuciones ejemplifican el estándar de excelencia asociadas a los Gershwin .
   
• De las apariencias de conciertos Sr. Simon es más aficionado a los dos conciertos en el Central Park de Nueva York (con su compañero y amigo de la infancia Art Garfunkel en 1981 y como solista en 1991) y la serie de shows que hizo en la invitación de Nelson Mandela en Sudáfrica: el primer artista americano para llevar a cabo en la post-apartheid de Sudáfrica. En 1998, su actuación en el jardín central en el Yankee Stadium celebrar la inauguración del monumento Joe DiMaggio Children's es un recuerdo atesorado para esta vida yanqui de seguidores.
• obras filantrópicas de Paul Simon incluye el co-fundador de la Salud de la Infancia con el Dr. Irwin Redlener. El CHF dona y el personal de camionetas médicos que brindan atención de salud a los niños pobres e indigentes de zonas urbanas y rurales alrededor de los Estados Unidos.
• Desde su creación en 1986 ha proporcionado más de 2 millones médico / visitas de los pacientes. A raíz de los huracanes Andrew y Katrina, fue la fuente de atención primaria de salud para las comunidades diezmadas por las tormentas. El Sr. Simon también ha recaudado millones de dólares para causas dignas tan variadas como AMFAR, The Nature Conservancy, el Fondo para la Infancia El Encarcelado en el sur de África y Autism Speaks y El Joe Torre Fundación Safe At Home

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Los Lobos

• Parece increíble que, después de treinta años más en el negocio, Los Lobos han esperado tanto tiempo para capturar ellos mismos viven en la cinta. De hecho, fue el motivo de su 30 aniversario el año pasado que llevó a la grabación y filmación de este show. Esto es tanto una cosa buena y mala. Bien porque en tres décadas se han convertido en uno de los mejores actos en vivo en el planeta: El ejercicio de interacción telepática, manteniendo un borde áspero. Mal porque en esa visión amplia trayectoria hay demasiados Demasiadas cosas  ignoradas.
•  Desde el lanzamiento de su álbum de debut de su combinación ganadora de tex-mex, blues, rock 'n' roll, country y folk mexicano había críticos delirando. Pero, por supuesto, no fue sino hasta que lleguen a algo de una postura más bajo denominador común con la banda sonora de La Bamba que se encuentran una amplia aceptación. Este documento vivo que muestra cómo fueron siempre mucho más que Richie Valens copistas. En el espacio de catorce canciones que transportan al oyente desde el valiente Bo Diddley rumor de I Walk Alone''''por el blues pantanoso de''''Charmed mientras virando hacia el sur de la frontera con temas como''María Cristina'',''Luz De Mi Vida''y''''Maricela. Incluso tiene tiempo para preparar una tormenta Cajun con el acordeón impulsado''¿Cuánto puedo hacer?''Y sólo para cubrir todas las bases que bis con una versión sincera de Marvin''¿Qué está pasando''.
•  Podría ser que este eclecticismo ha dificultado su aceptación en los últimos treinta años - en especial con el público no estadounidense -, pero en este contexto no puede dejar de ser conquistado. Es una pena que no lo podría haber hecho un doble para sus fans (como yo) que faltan temas como "Más y Más" y "Don't Worry Baby". El sonido algo cavernoso puede defender mejor mientras acompañado por las imágenes disponibles en el compañero de DVD, pero si alguna vez te has preguntado qué pasó con los chicos de Los Angeles que había que hace un año golpe, aquí está el lugar para ponerse al día ...

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THE BASEBALLS

• The Baseballs es una banda de Rock and Roll alemana fundada en Berlín en el año 2007. Se hicieron populares por hacer versiones de estilo rockabilly de canciones actuales como Umbrella, de Rihanna o Hot N Cold de Katy Perry. Su versión de Umbrella fue un éxito en Alemania, España, Países Bajos, Finlandia, Austria, Suiza, Suecia y Noruega.
• El lanzamiento de su álbum debut "Strike!" 05 2009 encendió la manía pelotas de béisbol en toda Europa. La banda celebró las primeras posiciones en las listas europeas durante semanas, obtuvo unas ventas récord: 4x platino en Finlandia, platino en Suecia, Noruega y Holanda, doble platino en Suiza, plata en el Reino Unido y de oro en Alemania.
• El 15 de abril a los ganadores del Premio Alemán de Echo 2010 por Mejor Artista Revelación lanzará su nuevo álbum "Strings'n'Stripes".
• La historia de las pelotas se inició en 2007 en Berlín. Sam, Basti y Digger se encontraron por casualidad en un estudio de grabación y comenzó a hacer versiones de canciones de los años cincuenta y sesenta. Pero pronto descubrieron el atractivo de la transformación de canciones modernas en un estilo rock and roll, o en las propias palabras de la banda: "Nos tomamos buenas canciones y llevarlas a su destino verdadero".
• El lanzamiento de "Strike!" En mayo de 2009 resultó todo al revés para los tres chicos jóvenes. El álbum obtuvo gran repercusión, en los siguientes 18 meses que viajó casi sin parar por toda Europa, jugado cientos de conciertos, actuaciones en festivales para el público entusiasta de miles y ha recibido numerosos premios (entre ellos el premio Emma en Finlandia para el éxito de ventas álbum del año) y en el camino vendido casi un millón de álbumes. En reconocimiento de su éxito internacional de la banda fue presentado el Premio Europeo de Fronteras interruptores 2011 como mayor éxito la nueva banda de Europa en el Festival Eurosonic en Holanda en Janaury 2011.
• Con "Strings'n'Stripes" Sam, Basti y Digger lanzará su segundo álbum el 15 de abril. Siguen siendo fieles a sí mismos y su amor por el sonido de los años cincuenta y sesenta, esta vez presentando su propia versión de "California Girls" (Katy Perry), "Quit Playing Games" (Backstreet Boys) o "Paparazzi" (Lady Gaga ).
• Las pelotas presentar el primer single, "Hello", un club golpeado en la versión original francesa Casa de DJ Martin Solveig, en su estilo voc'n'roll propia, la música de baile perfecta para bailar en la primavera.
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Sarah Brightman

