The Cardigans

• Este disco me lo Recomendo EiSBaeR ..Como siempre un buen gusto ..
• Si el álbum The Cardigans "anterior fue majestuosa y madura," Super Extra Gravity "es un disco rebelde y espectacular. Sin embargo, hay similitudes. La banda logra retener todo lo que estaba bien "Long Gone antes del amanecer", mientras que, al mismo tiempo, rebelarse contra ella. La continuidad y la reacción en uno.
• Que el último álbum marcó el inicio de un nuevo capítulo en la historia de la banda sueca era evidente. Sin embargo, como compositor y guitarrista Peter Svensson dice, "simplemente no sería The Cardigans si fue e hizo el mismo álbum de nuevo".
  Así que, ¿cuál fue la inspiración en esta ocasión?
  - Queríamos hacer un álbum que era "extraño y bueno", dice el cantante y letrista Nina Persson. La idea era que cada canción debe contener algo retorcido y espectacular.
  Tanto Nina y Peter independiente mencionan los Pixies como una inspiración.
  - No es de extrañar, no sonar como ellos en todo, Pedro sonríe.
• El nuevo álbum se hizo después de un período de una extensa gira. Todo comenzó hace dos años, con festivales de toda Europa y Gran Bretaña. Un tour europeo de clubes en el otoño de 2003 fue seguida de un breve descanso, durante el cual la banda encontró tiempo para grabar un bonus track de la versión americana del álbum. La gira por Estados Unidos duró de mayo a septiembre.
  - Mirando hacia atrás, se siente como la última gira nos dio una gran base como una banda en vivo. Empezó un poco inestable, pero cuando se puso en marcha hemos sido capaces de estirarse y relajarse de una manera que no había sido capaz de hacerlo.
  Los trabajos se iniciaron casi de inmediato en "Super Extra Gravity", el grupo de trabajo con Tore Johansson en Gula Studion en Malmö.
  Dado que tanto Pedro, el tecladista Lasse Johansson y el baterista Bengt Lagerberg se han convertido en padres, las sesiones tuvieron que ser cuidadosamente planeada. 12 días en el estudio fueron seguidos por ocho días de descanso. Durante este último, Pedro publicado dos demos de nuevas canciones de Nina para escribir letras de - a menudo junto con su marido, famoso compositor de música de cine estadounidense Nathan Larson. Durante los próximos 12 días las dos vías se registraron terminado. Suena como una fábrica de golpe la antigua?
  - Sí, Nina asiente con la cabeza, sólo tenía que ser más disciplinado. Tarde o temprano estas cosas están obligados a pasar si usted quiere combinar su banda de rock con una vida. La ventaja de este procedimiento era que cada miembro de la banda ha estado muy involucrada en todos los aspectos y fases del álbum.
  Este fue un activo tanto para el compositor, letrista y la banda.
  - Nos vimos obligados a ser más constructivo, explica Pedro. En álbumes anteriores había una tendencia a evitar el trabajo cuando las cosas no me sentía cien por ciento, que resultó la elaboración del último álbum en un asunto interminable. Esta vez, simplemente no había tiempo. Las decisiones tenían que hacer, que le ha dado al disco un aire más espontáneo.
  Si alguien teme que el enfoque pragmático a la escritura y la grabación se ha traducido en un álbum muy controlado, se equivocan. El álbum atemporal, orgánico y maduro ya se había hecho con "Long Gone antes del amanecer".
  - Cada pincelada, cada sonido y letra de todos los había una sensación similar, que era a la vez una fortaleza y una debilidad, explica Pedro. Mirando hacia atrás, se puede sentir un poco homogéneo y agradable. Pero eso era lo que buscábamos cuando lo hizo, y aún estamos muy orgullosos de ello.
• Muchas de las cosas que estaban bien "Long Gone ..." se puede encontrar en este disco: la interacción entre los miembros, la presencia de vocales de Nina, las melodías fuertes. Pero la lucha por la perfección y haciendo un "bien producido" el álbum de una calidad atemporal han sido cambiados por una, más salvaje, el sonido menos predecible. Las canciones son más cortas y más al punto.
  - Comparado con nuestro último álbum maduro se trata de un adolescente odioso, dice Nina. Creo que nuestra extensa gira resultó en nosotros tener más libertades y extensa en diferentes direcciones.
  El hecho de que Tore Johansson, que había llegado el momento ausente última vuelta, está de vuelta en el timón del productor, así como haber mezclado el álbum, no es casual.
  - Se "disparó" él durante la grabación del último álbum, porque sentimos que nos estaba empujando hacia un enfoque que intentaban salir. Todavía no particular como "Long Gone ..." Él tiene una estética totalmente diferente. Pero para este álbum que llegó arrastrándose de vuelta! Nina admite con una sonrisa generosa.
• primer single del álbum es el engreído, "Necesito un buen vino y tú, tú necesitas ser más agradable". Una canción enérgica y cómodos que demuestra que Nina haría un gran Virginia Woolf si quería. Sólo escucha cómo ella escupe "siéntate!"
• El siguiente single, probablemente será totalmente diferente. Simplemente no hay ninguna canción que resume el disco. "Super Extra Gravity" nunca se detiene. sonidos inesperados abundan, ya sea bonito solos de guitarra tortuosa, de metal incesante de tambores, sonidos brutal bajos, pianos tratados, valses depravados o se hace eco de las partes olvidadas de la historia del rock (cómo órgano en-su-cara de Lasse de los devotos "Amor Santo" .
  "Buenos días Joan" cuenta con un muro de guitarras, mientras que "En La Ronda" presenta indie Magnus Sveningsson y gótica raíces y alude a lo que The Cardigans habría sonado como si hubieran venido de Manchester o Boston.
  apertura del álbum, "Perder un amigo es una canción escasos que podrían haber sido uno de los aspectos más destacados del último álbum. Sería, sin embargo, han sido más pulido y no contienen tales sonidos sucios (o que solo de guitarra tambaleante).
  La triste y hermosa "No Blame You Daughter (Diamonds)" parece estar a punto de tomar la responsabilidad de su propia vida y evitar convertirse en un mártir.
  Las letras son generalmente como las fotografías, descripción de un sentimiento o un estado de ánimo en lugar de contar una historia con un principio y un final. Nina se describen las letras de canciones como "en general, menos triste y quejumbrosa más".
  - Realmente trato de escribir sobre otras cosas que las relaciones complicadas, pero no hay esperanza, suspira, sin mirar a todos los descontentos.
  Una excepción a su descripción es "Godspell", en la que echa un vistazo a cómo la religión puede todavía ser el opio de las masas.
  Una gran cantidad de bandas tratan de ocultar su falta de material fuerte con "interesantes" los sonidos. The Cardigans no tienen ese problema, cada escucha de este nuevo álbum pone de manifiesto otra de las joyas. The Cardigans y Tore Johansson, han logrado su objetivo:
  Para hacer un disco maravillosamente locos que nunca deja de sorprender al oyente.
• HECHOS Y LA HISTORIA
  El quinteto se reunió en la adolescencia en Jönköping, una pequeña ciudad sueca en la que la única característica distintiva es su cincuenta y dos iglesias. En octubre de 1992, unidos por su amor por la música hard rock, el guitarrista Peter Svensson y el bajista Magnus Sveningsson concebido The Cardigans. En su ciudad natal era apenas una meca de la empresa musical, el grupo de las maletas y se trasladó al puerto pesquero de algo más central de Malmö, la tercera ciudad más grande de Suecia, en busca de fortuna. Con Pedro por escrito la mayor parte de la música y la banda en su conjunto componen la letra, el quinteto se puso a buscar un acuerdo.
• Después de una grabación temprana de "Rise & Shine" apareció en un sello local independiente en 1994, The Cardigans se firmaron con rapidez a los registros de Estocolmo.
• El mismo año la banda hizo su debut para el sello con Emmerdale y más tarde ganó el galardón de "Mejor Álbum de 1994" de Slitz, en el momento de revista de música líder en Suecia.
•  El aumento de The Cardigans ha sido gradual, permitiendo que el tiempo que se desarrollen naturalmente en sus ventas y la exposición positiva fue creciendo con cada versión. Su segundo largo-jugador, la vida, que siguió en 1995, contó con los éxitos "Carnaval" y la re-grabó "Rise & Shine", y fue testigo de la banda, el primer éxito de cartas internacionales. Antes de la primera banda en el álbum The Moon en septiembre de 1996, The Cardigans en libertad "Lovefool". Aunque la primera respuesta a la única ha sido muy positiva y aterrizó en el Top 40, que alcanzó ni de lejos el impacto que esperaba que la primavera siguiente.
• Fue en 1997 que The Cardigans fueron catapultados primer paso hacia el estrellato internacional. "Lovefool" inclusión en la exitosa banda sonora de Romeo y Julieta, película que la primavera empujado más allá del punto de ebullición. El single no sólo alcanzó el número 1 en el Reino Unido y EE.UU. gráficos Airplay sino también debutó en el No. 2 en la tabla nacional del Reino Unido, donde permaneció cinco por cinco semanas. Con todo, el álbum llegó a más de 2,5 millones de ventas en todo el mundo, logrando Disco de Platino en los EE.UU. y Japón y el oro en el Reino Unido. El apoyo a las actividades de promoción del éxito mundial de "Lovefool" y la primera banda en la luna se termina nunca.
• La banda no sólo se realiza una gira mundial de un año completo con interminables sesiones de radio y entrevistas con la prensa y la televisión, sino que incluso terminó haciendo apariciones especiales en Beverly Hills 90210 y el Show de David Letterman.
• Fue por puro agotamiento de las derivadas de un calendario, que The Cardigans ya se tomó un tiempo bien merecido fuera como en casa en Malmo para recuperar sus jugos artística y escribir nuevo material. Durante su tiempo libre, sin embargo, la banda no era en modo inactivo.
• A principios de 1999 que contribuyó con una nueva pista, "War", en la banda sonora de A Life Less Ordinary, una grabación en vivo de "Been It" a la compilación Lilith Fair y "Deuce", que figuran en el nuevo álbum, a la X -banda sonora de los archivos. Su ruptura también se incluye la experimentación con proyectos en solitario.
• En junio de 1998, el grupo, que son muy fieles a sus raíces, una vez más se unió desde hace mucho tiempo productor Tore Johansson en su estudio, el infierno de Campo, situado junto al pintoresco castillo Svaneholm en Malmo y grabó el álbum, "Gran Turismo".
• El primer sencillo, "My Favourite Game" fue un gran éxito en muchos territorios. El video de "My Favourite Game" fue dirigido por Jonas Åkerlund. El segundo sencillo, "Erase / Rewind" fue lanzado en enero de 1999, y este single también resultó ser un gran éxito en todo el mundo.
• "Gran Turismo" llegó a más de 2,5 millones de ventas en todo el mundo.
• El álbum "Long Gone antes del amanecer" fue lanzado en febrero de 2003 y del álbum los singles "Para lo que vale" y "You're The Storm" fueron tomadas. El álbum recibió buenas críticas y la banda pasó la mayor parte del año 2003 de gira por Europa y América del Norte.
• The Cardigans
  Nina Persson - voz
  Peter Svensson - guitarra
  Bengt Lagerberg - batería
  Magnus Sveningsson - bajo
  Lasse Johansson - teclado, guitarra acústica
• ALBUM DISCOGRAFÍA
• • "Long Gone antes del amanecer" CD / LP (Actas de Estocolmo / Universal Music, 2003)
• • "Canta Because Of You", Righteous Boy - Magnus Sveningsson proyecto en solitario (Estocolmo Records 2002)
• • "A Camp", un campamento - Proyecto en solitario de Nina Persson (Estocolmo registros de 2001
• • "Gran Turismo Overdrive" CD maxi/12 "de vinilo, edición Ltd (Actas de Estocolmo, 1999)
• • "Gran Turismo" CD / MC (Actas de Estocolmo, 1998)
• • "La primera banda en la luna" CD / (Actas de Estocolmo, 1996) MC
• • "La vida" CD / MC / LP (Actas de Estocolmo, 1995)
• • "Emmerdale" CD-álbum (Estocolmo Records, 1994)

