Rory Gallagher

• En los años que han transcurrido desde la muerte de Rory Gallagher, de 47 años el 14 de junio de 1995, su verdadera estatura se ha convertido cada vez más clara. Este irlandés de voz suave, que se caracteriza por su trenza y en cabello y la ropa de trabajo marca la etapa del hombre, estaba lejos de ser normal. Gallagher fue un virtuoso autodidacta que forjó una revolución musical en su tierra natal, evitó las trampas de la fama y el estrellato sin embargo se convirtió en un héroe popular internacionales universalmente reconocidos.
• rock Rory sólida devoción a su vocación nunca vaciló y el respeto de sus compañeros musicales era universal. Eric Clapton acreditado Gallagher con "sacarme de nuevo en el blues", de The Rolling Stones intentaron hacerle cambiar de Mick Taylor.
• propagación de Rory influencia a través de las generaciones - de Slash a Johnny Marr, de The Edge de U2 con Brian May de Queen, y en Bradfield El Manics "James Dean - cualquier reproductor de aspirantes que se encontraron con él estaba obligado a estar bajo tensión o se transforma.
• De todos los grandes de la guitarra que surgieron en la posguerra era Rory Gallagher estaba predestinado a convertirse en un rey guerrero celta. El orador comparte su nombre con el último monarca nativo de Irlanda, nació (en roca) en Rock Hospital Ballyshannon, Donegal (02 de marzo 1948), mientras que su padre fue empleado la construcción de una planta hidroeléctrica de energía eléctrica en el cercano río Erne.
• A su debido tiempo, ya sea utilizando la potencia de fuego eléctrico o el dominio acústico, el modesto Gallagher se transformaría en un gigante musical, sin embargo, siempre mantuvo el sentimiento más humano, evitando extraños FX y artilugios en favor de su propio genio en bruto y primitivo, la cadena de flexión . Reconocido como "el guitarrista de la popular" Rory se acumulan 20 millones de ventas, pero la conexión emotiva que hizo con audiencias en todo el mundo fue mayor que las estadísticas pueden mostrar. fuego de Gallagher en la punta de los dedos sentir era el resultado de la emoción de duro trabajo y la destreza, la energía incansable y la unidad dinámica.
• Además de su facilidad a la guitarra, la mandolina, y, en ocasiones, saxo, regalos de Rory composición dio plataforma perfecta para su estilo vocal y el talento instrumental. Si exuberante sin límites ("caminar sobre las brasas ') o reflexivo moderado (el inquietantemente conscientes de sí mismos" A Million Miles Away "), sus obras fueron dirigidas por una instintiva, natural sentir la tristeza profunda que residía en su corazón y el alma.
• Como un pre-adolescente que crece en 1950 Cork, en una casa sin tocadiscos, la determinación de una sola mente que su carrera sello de Rory Pronto se hizo evidente. El descubrimiento de Elvis y principios de rodillos de rock n le lleva a buscar maestros de blues en la radio de América Fuerzas tales como colaborador más tarde, Muddy Waters. "Mientras más escuchaba más me volví adicto", recordó más tarde. Él ya era una estrella local, el talento se presenta ganar, blandiendo una guitarra barata, cuando el primer pago se realizó en la famosa Fender Stratocaster 1961Sunburst que - su pintura despojada de su propio sudor altamente alcalino - convertirse en una herramienta permanente totémico de su el comercio.
• A principios de los años 60 oportunidades de Irlanda por una guitarra que Dios espera de brillar se contrae por la única salida disponible: idéntica showbands adecuado. Rory empujado contra el sobre cuando salió a la carretera con La Fontana y más tarde El impacto de las rutinas aceptadas reto del día.
• Su sensacional muestra de la magia sin restricciones en el diapasón puede haber ganado reprimendas de los promotores locales y los propietarios de salón interesados ​​en regimentación pero Rory seguramente hicieron los fans de toda la vida en el público hambriento de un nuevo tipo de libertad. Tocando en bandas show fue un trampolín y Rory se dio cuenta que era "sólo de paso". Pero, como Jimi Hendrix cuando escapó el circuito Chitlin, las competencias establecidas como acompañante restringida iba a explotar en los próximos años cuando Rory se convirtió en el principal atractivo. Después de disfrutar de la puesta en libertad de jugar en clubes de Hamburgo, Rory aprovechó la oportunidad para salir de la banda muestran correa de vuelta a casa, poner el mismo centro del escenario en el power trío, gusto.
• El establecimiento de una base en la escena del Blues próspera que había construido alrededor de Van Morrison en el Marítimo de Belfast, el sabor se convirtió en una sensación instantánea. Una residencia en el club londinense Marquee en 1968, donde John Lennon se unió a un seguimiento cada vez mayor fervor, llevan a apoyar las franjas horarias con Cream y Blind Faith. formidable presencia gusto fue capturado en dos álbumes de estudio grande y dos álbumes en vivo pendientes, incluidas su concierto en la Isla de Wight álbum, grabado en el festival de 1970. Luego, con su mundo aparentemente a su gusto los pies, desgarrado por conflictos de gestión, hizo implosión, tocando su concierto de despedida en Belfast el Fin de Año 1970.
• La pérdida de una banda en su mejor momento incandescentes golpeó Rory profunda (ver el dolor 'al final', en su 1975 'Contra El Grano álbum), pero hubo poco tiempo para vivir en arrepentimiento (Used To Be' de 'Deuce "1972). Un director de orquesta naturales, Gallagher se reagruparon de embarcarse en la década más productiva de su carrera en solitario con 1971 debut como solista titulado. "Deuce", "Plan", "Tatuaje", "Al Grano", "Calling Card", "Photo Finish", "máxima prioridad" - los álbumes siguieron en rápida sucesión, cada uno con composiciones originales ("En Tu Ciudad ', "Who's That Coming ',' caminar sobre las brasas ',' Tattoo'd Señora ') que se dirigió directamente a su público, alcanzado el estado clásico instantáneo. Estas canciones y muchas más se reunían dinamismo aún mayor en presentaciones en vivo. Los álbumes "Live In Europe ',' Stagestruck 'y' irlandés Tour '74 'Álbumes mostrar cómo.
• Como se vio en el excepcional documental de Tony Palmer, que acompañó a los irlandeses Tour '74, lanzamientos a través de 'los problemas' de Rory Belfast galvanizado muestra una réplica comunales alegre a la tensión, el miedo y las divisiones que desgarraron la ciudad aparte. Donde otros evitado la capital de Irlanda del Norte, Gallagher hizo un punto de volver siempre, dar esperanza e inspiración, para aquellos que sigan su ejemplo. Rory sería más tarde invitado en álbumes de bandas de Belfast que inspira directamente - Energy Orchard y Stiff Little Fingers.
• Al otro lado de la frontera que encabezó y organizó por primera vez de Irlanda del festival de rock al aire libre en Macroom junto con su hermano menor y gerente Donal (sólo Rory hermano), un evento que allanaría el camino para el rock de estadio de U2. Sin embargo, casi la creencia evangélica de Rory en el poder curativo de la unificación de la música se vio atenuada por la sospecha de las celebridades. "Me parece un desperdicio, a mi trabajo y trabajar durante años, en realidad gettin 'su música juntos, y luego a hacer algo más grande, como hacen algunas personas, y sólo se convierten en una especie de personalidad. Usted juega menos, se realiza menos, circulan menos. Se convierte en algo completamente diferente ", había dicho a la revista Rolling Stone en 1972.
• Esta precaución le dejó a evitar por completo el mercado de los singles, aún cuando su jefe etiqueta insistió en que el anhelo magnífico filos en azul (desde 1976 de "Calling Card") fue un candidato para un número de EE.UU.. El cuerpo de trabajo que ha dejado atrás es notable por su coherencia, la honestidad y la terrenal. grabaciones de Rory son notablemente de una pieza que demuestre su afirmación tantas veces se cita que "lo que es jugar en mi todo el tiempo, no sólo algo que me enciende".
• La determinación de hacer música original que se mantuvo fiel a los sonidos de raíz que lo inspiró fue llevado hasta el final. Inmaculada por trucos de estudio discordante o momentáneamente las técnicas de moda, cavernoso sonidos de percusión o haga clic en pistas, lo que ha dejado un legado discográfico es definido por la pureza de la forma resistente y sentimiento. El enfoque no afecta destacó los muchos sabores - país patear el culo, la sofisticación de jazz, folk escupir aserrín n, entarimado temblor techo elevar roca - que se alimentan de Rory amorosamente nutridos blues. Su dedicación a mantener lo que llamó "una buena cosecha, étnica" de sonido, lo que favorece pre digital a través de equipos de grabación modernos, sin duda, habría sido uno de los atributos que querer por Rory admirador de Bob Dylan, un visitante en el backstage de un show de Los Ángeles 1978 después de que inicialmente se dio la vuelta no reconocido. cuota anual de conciertos de Gallagher a menudo de las principales 300, sudor noches empapado en la que nunca le dio nada menos que 110 por ciento. Y él siempre estaba dispuesto a dar un poco más, venga el tiempo de Navidad que a menudo se embarcan en giras improvisadas en la Irlanda rural que, naturalmente, alcanzado el estatus de leyenda. Una cruz héroe tribal musical que hizo un llamamiento a trad rockeros, punks y hordas de metales pesados, Rory era un jornalero verdadera música va donde la música se lo llevó. El invitado en álbumes para muchos como clave las influencias de Jerry Lee Lewis, Albert King, Albert Collins y el ya mencionado de Muddy Waters, una experiencia que disfrutó especialmente.
• En 1990, Rory había jugado 25 giras en Estados Unidos y apareció en el festival de lectura en el Reino Unido y el festival de Jazz de Montreux más veces que cualquier otro acto. Lamentablemente, se hinchó como los medicamentos con receta y bebidas diversas para hacer frente a los rigores de la vida en la carretera había antes de tiempo y notablemente su edad. "El blues es malo para su salud", se encogió de hombros ", su tan simple como eso, va con el territorio."
• Rompiendo con la etiqueta principal y la creación de forma independiente, la producción de Rory se había vuelto menos prolífico ya que cada vez más agonizante grabaciones. Incluso 'Jinx' álbumes más tarde, 'Defender' y 'La evidencia fresca', la última versión antes de su muerte, le mostró sigue avanzando, rompiendo un nuevo territorio. El alza "Loan Shark Blues 'es un grito eterno potente de desesperación financiera, mientras que' La puerta del cielo 'y' Blues Espíritu", el título de la carrera de excelente Ian Thuiller de que abarca 2.010 documental Gallagher, cortado del mismo paño sí revelador como 'Un Millón de Millas "Lejos, la fragilidad de la vida contemplado. Su dedicación a la musa era absoluto, tal vez a costa de su vida personal: no tenía el matrimonio, no hay relación de largo plazo y sin hijos. El hombre que podía unir a miles de personas en el desempeño vivió una vida solitaria unindulgent lejos del escenario, que parece identificarse con los operativos en solitario que poblaban la ficción de detectives del cine negro como Dashiell Hammett de la que a menudo se ha inspirado en lírica. Así que estaba atada a la vida en la carretera que sus últimos años los pasó viviendo en un hotel con vistas al puerto Chelsea. Rory, literalmente, jugó hasta que cayó, después de desmayarse en el escenario en Rotterdam en enero de 1995, fue hospitalizado en Londres con insuficiencia hepática. Tras una operación exitosa de trasplante parecía estar recuperándose, pero él cogió una infección y murió en junio de 2005.
• El mundo de la música enviaron sus condolencias, 15.000 salieron a las calles de Cork como él fue enterrado. Pero la dedicación de Rory a la base de la roca habilidades también verle enseñar a un jugador en ciernes a tocar un riff o conseguir un cierto sonido - Brian May fue uno de los beneficiarios, tales - y él se enorgullecía de la fundación de la todavía importante Registro de Tutores guitarra.
• Desde su muerte, la reputación de Rory ha crecido. Tal vez su único con el paso del tiempo que el alcance total y la inmensidad de sus logros se pueden evaluar. Un verdadero original resueltamente ordinaria de trabajo el hombre a su imagen, la consistencia sin adornos de su arte (y su pintura despojada de inicio!) Resulta aún más extraordinario en la era de la saturación de los medios de comunicación. En 2003, el título póstumo en libertad "ruedas dentro de ruedas" álbum proporcionan otro punto culminante de carrera, centrándose en la faceta acústica de arte de Rory con colaboraciones con Martin Carthy, Bert Jansch, Lonnie Donegan, flamenco Juan Martin y Dubliners. Este año será el primer lanzamiento del álbum de 1978 abandonó registrado en Estados Unidos "Notas de San Francisco. la memoria de Rory vive en todo el mundo, en la memoria de los que experimentaron sus espectáculos y se reunió con él. Legiones son los fans que, como un joven aspirante a Manchester guitarrista Johnny Marr en los años 70, acariciado reunión Rory y entró andando en el aire. Más de una vez en el calor de un show en el estadio invasiones eran comunes el inicio se entregó a un miembro de la audiencia por un rasgueo rápido. La sensación de que podría crear en una sala en Belfast o de Montreux, en Londres o en Los Ángeles, no se puede pedir más de un concierto, de verdad.
• Gallagher se conmemora en toda Irlanda, una estatua de bronce en Ballyshannon, una escultura en Cork, donde el teatro local lleva su nombre, una guitarra montada en Dublín, una placa en Belfast y su famosa pintura maltratadas despojado inicio Sunburst ha sido comercializado por Fender en un homenaje modelo. Hay una calle de Rory Gallagher en París, un festival anual en Irlanda y conciertos homenaje se celebra cada año en su honor en todo el mundo. historia de Rory, al parecer, no va a terminar. Fácilmente accesible en imponentes presentaciones en vivo conservados a una gran cantidad de DVDs, un sitio web integral comisariada oficiales y grabaciones remasterizadas - un legado de amor que mantiene a su familia, el hermano Donal y su sobrino Daniel, su música sigue dispuesto a inspirar y emocionar generaciones viejas y nuevas.
• Rory Gallagher murió muy joven con mucho por lograr y ofrecer, pero la riqueza y la calidad del material que produjo en su vida, asegura su vez inquisitiva, vive con hambre de espíritu.