• Sarah Brightman nació un artista. Desde la tierna edad de tres, ella estaba bailando en festivales en su ciudad natal de Berkhamsted, una ciudad de mercado sueño fuera de Londres. A la edad de cinco años, que estaba realizando hasta cuatro rutinas y ganar a todos.
• Fue su maestra de ballet, un examinador de la Academia Real de Ballet, que hicieron sus padres conscientes de que Sara era excepcionalmente dotados. Como tal, las aspiraciones de Sarah espectáculo no se considera como una fantasía infantil, pero como la ambición precoz, merecen respecto y la crianza.
• A pesar de ataques severos de nostalgia, se matriculó en una escuela de artes escénicas de embarque a los once años y estaba en camino a la promoción de sus sueños en esa edad pre-pubescentes.
• Como un niño, Sarah estuvo expuesto a una variedad ecléctica de música, por la suya era una casa donde Tom Jones y Tchaikovsky consiguió la igualdad y de facturación de tiempo aire. Sarah estaba tan feliz dando vueltas por la cocina de pop psicodélico que se estaba ejecutando maniobras de ballet clásico a los graves movimientos.
• Tal vez no sea sorprendente que décadas más tarde, Sarah Brightman se rompa el suelo musicales al fusionar géneros aparentemente incongruente, deslizándose sin problemas entre el pop y la danza clásica, y trip-hop, canto gregoriano y se abstiene del Este. Incluso su gravitación hacia el canto gregoriano se remonta a sus años de cantar en el coro de la iglesia de Berkhamsted.
• voz melodiosa coro no obstante, la asunción por todos los interesados ​​había sido que Sarah sería un bailarín profesional. Pero no fue hasta que el rendimiento de Sara a la edad de doce años en su colegio que sus aspiraciones canto verdaderamente echó raíces.
• Paula, su madre, recuerda:
  Yo realmente no sabía lo bien que su voz era hasta que vi cantar en un concierto de fin de plazo. Se puso de pie en el escenario, con tirantes y todo, y cantaba algo de "Alicia en el País de las Maravillas." Fue tan hermoso, me sentía mal. Ella golpeó tales notas altas que el público se quedó atónito. Se enamoró de ella por completo. Se absoluta magia, y obvio, desde ese momento, que el canto iba a ser su vocación.
• Con don obvia de Sarah para cantar, actuar y bailar, no pasó mucho tiempo para que ella captura la atención de los funcionarios de la escuela. Después de sólo un año allí, fue enviado al Teatro Piccadilly a una audición para I y Albert, un nuevo musical de John Schlesinger.
• Sarah aseguraron dos funciones - el de Vicky, hija mayor de la reina Victoria, y una niña abandonada la calle - y estaba muy emocionada. Después de todo, un papel importante en una producción del West End dirigida por un director famoso fue apenas un hecho cotidiano de un niño de doce años. I y Albert efectivamente extinguido su interés en el mundo académico, inyectando en ella un deseo voraz, de por vida para el escenario.
• En los años siguientes, la adolescente Sarah pasó sus veranos de modelado y pavoneándose en las pasarelas, envuelta en ropas que iban desde baratos a chic - Vaqueros Woolworth un día, la alta costura de Dior y las sesiones de Vogue foto siguiente.
• A la edad de dieciséis años, consiguió una codiciada plaza en Pan's People. A medida que la compañía de danza residente del top-rated de la BBC muestran hit-parade, Top of the Pops, este grupo de chicas en audiencia de, atrayendo a un público fanático y devoto. A pesar de que la nueva alineación de la BBC hizo que Pan's People ya no la gracia de la serie, nada podría ser más atractivo a una bailarina de convertirse en una persona del fauno.
• Inducción en el grupo requerido, no obstante, que Sarah abandonar la escuela, que era precisamente lo que hizo, a pesar de temor los padres pronunciado. Nadie podía haber previsto entonces que este movimiento arriesgado, con el tiempo, pagar con tan buena voluntad para Sarah y sus legiones de fans.
• En poco tiempo, Sarah fue vista por la coreógrafa Arlene Phillips (que más tarde pasaría a golpes coreografía como Annie, Starlight Express y El Señor de la Danza) y fue invitado a una audición para Hot Gossip, el grupo de danza sensual con un espacio semanal-on-Thames Television Mostrar Kenny Everett. Arlene estaba buscando nuevos reclutas con el atractivo sexual y se mueve subidas de tono necesario para complementar el show irreverente, sin formato tabúes. Así obsceno fueron las rutinas que, efectivamente, incurrió en la ira de grupos de vigilancia moral.
• Pero distracción como el escándalo que rodea excitación la compañía ha venido, aquí puede haber sido, no puede menoscabar el hecho de que Hot Gossip pionera en movimientos de vanguardia de baile y edita rápida, generando rutinas y técnicas que siguen siendo en gran medida un alimento básico en la coreografía de hoy .
• Mientras tanto, Sara había estado grabando demos por su cuenta, uno de los cuales llamó la atención de un productor en Hansa Ariola, una etiqueta de manipulación de artistas como disco de Donna Summer y Boney M. Él estaba buscando la voz adecuada para Jeffrey Calvert " Perdí a mi corazón a una Starship Trooper ".
• Era un tema cargado de todos los clichés de exploración del espacio concebible en el libro, pero fue, sin embargo, ideal para apaciguar el apetito a finales de los años setenta de mylar y platillos voladores. Sarah se firmó rápidamente. (Jeffrey Calvert y Sarah finalmente formar su propio sello, susurro, y lanzará dos singles juntos, "My Boyfriend's Back" y "que no tengan dicho").
• "Starship Trooper" fue lanzado en diciembre de 1978, y se convirtió en un éxito instantáneo, la venta de medio millón de copias y alcanzando el número seis en el British Hit Parade. Fue emocionante para Sarah, que siempre había sido una carta-observador, para observar su propia rise.Sexy meteórica, radicales y de la cadera ", Sarah Brightman y Hot Gossip" se convirtió en un fenómeno, y los ídolos adolescentes no tardaron en respaldar ropa, zapatos, productos para el cabello, etc. Las regalías comenzaron a llegar a los dieciocho años y, Sarah comenzó la vida de una estrella del pop.
• Fue durante esta época vertiginosa que Sarah conoció a Andrew Uno (que no debe confundirse con Andrew Dos, que increíblemente exitoso empresario de teatro musical). Después de un noviazgo rápido, Sarah se casó con Andrew Graham Stewart. Siete años mayor que ella, Andrés fue el encargado de Tangerine Dreams, una banda alemana de rock psicodélico firmado a la Virgen.
• Finalmente, Sarah dejó Hot Gossip y audicionó para un papel en un nuevo musical, uno con un tema decididamente curioso: los gatos. También fue donde se reuniría Andrew número dos ...