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George Thorogood

• George Thorogood tiene una teoría. "En cualquier campo, especialmente las artes, siempre hay dos cosas-'genius" y "muy inteligente." No es ninguna en el medio. Usted es un genio o muy inteligente. Voy a tirar dos nombres de ti. John Lennon - genio, ¿no? Y Mick Jagger? Muy inteligente. Véase lo que estoy diciendo? Te doy otro ejemplo. Einstein - genio. Y George Thorogood - muy inteligente ".
• Sin embargo, ¿qué pasa con la gente que piensa Thorogood es un genio en su propio camino? "Está bien, soy un genio de ser muy inteligente'', dice con una carcajada. Thorogood ama bromas casi tanto como él ama el blues, así que aquí va otra: "Vamos a ponerlo de esta manera. Dylan tiene un concesionario de Rolls-Royce. He utilizado un concesionario Chevy. Pero yo estoy en el negocio. Lo tienes? Eso es todo lo que quería de esta cosa. Un concierto, el hombre. Y tengo un concierto.''
• Thorogood y su banda de los Destructores han sostenido que tocar durante más de 30 años. Y él no iba a dejar ir ahora. "Es como una pelea de campeonato", dice. "Tienes a dos tipos en el anillo - un tipo que es el competidor y quiere obtener el título y usted tiene el tipo que tiene el título y le tomó 15 años para obtener el título y él se mantuvieron en él cinco años. ¿Quién va a ser el oponente más duro? Va a ser el tipo con el título que han trabajado duro para conseguirlo. Vas a tener que matar para alejarse de él. Y eso es todo lo que estoy haciendo allá arriba. Estoy tratando de mantener mi concierto. Sólo quiero para asegurarse de que al final de la noche, el promotor se acerca y dice, 'Quiero que contrate de nuevo.' "
• Los destructores se abrieron paso hasta la cima. Salieron de Delaware en los años 70 como un grupo desfasadamente de alta energía (también con el baterista Jeff Simon y el bajista Billy Blough) cuya estridente, guitarra slide-alimentado, el blues-rock toma canciones de Chuck Berry, Elmore James, John Lee Hooker, Bo Diddley y otros ayudaron a la tierra a un contrato con Rounder Records de Cambridge.
• Ellos se habían mudado a Boston y cortar los dientes en el circuito de la ciudad de blues antes de su segundo álbum para Rounder, Move It On Over, golpeó grande con el tema que da título, un amplificado-hasta la cubierta de una canción de Hank Williams. Se agregó un saxofonista (Hank Carter) y la fama más vino en los años 80 a través de una firma de EMI Records, que lanzó una serie de discos de oro por la banda.
• Estos incluyen 1982 Malo hasta el hueso (la canción es la composición más conocida Thorogood y su video se convirtió en un elemento básico en la MTV) y 1988 de Nacida para el mal, con el hit arrogante, "You Talk Too Much.''Vieron a la 90 más afectados de decisiones con 1993 de "cortarse el pelo'', de la Corte de pelo álbum. Y álbumes seguido en el nuevo milenio con 2003's Ride 'Til I Die - y 2006's Hard Stuff - en Eagle Records, y una compilación 2004 Capitolio, Greatest Hits: 30 Años de Rock, que fue disco de oro y fue # 1 en el blues de Billboard carta de un notable 60 semanas, mientras que los galardonados de la revista para el registro de blues del año.
• Y aún así, resta importancia a Thorogood buen humor sus logros. "En 1970 me dijo: 'Usted no es ningún genio, Jorge." Tienes que encontrar una manera de hacer esto con apenas una educación de escuela secundaria y no tiene voz para hablar y algunas de las chuletas de interés en la guitarra. Pero tienes que mierda tu camino ahí, hombre. Lo digo al mundo: Los Beatles hicieron lo que hicieron, el resto de nosotros tocaba blues ".
• Los destructores se han expandido a través de los años - que ahora incluyen no sólo Simón y Blough, pero el guitarrista Jim Suhler (un tejano que fue llevado a bordo en 1999) y el saxofonista Buddy Leach, quien se unió en 2003.
• La banda recientemente re-unieron sus fuerzas con Capitol / EMI para el 28 de julio lanzamiento de The Dirty Dozen, un álbum nuevo abrasador de blues-rock de emparejamiento seis grabaciones de estudio con seis nuevos favoritos de los fans clásicos, incluyendo tres canciones populares que antes fuera de la de impresión en los EE.UU. El álbum estará ampliamente disponible en CD y digital, y también estará disponible exclusivamente a la venta en vinilo fromwww.georgethorogood.com LP y en los conciertos de la banda de gira. La firma del sucio Dozenfeatures Thorogood de blues-rock de voz y guitarra de 12 canciones, muchas de las cuales fueron escritas por un quién es quién de las leyendas del blues como Muddy Waters, Bo Diddley, "Sleepy John Estes, Chuck Berry, Howlin 'Wolf , y Willie Dixon. nuevas grabaciones del álbum y favoritos de los fans se agrupan de la LP-inspirado en "partes".
• A pesar de todo, Thorogood mantiene su inteligencia. "¿Hasta dónde puede estirar tres acordes? O en mi caso, un acorde?'', Dice, riendo de nuevo. "¿Cuántos trabajos de pintura diferentes puedo poner en" Johnny B. Goode "? Lo tienes? Mi emoción más grande es cuando alguien dice a un amigo: "Yo tengo el nuevo CD de George y es como el último." Tú sabes lo que quiero decir? "No todos somos John Lennon y Paul McCartney. Comenzaron tocando Chuck Berry, a continuación, que se desarrolló en "Strawberry Fields." Yo no soy así, ni lo que siempre proclaman que ser así.''
• Thorogood prefiere pensar en sí mismo como un jugador de rol, pero ese papel ha sido agradable un par de generaciones de fans del rock en este punto. Él mantiene su inocencia y también su sentido del humor autocrítico.
• "Una vez hablé con Randy Newman y me asusté porque me dijo lo que es un gran fan de la mina era'', dice Thorogood. "Le dije: 'Oye, tú eres Randy Newman. Eres un genio. Y después de un rato, se puso un poco molesto. Él dijo, 'George, no puedo como "Malo hasta el" hueso? ¿Qué le pasa a usted? "Él estaba cantando el Himno Nacional en un juego de pelota y yo ni siquiera podía concentrarse en el juego porque estaba asustado por lo que Randy Newman no sólo sabía quién era yo, pero que él cavó lo que hago. Cuando me iba a casa, mi padre-en-ley, dijo, "Mírelo de esta manera, me enteré de que Laurence Olivier fue un gran admirador Tres Chiflados." Usted lo consiguió? Eso es todo Jeff y Billy y yo fueron: Larry, Moe y Curley. Pero Larry, Moe y Curley todavía en la televisión, ¿de acuerdo? "Todavía estoy en el marcador.''