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Gregg Bissonette

• Gregg gran oportunidad llegó en el verano de 1985, cuando David Lee Roth dejó Van Halen y comenzó su propia banda. Gregg consiguió el concierto tocando la batería, con Steve Vai en la guitarra, Billy Sheehan en el bajo, y Brett Tuggle en las teclas. La banda grabó Em la Coma álbumes 'y de sonrisas y Rascacielos, ambos de los cuales fue multi-platino. Gregg Matt, el hermano se unió a la banda para la gira de rascacielos y el próximo álbum de estudio, un poco, no es suficiente. Los videos de "Yankee Rose", "Goin 'Crazy", "Just Like Paradise", "Stand Up" y "That's Life" tiene un montón de tiempo en el aire en MTV.
  En 1989, Gregg tuvo la gran experiencia y el honor de tocar con la Buddy Rich Big Band en el Buddy Rich Memorial de Becas de vídeo de conciertos. Este video también aparece Vinnie Colaiuta, Steve Gadd, y Louie Bellson.
  En 1992, Gregg y Matt grabado con Joe Satriani en su CD Los extremistas, producido por uno de los ingenieros favoritos Gregg / productores, Andy Johns, que también diseñado un montón de canciones de Led Zeppelin. Cuando Andy Gregg preguntó qué le gustaría que sus tambores a sonar como, Gregg respondió: "¿Y como cualquiera de las cosas que hizo con John Bonham?" Andy rápidamente sonrió y respondió: "Podemos hacer eso!" Gira por Gregg y Matt con Joe Satriani derecho después de la liberación de "los extremistas", y también hizo un CD en vivo de esta gira llamada "máquina del tiempo." Matt fue a grabar tres discos más con Joe Satriani y sigue haciendo giras con Joe cuando él puede.
  Gregg y Matt comenzó su propia banda llamada The Semillas de Mostaza en 1993, con los guitarristas Doug Bossi y Jorge Bernhardt. Los cuatro miembros escribió las canciones juntos y era el vocalista principal y las armonías. Gregg recuerda esta banda como una época muy creativa y gratificante musicalmente. "Hay algo muy especial por estar en su propia banda con su hermano," él dice.
  En 1995, Gregg hizo una gira europea con la banda Toto después (el baterista de Toto desde la inesperada muerte de Jeff Porcaro) Simon Phillips preguntó Gregg para reemplazar a él durante cuatro meses debido a una lesión. La visita dio lugar a un montón de tiempo jugando con Steve Lukather, y un par de años más tarde trabajó con Steve en el álbum Lucas, que incluyó una gira por Europa y Japón. Gregg también jugó en el 2003 Lukather SantaMental álbum de Navidad, con Steve, Gregg, Babko Jeff en los teclados, y John Pierce en el bajo. Gregg tocaba la trompeta y, junto con Walt Fowler en la trompeta y el trombón Babko Jeff.
  Gregg celebró otro hito en 1998 - el nacimiento de su maravilloso hijo de Noé. Más tarde ese año, también tuvo la oportunidad de trabajar con uno de sus héroes desde hace mucho tiempo, Don Henley, en el álbum de Don Inside Job. productor Don fue Stan Lynch, el batería de Tom Petty y los Heartbreakers y uno de los mejores amigos de Gregg.
  En 2000, Gregg tuvo el honor de tocar con Carlos Santana en la multi-ganadora de un Grammy CD Supernatural. Esta sesión se produjo porque el productor originalmente llamó a uno de los bateristas favoritos de Gregg, Vinnie Colaiuta, para hacer la sesión, pero Vinnie no estaba disponible y recomendó Gregg.
  En 2001 Gregg celebra el nacimiento de su segundo hijo, su maravillosa hija María. En el mismo año, Gregg y Matt estuvo de gira con Jeff Lynne y ELO en su vivo Zoom Tour. Gregg y Matt había sido grande tanto a los fans de ELO y Jeff Lynne, quien jugó con la Willberries de viaje, George Harrison, Paul McCartney, Tom Petty, entre otros.
  Gregg ha grabado y lanzado dos álbumes en solitario, Gregg Bissonette en Shrapnel Records (que incluye un cover de una de las canciones favoritas de Gregg, "No Matter What" de Badfinger, con Gregg en la voz), y el submarino en los expedientes de las Naciones Favorecida. Todas las canciones fueron escritas y producidas por Matt Bissonette, que figuran en el bajo, coros, trombón y violonchelo. Gregg canta lleva en ambos discos, además de tocar la batería, trompeta y percusión.
  Gregg Bissonette características guitarristas invitados Steve Vai, Ty Tabor, Andy Summers, Paul Gilbert, Doug Bossi, Bernhardt George, Steve Lukather, Scott Henderson, Michael Thompson, y Mike Miller. Submarino características Joe Satriani, Frank Gambale, Steve Stevens, Tim Pierce, Steve Vai, Gary Hoey, Doug Bossi, Ritchie Kotzen, y el gran pianista David Garfield.
  Desde Maynard Ferguson, a los álbumes multi-platino, con giras mundiales y un Grammy, Gregg ha visto sus sueños musicales vienen verdadero por uno. Y en 2003, otro sueño se hizo realidad cuando él y Matt se les pidió que gira con Ringo Starr para promover el álbum de Ringo Ringo Rama. Ringo ha sido héroe batería Gregg ya que su padre lo llevó a ver a los Beatles en vivo en 1966!
  Además de tocar la batería, mientras que Ringo frente de la banda en las canciones "Yellow Submarine", "Con un poco de ayuda de mis amigos", "Fotografía", "It Don't Come Easy", y el tributo de Ringo con George Harrison, "Nunca Sin Ti ", Gregg y Ringo también tocó la batería dos veces en los Beatles éxitos como" I Wanna Be Your Man "y" Boys ". Además de un gran concierto en vivo en Nueva York, que también jugó en los programas de televisión El Show de Tonite con Jay Leno, Conan O'Brian, Good Morning America Regis y Kelly, y Last Call con Carson Daly. Gregg también hizo un video musical con Ringo "Never Without You".
  Algunos de ustedes saben Gregg como su alter ego, Skippy Skuffleton! Gregg ha jugado con la banda inglesa de rock más fuerte, Spinal Tap, desde la primera vez de gira con ellos en 2001. También tocó con Toque en el Live Earth 2007, y el Festival de Glastonbury y el Estadio de Wembley, en 2009. Lo puedes escuchar en la batería en la parte posterior del álbum Dead, lanzado 2009.
  Gregg tiene una nueva gira con Ringo, esta vez como un All Starr en Todas las banda de Ringo Starr, para sus viajes de 2008 y 2010. miembros de la banda de la gira 2008 All-Starr fueron Colin Hay (Men At Work), Billy Squier, Hamish Stuart (Average White Band), Edgar Winter, y Gary Wright. Para el Tour de 2010, la banda incluía a Wally Palmar (Los románticos), Rick Derringer (The McCoys), Edgar Winter, Gary Wright, y Richard Page (Mister Mister). En julio del tour 2010, Gregg era parte de una fiesta de cumpleaños cuando Paul McCartney, Ringo sorprendió de 70 cumpleaños de Ringo en el Radio City Music Hall de Nueva York. Gregg llegó a jugar la canción de los Beatles "cumpleaños" con tanto Ringo y Paul, y un reparto repleto de estrellas musicales!
  definitiva de instrucción de Gregg DVD, percusión en diferentes estilos musicales, fue lanzado por Hudson Music en 2005. Se grabó en el estudio de Allaire en el estado de Nueva York, donde Norah Jones y David Bowie había grabado sólo álbumes. Percusión musical cuenta con ocho pistas de la banda de los álbumes en solitario de Gregg, en estilos que van desde el jazz, al funk, al latín, al swing.
  Con todos sus logros tambores y elogios, a Gregg sus hijos son sus mayores atributos. Un hombre de familia fuerte y comprometida, le encanta pasar tiempo con su hijo y una hija. Como padre soltero, Gregg valores de su tiempo con ellos y es una inspiración para otros padres solteros tratando de equilibrar los desafíos de la vida de un músico agitado con criar a los niños.
  Hoy en día, Gregg continúa grabando con y para muchos otros artistas, películas y programas de televisión. Gregg consejos favoritos para bateristas? "Ser un baterista musical!", Dice. "Concentrarse en mantener el ritmo y el groove de la canción entera, y el juego de forma dinámica. Aprender a tocar la big band, latina, funk, afro-cubana, hip-hop, R & B, jugar con pinceles, en pequeños grupos, grandes grupos, lugares pequeños o grandes, de todas las edades y todo tipo de estilos y enfoques. Recuerde, no se trata de tocar solos de batería, se trata de hacer un ruido alegre ... espero hacer una vida fuera de él algún día! "
  Gregg utiliza exclusivamente batería Mapex, platillos Zildjian, DW pedales del tambor, tambor Jefes Remo, Vic Firth baquetas, Audio Sansón, micrófonos Shure, el Gregg Bissonette Firma Stick Bolsa de Kaces, XL casos especiales por carretera, Beato tambor Bolsos, LT Lug Seguros, y LP percusión productos ...