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Carlos Lázaro

•  Aqui les traigo una nueva promesa del pop Carlos Lázaro..
• Carlos Lázaro Vallejo, deportivamente conocido como Carlos Lázaro (Medina del Campo, Valladolid, 13 de noviembre de 1990) es un futbolista español, que juega actualmente en el Real Valladolid.
• ¿QUIÉN ES CARLOS LÁZARO?
• Soy una de tantas personas que vienen a este mundo con la necesidad de expresar sus sentimientos o emociones a través de la música; de contar su vida a través de canciones. Suena mucho más bonito, meditado y salvo porque en alguna ocasión desafines, no metes la pata.
• 
  Y a veces, que sean muchas, encuentras el aplauso, y el aplauso engancha, y cuando quieres darte cuenta, ya estás metido en un círculo del que ni quieres ni puedes salir; lo digo yo que he tratado muchas veces de huir de esta locura… pero las musas, a veces cojoneras, te persiguen, y en cada amor o en cada cuerno llaman a tu puerta en forma de notas.
• 
  Y que puedes hacer tú sino cantarlas? Y las cantas y al que le gusten bien y al que no también, porque el éxito está simplemente en cantar lo que tú quieras, cuando tú quieras y como tú quieras.
• Aqui también les dejo su nuevo tema , que se titula SÁLVAME DE TI:
• Déjame sentir, déjame soñar,
  déjame besarte hasta que ya no pueda más, déjame llenarte y déjame robarte, deja que desnude de tu cuerpo cada parte...
• Déjame sufrir, déjame jugar, déjame que pueda de tu boca respirar, déjame subir, déjame bajar, déjame que te ame de principio hasta el final...
• Y sálvame, y sálvame, y sálvame... de tí.
• Déjame perder, déjame ganar, déjame que piense que eres mía que más da, déjame entregarme y déjame dejarme,
  déjame que pierda algún avión para quedarme, déjame beber, déjame sudar, deja que le cuente a la mentira una verdad, déjame vivir, déjame gritar, déjame que pise un rato la felicidad...
• Y sálvame, y sálvame, y sálvame... de tí.
• Y deja que tus manos me den su calor, y deja que te escriba la mejor canción, y deja que esta puerta se abra para mí, y deja que tus labios solo digan sí, y solo digan sí...
• Sálvame, sálvame, y sálvame... de tí...
  Sálvame, sálvame, y sálvame... de tí...
  y sálvame, y sálvame, y sálvame... de tí..
• 
  

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La relación de Michael Jackson y El grupo Queen

• Gracias A Fer supe La relación de Michael Jackson con el grupo Queen
• La relación de Michael Jackson con el grupo Queen comienza en 1978 cuando Freddie Mercury y compañía le ofrecen la canción "Another One Bites The Dust" para el album Off The Wall. John Deacon, autor del tema, comentó que había escrito la canción pensando en Michael (si os fijáis Freddie Mercury hace hasta los típicos "aaows"), pero Quincy Jones no la vió apropiada para el album y la rechazó. El grupo tampoco estaba del todo satisfecho con el tema pero Michael les aconsejó que debían publicarla en su siguiente disco porque a pesar de todo era una gran canción. Curiosamente, "Another One Bites The Dust" se convirtió en su primer nº1 en USA y en el single más vendido de la historia del grupo.
• En 1982, Freddie manifestó publicamente sus deseos de grabar un tema con Michael Jackson comentando que el dinero no era lo que le importaba sino el hecho de grabar con él. En un primer momento su participación estaba prevista para el album Thriller, pero tal vez la repercusión y la importancia que suponía por aquel entonces grabar con un Beatle retrasaron su ansiada colaboración. Posteriormente Freddie Mercury dijo que lo que hizo Paul McCartney en Thriller lo iba a haber hecho él, y bromeando comentó que habría sido una satisfacción estar en el album más vendido de todos los tiempos, sobre todo por la cantidad de royalties que habría recibido.
• Al año siguiente, libre de giras y de grabaciones, Freddie Mercury decide cruzar el charco y pasar unos meses en Los Ángeles. Allí visitaría en numerosas ocasiones la mansión de la familia Jackson, dicen que una vez Joe Jackson le invitó a cenar y que se emborrachó bebiendo vino, otras fuentes cuentan que LaToya se lo intentó ligar. Lo que si que se pudo confirmar durante aquellos días fueron las salidas nocturnas que organizaron Michael y Freddie Mercury por diversos locales de Los Ángeles. Pero no todo fue diversión, ambos artistas se reunían cada día en el estudio para componer algunos temas, a finales de ese mismo año Michael acudió a numerosos conciertos de Queen para hablar en el backstage con Freddie y ultimar los detalles de su inminente colaboración. Posteriormente, Michael grabó 3 temas con él para el album Victory que finalmente no se llegaron a publicar. ¿Los motivos?, por un lado está el rumor de que Michael vió a Mercury esnifando cocaína en los lavabos del estudio y que a raíz de ese incidente decidió cortar con él cualquier tipo de relación. Y por el otro está la versión del propio Freddie Mercury. Según contó en su biografía Michael y él se distanciaron a raíz del éxito masivo de Thriller. Freddie explica que Michael se había retraído en su mundo particular y que no había manera de hacerlo salir de aquella fortaleza porque tenía miedo de que alguien le pudiera hacer daño. Freddie también le confesó a su biógrafo que se llegó a enamorar de él pero Michael nunca entendió su humor británico, además miraba con malos ojos su alocado estilo de vida.
• Otro dato curioso: los grupos favoritos de Freddie Mercury eran Mott the Hoople y The Jacksons; y sus albumes "Imagine" de John Lennon y "Off the Wall" de Michael Jackson.
• Hoy en día sólo podemos disfrutar de dos demos de la relación Jackson - Mercury, 'More to life than this', que acabó formando parte del primer disco en solitario de Freddy y acabo cantando él sólo. Y 'State of shock' que también vió la luz pero cantada por Jackson y Mick Jagger, en lugar de Jackson y Mercury cómo estaba previsto.