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Georgia Satellites

• En un momento en que el rock & roll no se preocupan por sus raíces, el Georgia Satellites se desplomó en las listas de éxitos con una sorpresa sencillo de recordar a todo el mundo donde la música había venido.
• El hit de 1986 de "Keep Your Hands a ti mismo", sacudió tan fuerte como una vieja canción de Chuck Berry, además de ser casi tan inteligente. Los satélites no eran una vuelta a lo básico banda rock de raíces, ya sea - su sonido directo prestado por igual de Berry, los Rolling Stones, Faces, Little Feat, y AC / DC, con una inclinación del sur agreste.
•  En el mejor de los casos, los satélites eran sólo una roca muy buena y roll, impulsado por el compositor clásico y fresco de la cantante y guitarrista Dan Baird.
• Sobre la base de "Tu Mantenga las manos a ti mismo", su primer álbum importante de la etiqueta se vendió bien, pero el seguimiento, abierto toda la noche, no, la radio y la MTV había tratado a la banda como una especie de novedad - un montón de Hicks expulsar a rock & roll ofreció una ruptura entre el pop pulido de metal de Bon Jovi y el pop introspectivo de Peter Gabriel.
• En el momento en que lanzó Open All Night en 1988, nadie estaba interesado, aunque el álbum fue sólo ligeramente más débil que el debut.
• Después de un álbum más de 1989 hay en la Tierra de la salvación y el pecado, la banda dio por terminada. El guitarrista Rick Richards se unió Ju Izzy Stradlin Ju Hound tres años más tarde, Baird siguió una carrera en solitario y tuvo un pequeño éxito a finales de 1992 con "I Love You período.
• En 1996, ayudó a formar el Yayhoos después de lanzar su segundo álbum en solitario.
•  El Yayhoos tienen dos álbumes, el más reciente de 2006 puso de Down Hammer. A mediados de los años 90, los Georgia Satellites reunirse sin Baird. Lanzaron sacudido No se movió en 1997.
•  Combinando elementos del punk, boogie, outlaw country, rock and roll y buen americano a la antigua, Georgia Satellites eran como una respiración ruidosa de aire fresco en medio de la década de 1980 el rock moderno. Originalmente fundada por el cantante Dan Baird y el guitarrista Rick Richards en 1980, la banda no entró en plena floración hasta 1985, cuando una colección de demos temprana se convirtió en una sensación europea. Georgia Satellites firmó con Elektra y desató su álbum debut homónimo del año siguiente. Fue un regreso a lo básico éxito de taquilla, destacó por éxitos de rock sucio como "Battleship Chains " y la exitosa arrogante, "Mantenga sus manos a ti mismo," que explotó al # 2 en el Billboard "Hot 100".
•  Dos colecciones de más de rock and roll rambunctious raíces de combustible antes de seguir los satélites dio por terminada en 1989. Richards tarde reformó la banda sans Baird, que sigue siendo una figura importante en la escena americana como compositor, director y producto

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Peter Brian Gabriel

• Gracias a EiSBaeR Recorde este Gran cantante, músico y Compositor..Gracias EiSBaeR ..TQM
• Peter Brian Gabriel, (n. 13 de febrero de 1950, Chobham, Inglaterra), es un cantante, músico y compositor inglés de rock. Se hizo conocido como vocalista principal y flautista de la banda de rock progresivo Genesis, que fundó cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford. Tras abandonar Genesis, Gabriel comenzó una exitosa carrera como solista. Más recientemente se ha concentrado en producir y promover "world music" y en desarrollar la distribución de música por métodos digitales. También se ha involucrado en varios esfuerzos humanitarios.
• Tras publicar el disco "The Lamb Lies Down on Broadway", el séptimo del grupo, Gabriel decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de la exitosa carrera solista de Gabriel.
• Su primer éxito fue el sencillo "Solsbury Hill", una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, (p.e. "Games Without Frontiers" de su tercer álbum y "Shock the Monkey" del cuarto), Gabriel logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de 1986 So, en particular "Sledgehammer." Su siguiente disco, "Us", producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron la vida de Gabriel (su divorcio y una relación fallida con la actriz Rossanna Arquette, y si bien tuvo un éxito con el tema "Steam", no fue comparable en ventas con el "So"; el año 1989 Gabriel compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, "Passion", para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel. Tras un hiato de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Domo del milenio, en Londres, llamada "Ovo", en el 2000; la música para la película "Rabbit Proof Fence" el 2001 y finalmente su disco "Up", de éxito menor. También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con "Curtains", cara B del single "Big Time" procedente del álbum So.
• En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos, considerándolos más bien ejemplares de una revista. Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco ("Security") y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto (So). Para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la carátula; en realidad existe un tácito acuerdo entre todos los fans para llamar al primero, segundo y tercer discos como Car, Scratch y Melt respectivamente. - - Peter Gabriel tiene dos hijas de su primer matrimonio, Melanie y Anna, y un hijo, Ralph Isaac, del segundo. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, y está iniciando una carrera solista. Anna realizó la película Growing up on tour: a family portrait.
• Peter Gabriel es uno de los fundadores de On Demand Distribution (OD2) y co-fundador con Brian Eno de MUDDA, "magnificent union of digitally downloading artists".
• En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion.
• De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.
• Más allá de tener la mera condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera contra las injusticias y los problemas sociales más variados como tales como la pobreza y la discriminación en Sudáfrica, y su gran postura defensora de los Derechos Humanos, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. Es más, sus primeras visitas a países de Latinoamerica se debieron a su participación en los multitudinarios conciertos de Amnistía Internacional, en el de Argentina de 1988 y en el de Chile de 1990.