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TINO CASAL

• José Celestino Casal Álvarez, más conocido como Tino Casal, (n. Tudela Veguín, Oviedo, España, 11 de febrero de 1950 - f. Madrid, España, 22 de septiembre de 1991) fue un cantante, compositor, productor, pintor, escultor. Clave en la Movida madrileña, del que fue su máximo exponente
  Inicios musicalesTino Casal comienza su carrera musical a los 13 años, en un grupo llamado "Los Zafiros Negros". En 1967 pasa a formar parte de "Los Archiduques", sustituyendo al cantante principal por enfermedad. Con ese grupo grabó tres singles: No Le Ames/Lamento De Gaitas, Dimensión En Sol Mayor/Quiero Volar Muy Alto y Linda/La Princesa Y El Juglar. Entonces se separó del grupo al poco tiempo, y decide marcharse a vivir a Londres una temporada para cultivar otra de sus facetas, la pintura. Allí tiene su primer contacto con la corriente del glam rock.
• En 1977 Casal regresa a España, donde firma un contrato con la discográfica Philips. El sello buscaba en él al sustituto de cantantes melódicos desaparecidos como Nino Bravo o Bruno Lomas, y Casal edita dos sencillos de discreta acogida: Olvidar, Recordar/Dam, Dam y Emborráchate/Besos, Caricias. En esos años se presenta a diversos festivales musicales, y en 1978 participa en el Festival de Benidorm, donde queda segundo lugar a pesar de ganar varios galardones como "mejor cantante joven" o "mejor composición musical".
•  Contrato discográfico con EMITras romper con su sello, Casal vuelve a volcarse en la pintura hasta que en 1980 regresa a la música, produciendo los trabajos de grupos como "Goma de mascar" o el primer grupo de heavy metal en España, Obús. Interesados por su trabajo, la discográfica EMI le contrata en 1981.
• Con el nuevo contrato, Tino Casal obtiene una mayor libertad a la hora de trabajar, por lo que retoma su carrera como cantante. En 1981 publica su primer disco en solitario, Neocasal, con grandes éxitos como "Champú de Huevo" (su primer número 1) o "Billy Boy" y producción de Julián Ruiz. A pesar de que el trabajo no contó con el visto bueno de la crítica, Casal comenzó a cosechar seguidores. Por otro lado, continuó su carrera como productor con grupos como Azul y Negro u Obús, y colaboró con artistas como Pedro Almodovar, al que financió parte de las películas "Pepi, Luci, Bom Y Otras Chicas Del Montón" y "Laberinto de pasiones". En esta última película cedió elementos como su chaqueta roja, que en la cinta lleva puesta Imanol Arias.
• En 1983 publica "Etiqueta Negra", con el que Casal se consolida como cantante con éxitos como "Embrujada" o "Póker para un perdedor". El disco logra buenas ventas, y el artista decide reeditarlo con nuevos temas. Un año después lanza "Hielo Rojo", del que se extrae su sencillo "Pánico en el edén". El artista continúa realizando actuaciones y colaboraciones hasta que en 1985 sufre un esguince en medio de una gira. Desoyendo los consejos médicos, Tino prosigue con su gira durante dos meses más, automedicándose con antiinflamatorios y analgésicos, hasta que tiene que ser hospitalizado al borde de la muerte por causa de una necrosis. La larga convalecencia le obligó a permanecer en silla de ruedas durante varios meses.
•  Reaparición con "Lágrimas de cocodrilo"Casal regresa en 1987 con un nuevo álbum grabado en los Estudios Abbey Road de Londres. Dicho trabajo, "Lágrimas de cocodrilo", cuenta con distintas versiones de otros grupos y canciones propias, estuvo producido por Julián Ruíz y dirigido por Andrew Powell, arreglista de Alan Parsons Project. Su mayor éxito fue la grabación del cover de "Eloise" (un clásico de 1968 cantado por Barry Ryan y compuesto por su hermano gemelo Paul Ryan, que The Damned retomarán en 1986), que llegó a ser número 1 en Los 40 Principales y se convirtió en uno de sus temas más emblemáticos. Este trabajo fue el segundo más vendido en España en 1988, sólo por detrás de "Descanso dominical" de Mecano.
• En octubre de 1989 lanzó su último disco en vida, "Histeria", compuesto en su mayoría por versiones revisadas de temas de los años 1970. Tras este lanzamiento, Casal se dedicó en sus últimos años a la pintura y la escultura, además de colaborar con otros artistas. En mayo lanzó su recopilatorio de grandes éxitos, titulado "Etiqueta Negra, grandes éxitos", y preparaba el lanzamiento de su nuevo disco en 1992, con la intención de grabarlo en Tokio.
•  MuerteTino Casal fallece el 22 de septiembre de 1991 a causa de un accidente de tráfico, a los 41 años. El artista regresaba de la discoteca Voltereta (Plaza de los cubos, Madrid) acompañado por otras tres personas, cuando el conductor del Opel corsa color blanco matrícula M-9642-FT chocó contra una farola de la M-500, a 400 metros del puente de los franceses, dirección sur a la M-30, cerca del barrio madrileño de Aravaca por exceso de velocidad, siendo Casal (que iba en el asiento del copiloto) la única víctima mortal. La noticia causó gran conmoción en el panorama musical español..MI reeditó un año después, de manera póstuma, su recopilatorio de "Etiqueta Negra", y ha sido versionado y homenajeado por otros artistas como Alaska, Marta Sánchez, Despistaos o Stravaganzza entre otros. También apuntar una curiosidad que es la de la existecia de un programa de radio en Almería bajo el nombre de "Pánico en el Edén" en referencia a la canción que Tino grabó en 1984.
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Luz Casal

• Luz Casal nació en la localidad de Baimorto, en La Coruña. Es la hija única de un matrimonio gallego que se trasladó a Asturias cuando Luz apenas tenía seis meses.
• En Gijón es donde Luz Casal, por primera vez, se sube a un escenario para cantar. Fue ante apenas cincuenta personas, pero en ese momento, decide que su futuro estará ligado al mundo de la música.
• Luz estudia piano y solfeo y recibe cursos de ballet. Entra a formar parte de 'Los Fannys', un grupo de rock que dedica a interpretar versiones de temas conocidos. Cuando deja el grupo, se interesa por la ópera y comienza a estudiar bel canto.
• Se traslada a Madrid, buscando abrirse camino en el mundillo de la música. Allí graba una maqueta que presenta a una productora independiente que decide hacerle una prueba. Comienza realizando coros en algunas de las grabaciones de los artistas de la discográfica y como acompañante vocal en directo de Juan Pardo.
• Su primer álbum, homónimo y sostenido por el rock, vio la luz en el 82. Destacaban temas como Ciudad sin ley y No aguanto más, de sonidos hasta entonces inéditos en el panorama musical español. Una canción de amor, Eres tú, se diferenciaba del resto y vislumbraba una versatilidad que un par de años más tarde se fortalecería con la aparición de su segundo disco, Los ojos del gato. Detrás de tu mirada y Tengo bastante pronto hicieron preguntarse a muchos por aquella mujer que había conseguido conquistar una marcada individualidad en un género que aceptaba todavía con reticencias a las mujeres, no digamos ya solistas. Luz evitaba caer en la queja fácil que destila el victimismo y se crecía ante las adversidades, los retos y los prejuicios. Llevaba ya a sus espaldas dos discos como intérprete y compositora y una de las giras más célebres que España recuerda, El Rock de una Noche de Verano, junto a Leño y Miguel Ríos.
• En 1985 publicó Luz III, en el que colaboraban, entre otros, Antonio Vega, John Parsons, Santiago Auserón y Carmen Santonja. Rufino y Hechizado trajeron un éxito popular que se reforzaría con Quiéreme aunque te duela, editado en 1987. El álbum, que contenía temas como A cada paso y Un día marrón, cerraba una etapa en la trayectoria de Luz, que cambiaría de sello discográfico y no volvería a contar con la producción de Carlos Narea, como había ocurrido en los cuatro primeros discos.
• Ya en 1989 y bajo la batuta de Paco Trinidad, se editó Luz V, con temas como Loca, Te dejé marchar y No me importa nada, quetuvieron una repercusión de tal calibre que nadie dudaba ya de que Luz era la solista española por excelencia. Fue entonces cuando se atrevió a aceptar la proposición de Pedro Almodóvar, que le ofreció interpretar dos canciones en su nueva película, Tacones lejanos. Se trataba deun tema de Agustín Lara, Piensa en mí, y la adaptación de una canción de Mina, Un año de amor, que supusieron un punto de inflexión en la carrera de Luz. Comenzaba, además, su éxito en Francia, que se sumaba a la aceptación que ya tenía en América del Sur, corroborado en festivales como el organizado por Amnistía Internacional en Chile en 1991. Ese mismo año publicó A contraluz, un disco decisivo que evidenciaba la esencia rockera de Luz y que además de los temas incluidos en Tacones lejanos contenía canciones como Es por ti, Un pedazo de cielo, Tal para cual o Es mejor que te vayas. Luz asimiló el éxito y conjugó su ambición musical con la necesidad de huir del escaparate mediático.