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Ethan Meixsell

• Uno escucha al guitarrista Ethan Meixsell es todo lo que se necesita para entender por qué es uno de los guitariststs más interesantes en el área de Nueva York. Ha desarrollado una reputación como un músico muy versátil, que tiene créditos profesional como guitarrista, bajista, teclista, cantante, arreglista, ingeniero y productor. Como intérprete se ha vuelto conocido por su meticulosa atención al tono y el sentido, el respaldo de una técnica de trituración. Su música es una corriente de conciencia fusión de Jazz, Fusión, blues, metal, progresivo, y las texturas ambientales, con un montón de fuegos artificiales de guitarra en pantalla.
• Su álbum debut, "Pathos y Logos" es una muestra de guitarra experiencia. Una fusión ecléctica y ambiciosa de metal, rock progresivo, fusión, blues, y las texturas ambientales, "Pathos y Logos" se las arregla para mostrar su capacidad de juego explosivo, mientras que nunca sacrificar la integridad de la música. Esta es la visión de un compositor de cierto, no sólo una guitarra paja-fest. Ethan escribió todo el material, producido, mezclado, ingeniería y jugó la mayor parte de los instrumentos en el CD. Hay varias pistas en las que se realiza cada instrumento.
• Ethan también tiene una larga relación de colaboración con Rob Balducci. Produjo Rob Balducci "El Color de la Luz", y co-producida próximo disco de Rob "Violeta Horizon" para Favorecida Steve Vai sello discográfico Naciones Unidas. Además de la producción de Ethan también se realiza bajo y teclados en los dos registros. Tras la finalización de "El Color de la Luz" se convirtió en el bajista Ethan tiempo completo de Rob. La banda de Rob Balducci ha realizado giras de facturación a nivel internacional el intercambio con James Labrie (Dream Theater), Richie Kotzen, Michael Schenker, Uli Jon Roth, Jason Bonham, Guthrie Govan, Vinnie Moore, UFO, Steve Morse, Kansas, y muchos otros. La banda mantiene anotaciones equipo de Ibáñez, amplificación Cornford, D'Addario, cables de George L, Robert Keeley Electrónica, Línea 6 y sintonizadores Intellitouch.
• Ethan es también el bajista actual con el rock progresivo / fusión guitarrista Carlos Roa. La banda ha estado apoyando más reciente de Carlos liberar "la eternidad", así como los dos anteriores registros Magia Elf "Cuentos Elf" y "Heavy Meddle". Sus actuaciones en directo están llenas de pasajes técnica ferozmente difícil acceso y la melodía. La banda está avalada por SGA Strings, Tech 21, y Amplificadores Fortin.
• A medida que el ingeniero jefe y productor musical de M3, Ethan ha trabajado con cientos de artistas en el área metropolitana de Nueva York y más allá, producir discos de varios géneros diferentes. También mantiene un estudio de las lecciones que ofrece la enseñanza de teoría musical, guitarra, bajo y voz. Sus transcripciones de guitarra han sido publicadas por El guitarrista, de Francia y la revista Guitar Bass, y Mel Bay publicación. Actualmente está trabajando en un libro de conceptos creativos y técnicas para el guitarrista en desarrollo.
• Otros proyectos recientes incluyen el trabajo en la banda sonora de la película "Brooklyn Langosta", producida por Martin Scorsese, desde hace varios años como guitarrista con el scoldees, numerosas actuaciones de estudio en el área de Nueva York, y muchas composiciones para programas de televisión como Maury Povich, Montel Williams, Dateline, y LA Ink. Ethan apoya Ashdown bajo sistemas de amplificación, Intellitouch sintonizadores de a bordo Research Corporation, Pastillas Dimarzio y guitarras Suhr y amperios.