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Agnes Carlsson

• Agnes Carlsson (también conocida simplemente como Agnes), nacida el 6 de Marzo de 1988 en Vänersborg, es una cantante sueca que alcanzó popularidad al ganar la versión sueca del reality show American Idol, conocido en Suecia simplemente como Idol.
• Recientemente ha alcanzado los primeros puestos de las listas de ventas de varios países europeos con su canción "Release me", en la que muestra un estilo más "comercial" y de la cual ha hecho varios videos en los que explota su imponente y potente imagen. De hecho, desde su publicación en 2008, ha vendido 900.000 copias de su disco "Dance Love Pop".
• El 6 de noviembre de 2009 fue galardonada con el premio MTV Europe a la mejor interpretación europea en Suecia (best swedish act).
• En España se está dando a conocer ahora en los meses de noviembre y diciembre por la cadena de radio nacional Máxima FM. El 13 de febrero de 2010 entra en la lista de Los 40 Principales en el número 40.
• El 22 de mayo logró alcanzar el puesto 11 en la lista de 40 Principales, pero desde esa semana empezó a ir en descenso.El 14 de agosto consiguio ser record de permanencia es dicha lista
• Cuando clubes de Agnes himno Release Me convirtió en un éxito enorme Europea en 2009, el gasto de diez semanas en el Top 20 británico, fue un soplo de aire fresco: brillante, feliz, el euro glam-sexy-disco estaba de vuelta. Con la noughties detrás de nosotros, y la moda estilo años ochenta, y la música a un lavado completo a cabo, es demasiado pronto para hablar de un renacimiento década de los noventa?
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• Tal vez no. La década de los noventa fue la década en la pista de baile gobernado las listas, con éxitos como Por último, el 'Nightcrawlers Push the feeling y Ce Ce Peniston de Love Show Me de Robin S. Y hay una conexión entre éstas y la Release Me - ambos se forjaron en el mismo estudio de Estocolmo en Suecia, donde la tradición de las listas de éxitos dance-pop va todo el camino de regreso a Abba, a través de Roxette, Ace of Base y el colectivo de los legendarios compositores y productores SweMix, detrás de todo, desde las manos en el al aire himnos clubes a los bootlegs de marca blanca DJ de todo el mundo de Human League con Michael Jackson.
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• Ahora, con la parte posterior del euro-disco de moda, el sueco Anders Hansson as de producción ha contribuido a una nueva sensación del pop, de 21 años de edad, rubia bomba Agnes Carlsson canal de la mezcla perfecta de la danza, el amor y el pop a través de su nuevo álbum. Un artista cuya alza la voz coincide con su ardiente se ve bien, que se describe, la lengua ligeramente en la mejilla, como "femenino, de oro y glamoroso", y que está igualmente en el país realizando con sólo su guitarra acústica o de tomar las arenas del Reino Unido por la tormenta con la N- Dubz y Cascada en el Clubland Live 3 conciertos.
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• "Ella es una gran cantante, un cantante emocional: añade la calidad como una canción cuando la canta", dice Hansson. "Y ella es un actor impecable en vivo, a pesar de que todavía es muy joven. Nuestra intención era hacer un disco para la pista de baile, pero no como un productor de casa con un complemento de la cantante, la música pop de este se hace a mano:. Accesible, bailable, pero la canción basada en "
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• El poder sin esfuerzo de su voz - que suena mucho más allá de sus años - ha evocado comparaciones con divas alma legendaria, pero Agnes es una chica con los pies en la tierra cuyo talento es mucho mayor que su ego. Ella sigue siendo modesto acerca de su carrera descanso - ganar sueca Idol en el 2005 sólo 17 años de edad, a pesar de tener casi ninguna experiencia en la realización anterior.
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• "Es abrumador", dice ella. "Antes de la competición que había llevado a cabo sólo una vez en el escenario. Y esa primera vez yo estaba tan nervioso que me temblaban las piernas y no pude controlar mi voz. Así que tuve que aprender mucho - cómo controlar mis nervios y cantar en vivo para millones de personas. Eso fue muy bueno para mí. Pero entonces también cuando se está en el concurso usted vive en una pequeña burbuja. Después de la final hay que empezar a trabajar duro para ver el mundo real. "
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• Después de su triunfo por televisión, en la que "incluso los grandes, la seguridad, [eran tan conmovido que] empezó a llorar y llorar", Agnes se firmó con Sony BMG y lanzó dos álbumes, Agnes y más fuertes. "Todo lo que haces, aprendes algo de él", dice diplomáticamente. "A mi me gustan, pero mi primer disco que grabé en seis días. Y así fue para mi un segundo. Puede ser difícil porque cuando estás suscrito directamente a una etiqueta después de ídolo ... "Pero luego se revela que ella fue capaz de firmar un nuevo acuerdo con las grabaciones sueca independiente Roxy - y en el Reino Unido para 3Beat Azul / All Around The World .
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• Liberado de la cinta transportadora Idol, Agnes se inclinó por su vocación natural, un sonido pop orientado al dancefloor - y con su nueva etiqueta adecuadamente a sus espaldas que se introdujo en el compositor y productor Anders Hansson. Agnes recuerda cuando su nombre por primera vez para el álbum "Se dijo que tal vez sólo debe cumplir primero y ver si te gusta uno al otro, en lugar de sólo trabajando juntos." Llegaron en - tan bien que Hansson terminó produciendo un álbum que ayudó a Agnes cuenta de su visión, Dance Love Pop - efectivamente su debut en muchos países, incluyendo el Reino Unido - y romper con la fábrica de pop realidad se presenta. Terminaron co-escribir cuatro canciones juntos, incluyendo Release Me (un top-ten éxito en 11 países, alcanzando el N º 3 en el Reino Unido, el vídeo ha recibido más de 10 millones de visitas en YouTube.
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• "Muchas cosas cambiaron para mí cuando empecé a trabajar con este álbum. Me gustó mucho, porque sabía que yo quería hacer algo totalmente diferente a los otros dos. Yo quería hacer canciones uptempo, orientado disco-y realmente quería trabajar con Anders porque él sentía lo mismo.
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• Las canciones no son complicados - pero la forma en que resuenan buen pop debe. Tome el siguiente single de lanzamiento a mí, te necesito ahora. "No creo que es una canción difícil", dice ella. "No eres más que poner todo ahí: te necesito ahora! Pero al mismo tiempo que es tan doloroso. "Los temas son simples y universales, pero impresionante de Agnes, voces soul y apretado Hansson, la producción de conducción son la alquimia pop.
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• El amor y las relaciones están muy presentes. -Sí, pero para mí el amor no siempre tiene que ser acerca de un niño. Puede ser de su familia y amigos, son las personas más importantes en mi vida.
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• Agnes Carlsson nació el 6 de marzo de 1988, en Vänersborg, un pequeño y pintoresco pueblo sueco, conocido como "Pequeña París", que se encuentra en la punta del tercer lago más grande de Europa, Vänern. Su padre es un ingeniero ambiental, su madre una enfermera y un trabajador social. Agnes es la más joven de cuatro hijos, ella tiene dos hermanos y una hermana.
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• "Es un lugar hermoso. Me gustó mucho. Pero cuando uno crece en un pequeño pueblo, algunas personas tienen una visión muy pequeña del mundo. Y cuando usted no tiene los mismos pensamientos que ellos .... Cuando era más joven, la mayoría de mis amigos eran niñas. Pero después de un tiempo las chicas no estaban, ya sabes, amable con los demás. Hubo uno que controla todo. Si todo el mundo no hacer lo que le estaba diciendo, ella se enojó. Fue cuando tenía 13 años, o algo así. Y les dije, no me gusta esto, no está bien. Pero todo el mundo se volvió contra mí. Y cuando estás en una ciudad pequeña, si un grupo de personas no les gusta, a continuación, es muy difícil encontrar a otras personas. "
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• Una vida que parecía idílica en el exterior fue a veces, pero nada. "Si uno crece en una ciudad grande, tiene una gran cantidad de diferentes tipos de personas, y todo el mundo no tiene que ser el mismo. Pero en una ciudad pequeña todo el mundo tiene tanto miedo a ser diferentes, y no lo hace todo el mundo. Y eso era algo que realmente no le gustaba.
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• Como mecanismo de defensa, "fue importante tener algo que hacer después de la escuela", por lo que Agnes tomó clases de violín y se unió a un coro, a pesar de que "odiaba cantar en el coro, porque mi voz no encajaba, tienes que escuchar los otros y no sobresalen demasiado ". Cada vez que ella estaba sola en casa iba a jugar Whitney Houston y Beyoncé Knowles canciones "al más alto volumen" y cantar. "La voz de Whitney es tan emocional, y si hay uno que lo aprendido de la escucha a ella, es que es importante poner emoción in"
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• No fue hasta los 16 años que había uno-a-uno clases de canto. Un año más tarde ganó sueca Idol y firmó con Sony BMG. Extraordinario.
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• Hasta el momento ha sido ser famoso, bueno, bastante bueno en realidad. "La gente en Suecia han sido feliz para mí", dice. "No tenemos paparazzi, y creo que otros países son mucho más locos cuando ven a una persona famosa. En Suecia, en realidad no es así. Cuando la gente ha venido y me dijo cosas que me han sido amables y de apoyo. "
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• Danza Amor Pop, entonces, es el renacimiento creativo Agnes '- y su creatividad está floreciendo en otras formas también. "He diseñado algunos de mis ropas en el escenario", revela. "Me encanta la moda y creo que cuando estás en el escenario es genial para divertirse con él. Usted puede tener más libertad y eso me encanta. "
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• "La primera vez que lo hice fue para el festival Melody en Suecia en 2007. Monté un catsuit de oro que era como una segunda piel. Me gusta ser femenina, de oro y glamoroso. Y lo hice otro para una gira, y también algunos vestidos. Cuando era más joven, mi madre siempre me dijo: No usar aretes grandes o muy alto, talones, que se ve en España no supone que sea demasiado glamoroso. No sé por qué. Ahora siempre llevo la mayor pendientes y los tacones más altos! Y un montón de joyas. Es mi sueño de diseñar el primer día mi propia joyería - pero eso es para el futuro. Ahora mismo estoy centrado en la música. "
• Está dando sus frutos. Agnes no han tenido mucho que me de tiempo de este año, pero aún así fue muy bien cuando su mensaje de texto a sus amigos de Ibiza cada vez que oyó del estreno de mí en los clubes (que a menudo). "No tengo mucho tiempo para pasar el rato. Pero este verano he tenido unas vacaciones de una semana en Italia, y una tarde que estábamos caminando más allá de un club y nos enteramos del estreno de mí ... "Un conductor de autobús de vacaciones, entonces. "He oído este verano fue la quinta canción más jugado en Europa. Fue maravilloso escuchar eso. " 
• Agnes se firmó recientemente un mega-acuerdo con A & M / Interscope Records en los EE.UU. por Ron Fair. Él es el hombre detrás de Negro Eyed Peas y The Pussycat Dolls 'éxito, y también lanzó la carrera de Christina Aguilera. Con el seguimiento de Agnes-up me individuales que necesita ahora y en y en asalto a las listas de éxitos en Europa, con el estreno de cocción de mí en todos los cilindros a través del Atlántico - llegar a número 1 en los EE.UU. Billboard Dance Chart - el futuro de Inés es tan dorada como uno de su Catsuits furtivo.
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• "Anders y yo estábamos hablando sobre el título del álbum, y es siempre tan difícil escoger un nombre para un álbum", dice. "Así que Anders dijo que tal vez debemos elegir tres palabras que describen el sonido. La danza, el amor, el pop: los elegimos juntos. Creo que se resumen los mejores. "

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Little Steven

• Steven Van Zandt es un músico, compositor, arreglista, productor, actor, activista de derechos humanos internacionales y DJ de radio. Él es un miembro fundador de la banda E Street Bruce Springsteen y un músico muy conocido en su propio derecho.
• Junto con la grabación y tocando con su banda de Little Steven y los Discípulos de Soul, Van Zandt es también un productor aclamado por la crítica de artistas como Bruce Springsteen, Southside Johnny y el Asbury Jukes, Artistas Unidos contra el Apartheid, Darlene Love, Gary Bonos de EE.UU., Ronnie Spector, The Chesterfield Kings, The Cocktail Slippers, y The Breakers.
• Sus otros créditos incluyen la producción musical Director Musical y organizador de la banda para el tema de Monday Night Football en ESPN con Hank Williams Jr. y la Banda de las Estrellas de 2007. También actuó como supervisor de Música de Cine y Soundtrack Productor Ejecutivo de Navidad de locos, publicado por Sony Pictures, 2003.
• canciones de Van Zandt, han sido grabadas por artistas como Jackson Browne, Pearl Jam, Jimmy Cliff, Southside Johnny, Darlene Love, Gary Bonos de EE.UU., Ronnie Spector, Nancy Sinatra, The Brian Setzer, y Uhuru Negro.
• Adición de actuar a su repertorio, Van Zandt se convirtió en un miembro del reparto original de la serie de televisión de éxito de HBO Los Soprano en 1999, interpretando el papel de Silvio Dante desde el inicio del programa a través de la última temporada.
• Sus créditos en televisión incluyen la producción de productor ejecutivo de Año Nuevo de ESPN Eva con metro Little Steven's Garage (2005), y productor ejecutivo de la Cheap Trick or Treat Halloween Ball (2006).
• En 2002 Van Zandt creó el programa de radio sindicado nacionalmente Little Steven's Underground Garage, que ahora llega a más de 1,2 millones de oyentes en América del Norte, con filiales en toda Europa, y la radiodifusión de más de 45 países de todo el mundo a través de la Voz de América y de América Fuerzas de redes. Van Zandt también creó dos formatos y programas de Sirius / XM Satellite Radio, el garaje subterráneo (25 de Sirius, XM 59) y el canal fuera de la ley del país (63 de Sirius, XM 12).
• 2006 marcó el comienzo de Wicked registros Cool, el sello de Van Zandt comenzó a apoyar más tradicionales del Rock and Roll, que ahora se llama Garage Rock. Malos fresco es el hogar de veinte bandas como The Chesterfield Kings, Woggles El, The Breakers, Insta, el precio Len 3, y el Cocktail Slippers. Entre los lanzamientos del sello son las recopilaciones aclamado por la crítica con la mejor música de la escena contemporánea Garage Rock, y el Halloween y la Navidad A Go-Go colecciones.
• Van Zandt es también presidente de la Rock and Roll siempre que la Fundación está desarrollando una historia del Rock and Roll plan de estudios para todos los grados en todas las escuelas regulares de piloto en 2012