• El séptimo disco se haría esperar cuatro años y se materializaría en 1995 bajo el título Como la flor prometida. Una hermosa canción que sirvió a Luz de bálsamo ante la muerte de su padre, Entre mis recuerdos, prologaba un nuevo éxito refrendado por temas como Lo eres todo, Besaré el suelo, Vengo del norte y Plantado en mi cabeza. Un recopilatorio que resultó multiplatino en ventas calmaría la expectación que provocó la ausencia musical de Luz durante los cinco años que tardó en publicar Un mar de confianza, queaterrizó en el año 2000 en un panorama musical y discográfico confuso que había cambiado sustancialmente desde Como la flor prometida. Mi confianza era la carta de presentación del nuevo disco de una Luz más serena. Crítica y público aplaudieron el tema y acogieron con entusiasmo el resto de canciones. El éxito en Francia se corroboró con un lleno absoluto en el concierto que Luz ofreció en el mítico teatro Olympia de París.
• En 2002 se editó Con otra mirada, del que se extrajeron tres singles: Ni tú ni yo, Dame un beso y A veces un cielo. Luz se dedicó a reforzar su carrera internacional, que se extiende más allá de las fronteras galas, en países como Grecia o Bélgica. Sencilla alegría, publicado en 2004, hace el número diez en su discografía. Un nuevo día brillará sumó un nuevo éxito en la carrera de Luz, que alcanza niveles altísimos en la composición, como demuestran Mi memoria es agua o Para un cínico. Continuó su relación con el cine y, tras ganar junto a Pablo Guerrero el Goya a la mejor canción por el tema que compusieron para la película El bosque animado, Alejandro Amenábar incluye su versión de Negra sombra, elhermoso poema de Rosalía de Castro, en la oscarizada Mar adentro.
• Cuando en 2007 un cáncer de mama interrumpió la gira de Sencilla alegría, Luz, empujada por la fuerza que la caracteriza, combinó el tratamiento con la preparación de un nuevo disco. Comenzó a componer, a escribir, a reunirse con los músicos y el productor, un viejo conocido, Pacto Trinidad. Apenas nueve meses después reaparecía con Vida tóxica, un trabajo complejo y poético del que Luz extrajo como primer single toda una declaración de intenciones y la mejor respuesta para todos aquellos que se preguntaban cómo se encontraba después de la enfermedad, Sé feliz, en cuyos primeros versos canta:
• el disco cuenta con músicos de la talla de Alex Acuña o Luis Conte, que han trabajado, entre otros, con Ella Fitzgerald, Paul McCartney  o Ray Charles. La nómina de colaboradores de lujo de los que Luz se ha rodeado continúa con el reconocido arreglista Eumir Deodato y con el fotógrafo de modas Jean Baptiste Mondino, encargado de la portada del álbum. Así las cosas, no resulta descabellado equiparar este viaje al pasado con un trabajo de arqueología; donde muchos sólo amontonan, ella cava.
• El otoño de 2009 aguarda además un importante hito en la trayectoria de Luz, la Medalla de las Artes y las Letras de Francia con la que ha sido distinguida y que le entregará Frederic Mitterrand, el ministro de Cultura francés.
• El poder de algunas voces radica en ir más allá de las palabras, de la música, no para superponerse a ellas, sino para traspasarlas y dotarlas de nuevas posibilidades. La de Luz es una de esas voces, y desde luego su discografía avisa de que no se ha dormido en los laureles del éxito, que no vive de recuerdos y que está viva y en pleno proceso creativo. Y que además es una de las mejores intérpretes de la historia de la música española. Porque la voz de Luz, como en el poema de Alejandra Pizarnik, corroe la distancia que se abre entre la sed y la mano que busca el vaso.
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Celine Dion

• Celine Dion nació en Charlemagne (Quebec-Canadá), el 30 de marzo de 1968, siendo la menor de 14 hermanos. Sus padres, ambos músicos, regentaban un local donde, de vez en cuando, se ofrecían conciertos e improvisaciones musicales realizadas por algunos miembros de la familia.
• Un comienzo humilde...
  Siendo la menor de 14 hermanos, Céline Marie Claudette Dion, heredó la vena artística de sus padres Thérèse y Adhémar Dion, los cuales desde un pequeño bar llamado 'Vieux Baril' al oeste de Quebec, en la localidad de Le Guardeur muy cercana a su pueblo natal Charlemagne, encausaron todo el talento y los dotes de la pequeña Celine. 
•  El principio del Exito 
  Desde los cinco años Celine demostró su talento, y a sus catorce años de la mano de su manager y esposo, Rene Angelil, ganó el concurso Festival Mundial de la Canción realizado en Tokio (Japón) y el título de Mejor Interprete en los premios Musician
• Celine Dion comenzó a cantar desde muy pequeñita, con apenas cinco años, y a los catorce se fijó en ella un mánager llamado René Angelil, quien decidió darla a conocer por todo el mundo. Sus primeros frutos los consiguieron un año después, en 1982, cuando Celine ganó el festival Yamaha, en Tokio.
• En 1988 obtuvo un nuevo éxito en su carrera, al ganar el festival de Eurovisión, lo que le abrió las puertas de todo el mundo. Su siguiente triunfo lo obtuvo al interpretar la canción principal de la película 'La bella y la bestia', tema que introdujo en su disco titulado 'Celine Dion'.
• En 1994 Celine Dion se casó con su mánager, tras más de trece años de relación profesional. Su carrera discográfica resulta imparable en esa época. En 1996 publica 'Falling into you', nominado en los Grammy de ese año. Un año después edita 'Let's talk about love', ganador de dos Grammys. Ese mismo año publica la banda sonora de la película 'Titanic', con el tema estrella 'My heart will go on', con el que obtuvo el oscar a la mejor banda sonora, además de batir todos los records de ventas, con más de 25 millones de copias vendidas en todo el mundo.
• En 1999 publica un recopilatorio con sus mejores temas, titulado 'All the way... a decade of song'.
• El 25 de enero del 2001 nace su primer hijo, fruto de su matrimonio con René Angelil. Tras su maternidad, Celine Dion decide darse un receso en su trabajo para dedicarse un poco a su familia, especialmente a su bebé, aunque sigue preparando temas para un próximo lanzamiento.
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Luciano Pavarotti

• Luciano Pavarotti (Módena, 12 de octubre de 1935 - 6 de septiembre de 2007) fue un tenor italiano, uno de los cantantes contemporáneos más famosos, tanto en el mundo de la ópera como en otros múltiples géneros musicales.
• Muy conocido por sus conciertos televisados y como uno de Los Tres Tenores, junto con Plácido Domingo y José Carreras. Reconocido por su filantropía, reunió dinero para refugiados y para la Cruz Roja y fue premiado en varias ocasiones por ello.
• Nacido en las afueras de Módena, el 12 de octubre de 1935 en el norte de Italia, era hijo de Adele Venturi, trabajadora en una fábrica cigarrera, y de Fernando Pavarotti, panadero y tenor aficionado, que estimuló a Luciano para comenzar sus estudios en el mundo del canto lírico. Aunque Luciano hablaba con cariño de su infancia, la realidad es que vivió ciertas penurias. Su familia tenía escasos recursos económicos; sus cuatro miembros se apiñaban en un apartamento de dos cuartos.
• Según Luciano, su padre tenía una fina voz de tenor, pero rechazó la posibilidad de dedicarse a la carrera de cantante debido a sus nervios. La Segunda Guerra Mundial forzó a la familia a salir de la ciudad en 1943 y al año siguiente tuvieron que alquilar una habitación a un granjero en la campiña cercana, donde el joven Luciano desarrolló interés en la agricultura.
• Sus primeras influencias musicales provinieron de las grabaciones de su padre, la mayoría de tenores populares de la época como Beniamino Gigli, Giovanni Martinelli, Tito Schipa y Enrico Caruso. Sin embargo, el ídolo de Luciano fue el tenor Giuseppe Di Stefano. Cerca de los nueve años comenzó a cantar con su padre en el coro de una pequeña iglesia local. También en su juventud tomó algunas clases de vocalización con el profesor Dondi y su esposa, pero siempre concedió poca importancia a ambos..
• Las actuaciones más comentadas a nivel internacional del gran tenor italiano fueron las que realizó con los españoles Plácido Domingo y José Carreras, con quienes formó el trío Los Tres Tenores (The Three Tenors). Esta idea, propugnada por Pavarotti para hacer llegar "il bel canto" a todos los públicos, comenzó con un concierto en las Termas de Caracalla en Roma que sirvió de clausura al mundial de fútbol de 1990. El éxito fue tan atronador que se repitió en las clausuras de los sucesivos mundiales de 1994, 1998 y 2002, así como en algunos otros conciertos adicionales, todos ellos de inmenso éxito.
• En su acercamiento a la música popular, Pavarotti grabó duetos con Eros Ramazzotti, Sting, Sepultura, Andrea Bocelli, Celine Dion, Liza Minnelli, Elton John, Tracy Chapman, Frank Sinatra (My Way), Michael Jackson, e inéditamente, con el brasileño Caetano Veloso, la argentina Mercedes Sosa y el grupo de rock irlandés U2. Un dueto con Sarah Brightman nunca se pudo concretar, aunque siempre fue deseado por los dos artistas.
• Durante varios años seguidos a partir de 1991, Pavarotti respondió al llamado de la organización War Child, para recaudar fondos para la construcción de un centro de musicoterapia en Mostar. De esta forma, anualmente se organizaron conciertos en Módena bajo el título Luciano Pavarotti & friends, donde además participaban otras personalidades de la música internacional, como Anastacia y Mónica Naranjo, donde se recaudan fondos para diferentes causas y a beneficio de niños y hombres de todo el mundo.
• Quizás sus conciertos benéficos más multitudinario fueron los realizados en 1998, a favor de Liberia o 2003,ambos celebrados en Módena, Italia, dónde participaron artistas de la talla de Bryan Adams, Bon Jovi, Queen, U2, Deep Purple, Stevie Wonder, Eros Ramazzotti, The Corrs, Spice Girls, Zucchero, Andrea Bocelli, Céline Dion, Natalie Cole o Vanessa Williams entre otros artistas de pop y rock de talla mundial. Con él colaboraron las más relevantes figuras del panorama musical de la época, lo que demuestra el alto grado de popularidad que alcanzó. Por primera vez un tenor de ópera era conocido como estrella por el gran público.
• Pavarotti fue muy solicitado en teatros de todo el mundo hasta su retiro en la Ópera Metropolitana de Nueva York, el 13 de marzo del 2004, donde interpretó el papel del pintor Mario Cavaradossi en la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, al lado de Carol Vaness.
• En mayo de 2004, en vísperas de su cumpleaños número 70, el tenor anunció El tour del adiós compuesto por 40 conciertos en todo el mundo, para despedirse de los fieles seguidores de su canto. Pese a este retiro, en febrero de 2006 interpretó el aria Nessun dorma, del Turandot,de Giacomo Puccini, como cierre a la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006 en el Estadio Olímpico de Turín.
• En su vida personal, Luciano Pavarotti fue un gran aficionado al fútbol, la pintura y los caballos. Unió su destino, durante 34 años, con Adua Verona, con quien tuvo tres niñas, Lorenza, Cristina y Giuliana, pero el 13 de diciembre de 2003 se casó en segundas nupcias con su asistente, Nicoletta Mantovani, 30 años menor que él y con ella tuvo a su cuarta hija, Alice.
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Hugh Laurie