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Al Di Meola

• Un héroe de la guitarra de buena fe, eterno ganador encuesta y virtuoso de primer orden, Al Di Meola también ha sido reconocido en los últimos 30 años como un compositor prolífico y respetado artista con más de 20 grabaciones como líder. Su producción creativa hasta la fecha es impresionante, ya sea con su actual banda Mundial Sinfonía o en el pasado proyectos musicales como el suyo eléctrica Tour de grupo de la Fuerza con Jan Hammer, Anthony Jackson, Steve Gadd y Lewis Mingo, el Trío de renombre internacional con su compañero de guitarra superestrellas John McLaughlin y Paco de Lucía, el trío Rito de Cuerdas con Stanley Clarke y Jean-Luc Ponty o la fusión de 70 súper grupo Return to Forever de Chick Corea, Stanley Clarke y Lenny White. Y si bien su técnica deslumbrante tanto en guitarras acústicas y eléctricas le ha gozar de un estatuto real entre las hordas de aficionados al diapasón que regularmente acuden a sus conciertos, la profundidad de Di Meola escrito junto con la espiritualidad y su lirismo inherente a su expresión guitarrística le han ganado legiones de fans en todo el mundo más allá del conjunto de seis cuerdas.
• Un pionero de la world music fusión y jazz, que se remonta a principios de salidas fusión latina con tintes como en 1976 la tierra del sol de medianoche, 1977 gitana elegante y Casino 1978, el gran guitarrista sigue reflejando la rica influencia del flamenco, el tango, de Oriente Medio, músicas brasileñas y africanas en salidas más recientes como 1998 es el deseo infinito, 2000 "La Pasión Grand, 2006 de las consecuencias del Caos y La Melodia de 2008, en vivo en Milán.
• Saliendo del triunfo del 2008 gira de reunión de 25 años de Return To Forever, que produjo el Devoluciones en vivo de dos set de CD y el DVD del concierto Live at Montreux, Di Meola comenzó a ensayar nuevas canciones con su banda de Nueva Mundial Sinfonia en la preparación de una costa- a costa gira por los Estados en la primera parte de 2009, seguido por viajes de torbellino de Europa y Oriente Medio. Di Meola llama a sus compañeros de banda en la Sinfonía del Nuevo Mundo - Beccalossi Fausto en acordeón, Peo Afonsi en la guitarra acústica, Kaszas Pedro a la percusión, Gumbi Ortiz en la percusión, Víctor Miranda en el bajo - "el mejor grupo de músicos de momento en mi carrera . "
• fascinación en curso Di Meola, con la síncopa rítmica compleja combinación con provocativas melodías líricas y armonía sofisticada ha estado en el corazón de su música a lo largo de una carrera celebra que le ha valido elogios de la crítica, tres discos de oro y en todo el mundo más de seis millones de dólares en ventas de discos. Ha sido particularmente enamorado en los últimos 20 años por la música de tango de finales del compositor argentino Astor Piazzolla, cuyas composiciones ha interpretado con el tiempo, a partir de 1990, Di Meola Plays Piazzolla, continuando hasta 1993 del Corazón de los Inmigrantes de 2002 la carne de la carne y hasta 2007 de Invenciones y seducción diabólica para solo de guitarra. "Piazzolla tuvo un profundo efecto en mi desarrollo como músico y como persona", dice Al. "Nos hicimos muy amigos, a menudo se comunican por correo. Y durante el curso de esta amistad, mi admiración y deseo de aprender más sobre este gran hombre se intensificó. "
• Un nativo de Nueva Jersey que todavía reside en el Estado Jardín, Di Meola nació en Jersey City el 22 de julio de 1954. Crecer en Bergenfield con la música de Elvis Presley, The Ventures y The Beatles, que gravitó naturalmente a la guitarra cuando era joven y por su temprana adolescencia ya era un jugador consumado. La consecución de tales habilidades impresionantes en una edad tan joven no fue fácil para Al, sino más bien fue el resultado de la dedicación enfocado y períodos intensivos de woodshedding entre sus años junior y senior en la escuela secundaria. "Yo solía practicar la guitarra de ocho a diez horas al día", dijo a Down Beat. "Y yo estaba tratando de encontrarme a mí mismo, o encontrar el tipo de música que se adaptaba a dónde iba con la guitarra."
• Sus primeros modelos en el jazz incluidos guitarristas Tal Farlow y Kenny Burrell. Pero cuando descubrió Larry Coryell, quien más tarde sería Al dub "El padrino de la fusión," fue llevado con la mezcla sin precedentes, el guitarrista de jazz, blues y rock en un vocabulario sin fisuras en el instrumento. "Yo solía viajar en el autobús desde Nueva Jersey a verlo en pequeños clubes en el Greenwich Village", recuerda. "Dondequiera que él estaba jugando, me gustaría estar allí."