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Amanda Marshall

• Amanda Marshall (nacida el 29 de agosto de 1972 en Toronto, Ontario, Canadá) es una cantante de pop-rock canadiense.
• Marshall estudió música durante su infancia, incluyendo en el Conservatorio Real de Música en Toronto. Mientras realizaba una interpretación en Queen Street West durante su adolescencia, conoció al guitarrista Jeff Healey, se impresionó por su poderosa voz y se la llevó de gira. Se le ofreció un contrato de grabación por parte de Columbia Records en 1991, pero terminó escogiendo a esperar unos pocos años más antes del lanzamiento de su álbum debut.
• Marshall creció en Toronto alrededor de una familia birracial, con un padre caucásico y una mujer de raza negra. En varias de sus canciones, Marshall ha reflexionado sobre su identidad racial "como una mujer que se ve blanca, pero también como una medio-negra".
• Ella Dice :"Esta colección de canciones , extraídas de mis primeros tres álbumes, está destinado a representar un cierto período de tiempo que tuvo un profundo impacto en mí. Desde los acordes de la inolvidable primera" Let It Rain "al júbilo de"Believe In You "... el estribillo de la esperanza "Birmingham" a la intimidad alegre de "Cásate
   Me "... estas canciones ejecutar toda la gama de emociones humanas y hablar con la condición humana.
•  Cuentan historias de la manera increíble que la música hace, y que representan el primer capítulo en mi propio desarrollo en una serie de niveles! Si todos los brazos de su educación "poseedor de las herramientas necesarias para que el siguiente paso, a continuación, este álbum es un título musical, especie de gorra ... y opcionales vestido, y no necesita una fecha para el baile.
•  He incluido dos canciones que no se han escuchado hasta ahora, pero que creo que completa el acto uno muy bien. Espero que os gusten, y que disfrutéis de esta colección, este diploma, esto ... "Intermission".
•  Relájese. Respirar. Estiramiento. Nos vemos en la Ley 2.

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Elīna Garanča

Elīna Garanča (Riga, 16 de septiembre de 1976) es una mezzo-soprano letona
Nació en el seno de una familia aficionada a la música. Entró en la “Academia Letona de Música” en 1996 para estudiar canto con Sergey Martinov. Continuó sus estudios en Viena con Irina Gavrilović, y en los Estados Unidos con Virginia Zeani.
Su carrera profesional comenzó en el Südthüringisches Staatstheater de Meiningen y más tarde en la Compañía de la Ópera de Frankfurt (Opern- und Schauspielhaus Frankfurt). En 1999 ganó la Mirjam Helin Singing Competition en Helsinki, Finlandia.
Comenzó a destacar internacionalmente en 2003 en el Festival de Salzburgo (Salzburger Festspiele), donde interpretó a Annio en La clemencia de Tito, de Mozart, dirigida por Nikolaus Harnoncourt. Tras ello comenzó a recibir importantes papeles, como el de Charlotte en Werther, Dorabella en Così fan tutte para la Ópera de Viena, en 2004, y Dorabella de nuevo en París, dirigida por Patrice Chéreau (2005).
En 2006 cantó de nuevo La clemencia de Tito, esta vez en el papel de Sesto. El 12 de enero de 2008 debutó con su propia compañía en el Metropolitan Opera de Nueva York, interpretando a Rosina en El Barbero de Sevilla, de Rossini. El crítico del periódico The New York Times, Bernard Holland, escribió sobre este estreno: “La señora Garanča es una realidad.
Las modernas técnicas de canto se adaptan con dificultad al énfasis que pone Rossini -propio de principios del XIX- en la velocidad, luminosidad y articulación atlética, y la señora Garanča era la única sobre el escenario que parecía sentirse completamente cómoda.
El 16 de enero de 2010 llevó a cabo una memorable y apasionada interpretación de la Carmen (ópera), de Bizet, en el Metropolitan Opera House de Nueva York junto al tenor francés Roberto Alagna. Su actuación fue retransmitida en directo vía satélite y en alta definición a todo el mundo, proyectándose simultáneamente en más de 850 salas de cine en 31 países distintos.
Está casada con el director Karel Mark Chichon.

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Adiemus

• Adiemus (pronunciado /ædi'eməs/) es el título de una saga de discos del compositor galés Karl Jenkins
  Cada disco de Adiemus es una colección de piezas con la duración de una canción en la que se presentan voces melódicas armonizadas con una orquesta como acompañamiento.
• No hay letra en las canciones, sino que los cantantes recitan sílabas y palabras inventadas por el compositor. Sin embargo, en vez de llamar la atención a base de patrones de fonemas, el lenguaje de Adiemus está cuidadosamente estilizado a fin de no distraer la atención del oyente del timbre y el tono de la voz; por ejemplo, lo mismo que sucede con los idiomas africanos, las sílabas que terminan en consonante son inusuales.
•  El concepto central de Adiemus es que la voz tendría que funcionar como un simple instrumento musical, una postura moderna que se ha convertido en una cierta tendencia, como ejemplifica la música compuesta por Vangelis para la película 1492: Conquista del Paraíso (1992). El propio término de Adiemus se escribe de forma similar (pero se pronuncia de forma distinta) a una palabra en Latín que significa "Nos reuniremos cerca", aunque Jenkins asegura que lo desconocía.
• La cantante Miriam Stockley, interpretó la parte vocal de los primeros cuatro discos. Mary Carewe, proporcionó voces adicionales en todos los discos, salvo en Dances of Time, que presenció la aparición de los fineses Adiemus Singers (que volverían a aparecer más tarde, en Vocalise).
•  Voces adicionales y los efectos de coro fueron proporcionadas por repetidas grabaciones multipista de los cantantes (a veces hasta cuarenta veces), y variando la velocidad de la cinta. Stockley, fue descrita por Jenkins como esencial para el proyecto de Adiemus debido a su rango y entonación, aunque, por razones que siguen sin ser aclaradas, no se contó con ella en Vocalise.
• La orquesta de Songs of Sanctuary consistía en una sección de instrumentos de cuerda a la que se añadieron numerosos instrumentos étnicos de percusión, con ocasionales adiciones de otros instrumentos, como campanas, una flauta dulce o una quena o flauta de pan. Mike Ratledge, con quién Jenkins había tocado en Soft Machine, contribuyó asimismo al primer disco.
• Jenkins añadió instrumentos de viento, de metal y de madera, para Cantata Mundi, y continuó añadiendo distintos instrumentos, como una guitarra acústica, en discos posteriores.
• Para los tres primeros discos, de Songs of Sanctuary a Dances of Time, se contó con la Orquesta Filarmónica de Londres, después Jenkins formó su propia Orquesta Adiemus para interpretar en The Eternal Knot, volviendo a la OFL para Vocalise.
• ] Discografía
  Adiemus: Songs of Sanctuary (1994)
  Adiemus II: Cantata Mundi (1997)
  Adiemus III: Dances of Time (1999)
  Adiemus IV: The Eternal Knot (2001)
  Adiemus V: Vocalise (2003)
  The Journey: The Best of Adiemus (2000)
  Adiemus Live (2002)
  (Adiemus es también el título de la primera pista en el disco Songs of Sanctuary.)