• "Vamos a hablar ellos" es el primer álbum que se registran por Hugh Laurie después de firmar con Warner Bros Records en 2010. Producido por Joe Henry y grabado en Los Ángeles y Nueva Orleans, el álbum es una celebración de Nueva Orleans, el blues, un género que impulsa razón musical de Hugh de ser.
• Espiritualmente inspirado por los albumes género similar, como T-Bone Ry Cooder "Buena Vista Social Club 'y Burnett" O' Brother Where 'soundtrack', de Hugh "Tú eres grabaciones Vamos a hablar ellos" reunir a una extraordinaria selección de temas del patrimonio, los músicos de renombre y vocales leyendas para defender este cuerpo muy descuidado de trabajo.
• Hugh unidades de todo el álbum en piano y voz y se une en el estudio de la 'Reina de Nueva Orleáns a sí misma, Irma Thomas, piano blues y cuernos supremo de Allen Toussaint, vocal legendario Sir Tom Jones y en una colaboración especialmente trascendental en' Después de You've Gone "por su permanente héroe el Dr. John.
• Fecha de lanzamiento el 9 de mayo en Europa, el lanzamiento del álbum será apoyado por presentaciones en vivo en Londres, París y Berlín y un especial de televisión después de un viaje musical de Hugo a Nueva Orleans y con las actuaciones de gran parte del álbum grabado en Kingsway Studios en el barrio francés junto con la banda de Hugo y sus colaboradores increíble.
• Pero el álbum se explica mejor por Hugh sí mismo ... ... ..
• Yo no había nacido en Alabama en la década de 1890. Es posible que así lo saben ahora. Nunca he comido granos, recortada por acción, o montado un vagón. Ninguna mujer gitana dijo nada a mi madre cuando yo nací y no hay perro del infierno en mi camino, hasta donde yo puedo juzgar. Que este expediente demuestran que soy un blanco de clase media, inglés, abiertamente entrar ilegalmente en la música y el mito del sur de América.
• Si eso no fuera suficientemente malo, yo también soy un actor: uno de esos bobos mimados que no ha comprado una hogaza de pan en una década y no puede encontrar su camino a través de un aeropuerto sin una niñera. No me sorprendió descubrir que tengo algunos caracteres chino tatuado en el culo. O el codo. Es lo mismo.
• Lo peor de todo, he roto una regla de oro del arte, la música, y las carreras: los actores se supone que deben actuar, y los músicos se supone a la música. Así es como funciona. No comprar pescado de un dentista, o pídale a un plomero para asesoramiento financiero, ¿por qué escuchar música de un actor?
• La respuesta es - no hay respuesta. Si usted se preocupa por la procedencia y genealogía, entonces usted debería tratar en otro lugar, porque no tengo nada en su tamaño.
• Empecé a clases de piano a la edad de 6 con la señora Hare. Era una mujer agradable, probablemente, pero en mi recuerdo de infancia torcida la he echado como un matón verrugosa que me intimidaba a través de las brasas de do-re-mi. Lo pegado durante unos tres meses, a través de molienda primaria Piano Libro Uno hasta que llegamos a Swanee River de Stephen Foster. (. Foster, como es el caso, también fue un intruso Nacido en Pennsylvania, nunca vio a los efectivos del Río Suwannee - ni que poner los pies en la Florida, que adoptó la canción como el himno del estado en 1935, sólo estoy diciendo..)
• Ahora no era precisamente Swanee River una canción de blues - en una de sus primeras ediciones, la puntuación se vendió como "una melodía de Etiopía" -, pero es mucho más cerca que la canciones de cuna francesa y cómicos bailes polacos que constituían el resto de ese infernal libro.
• El día llegó, y la señora Hace vuelta a la página: "Swanee River", leyó, mirando a través de los anteojos que yo hubiera imaginado para ella, 45 años después. Y entonces, con un rizo de sus labios peludos, leyó el subtítulo: "'. Negro Espiritual - Un poco sincopado' Oh Dios mío ... no..". Con eso, se encendió la página de Le Tigre Et L'Elephant, o alguna otra pesadilla impía, y mi relación con la instrucción musical formal terminó.
• Y entonces un día una canción en la radio - Estoy bastante seguro de que era I Can't Quit You Baby de Willie Dixon - y cambió toda mi vida. Un agujero de gusano abierto entre la tercera menor y mayor, y me atravesó en el País de las Maravillas. Desde entonces, los azules me han hecho reír, llorar, bailar ... bueno, este es un libro de familia, y yo no puedo decir todo lo que el blues me puede hacer hacer.
• En el centro de este reino mágico nuevo en lo alto de una colina (que le muestra lo poco que sabía en ese entonces), estaba el oro de la ciudad de Nueva Orleans. En mi imaginación, como si nada zumbaba con la música, el romance, la alegría, la desesperación, sus ritmos se metió en mi cuerpo desgarbado Inglés y, a veces, me hizo tan feliz, y triste, yo no sabía qué hacer conmigo misma. Nueva Orleans era mi Jerusalén. (La pregunta de por qué un niño de escuela Inglés suave mano debe ser tocado por la música nace de la esclavitud y la opresión en otra ciudad, en otro continente, en otro siglo, es para otros mil para responder ante mí: de Korner a Clapton, los Rolling piedras a la Hollands Joolsing. Digamos que sucede.)
• Durante la década siguiente, me consume todos los guitarristas que pude encontrar: Charley Patton y Lead Belly, que era un genio, al igual que Skip James, Scrapper Blackwell, todas las persianas (Lemon Jefferson, Blake, Willie Johnson, Willie McTell), Hijo Casa, Lightnin 'Hopkins, Bo Diddley, Muddy Waters y muchos más que nosotros estaría aquí toda la noche sólo nombrar una décima parte de ellos.
• Y luego estaban los pianistas imponentes: Pete Johnson, Albert Ammons, Meade Lux Lewis, Roosevelt Sykes, Leroy Carr, Jelly Roll Morton, Champion Jack Dupree, Tuts Washington, Willie "The Lion" Smith, Otis Spann, Memphis Slim, Pinetop Perkins, Professor Longhair, James Booker, Allen Toussaint y Dr. John.
• Me tendieron a favorecer el piano en la guitarra, ya que se queda en un lugar, que es lo que me gusta hacer. Guitarras llamamiento a la Footloose, el inquieto. Me gusta estar mucho.
• En cuanto a cantantes, eso es una enorme lista, con sólo dos nombres en él: Ray Charles y Bessie Smith.
• Estos grandes artistas y hermosa que vivía como lo jugados: todos sabían el precio de una hogaza de pan y la mayoría había veces en su vida cuando no podía raspar juntos. Tenían credenciales, en otras palabras, y yo respeto los tanto como el hombre que viene, posiblemente más.
• Pero al mismo tiempo, yo nunca podría soportar ver a esta música limitarse a una vitrina, bajo el título Cultura: Sólo para ser controlados por los hombres de edad avanzada Negro. De esta forma se encuentra la tumba, para el blues y todo lo demás, Shakespeare sólo se realiza en El Globo, Bach sólo jugó por los alemanes en medias. Es el formaldehído, y ruego que Lead Belly nunca estará muerto como para justificar eso.
• Así que esa es mi única credencial - mi tarjeta de identificación para perros de orejas que espero que me llevará a través de las cuerdas de terciopelo y en su corazón. Me encanta esta música, tan auténticamente como sé, y yo quiero que lo amo. Y si usted recibe una milésima parte del placer de ella que he tenido, todos estamos delante del juego.

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Bill Haley

• Bill Haley (Highland Park,Detroit,Estados Unidos,6 de julio de 1925 - Texas, Estados Unidos, 9 de febrero de 1981), cuyo nombre completo era William John Clifton Haley (pronunciado IPA:[ˈheɪliː], aprox. hey-lii) fue un músico estadounidense, uno de los fundadores del rock and roll, considerado el padre del rock and roll. Nacido en Highland Park, un barrio de Detroit
• Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo "Bill Haley and his Comets", evolucionando desde el country y el rockabilly, así como desde el rithm and blues, especialmente con Crazy Man Crazy (1954) y su gran éxito Rock Around The Clock (1955), una reinterpretación del clásico de Jimmy Myers y Max Freedman, y que ya había sido grabado en 1952 por Sunny Dae & His Nights.
• A diferencia de la mayoría de las grandes estrellas del rock and roll, Bill Haley realizó importantes giras por América Latina que tuvieron una gran influencia en la difusión del nuevo estilo. En 1958 debutó en Buenos Aires (Argentina), 1960 en Ciudad de México (Teatro Follies) y 1962 en Bogotá (Colombia), donde fue todo un éxito.
• Grabó varios discos en español durante su estancia en México, con los que comenzó a promover un nuevo ritmo que finalmente desplazaría al Rock & Roll, el Twist, estilo musical que entró pisando fuerte en 1962. Entre sus discos de Twist se encuentran La Paloma y Florida Twist. El Twist, vino a marcar el fin de la era del Rock & Roll original e inalterado (1955 a 1961). En 1964 el grupo británico los Beatles (más la gran ola inglesa que les siguió), vino a desplazar al Twist, o sea que el Twist reinó únicamente por dos años.
• El gran mérito de Bill Haley y sus Cometas[1] es que comenzaron a tocar música de rock unos tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, Fats Domino, Buddy Holly, Chuck Berry, Bo Diddley o The Platters. Resulta difícil determinar quien fue el "Padre" o fundador del Rock & Roll, lo que si se puede asegurar, es que Bill Haley y su banda fueron auténticos pioneros del género. Uno de sus temas mas conocidos (aunque no compuesto por ellos) es Rock Around The Clock...