• En 1971, se matriculó en la Berklee College of Music en Boston y en el segundo semestre se comenzó a tocar en un cuarteto de fusión liderado por el tecladista Barry Miles. Una cinta de concierto de la banda se pasó más tarde a Chick Corea por un amigo de Al y en la primera parte de 1974 fue intervenido el guitarrista de 19 años de edad, a unirse a la superbanda de fusión como un reemplazo para el guitarrista Bill Connors. "Yo estaba sentado cerca de mi apartamento en Boston el viernes por la tarde cuando Chick llamó y me pidió venir a un ensayo en Nueva York", recuerda. "Yo no lo podía creer. Pero en 10 minutos metí algo de ropa en una bolsa, tiene un viaje a Nueva York y nunca vi ese apartamento en Boston otra vez. "
• Tras un fin de semana de ensayos con Chick, Stanley Clarke y Lenny White, Di Meola hizo su debut en el Carnegie Hall RTF, oficialmente el lanzamiento de su carrera a la estratosfera. "Jugar con Chick en Return to Forever fue el primer paso importante en mi desarrollo como jugador", dice Al. "Chick es otra gran influencia en mi vida. Siempre ha sido un maravilloso y gran inspiración musical y un amigo." Después de tres grabaciones de la señal con Return To Forever - 1974 ¿Dónde he te conozco de antes de 1975 el Premio Grammy n Misterio y 1976 de Romantic Warrior - el grupo se disolvió y Al posteriormente inició su carrera como solista Sus 1.976 debut como. líder, la tierra del sol de medianoche, fue una muestra deslumbrante de sus chuletas de firma y composiciones con tintes de América que contó con un elenco estelar que incluyó tambores Steve Gadd y Lenny White, el bajista Anthony Jackson y Jaco Pastorius, teclistas Jan Hammer, Barry Miles y Chick Corea y el percusionista Mingo Lewis A lo largo de seis discos más con Columbia Records -. Elegant Gypsy, Casino, Hotel Splendido, el Rendezvous eléctrica, Tour de la Fuerza y ​​de Escenario - Al se estableció como una fuerza influyente en la música contemporánea.
• 1980 marcó el triunfo del trío de guitarra acústica con Paco De Lucía y John McLaughlin. Su grabación de debut en Columbia Records, la noche de viernes en San Francisco, se convirtió en una grabación histórica que superó la marca de dos millones de dólares en ventas. Los tres virtuosos de gira juntos entre 1980 y 1983, lanzando el álbum de estudio de la Pasión, Grace & Fire en 1982. En 1995, se reunieron para un tercer disco, Guitarra Trío, siga por otro triunfante gira mundial. A principios de 1996, Di Meola formó un nuevo trío con el violinista Jean-Luc Ponty y Stanley Clarke RTF compañero llamado El Rito de Cuerdas. Posteriormente grabó con los gustos de la superestrella de la ópera Luciano Pavarotti, estrellas del pop Paul Simon y Dave Matthews, guitarra clásica de Manuel Barrueco y el pianista de jazz japonés Yutaka Kobayashi. A lo largo de su carrera, Di Meola ha trabajado y grabado con Phil Collins, Carlos Santana, Steve Winwood, Wayne Shorter, Tony Williams, Herbie Hancock, Gonzalo Rubalcaba, Naciemento Milton, Egberto Gismonti, Stevie Wonder, Les Paul, Jimmy Page , Steve Vai, Frank Zappa y muchos más.
• Pero por ahora foco principal de Al restos de su Sinfonía Nuevo Mundo. "Estoy totalmente involucrado con el nuevo grupo", dice. "Todo el mundo está feliz y totalmente en la música. La gira de reunión RTF fue muy divertido y es genial para los aficionados, pero era más de una cosa nostálgica. Estoy más interesado ahora en adelante con la Sinfonía del Nuevo Mundo, que realmente ha convertido en algo hermoso. Para mí, es la cosa más gratificante que he hecho en mucho tiempo, mucho tiempo, toda la vuelta. Usted no tiene el volumen dominante con esta banda. En su lugar, tienen una especie ricos armónicos de la música con mucha improvisación, tiene una música que es emocional, que en realidad va mucho más allá de la multitud casi golpearse la cabeza masculina que la fusión eléctrica atrae. "
• El prolífico Di Meola planes para documentar su último lote de nuevas composiciones con las dos grabaciones en vivo y en estudio en el próximo año con la Sinfonía del Nuevo Mundo. "Lo que estoy haciendo ahora es completamente satisfactorio, como una comida fenomenal y un gran vaso de vino de la vendimia. Lo de fusión es una especie de explosión del pasado y es una especie de agresión en las orejas. Y hay un aspecto fresco, pero no es donde yo voy musical como compositor. "
• Mientras tanto, Di Meola se puede ampliar su vocabulario músicas del mundo aún más después de visitar Marruecos con su Sinfonía del Nuevo Mundo. "Vamos a estar allí una semana y que me dará la oportunidad de tocar con algunos de los músicos locales allí. Estoy muy abierto a ese tipo de colaboración ya. He hecho algunos atascos de vuelta en Nueva York en un club de música del mundo en el East Village llamado Drom. Tengo un atasco de mucho éxito allí con un virtuoso del clarinete turco llamado Husnu Senlendiric. Me parece que tengo una gran afinidad por la música de Oriente Medio. Así que vamos a ver cómo va en Marruecos. Tal vez hay algo que puede salir de esto. "
• Está claro que hay muchos capítulos aún por venir en la historia de Al Di Meola. Pero hasta ahora, en sus 35 años como músico profesional, ha establecido ya un rico legado que ha asegurado un lugar para él en la Galería de Guitar Greats. Manténgase en sintonía.