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Maria Muldaur

• Maria Muldaur raíces musicales muy profundas. Nació y creció en Greenwich Village de la ciudad, Muldaur estaba rodeado de pasto azul, viejo timey, jazz, blues y música gospel, pero sus influencias musicales muy primeros de los registros de Williams country Hank cantantes, Kitty Wells, Hank Snow y Ernest Tubb. A la edad de cinco años, cantaba Kitty Wells "No fue Dios quien hizo Honky Tonk Angels", mientras que su tía la acompañaba en el piano. Cuando era adolescente, María sintonizado en ritmo y blues temprano y fue un ávido fanático de Fats Domino, Little Richard, Clyde McPhatter y Ruth Brown. Ella se interesó en los grupos de chicas que llegan al escenario y formó su propia, El Cachemiras, mientras que en la escuela secundaria.
• Como la radio pop llegó a ser menos sentimental, María se dirigió a la riqueza de la música de raíces americanas que se está redescubriendo la derecha en su propio patio trasero. En un día cualquiera, podía pasear por Washington Square Park, en el pueblo y escuchar blues, jarra de banda, el gospel y la música antigua timey. Pronto fue salir y unirse a los atascos en las noches y los swaps de canción llamada hootenannies.
• En la Villa, María pronto se involucró con los Amigos del Viejo Timey Música, un grupo de que viajó a la zona rural del sur de encontrar artistas legendarios como Doc Watson, Bukka White, Skip James y Mississippi John Hurt, luego llevarlos al norte de presentarlos en concierto para un público urbano. Los aspirantes a jóvenes músicos como John Sebastian, Bob Dylan, John Hammond, Jr. y Muldaur fueron la búsqueda y la creación de una nueva ola de música de raíces norteamericana.
• "Estábamos acostumbrados a tener después de los atascos de las horas en las noches de sábado", dice María. "Canción triste de leyendas como el Reverendo Gary Davis vendría encima. Me encontré sentado a los pies, no sólo de él, pero Mississippi John Hurt, Son House y el blues diva Victoria Spivey." Profundamente inspirado por la música puro de la montaña del Doc Watson y la familia Watson, María salió de la intensa escena de Nueva York y viajó a Carolina del Norte para aprender violín. Durante sus largas visitas con la familia Watson, que absorbió la música de los Apalaches y la cultura de las reuniones nocturnas en el porche de atrás de Doc.
• Después de regresar a Nueva York de una de sus excursiones en el sur, María se acercó a Juan Sebastián, David Grisman y varios amigos que habían formado una banda de jarra y estaban a punto de grabar para el sello Spivey. Victoria Spivey, dueño del sello, alentó a los miembros de la banda joven María para agregar a sus Incluso banda Docena de jarro. En preparación para la grabación, María y sus compañeros de banda poros a través de cientos de viejo blues y la jarra 78s banda. Entre estas joyas vintage fueron grabaciones de Memphis Minnie, Ma Rainey y Bessie Smith.
• Cuando sus compañeros de banda se fue a la universidad, María emigró a Boston y se unió a la popular Jim Kweskin Jug Band. Su primera canción que grabó con ellos fue "I'm a Woman", el himno del poder femenino y la sexualidad gozosa. Ha sido su tema desde entonces. La banda Kweskin grabó varios discos juntos y durante este tiempo María se casó y tuvo una hija, Juanita, con su compañero compañero Geoff Muldaur. Cuando el grupo se disolvió en 1968, la pareja se quedó con Reprise, grabando dos álbumes aclamados, Cerámica Pie y camotes. En ese momento, que residían en Woodstock, Nueva York y pasó a formar parte de una nueva comunidad musical que incluye a Bob Dylan, The Band, Paul Butterfield, completa Janis Joplin Tilt Boogie Band y muchos otros notables artistas. Estos músicos ya habían hecho la transición de la música acústica a una más en toda regla contemporánea (y lucrativo) sonido eléctrico. El ambiente musical fue fértil y dio lugar a una colaboración creativa. "En numerosas jam sessions de toda la noche, los músicos como Paul Butterfield y Rick Danko me animó a expresarme con la fuerza bruta y la energía que sería igual a la intensidad de su juego." Irónicamente, fue quien se unió a Geoff Butterfield para formar mejores días, por lo tanto la disolución de la asociación musical y maritales con María.
• En una visita a Nueva York, María tuvo un encuentro casual con Mo Ostin, el presidente de Reprise Records. Al enterarse de que ella y Geoff ya no estaban juntos, Ostin ofreció María la oportunidad de hacer su primer disco en solitario. Maria Muldaur fue disco de platino en dos años y para siempre consagrado María en la mente de los "baby boomers" en el mundo entero. "Midnight at the Oasis" sigue siendo hasta hoy un tema básico en la radio multi-formato. Cuatro álbumes en Warner Brothers seguido entre ellos su aclamado segundo disco, camarera en una tienda de rosquillas, que contenía su éxito próximo single, una nueva versión de "I'm A Woman". Invitó a sus amigos y héroes musicales para unirse a sus aventuras musicales y es la lista de un quién es quién de los grandes de verdad duradera en la música americana: el Dr. John, Ry Cooder, Paul Butterfield, Lowell George, Linda Ronstadt, Stevie Wonder, Jr. Walker , James Booker, Benny Carter, JJ Cale, Kenny Burrell, Doc Watson y Hoagy Carmichael, por nombrar algunos.
• En los años ochenta, María grabó dos discos de jazz aclamado por la crítica, dos álbumes de gospel y un álbum de canciones swing para "niños de todas las edades." Dulce y lento, un álbum a dúo con su antiguo colaborador, el Dr. John, presentó canciones de Fats Waller, Duke Ellington y otra de las heroínas de María blues, Sippie Wallace. Ella también giras con su banda tanto en los Estados y en el extranjero. Sus conciertos frecuentes con el Dr. John llevó a un creciente reconocimiento y cariño por el sonido de Nueva Orleans. Ella incorporó ese sabor en su repertorio musical propio y doblado este Gumbo de recto blues, R & B y música de Louisiana ", bluesiana".
• En 1992, María Negro firmó con registros superiores. Louisiana Love Call, grabado en su querida Nueva Orleans, se produjo en un momento en que la música de raíces americana comenzó a experimentar un aumento enorme en todo el mundo en popularidad. El álbum contó con invitados como el Dr. John, Aaron Neville y Charles, el acordeonista Zachary Richard y gurú de la guitarra Amos Garrett. Al instante abrazado por los críticos y aficionados por igual, con elogios impresionantes que vienen de todas partes, Louisiana Love Call fue aclamado como el mejor disco de su carrera. Rolling Stone, Gente, Entertainment Weekly y Billboard, la radio alternativa de adultos y la radio blues deliró. El álbum fue galardonado como "Mejor Álbum Adulto Alternativo del Año" por la Asociación Nacional de Distribuidores Independientes de grabación. Ella también obtuvo una nominación por "Mejor Álbum de Blues" de los Premios de la Música Área de la Bahía. El seguimiento, Nos vemos en Midnite, también ganó amplia aclamación de la crítica y fue nominada para el premio WC Handy Blues. María tiene la distinción de ser artista Negro Top de mayor venta.
• Maria Muldaur continuó su odisea de toda la vida musical con su álbum debut en Blues Telarc, avivando las llamas. Grabado profundo en el país pantano de Louisiana, avivando las llamas estaba empapado en las tradiciones de blues fervoroso del Sur. hermanas desde hace mucho tiempo el alma Mavis Staples, Bonnie Raitt y Ann Peebles se unió a María en varias pistas, así como guitarra slide asistente Sonny Landreth y R & B cantante Johnny Adams. Avivando las llamas obtuvo la aclamación de la crítica y, finalmente, rompió el Billboard Blues gráfico.
• Continuando con su historia de amor con el "bluesiana" sonido, Muldaur hecho compositor Bruce Cockburn "Southland del Corazón", el corte de su segundo título de la grabación Telarc en 1998. Como escribió la revista People, "Muldaur tiene el blues ... una vez que concentrarse en los matices emocionales de su acento finamente erosionada, usted escuchará un cambio inspirado en el corazón - su voz se convierte en un oasis para las almas en problemas."
• Dedicada a la pianista incomparable vocalista Charles Brown, su lanzamiento de 1999, Meet Me donde juegan los Blues, contó con la última aparición grabada por el inventor de la "West Coast Blues". Demasiado enfermo para hacerlo en el estudio, la voz de Brown sobre "Gee Baby, Ain't I Good to You" fueron grabados en un asilo de ancianos. De hecho, Muldaur había elegido originalmente muchas de las canciones para este proyecto con el piano de Brown en mente. Brown murió ese mismo año, pero la música y el espíritu de este gran trovador de Texas blues en vivo a través de este impresionante proyecto.
• más reciente Muldaur los esfuerzos Tealrc incluyen una Sola Mujer con el Blues, un homenaje de 2003 y el icono de jazz Peggy Lee, y el jazz también quiere amor a la Danza, una colección de 2.004 canciones sobre el amor de los lados alternativamente brillantes y melancolía. Heart of Mine, una colección de canciones de amor escritas originalmente por el legendario trovador Bob Dylan, seguido en agosto de 2006.
• Su más reciente álbum, Yes We Can!, Tiene previsto su lanzamiento el 22 de julio de 2008. El álbum muestra el trabajo de algunos de los compositores más conciencia social de los últimos cincuenta años: Bob Dylan, Marvin Gaye, Allen Toussaint, el Rey Conde y Garth Brooks, por nombrar algunos. A lo largo de trece canciones del álbum, una serie de bien conocidos voces progresistas, colectivamente llamado Voces de Mujeres por la Paz Coro, Muldaur ayudar a arrojar la luz y mayor atención a la precaria situación del mundo y su futuro. Incluido en la lista de invitados de alto perfil son Bonnie Raitt, Joan Baez, Jane Fonda, Odetta, Phoebe Snow, Holly Near y varios otros. "La mayoría de estas mujeres tienen con valentía y sin descanso estado levantando sus voces para la paz, la no violencia y la justicia social durante toda su vida", dice Muldaur, "y su compromiso con estas causas ha sido muy inspirador para mí durante estos años. Es nuestra Esperamos que nuestros esfuerzos aquí inspirar a las mentes y los corazones, y que estas canciones se convertirán en una banda sonora para el cambio que todos debemos ser parte de. "