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Ronnie Laas

• Aquí está un hombre que ha estado jugando electrificada Chicago blues rock de cerca de cuarenta años, sin embargo, nunca ha renunciado como bielas de su guitarra en el club después de club.
• De vuelta en el día, y la forma antes de llegar famoso, que estaba jugando con clubes de la talla de Peter Cetera (pre Chicago) y Pablo de algodón (Poco antes), e incluso comenzó una banda con un joven guitarrista llamado Berry Oakley.
•  Convenció a Berry para cambiar al bajo. Berry hizo, y se dirigió a unirse a la Allman Brothers Band! Ronnie ahora dirige un estudio en Chicago y ha actuado, producido y escrito este CD pista once. Las notas de la manga no existe no ayuda, pero ciertamente parece que, aparte de algo de percusión en "If This Is Me" y la guitarra en "drástica", lo que realmente es un álbum en solitario.
• Y hay algunas cosas buenas aquí, especialmente cuando se pega a la acreditada plantilla de Chicago Blues.
•  Cuando se pierde en territorio Climax Blues Band en la pista del título, que todo va muy mal, pero luego manivelas de nuevo en "No Lies 'y los lamentos blues rock te lleva de vuelta en la pista de nuevo.
•  Algunos de los tambores es un peatón poco, pero el trabajo de guitarra es uniformemente excelente, y con más de la mitad de las pistas y dignos de las obras de repetir, este veterano de la escena club de Chicago puede sostener su cabeza en alto.
•  CRITQUE DE LOWDOWN
• Ronnie comenzó su carrera musical a la edad de tres años cuando se presentó con su hermano en la armónica Ted Mack aficionados jugando horas.
• (su hermano más tarde pasó a jugar con Johnny Puleo y su banda Harmonca, viajando por el mundo y apareciendo en programas como
   Como Johnny Carson, Milton Berle, etc Ed Sullivan)
   Ronnie dejó el mundo del espectáculo durante siete años, cuando a la edad de diez años su madre le compró
   Su primera guitarra, una Gibson .., empezó perfeccionar su arte en
   y alrededor de Chicago a la edad de quince años cuando empezó tocando en clubes nocturnos con los mayores músicos pesados ​​locales
   como Peter Cetera, Bruce Bolin (Fender y Gibson fama) David Kal-Fabuloso Piedras, Paul Cotton-Poco Harvey Mandel-piedras del balanceo grabación de la fama.
• Y Chaka Kahn, para nombrar unos pocos.
• Su actuación más memorable fue la apertura de Roy Orbison en la edad de 16 años.
• También comenzó una banda con un guitarrista llamado Barry Oakley, pero Ronnie es un jugador de la guitarra también, así que convenció a Barry a tocar el bajo lo que hizo, este proyecto no duró para Barry izquierda y se unió a una banda llamada los hermanos Allman.
• Después de grabar éxitos locales en el Ajedrez Studios. Ronnie salió a la carretera con una gran variedad de bandas show, terminando en Las Vegas durante 9 meses.
• Regresó a Chicago para llevar a cabo en bandas locales como Baby Huey y Niñeras la
   Chispa, El Riot, entre otros más.
•  Ronnie hizo un montón de trabajo en la carretera de tomarse el tiempo para demostrar la guitarra Merodeador
   Para las guitarras Gibson.
•  Ronnie hoy escribe graba y reproduce desde su estudio en Chicago.

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Fleetwood Mac

• El que fue llamado Fleetwood Mac o suerte o profético. La única cosa sobre el grupo que no ha cambiado desde que se formó en 1967 es la sección rítmica de Mick Fleetwood y John McVie. A través de los años 70, el personal de la banda y el estilo cambió con casi todos los grabación como Fleetwood Mac metamorfosis de una banda de blues británico tradicionalista al fabricante de uno de los mejores álbumes de pop-vendido de la historia, rumores.
•  Desde el lanzamiento de ese álbum en 1977 hasta el presente, Fleetwood Mac ha sobrevivido adicional, teóricamente clave, cambios de personal y se mantuvo hasta mediados de los años 90 una fuerza comercial dominante.
• Fleetwood Mac de Peter Green fue formado por ex Bluesbreakers de John Mayall's Green, McVie y Fleetwood junto con Elmore James entusiasta de Jeremy Spencer. McVie había sido un miembro fundador de los Bluesbreakers en 1963, Fleetwood había unido en 1965, y Green había sustituido a Eric Clapton en 1966. Con su repertorio de clásicos del blues y los originales de Green blues al estilo, el debut del grupo en el Jazz y el Festival de Blues británico en agosto de 1967 marcó un contrato de grabación. Fleetwood Mac fue popular en Gran Bretaña de inmediato, y su álbum debut se quedó cerca de la cima de las listas británicas durante 13 meses.
• El cuarteto tuvo hits en el Reino Unido hasta 1970, incluyendo "Negro Magic Woman" y el instrumental "Albatros" (que fue número uno en 1968 y alcanzó el número cuatro cuando se volvió a publicar en 1973). América, sin embargo, ignoraron Fleetwood Mac, su primera gira por EE.UU. tuvo el tercer grupo de pico detrás de Jethro Tull y Joe Cocker, ninguno de los cuales era tan popular en Gran Bretaña.
• Green y Spencer registró Fleetwood Mac en Chicago con Willie Dixon, Otis Spann, y otros patriarcas azules en 1969 (el LP no fue lanzado hasta 1971), sin embargo, el grupo ya estaba alejándose del formato de todos los azules. En mayo de 1970 Verde abruptamente dejó el grupo para seguir sus creencias religiosas ascéticas.
• Se quedó fuera del negocio de la música hasta que a mediados de los años 70, cuando hizo dos discos en solitario. Su partida puso fin a tendencias de Fleetwood Mac blues; Danny Kirwan y Perfect Christine se trasladó hacia la banda más delgado, el rock más melódico. Perfecto, que había cantado con Spencer Davis en trajes folclóricos y de jazz antes de unirse británica de blues-rock Chicken Shack en 1968, había realizado sin acreditar en partes de continuación Play On, pero las obligaciones contractuales de Chicken Shack le impidió unirse a Fleetwood Mac oficialmente hasta 1971; para entonces se había casado con McVie.
• A principios de 1971 Spencer desapareció en Los Ángeles y se presentó como miembro de una secta religiosa, los Hijos de Dios (más tarde el título de un esfuerzo en solitario Spencer). Fleetwood Mac fue a través de un período de confusión. Bob Welch se unió, que complementa Kirwan y canciones de Christine McVie. Siguiente Kirwan fue despedido y reemplazado por Bob Weston y Dave Walker, ambos de los cuales pronto se fue. Gerente de Clifford Davis formó entonces un grupo de alrededor de Weston y Walker, llamó Fleetwood Mac, y lo envió en una gira por EE.UU..
• Una medida cautelar presentada por el verdadero Fleetwood Mac obligó a la banda de falsos a desistir (que entonces formaban el grupo de estiramiento), pero mantuvo prolongadas complicaciones legales Fleetwood Mac para la mayoría de las giras de 1974. Desde entonces y hasta en la época de la gira Tusk, en 1979-80, la banda se logró, con Mick Fleetwood teniendo la mayor parte de la responsabilidad.
• El grupo se mudó a California en 1974. Después de Welch izquierda para formar el power trío de París en 1975, Fleetwood Mac finalmente encontró su línea de mayor venta. Productor Keith Olsen jugó un álbum que había diseñado, Buckingham-Nicks (Polydor), de Fleetwood y el McVies como un demo para su estudio, Fleetwood Mac contratado no sólo Olsen, pero el dúo de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, que habían jugado juntos en el Área de la Bahía grupo de acid-rock Fritz desde 1968 hasta 1972, antes de grabar con Olsen.
• Fleetwood Mac ahora había tres compositores, las embarcaciones de Buckingham estudio, y un punto focal en el escenario Nicks, quien se convirtió a finales de los años 70 como símbolo sexual de Fleetwood Mac (número uno en 1975) acumuló 5 millones en ventas.
•  El McVies se divorció en 1976, y Buckingham y Nicks separados poco después, pero las tensiones de los dos años entre álbumes ayudado a formar las canciones de rumores (número uno en 1977), que vende más de 17 millones de copias, ganar el Grammy al Álbum del del Año, y contenía los 1.977 hits "Go Your Own Way" (Número 10), "Sueños" (número uno), "Don't Stop" (número tres), y "You Make Loving Fun" (número nueve).
• Después de recorrer los principales lugares de todo el mundo - con Nicks, quien era propenso a los nodos de la garganta, siempre en peligro de perder su voz - Fleetwood Mac tomó otros dos años y aproximadamente $ 1 millón para hacer Tusk (Número Cuatro, 1979), un acuerdo ambicioso, proyecto experimental que con frecuencia no pudo igualar la popularidad de su predecesor, aunque todavía se volvió un beneficio modesto y separó un par de resultados: "Tusk" (Número Ocho, 1979) y "Sara" (Número Siete, 1979). Buckingham y Mac ingeniero Richard Dashut también produjo éxitos de John Stewart y Bob Welch.
• Al igual que con muchas bandas que han gastado en el estudio, el esfuerzo siguiente de Fleetwood Mac fue un álbum doble en vivo (Número 14, 1980).
• En 1980 Fleetwood y Dashut visitó Ghana para registrar a los visitantes con músicos africanos, y Nicks comenzó a trabajar en su primer LP en solitario, Bella Donna, que llegó a número uno y fue cuádruple platino con tres Top 20 de singles: "Mi Stop Draggin 'Heart Around" (un dueto con Tom Petty), "Leather and Lace" (a dúo con Don Henley), y "Edge of Seventeen (igual que la paloma de alas blancas)." Finales de 1981 vio el lanzamiento de Buckingham LP en solitario, Ley y Orden (Número 32, 1981) y su Top 10 "Trouble".
• primera colección de Fleetwood Mac con material nuevo en tres años, Mirage (número uno), fue menos abiertamente experimental y destacados de 1982 en singles de éxito "Hold Me" (escrito por Christine McVie sobre su relación con los Beach Boys Dennis Wilson) (número cuatro), "Gypsy" (Número 12), y "Love in Store" (Número 22). Los Nicks año siguiente lanzó su segundo trabajo en solitario, El Corazón Salvaje, que contenía "Stand Back" (número cinco).
• A diferencia de versiones de Buckingham en solitario aclamada por la crítica, pero sólo moderadamente popular, Nicks 'fueron muy populares, con su tercer lanzamiento, a Little Rock ("Talk to Me"), llegando al puesto número 12. En 1984, Christine McVie lanzado dos singles, "Got a Hold on Me" (número 10) y "El amor nos mostrará cómo" (Número 30), y Buckingham lanzó su aclamado Go Insane. Bajo la presión de varios factores - entre ellos, cada miembro tiene su equipo de gestión propia, la autoridad cada vez mayor de Buckingham en el estudio, el ascenso Nicks 'al estrellato como solista y dependencia de sustancias químicas (tratamiento durante una temporada 1987 en la Clínica Betty Ford), la quiebra de Fleetwood - el grupo se tomó un descanso, no regresar juntos de nuevo hasta 1985, cuando comenzó a trabajar en Tango in the Night.
• Larga insatisfechos con su posición en el grupo, Buckingham oficialmente dejó el grupo después de decidir no hacer una gira con él para apoyar el álbum. Su reemplazo, Billy Burnette [véase la entrada], que era un miembro de Fleetwood informales del lado del grupo zoológico, y Rick Vito, viajó en su lugar. Mientras que el grupo estaba trabajando en el Tango, Nicks también la grabación, de trabajo, y detrás de gira a Little Rock. Fecha de lanzamiento en la primavera de 1987, el tango se movió rápidamente en el Top 10, impulsado por el Top 20 hits "Little Lies", "Siete Maravillas", y "todas partes".
• Detrás de la Máscara (Número 18, 1990), primer álbum de estudio de Fleetwood Mac no ir platino desde 1975, salió en 1990, alrededor de la cual el tiempo Christine McVie y Nicks ambos anunciaron que permanecerían en el grupo pero no gira más. Más tarde ese año las memorias de la batería de mayor venta, Fleetwood: Mi vida y aventuras de Fleetwood Mac, fue publicado.
• A principios de 1991 Vito dejó el grupo, seguido dos años más tarde por Burnette. En enero de 1993 se unió a Buckingham de Fleetwood, McVies, y Nicks para realizar himno de campaña de Bill Clinton, "Don't Stop", en su gala inaugural presidencial. Los Nicks el próximo mes anunció su salida del grupo y en 1994 lanzó la calle Angel (Número 45, 1994), su primer álbum de material nuevo en cuatro años.
• Dos nuevos miembros se unieron Fleetwood Mac en el otoño de 1993: Dave Mason [véase la entrada] y Bekka Bramlett (la hija de Delaney and Bonnie Bramlett, con el que Mason había viajado antes de Bekka nació). Bramlett había cantado también en el Zoológico. Después de la liberación de Tiempo (1995) a la respuesta decepcionante, el grupo se disolvió.
• Un año más tarde, la edición de rumores de Fleetwood Mac se reunieron para grabar The Dance (número uno en 1997), un documento vivo de un concierto de MTV que incluyó grandes éxitos de la banda, así como cuatro nuevas canciones. el lanzamiento del álbum coincide con una gira mundial - su primera en 15 años - que se encuentra la popularidad de Fleetwood Mac no ha disminuido, ya que marcó el 20 º aniversario de rumores. En 1998 la banda fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, donde jugó un set acústico que Buckingham insistió en que sería su canto del cisne. Irónicamente, miembro fundador Peter Green realizó también - pero con compañeros reclutas Santana. Balance de solista Nicks "pone de relieve, Encantado, un box set de tres discos, también fue lanzado. Su salida en 2001, Trouble in Shangri-La, a su regresó al Top 10. Incluso Verde disfrutado de una reaparición, que forman el Peter Green Splinter Group y la liberación de una serie de finales de los 90 álbumes dedicados a los azules. En 2000, Fleetwood Mac ha vendido más de 100 millones de copias de sus álbumes - entre ellos 25 millones de rumores solo - por lo que es una de las bandas de rock más populares de la historia...
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Robbie" Williams