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Michael Angelo Batio

• Michael fue nombrado uno de los 50 guitarristas más rápidos de todos los tiempos por la revista Guitar World, una de las 20 más grandes trituradoras de todos los tiempos por Total Guitar Magazine en el Reino Unido y nombrado uno de los 20 mejores guitarristas de Chicago de todos los tiempos por la revista de música famosos , el animador de Illinois. Todos en el mismo mes!
• Michael se presentó en "Colbert Report" de la Comedy Central es organizada por Stephen Colbert, el miércoles 23 de enero 2008! Este programa de cable muy popular es visto por millones de personas en todo el mundo. Michael fue mencionado junto con Tom Brady, Jimmy Carter y Al Gore.
• MAB se presentará en un nuevo documental Randy Rhoads que se estrenará este año. El director Peter Margolis y Fotos de Dakota será la liberación de la película. Más información a continuación.
• El número de enero de 2005 de la revista Young Magazine de Japón Guitarra lista a Michael como uno de los más grandes guitarristas de TODOS LOS TIEMPOS! La lista se divide en tres categorías. Leyendas, Maestro y Maestros. Michael Angelo Batio aparece en la sección de Maestros. Otros nombres en esta categoría son Eric Johnson, Frank Zappa, Larry Carlton, Django Reinhardt y Johnny Winter. Otros nombres incluidos en la sección de Leyendas y lista general son Edward Van Halen, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Eric Clapton, Jeff Beck y mucho más.
• El 27 de octubre de 2005 Michael publicó su aclamado "Manos sin sombras" CD. Esta es la obra más ambiciosa de Michael hasta la fecha cuenta con apariciones especiales de Mark Tremonti de Alter Bridge y el Credo, Rudy Sarzo de Ozzy, Whitesnake y Quiet Riot, Doug Marks, fundador del Método de metal, el virtuoso guitarrista Bill Peck y mucho más. Bobby Rock tocó la batería en todo el CD. El principal bajista William Kopecky es una cadena de 6 y virtuoso del bajo sin trastes.
• En octubre de 2005, la revista Guitar World puso en marcha un programa de televisión por cable en la red de Comcast Cable con el MAB tiene un segmento de 11 minutos en el show. Los 3 segmentos de video en términos de popularidad y el barco visor se Zakk Wylde, Michael Angelo Batio y Steve Vai llegando a los números 1, 2 y 3 con Dave Mustaine en el no. 4.
• Julio de la revista Guitar World 2005 de la revista aparece Michael en un artículo de la página principal 6 y una página de dos "coleccionistas elección" póster a color de su famoso Dean doble guitarra. Además de esto, hubo una página llena de anuncios guitarras Dean con Michael, así como un anuncio de Metal método también con Michael. Guitar World Magazine llamado Michael "el guitarrista más ardiente en el planeta" en este tema. Este era enorme!
• Revista Guitar One votó Miguel no. Una trituradora de todos los tiempos en su edición abril 2003. Otros notables guitarristas que hicieron los 10 fueron John Petrucci, Paul Gilbert, Buckethead, (el gran tarde) Shawn Lane y Yngwie Malmsteen.
• Guitar World Magazine, enero de 2004 de la revista, los nombres de Michael Angelo Batio "Speed ​​Kills" uno de los "75 esenciales guitarra DVD's", Guitar World y una serie de gigantes de rock llamaron a su guitarra favorita de DVD. "Speed ​​Kills", DVD instruccional de Michael está en la categoría "Master Classes" con BB King, Flea, Frank Gambale y John Petrucci. Guitar World llama "Speed ​​Kills". "La cara final de fusión de instrucción de DVD."
• Guitar World Magazine (marzo de 2004 de la revista) los nombres de Michael Angelo Batio una de las "100 mejores guitarristas de metal más grande de todos los tiempos". Tony Iommi (sábado Negro), Edward Van Halen, Jimi Hendrix y Jimmy Page se encontraban entre los 100 elegidos. Todos, desde la CNN a Yahoo en línea ha hablado y escrito sobre esto.
• Michael fue honrado por la Universidad G Martell en la Ciudad de México, México en septiembre de 2003. Llamaron a un salón de clases en su honor y puso su mano las impresiones en el cemento de mostrarlos en su "Paseo de la Fama".
• FHM Magazine, edición de noviembre 2003 bajo el título de Michael y su "quad", una guitarra de los 50 momentos más escandalosos de la historia del rock! Los Beatles, Elvis Presley, The Rolling Stones, The Who, Bob Dylan, Metallica, Axel Rose, The Eagles y muchos más también fueron nombrados a la lista. Halle Berry aparece en la portada.
• Michael ha tenido dos importantes acuerdos sello discográfico. Atlantic Records con la banda "Holanda" y Rhino / Warner Records hermanos con la banda "Nitro".
• Michael realizó una gira en Europa con el fallecido, el legendario Jimi Hendrix Experience bajista Noel Redding en el invierno de 1999.
• Junio ​​de 1994, primer CD en solitario de Michael "No Boundaries", fue lanzado mundialmente el ECAM etiqueta de Michael Música, Records Inc.. "No Boundaries" es considerado por muchos como uno de los CDs mejor guitarra instrumental eléctrico de su tipo jamás registrado.
• Michael empezó como guitarrista de sesión cuando tenía 19 años de edad. Ha grabado televisión, radio y música para el cine industrial: Burger King, Pizza Hut, Taco Bell, KFC, United Airlines, United Way, McDonald's y el equipo de Chicago Lobos de hockey entre otros.
• Michael protagonizó la película para cable "Shock'em Dead". La película juega en Showtime, Cinemax, The Movie Channel y Pay-Per-View.
• La banda "Nitro" (con Michael a la guitarra) publicó el disco "IEF" en Rhino / registros de Capital. Michael produjo el disco y "éxito" las listas de Billboard. "Nitro" hecho 3 video de MTV, MTV organizó el "Headbangers Ball" (donde Michael tocada en vivo) y una gira de shows, por todas partes.
• A los 14 MAB tocaba jazz y un 16 ganó un premio de solista de jazz sobresalientes en la guitarra.