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Koko Taylor

• Koko Taylor (28 de septiembre de 1928 – 3 de junio de 2009) fue una cantante de Blues de Estados Unidos conocida popularmente como "la Reina del Blues. Por su voz áspera y potente y su estilo basado en el blues tradicional
  Su nombre de pila era Cora Walton. Nació en el condado de Shelby, Tennessee, siendo la hija de un aparcero. Dejó Memphis para ir a Chicago, Illinois en 1952 con su marido, el camionero Robert "Pops" Taylor. A finales de los años 1950 comenzó a cantar en clubes de blues de Chicago. Fue descubierta por Willie Dixon en 1962, lo que le llevó a tener mejores actuaciones y su primer contrato de grabación. En 1965, Taylor firmó con Chess Records, con la cual su single "Wang Dang Doodle" (escrito por Dixon, y siendo un éxito de Howlin' Wolf cinco años antes), y en que intervenía el guitarrista Little Walter, se convirtió en un gran éxito, alcanzando el número cuatro de las listas de R&B en 1966, y vendiendo un millón de copias.
• Taylor grabó muchas versiones de esta canción de Dixon en las últimas cuatro décadas, añadiendo más material, tanto original como versiones, pero nunca volvió a conseguir su éxito inicial en las listas.
• Su gira nacional a final de la década de los 1960 y principios de los años 1970 amplió su base de fans y comenzó a ser accesible a un mercado mayor, firmando por Alligator Records en 1975. Grabó nueve álbumes para esta discográfica, 8 de los cuales fueron nominados a los Grammys, dominando las listas de cantantes femeninas de Blues y ganando 24 premios de la música blues (más que ningún otro artista. Tras su recuperación de un accidente de tráfico gravísimo en 1989, en la década de los 90 hizo apariciones en películas como Blues Brothers 2000, y abrío un club de blues en Division Street, Chicago en 1994, pero tuvo que cerrar en 1999.
• Taylor ejerció su influencia sobre músicos como Bonnie Raitt, Shemekia Copeland, Janis Joplin, Shannon Curfman, y Susan Tedeschi. En los años previos a su muerte interpretó más de 70 conciertos al año y estableció su residencia al sur de Chicago, en Country Club Hills, Illinois.
• En 2008 la Internal Revenue Service declaró que Taylor le debía 400 000 dólares en reembolsos de impuestos, penalizaciones e intereses. Sus problemas con los impuestos que afectaban a los ejercicios de los años 1998, 2000 y 2001; en esos tres años, sus ingresos brutos combinados fueron de 949 000 $.
• Taylor murió el 3 de junio de 2009, tras complicaciones después de una intervención quirúrgica por sangrado gastrointestinal el 19 de mayo de 2009.[5] Su última actuación tuvo lugar en la sesión de entrega de los Premios de la Música Blues (Blues Music Awards) el 7 de mayo de 2009

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Mike Oldfield

• Michael Gordon Oldfield, nacido el 15 de mayo de 1953 en Reading, Inglaterra, es un compositor, multiinstrumentista y productor británico..
• Nació en la ciudad de Reading, Inglaterra el 15 de Mayo de 1953.
  Su padre Raymond fue un médico que tenía una guitarra que adquirió
  cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial.
   Mike recuerda como su padre "solía tocar la guitarra cada nochebuena, cantando
  la única canción que sabía tocar, Danny Boy.
• " Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto al virtuoso guitarrista Bert Weedon .
• "Lo vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida.".
• Los Oldfield se convirtieron en una familia musical. El hermano mayor de Mike, Terry ahora es un compositor de renombrado prestigio en el campo de la música de documentales para la televisión y ya tiene varios albumes en el mercado.
•  Su hermana Sally llegó a ser cantante profesional y consiguió un hit a principios de los 80 de todos conocido con el nombre de "Mirrors", Ahora se hace llamar Natasha Oldfield.
• A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él mas que un instrumento. era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo.
• A lo largo de esa década ya pasada, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud. Se tocaba música en muchos de los clubes que estaban abiertos durante ese periodo. Fue en uno de esos clubes donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que sus ideas musicales eran aceptadas por una gran mayoría del público. "Solía tener dos instrumentales de 15 minutos cada uno que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas.
• En cuanto me daban vacaciones en la escuela pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra.".
• Probó también con la música eléctrica. tocando piezas instrumentales de "The Shadows" en un grupo amateur. Cuando cumplió 13 años la familia Oldfield se trasladó a Romford en Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó Sallyangie, un dúo folk de voz y guitarra.
  Firmaron por la compañía Transatlantic que les editó el álbum "Children Of The Sun" en 1968
   y el single "Two Ships" en 1969.
• Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente
   influenciado por el "folk barroco popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch.
   Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
• Mike volvió a la música rock, formando otro grupo
  de parecida duración llamado Barefeet. Eso le condujo a trabajar como bajista con Kevin Ayers & the Whole World.
• Ayers fue miembro fundador de Soft Machine pero abandonó el grupo en 1968.
   Al año siguiente hicieron el álbum "Joy Of A Toy" que les llevó a hacer una gira en 1970.
• Tubular Bells : 1971-1973
• Durante ese periodo Mike comenzaba a ordenar las ideas musicales que más tarde formarían parte de Tubular Bells. Usando una grabadora de cuatro pistas con dos pistas que iban en un sentido y dos en el otro que le prestó Kevin Ayers, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un pequeño trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su sueño.
• Ese sueño era crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica.
• Con la grabadora de Ayers se metió en su dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo, y las ideas para su nuevo trabajo lentamente empezaron a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se empeñó en tocar todos los instrumentos él mismo.
• Y pensó que no le sería difícil con su don natural el poder dominar casi cualquier instrumento ; desde el glockenspiel al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa...
• . Mientras seguía trabajando con Kevin Ayers además ayudaba en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres.
•  Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, así que se las arreglaba para llegar más temprano y mientras los demás llegaban, él experimentaba con esos instrumentos y así incorporaba nuevos sonidos y texturas a sus ideas musicales. Ensimismado en su trabajo, se propuso plasmar todas las profundas emociones que estaba experimentando por aquella época en su música.
• De cualquier modo, habría que preguntarse si el estado mental de Mike le hubiera permitido aguantar la presión de trabajar con otras personas por mucho más tiempo.
•  Sobre todo teniendo en cuenta que aquel que estaba haciendo sería un trabajo que se iría convirtiendo gradualmente en un vehículo para descargar sus emociones mas profundas y con las que más le estaba costando vivir.
• Después de crear una pequeña maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyara su proyecto.
•  Todos le daban un NO rotundo por respuesta, diciendo que aquello "no era comercial" y que si en algún caso llegara a editarse nadie lo compraría. Obviamente eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Después de haber compuesto la introducción hipnótica (el tema que formaría parte principal de su obra magna después de desarrollarlo), seguiría acordándose de aquello.¡Si tan solo hubiera podido grabarlo, editarlo y promocionarlo.
• Pero un rayo de luz iluminaría su futuro. Mike dejó la banda de Kevin Ayers y, para ganarse la vida trabajaba ocasionalmente como guitarrista.
•  Uno de esos trabajos lo hizo en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el "musical de amor-rock tribal" por 5 £ la noche.
• También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth.
• Era un equipo de buenos amigos. También estaban allí las novias de algunos de ellos para atenderlos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó mas tarde, "Todos los problemas que surgían los tratabamos como si fuéramos una gran familia"
• El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth le dio a Mike la oportunidad de grabar una maqueta de sus ideas musicales.
•  A los dos les encantó. Heyworth y Newman emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y para que les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo.
•  De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado. El proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper que se uniría a Branson para crear la discográfica Virgin. Draper tenía un amplio conocimiento musical y cuando escuchó las ideas de Mike, inmediatamente se entusiasmó.
• Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas a las que ahora podía dar un nombre : Tubular Bells aunque en principio llevara nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama) y Opus One (Opus 1).
• Pero casi había perdido las esperanzas de realizar su sueño cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor.
• Una amplia selección de instrumentos fue llevado al estudio y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo mas de la primera parte, y el resto de la obra durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones.
•  Muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para los recursos inventivos de Newman y Heyworth que mezclaron todo aquello todo lo bien que les fue posible en función de los conocimientos que poseían.
• El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike. Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas. Esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendieron muchas cosas de sus otros dos compañeros. Durante la sesión Mike tocó mas de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue tocada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (Voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (Percusión) y Mundy Ellis (Voces).
• Tom Newman y Simon Heyworth ganaron crédito como co-productores . Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de una compañía americana le dijo, "si le pones letra te lo compro por 20.000 $". Como nadie se mostraba interesado, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica Virgin Records.
• Tubular Bells vio la luz el 25 de Mayo de 1973. Salió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo. El público simplemente le abrió sus corazones.
• La prensa de su país se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder decir cuáles eran las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night Of The Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer.
• Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que a partir de los 19 años fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en Julio y pronto llegó al Nº 1. Tubular Bells comenzó a venderse por toda Europa.
• En Junio de 1973, fue dado un concierto en vivo de Tubular Bells en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Para ésta ocasión se unieron a Mike los guitarristas Mick Taylor (de los Rolling Stones), Steve Hillage (de Gong), Fred Frith (de Henry Cow) y Ted Speight.
• También participaron David Bedford, Kevin Ayers y Pierre Moerlen, el percusionista de la vanguardista banda de rock Gong y que sería uno de los fijos en la plantilla de músicos de Mike durante muchos años. Aunque estaba anunciada su aparición, Stevie Winwood no pudo tocar al final porque por ciertos problemas no había dispuesto de demasiado tiempo para ensayar. La respuesta del público fue descrita por un periodista del New Musical Express así : "Todo el público se puso de pie y empezó a pedir más. Eso sólo fue una de esas raras y espontáneas muestras de agradecimiento".
• Tubular Bells también fue editado en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la polémica película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado. En el Reino Unido, un single de Tubular Bells fue editado con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrafónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells "Quad" incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.
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Brian May