• Robert Peter "Robbie" Williams (nacido el 13 de febrero de 1974 en Stoke-on-Trent, Staffordshire, Inglaterra, Reino Unido) es un multipremiado cantante británico de pop rock y miembro del grupo Take That desde su regreso en el 2010.
• Tras su paso por este grupo, a principios y mediados de los 90, se forjó una carrera como solista, siendo "Angels", una balada, la canción que le dio su primer éxito. Su primer álbum fue Life Thru A Lens. Su siguiente álbum, I've Been Expecting You, lanzado en octubre de 1998, contiene el tema "No Regrets", dedicado a sus antiguos compañeros de Take That. En el 1999 lanza The Ego Has Landed. En el año 2000 grabó Sing When You're Winning, que contenía Rock DJ, éxito en varios países.
• En 2001 divulgó el álbum Swing When You're Winning con las recreaciones de éxitos de Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis Jr incluido el éxito "Something Stupid" grabado a dúo con la australiana Nicole Kidman. Un año después grabó Escapology, su álbum más laureado y nº1 en varios países, que incluye unos de sus temas más conocidos "Feel" y "Come Undone". En el 2003 Robbie Williams lanzó Live at Knebworth en 2003, grabado en directo donde batió 2 Record Guiness
• En 2004 lanza su primer álbum de grandes éxitos (Greatest Hits). En 2005 apresenta Intensive Care, siendo su álbum de estudio más vendido con 7,5 millones de copias en todo el mundo. En 2006 lanza Rudebox. En noviembre de 2009 lanzó un nuevo disco llamado Reality Killed The Video Star volviendo a liderar en ventas en Europa. En 2010 anuncia su regreso a Take That.
• Las ventas del artista en todo el mundo alcanzan los 70 millones: unos 55 millones de álbumes y unos 15 millones de sencillos.
•  Cuenta con varios galardones, entre ellos 15 premios Brit, el último anunciando a finales de 2009 por su contribución a la música, 3 Ivor Novello, 5 MTV Europe Music Awards y 3 Record Guiness entre otros.