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blind melon

• La banda se formó en 1989 en la ciudad de Los Ángeles, con miembros procedentes de diversos estados norteamericanos, como Indiana, Pennsylvania o Mississippi, y firmaron un contrato con Capitol Records en 1991. La aparición del vocalista Shannon Hoon en el vídeo musical del tema "Don't Cry" de Guns 'N Roses consiguió una cierta popularidad para el grupo reforzada por la publicación de su primer álbum, homónimo, producido por Rick Parashar, quien había trabajado anteriormente con Pearl Jam. Aunque el disco no consiguió muchas ventas al poco de salir al mercado, el single "No Rain" contribuyó en gran medida a difundir a música de Blind Melon por los Estados Unidos. El vídeo de esta canción, protagonizado por una niña disfrazada de abeja, alcanzó una inusitada y espectacular popularidad, y el disco consiguió superar los cuatro millones de copias vendidas. Este disco presenta influencias del rock de los años '70, el folk y el pop.
• Para presentar el disco, Blind Melon abrieron en conciertos de Lenny Kravitz, Neil Young, Soundgarden y los Rolling Stones, y encabezaron su propia gira que tuvo que ser suspendida al poco de comenzarse debido al abuso de drogas por parte de Shannon Hoon.
• En 1994, la banda comenzó a grabar su segundo disco de estudio, Soup, en Nueva Orleans con el productor Andy Wallace. Este álbum fue publicado en 1995 y significó un ligero avance hacia el rock alternativo, con canciones más cortas y recortando la influencia del folk y el pop. Aunque este disco fue un poco más accesible al gran público a pesar de su cambio de estilo, Soup no consiguió las ventas esperadas.
• Poco después de la edición de este álbum, la banda contribuyó a la grabación de Encomium, un disco en tributo de Led Zeppelin en el que grabaron el tema "Out on the Tiles".
• La gira de promoción del trabajo estuvo marcada por los constantes problemas de Hoon con las drogas. Éste tuvo que llevarse a su tutor en la clínica de rehabilitación en la que estaba ingresado para que le impidiese reincidir en su adicción, pero debido al constante desobedecimiento por parte del vocalista, este tutor fue despedido a los pocos días de comenzar la gira. Este hecho fue acusado por Hoon, quien el 21 de octubre de 1995, en Nueva Orleans, fue encontrado muerto en el autobús del grupo a causa de una sobredosis de cocaína, horas antes de una presentación en dicha ciudad. Sus compañeros decidieron editar un disco póstumo, titulado Nico, que contiene temas descartados, canciones inéditas y versiones de John Lennon y Steppenwolf. El título del álbum es el mismo que el nombre de la hija de Hoon, que contaba con sólo trece semanas de vida al morir su padre. Los beneficios recaudados por las ventas del disco fueron destinados a la manutención de la hija de Hoon y donados a asociaciones de ayuda a músicos con problemas de adicción al alcohol y a las drogas.
• Después de un breve intento de seguir adelante por parte de los restantes miembros de Blind Melon, la banda se separó el 4 de marzo de 1996, y sus integrantes se separaron para formar distintos proyectos.
• La muerte del cantante y el correr de los años, han hecho que Blind Melon pasara a ser una banda de culto, haciendo que el público revalorizara su música con mayor intensidad, debido a su gran legado, que trajó los sentimentos musicales caraterísticos de los años '60 y '70, pero llevados a la modernidad, y así como el movimiento Grunge, las canciones del grupo fueron toda una voz para la furiosa "Generación X".
• En 2002, Capitol Records editó un DVD titulado Classic Masters que contiene videos y entrevistas de la banda. La gran acogida que recibió este DVD hizo que los antiguos miembros editasen Live And The Woodstock 1994 en 2005 junto con un DVD que muestra una actuación de la banda en septiembre de 1995 en Chicago. El 16 de diciembre de 2006 salió a la venta un álbum tributo a Blind Melon sólo en Nueva Zelanda, aunque contiene canciones de grupos de todo el mundo. Poco antes, en abril de ese mismo año, Capitol Records editó Otro DVD en directo, Live at the Palace.
• El 15 de septiembre de 2006 se anunció una reunificación de la banda con un nuevo vocalista, Travis Warren, proveniente de Rain fur Rent. Poco después, el 9 de noviembre, se publicaron tres nuevas canciones de Blind Melon, "Make a Difference", "For My Friends", y "Harmful Belly", y en agosto de 2007 se les unió otra más, "Wishing Well", que puede ser escuchada en el sitio de la banda en MySpace. El 7 de octubre de 2007, Blind Melon realizó su primer concierto en doce años en la ciudad de Providence, Rhode Island.
• For My Friends, el nuevo álbum de Blind Melon, salió a la venta el 22 de abril de 2008 en Adrenaline Records. Anteriormente había sido publicado el primer sencillo, "Wishing Well", el 4 de marzo.
• En septiembre de ese año se publicó el libro A Devil on One Shoulder and an Angel on the Other: The Story of Shannon Hoon and Blind Melon, del periodista musical Greg Prato, basado en la carrera de la banda antes de la muerte de Shannon Hoon. En noviembre de ese año la banda anunció la salida de Warren, por razones no oficiales: mientras Warren adujo que le habían expulsado de la banda tras perder la voz a causa de la gran cantidad de conciertos que dio, el resto de miembros apuntó a la irresponsabilidad y a la falta de comunicación con el resto como los detonantes de la marcha del vocalista, añadiendo que había sido una decisión del propio cantante. A fines de 2010 y comienzos de 2011, la banda se vuelve a juntar para dar una serie de conciertos por Estados Unidos.
• En 2011, se oyen rumores de que la banda podría tocar en el Festival Lollapallooza, que se llevará a cabo en Chile, ilusionando a los fanáticos con que Blind Melon podría estar por primera vez en Latinoamerica.

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Keb 'Mo

• El cantante y compositor y guitarrista de música Keb 'Mo es un eslabón viviente con el seminal blues del Delta que viajó por el río Mississippi y en toda la extensión de América - informar a todos de sus raíces musicales - antes de evolucionar en una forma de arte universalmente celebrada. Kevin Moore nació en el sur de Los Angeles de padres originarios del sur profundo, adoptó su nombre más conocido etapa cuando era un joven jugador que llegó a ser inspirados por la fuerza de este legado esencial afro-americanos. En la tradición legendaria de músicos de blues ante él como Muddy Waters - anteriormente McKinley Morganfield - y el Taj Mahal, que comenzó sus días como Henry St. Clair Fredericks, Moore se hizo conocido como Keb 'Mo'. Su aclamado auto-titulado álbum debut 1994 introdujo esa denominación ya famoso en el mundo, y su más reciente álbum de 2006 de la maleta, que lleva a nuevas alturas.
•  Mo música es también una expresión puramente post-moderna de la trayectoria artística y cultural que ha transformado el blues, y su propio punto de vista, con el tiempo. Su distintivo sonido abraza múltiples épocas y géneros, incluyendo pop rock folk, y jazz, en el que está bien versado. En total, se debe tanto al movimiento de la música contemporánea de la cantante y compositora, que abarca sus viejos amigos y colaboradores, Bonnie Raitt y Jackson Browne, como al espíritu del blues Robert Johnson padrino que habita en su obra. Para Keb 'Mo', el lazo común entre estas influencias es la narración de historias subyacentes ética, el poder de la canción para expresar la experiencia humana y el peso emocional.
•  PREMIOS
• PREMIO GRAMMY Álbum de Blues Contemporáneo "Just Like You" 1997
• Álbum de Blues Contemporáneo PREMIO GRAMMY "Slow Down" 1999
• Álbum de Blues Contemporáneo PREMIO GRAMMY "Keep It Simple", 2005
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "Maleta" 2007
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "gran sonrisa ancha" 2002
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "La Puerta" 2001
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO País Canción del Año "Espero" 2006
• Disco de Oro certificado por la RIAA para "Keb 'Mo'" 2005
•  2002 PREMIOS GIBSON ORVILLE La mejor guitarrista de blues
•  2008 FESTIVAL DE CINE DE ELEVAR-Mejor Artista de Música
•  2008 FESTIVAL DE CINE DE ELEVAR-Mejor Video Musical
•  ROCK Hollywood Walk INDUCCIÓN - 16 de junio 2007
• WC Handy Blues Premios:
• 1999 Canción del Año - pronto como se les paga
•  1994 País / Acoustic Blues Album del Año - Keb 'Mo' álbum
•  1999 y 2000 Blues Contemporáneo Artista Masculino del Año
•  1997-2002 Blues Acústico Artista del Año

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