• Brian Harold May, CBE (Hampton, 19 de julio de 1947) es un músico y astrofísico británico. Es conocido mundialmente por haber sido guitarrista, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica Queen.
• Es considerado uno de los guitarristas más grandes de la historia.Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special.
•  En abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores.
• Antes de formar la exitosísima banda Queen, Brian y Roger Taylor tocaban en una banda llamada Smile. Freddie Mercury había llegado a Londres, y junto a John Deacon (quien se unió más tarde), formarían una de las mejores bandas de la historia del Rock.
• El sonido característico de la Red Special, la guitarra eléctrica que May armó a los 16 años con ayuda de su padre, es único y dotado de gran cuerpo y feedback. Impulsor de la "guitarra-orquestación", llamada así por el uso de varias guitarras que se escuchaban simultáneamente e imitando diferentes voces logrando así frases contrapuntísticas en toda la extensión musical. Ésta fue reverenciada por su bella complejidad armónica con la que lograba crear atmósferas y líneas melódicas llenando cada rincón de su música sin necesidad de sintetizadores, hasta "The Game", en 1980, y la cual se deja ver principalmente en los primeros discos de Queen tal como "A Night at the Opera", en 1975.
• Junto a Freddie Mercury, ha formado uno de los mejores duetos de la historia del Rock And Roll siendo parte de Queen
• Sus solos de guitarra y riffs históricos estaban dotados de armonía, lo que Freddie hacía con la voz se puede decir que Brian lo hacía con su "Red Special", mencionada arriba.
• May es conocido por rasguear las cuerdas con una moneda británica de seis peniques. Según él, con ella logra un sonido mucho más metálico y con más cuerpo. Muchos éxitos de Queen fueron compuestos por él (We Will Rock You, I Want It All, Save Me, Who Wants To Live Forever, Tie Your Mother Down, Hammer to Fall, White Queen (As It Began), The Show Must Go On, Now I'm Here, o No One But You (Only the Good Die Young) entre otros).
• Desde 2005 hasta 2009, Brian trabajó en el proyecto post-Queen, Queen + Paul Rodgers, que juntó a May y Taylor con Paul Rodgers, ex cantante de Free y Bad Company. Con esta banda realizaron un exitoso tour llamado The Return of The Champions (El regreso de los campeones) en el año 2005.
• El 15 de septiembre de 2008, salió a la venta el primer disco de estudio de Queen+PR, titulado The Cosmos Rocks, y es el segundo bajo el nombre de Queen desde la muerte de Freddie Mercury, después de Made in Heaven. El álbum contiene catorce canciones nuevas, incluyendo el exitoso single Say It's Not True y el nuevo corte C-Lebrity.
• A fines de 2008 finalizó el Tour Mundial The Cosmos Rocks, que los llevó por Europa, Asia, América del norte, y fue motivo del retorno de May y Taylor a tocar en escenarios de Sudamérica. Tras finalizar la gira, Paul Rodgers anunció que terminaba de forma amistosa su colaboración con Queen.
• En abril del 2010 Brian May se convirtió en el portavoz de la campaña ecologista "SAVE ME", por la protección de los animales, para tratar de impedir que el Partido Laborista de Gran Bretaña revoque una ley sobre caza, que dejaría sin protección a cientos de especies como el zorro.

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Lisa Lavie

• Lisa Lavie (6 de mayo de 1983) es una cantante y compositora canadiense originario de LaSalle, Quebec, Canadá.
•  Lavie es conocido por usar la Internet para promover de manera independiente su propia música y conciertos. Lavie voces han aparecido en bandas sonoras de las películas más importantes, y su producción independiente debut álbum Todo o Nada fue lanzado en iTunes en 2008.
•  Lavie ha recibido cobertura de la televisión nacional por su voz, y por su producción de la colaboración de video de caridad "We are the world 25 para Haití (YouTube Edición)." Ella fue elegida como vocalista para 2010-2011 Yanni giras del Sur, Central y América del Norte.
• En marzo de 2007, Lavie abrió una cuenta en el sitio web de vídeo YouTube, vagamente reflejado en su página de MySpace. Ella dijo que no previeron que sus actuaciones de vídeo "hágalo usted mismo" que avanzar en su carrera: "No tenía ni idea de qué esperar cuando comencé a subir videos en YouTube.
• " Ella inicialmente publicado videos no-estudio  de sí misma cantando sus propias canciones originales, incluyendo dos videos de ella cantando dentro de un automóvil
• . Lavie dijo que respondió personalmente a los comentarios de visor de tantos que, dijo, desarrolló el síndrome del túnel carpiano que requieren el apoyo de la muñeca visibles en su entrevista ET Canadá .
• Lavie respuestas a los espectadores fracasó el 11 de septiembre de 2007. software de YouTube interpretado sus muchas respuestas a los comentarios de espectador como equipo bot de spam generado, y automáticamente suspendida su cuenta. Sus fans de YouTube inició una campaña de petición en línea, y cuenta Lavie en YouTube fue reincorporado dos días después de la suspensión .
•  Dos de las canciones interpretadas en los vídeos de YouTube en 2007
  "Angel" (2008 versión del álbum)
• "Angel" es la canción que YouTube opiniones de vídeo han sido objeto de atención de los medios nacionales
• Semanas después de la reincorporación a su canal, el rendimiento Lavie de estudio de su canción original "Angel" se presentó en "primera plana" de YouTube y atrajo a más de un millón de visitas en su interior.
• Para los días que rodean 03 de octubre 2007, cuando el "Ángel" de vídeo logrado sus 1.000.000 de vista Lavie continuó para interactuar con los espectadores en línea. Pero el pasado eran los días en los que se podría tratar de responder a cada espectador Comentario: El "ángel" de vídeo sólo se habían registrado 10,000 comentarios espectador cuando cruzó el umbral de 1.000.000 ver .
• Durante el período del "Angel" característica, el canal Lavie en YouTube creció de menos de 4.000 abonados (a mediados de septiembre de 2007) a cerca de 8.000 suscriptores (7 de octubre de 2007) y, después de la subsiguiente exposición a la televisión en octubre y noviembre  a más de 11.000 abonados (a principios de diciembre de 2007). 
•  puntos de vista de vídeo total en el mismo período pasó de 188 000  a 1,79 millones de euros a cerca de 3.3 millones de dólares,  respectivamente. En tres meses y medio, el canal de YouTube de Lavie pasó del 74 Con más suscripciones músico YouTube de todos los tiempos.
• Escépticos del valor de YouTube vistas que ofrece, el Globe and Mail señaló que las opiniones de Angel YouTube poner el video en "empresa no lo que se dice exaltado", señalando que "un perro de las praderas desprevenidos cuya mirada larga de cinco segundos en la cámara se convirtió en conocido como el clip de Dramatic Chipmunk "había recibido tres millones de visitas" en cuestión de días. 
•  Sin embargo, después de describir" real "logros mundo de YouTube" estrellas "Esmee Denters y valiente Ysabella, el Globe and Mail señaló que el artículo "Lisa Lavie puede tener razones para esperar grandes cosas.
• En el momento de el Globe and Mail el comentario, Entertainment Tonight (ET) Canadá había llamado ya Lavie una "sensación en Internet cantando" y "fenómeno de Internet", citando a su nueva designación, "los próximos Mariah Carey". Al mes siguiente, eTalk CTV aparece como "estrellas de la música" como Lavie podría "llegar a la cima en sus propios términos."  En esa entrevista telefónica televisada, Lavie explicó cómo en el negocio de la música de hoy, para ganar la confianza de registro asustadizos etiquetas, los artistas se tienen que crear su propia moda.
• Después de esta exposición en los medios, Lavie siguió utilizando sitios web de Internet como YouTube (principalmente), sino también de MySpace, Facebook, BlogTV y Twitter, para propagar ese rumor. Ella siguió trabajando, en lo personal, en su propia promoción y la comunicación con los fans existentes. El YouTube Partner Program, un acuerdo de reparto de ingresos permita a los creadores y productores de contenido original para ganar dinero con sus videos, aceptó Lavie.
• En febrero de 2008, Lavie fue uno de los tres músicos YouTube invitado a actuar en el YouTube " Evento "en Nueva York. [cita requerida] En marzo de 2008, el rendimiento Lavie video de su canción original" Angel "estuvo entre los seis finalistas de los premios YouTube entre todos los videos musicales que sitio web. En noviembre de 2008, Lavie realizadas en el evento de San Francisco de YouTube en vivo .
• Continua sin afiliación con un importante sello discográfico, Lavie realizado en el 2008 "SPARKLE Libertad Celebración" concierto de Día de la Independencia en Santa Barbara, California la Muestra Gibson en Beverly Hills,  "Mujeres Cuidando del mundo" concierto en San Petersburgo, Florida,  y como una de las "sensaciones de YouTube" aparece en una conferencia AEM nacionales
• . Lavie también se realiza para eventos de caridad, como la televisión de Santa Bárbara de Navidad Teletón  y en el Festival du Bonheur (felicidad Festival) en su natal provincia de Québec.
• Al final de su primer año, a partir del canal principal marzo 2008 Lavie en YouTube adquirió unos 13.500 suscriptores, y el total de puntos de vista de carga sumaban alrededor de 3.75 millones. 
•  A finales de 2008, el primer año calendario completo después de la ET y eTalk características , cuenta Lavie en YouTube había más de 35.000 abonados, sus videos de YouTube en conjunto con 12.700.000 visitas, 96.000 comentarios espectador, y de haber sido "Favoritos" más de 52.000 veces, juegos de pistas Lavie MySpace ascendía a unos 1,2 millones. Durante el año calendario 2009, número de suscriptores creció a más de 112.000, puntos de vista a más de 30 millones de dólares, comentarios espectador a 186.000, y los favoritos de más de 126.000, mientras que un video fue visto, en promedio, cada 1.8 segundos.
•  A finales de 2010 , el canal de YouTube de Lavie había más de 212.000 suscriptores,  y el 10 de enero de 2011, su canal de puntos de vista total de carga alcanzó a 50 millones .

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