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The Cardigans

• Este disco me lo Recomendo EiSBaeR ..Como siempre un buen gusto ..
• Si el álbum The Cardigans "anterior fue majestuosa y madura," Super Extra Gravity "es un disco rebelde y espectacular. Sin embargo, hay similitudes. La banda logra retener todo lo que estaba bien "Long Gone antes del amanecer", mientras que, al mismo tiempo, rebelarse contra ella. La continuidad y la reacción en uno.
• Que el último álbum marcó el inicio de un nuevo capítulo en la historia de la banda sueca era evidente. Sin embargo, como compositor y guitarrista Peter Svensson dice, "simplemente no sería The Cardigans si fue e hizo el mismo álbum de nuevo".
  Así que, ¿cuál fue la inspiración en esta ocasión?
  - Queríamos hacer un álbum que era "extraño y bueno", dice el cantante y letrista Nina Persson. La idea era que cada canción debe contener algo retorcido y espectacular.
  Tanto Nina y Peter independiente mencionan los Pixies como una inspiración.
  - No es de extrañar, no sonar como ellos en todo, Pedro sonríe.
• El nuevo álbum se hizo después de un período de una extensa gira. Todo comenzó hace dos años, con festivales de toda Europa y Gran Bretaña. Un tour europeo de clubes en el otoño de 2003 fue seguida de un breve descanso, durante el cual la banda encontró tiempo para grabar un bonus track de la versión americana del álbum. La gira por Estados Unidos duró de mayo a septiembre.
  - Mirando hacia atrás, se siente como la última gira nos dio una gran base como una banda en vivo. Empezó un poco inestable, pero cuando se puso en marcha hemos sido capaces de estirarse y relajarse de una manera que no había sido capaz de hacerlo.
  Los trabajos se iniciaron casi de inmediato en "Super Extra Gravity", el grupo de trabajo con Tore Johansson en Gula Studion en Malmö.
  Dado que tanto Pedro, el tecladista Lasse Johansson y el baterista Bengt Lagerberg se han convertido en padres, las sesiones tuvieron que ser cuidadosamente planeada. 12 días en el estudio fueron seguidos por ocho días de descanso. Durante este último, Pedro publicado dos demos de nuevas canciones de Nina para escribir letras de - a menudo junto con su marido, famoso compositor de música de cine estadounidense Nathan Larson. Durante los próximos 12 días las dos vías se registraron terminado. Suena como una fábrica de golpe la antigua?
  - Sí, Nina asiente con la cabeza, sólo tenía que ser más disciplinado. Tarde o temprano estas cosas están obligados a pasar si usted quiere combinar su banda de rock con una vida. La ventaja de este procedimiento era que cada miembro de la banda ha estado muy involucrada en todos los aspectos y fases del álbum.
  Este fue un activo tanto para el compositor, letrista y la banda.
  - Nos vimos obligados a ser más constructivo, explica Pedro. En álbumes anteriores había una tendencia a evitar el trabajo cuando las cosas no me sentía cien por ciento, que resultó la elaboración del último álbum en un asunto interminable. Esta vez, simplemente no había tiempo. Las decisiones tenían que hacer, que le ha dado al disco un aire más espontáneo.
  Si alguien teme que el enfoque pragmático a la escritura y la grabación se ha traducido en un álbum muy controlado, se equivocan. El álbum atemporal, orgánico y maduro ya se había hecho con "Long Gone antes del amanecer".
  - Cada pincelada, cada sonido y letra de todos los había una sensación similar, que era a la vez una fortaleza y una debilidad, explica Pedro. Mirando hacia atrás, se puede sentir un poco homogéneo y agradable. Pero eso era lo que buscábamos cuando lo hizo, y aún estamos muy orgullosos de ello.
• Muchas de las cosas que estaban bien "Long Gone ..." se puede encontrar en este disco: la interacción entre los miembros, la presencia de vocales de Nina, las melodías fuertes. Pero la lucha por la perfección y haciendo un "bien producido" el álbum de una calidad atemporal han sido cambiados por una, más salvaje, el sonido menos predecible. Las canciones son más cortas y más al punto.
  - Comparado con nuestro último álbum maduro se trata de un adolescente odioso, dice Nina. Creo que nuestra extensa gira resultó en nosotros tener más libertades y extensa en diferentes direcciones.
  El hecho de que Tore Johansson, que había llegado el momento ausente última vuelta, está de vuelta en el timón del productor, así como haber mezclado el álbum, no es casual.
  - Se "disparó" él durante la grabación del último álbum, porque sentimos que nos estaba empujando hacia un enfoque que intentaban salir. Todavía no particular como "Long Gone ..." Él tiene una estética totalmente diferente. Pero para este álbum que llegó arrastrándose de vuelta! Nina admite con una sonrisa generosa.
• primer single del álbum es el engreído, "Necesito un buen vino y tú, tú necesitas ser más agradable". Una canción enérgica y cómodos que demuestra que Nina haría un gran Virginia Woolf si quería. Sólo escucha cómo ella escupe "siéntate!"
• El siguiente single, probablemente será totalmente diferente. Simplemente no hay ninguna canción que resume el disco. "Super Extra Gravity" nunca se detiene. sonidos inesperados abundan, ya sea bonito solos de guitarra tortuosa, de metal incesante de tambores, sonidos brutal bajos, pianos tratados, valses depravados o se hace eco de las partes olvidadas de la historia del rock (cómo órgano en-su-cara de Lasse de los devotos "Amor Santo" .
  "Buenos días Joan" cuenta con un muro de guitarras, mientras que "En La Ronda" presenta indie Magnus Sveningsson y gótica raíces y alude a lo que The Cardigans habría sonado como si hubieran venido de Manchester o Boston.
  apertura del álbum, "Perder un amigo es una canción escasos que podrían haber sido uno de los aspectos más destacados del último álbum. Sería, sin embargo, han sido más pulido y no contienen tales sonidos sucios (o que solo de guitarra tambaleante).
  La triste y hermosa "No Blame You Daughter (Diamonds)" parece estar a punto de tomar la responsabilidad de su propia vida y evitar convertirse en un mártir.
  Las letras son generalmente como las fotografías, descripción de un sentimiento o un estado de ánimo en lugar de contar una historia con un principio y un final. Nina se describen las letras de canciones como "en general, menos triste y quejumbrosa más".
  - Realmente trato de escribir sobre otras cosas que las relaciones complicadas, pero no hay esperanza, suspira, sin mirar a todos los descontentos.
  Una excepción a su descripción es "Godspell", en la que echa un vistazo a cómo la religión puede todavía ser el opio de las masas.
  Una gran cantidad de bandas tratan de ocultar su falta de material fuerte con "interesantes" los sonidos. The Cardigans no tienen ese problema, cada escucha de este nuevo álbum pone de manifiesto otra de las joyas. The Cardigans y Tore Johansson, han logrado su objetivo:
  Para hacer un disco maravillosamente locos que nunca deja de sorprender al oyente.
• HECHOS Y LA HISTORIA
  El quinteto se reunió en la adolescencia en Jönköping, una pequeña ciudad sueca en la que la única característica distintiva es su cincuenta y dos iglesias. En octubre de 1992, unidos por su amor por la música hard rock, el guitarrista Peter Svensson y el bajista Magnus Sveningsson concebido The Cardigans. En su ciudad natal era apenas una meca de la empresa musical, el grupo de las maletas y se trasladó al puerto pesquero de algo más central de Malmö, la tercera ciudad más grande de Suecia, en busca de fortuna. Con Pedro por escrito la mayor parte de la música y la banda en su conjunto componen la letra, el quinteto se puso a buscar un acuerdo.
• Después de una grabación temprana de "Rise & Shine" apareció en un sello local independiente en 1994, The Cardigans se firmaron con rapidez a los registros de Estocolmo.
• El mismo año la banda hizo su debut para el sello con Emmerdale y más tarde ganó el galardón de "Mejor Álbum de 1994" de Slitz, en el momento de revista de música líder en Suecia.
•  El aumento de The Cardigans ha sido gradual, permitiendo que el tiempo que se desarrollen naturalmente en sus ventas y la exposición positiva fue creciendo con cada versión. Su segundo largo-jugador, la vida, que siguió en 1995, contó con los éxitos "Carnaval" y la re-grabó "Rise & Shine", y fue testigo de la banda, el primer éxito de cartas internacionales. Antes de la primera banda en el álbum The Moon en septiembre de 1996, The Cardigans en libertad "Lovefool". Aunque la primera respuesta a la única ha sido muy positiva y aterrizó en el Top 40, que alcanzó ni de lejos el impacto que esperaba que la primavera siguiente.
• Fue en 1997 que The Cardigans fueron catapultados primer paso hacia el estrellato internacional. "Lovefool" inclusión en la exitosa banda sonora de Romeo y Julieta, película que la primavera empujado más allá del punto de ebullición. El single no sólo alcanzó el número 1 en el Reino Unido y EE.UU. gráficos Airplay sino también debutó en el No. 2 en la tabla nacional del Reino Unido, donde permaneció cinco por cinco semanas. Con todo, el álbum llegó a más de 2,5 millones de ventas en todo el mundo, logrando Disco de Platino en los EE.UU. y Japón y el oro en el Reino Unido. El apoyo a las actividades de promoción del éxito mundial de "Lovefool" y la primera banda en la luna se termina nunca.
• La banda no sólo se realiza una gira mundial de un año completo con interminables sesiones de radio y entrevistas con la prensa y la televisión, sino que incluso terminó haciendo apariciones especiales en Beverly Hills 90210 y el Show de David Letterman.
• Fue por puro agotamiento de las derivadas de un calendario, que The Cardigans ya se tomó un tiempo bien merecido fuera como en casa en Malmo para recuperar sus jugos artística y escribir nuevo material. Durante su tiempo libre, sin embargo, la banda no era en modo inactivo.
• A principios de 1999 que contribuyó con una nueva pista, "War", en la banda sonora de A Life Less Ordinary, una grabación en vivo de "Been It" a la compilación Lilith Fair y "Deuce", que figuran en el nuevo álbum, a la X -banda sonora de los archivos. Su ruptura también se incluye la experimentación con proyectos en solitario.
• En junio de 1998, el grupo, que son muy fieles a sus raíces, una vez más se unió desde hace mucho tiempo productor Tore Johansson en su estudio, el infierno de Campo, situado junto al pintoresco castillo Svaneholm en Malmo y grabó el álbum, "Gran Turismo".
• El primer sencillo, "My Favourite Game" fue un gran éxito en muchos territorios. El video de "My Favourite Game" fue dirigido por Jonas Åkerlund. El segundo sencillo, "Erase / Rewind" fue lanzado en enero de 1999, y este single también resultó ser un gran éxito en todo el mundo.
• "Gran Turismo" llegó a más de 2,5 millones de ventas en todo el mundo.
• El álbum "Long Gone antes del amanecer" fue lanzado en febrero de 2003 y del álbum los singles "Para lo que vale" y "You're The Storm" fueron tomadas. El álbum recibió buenas críticas y la banda pasó la mayor parte del año 2003 de gira por Europa y América del Norte.
• The Cardigans
  Nina Persson - voz
  Peter Svensson - guitarra
  Bengt Lagerberg - batería
  Magnus Sveningsson - bajo
  Lasse Johansson - teclado, guitarra acústica
• ALBUM DISCOGRAFÍA
• • "Long Gone antes del amanecer" CD / LP (Actas de Estocolmo / Universal Music, 2003)
• • "Canta Because Of You", Righteous Boy - Magnus Sveningsson proyecto en solitario (Estocolmo Records 2002)
• • "A Camp", un campamento - Proyecto en solitario de Nina Persson (Estocolmo registros de 2001
• • "Gran Turismo Overdrive" CD maxi/12 "de vinilo, edición Ltd (Actas de Estocolmo, 1999)
• • "Gran Turismo" CD / MC (Actas de Estocolmo, 1998)
• • "La primera banda en la luna" CD / (Actas de Estocolmo, 1996) MC
• • "La vida" CD / MC / LP (Actas de Estocolmo, 1995)
• • "Emmerdale" CD-álbum (Estocolmo Records, 1994)

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George Thorogood

• George Thorogood tiene una teoría. "En cualquier campo, especialmente las artes, siempre hay dos cosas-'genius" y "muy inteligente." No es ninguna en el medio. Usted es un genio o muy inteligente. Voy a tirar dos nombres de ti. John Lennon - genio, ¿no? Y Mick Jagger? Muy inteligente. Véase lo que estoy diciendo? Te doy otro ejemplo. Einstein - genio. Y George Thorogood - muy inteligente ".
• Sin embargo, ¿qué pasa con la gente que piensa Thorogood es un genio en su propio camino? "Está bien, soy un genio de ser muy inteligente'', dice con una carcajada. Thorogood ama bromas casi tanto como él ama el blues, así que aquí va otra: "Vamos a ponerlo de esta manera. Dylan tiene un concesionario de Rolls-Royce. He utilizado un concesionario Chevy. Pero yo estoy en el negocio. Lo tienes? Eso es todo lo que quería de esta cosa. Un concierto, el hombre. Y tengo un concierto.''
• Thorogood y su banda de los Destructores han sostenido que tocar durante más de 30 años. Y él no iba a dejar ir ahora. "Es como una pelea de campeonato", dice. "Tienes a dos tipos en el anillo - un tipo que es el competidor y quiere obtener el título y usted tiene el tipo que tiene el título y le tomó 15 años para obtener el título y él se mantuvieron en él cinco años. ¿Quién va a ser el oponente más duro? Va a ser el tipo con el título que han trabajado duro para conseguirlo. Vas a tener que matar para alejarse de él. Y eso es todo lo que estoy haciendo allá arriba. Estoy tratando de mantener mi concierto. Sólo quiero para asegurarse de que al final de la noche, el promotor se acerca y dice, 'Quiero que contrate de nuevo.' "
• Los destructores se abrieron paso hasta la cima. Salieron de Delaware en los años 70 como un grupo desfasadamente de alta energía (también con el baterista Jeff Simon y el bajista Billy Blough) cuya estridente, guitarra slide-alimentado, el blues-rock toma canciones de Chuck Berry, Elmore James, John Lee Hooker, Bo Diddley y otros ayudaron a la tierra a un contrato con Rounder Records de Cambridge.
• Ellos se habían mudado a Boston y cortar los dientes en el circuito de la ciudad de blues antes de su segundo álbum para Rounder, Move It On Over, golpeó grande con el tema que da título, un amplificado-hasta la cubierta de una canción de Hank Williams. Se agregó un saxofonista (Hank Carter) y la fama más vino en los años 80 a través de una firma de EMI Records, que lanzó una serie de discos de oro por la banda.
• Estos incluyen 1982 Malo hasta el hueso (la canción es la composición más conocida Thorogood y su video se convirtió en un elemento básico en la MTV) y 1988 de Nacida para el mal, con el hit arrogante, "You Talk Too Much.''Vieron a la 90 más afectados de decisiones con 1993 de "cortarse el pelo'', de la Corte de pelo álbum. Y álbumes seguido en el nuevo milenio con 2003's Ride 'Til I Die - y 2006's Hard Stuff - en Eagle Records, y una compilación 2004 Capitolio, Greatest Hits: 30 Años de Rock, que fue disco de oro y fue # 1 en el blues de Billboard carta de un notable 60 semanas, mientras que los galardonados de la revista para el registro de blues del año.
• Y aún así, resta importancia a Thorogood buen humor sus logros. "En 1970 me dijo: 'Usted no es ningún genio, Jorge." Tienes que encontrar una manera de hacer esto con apenas una educación de escuela secundaria y no tiene voz para hablar y algunas de las chuletas de interés en la guitarra. Pero tienes que mierda tu camino ahí, hombre. Lo digo al mundo: Los Beatles hicieron lo que hicieron, el resto de nosotros tocaba blues ".
• Los destructores se han expandido a través de los años - que ahora incluyen no sólo Simón y Blough, pero el guitarrista Jim Suhler (un tejano que fue llevado a bordo en 1999) y el saxofonista Buddy Leach, quien se unió en 2003.
• La banda recientemente re-unieron sus fuerzas con Capitol / EMI para el 28 de julio lanzamiento de The Dirty Dozen, un álbum nuevo abrasador de blues-rock de emparejamiento seis grabaciones de estudio con seis nuevos favoritos de los fans clásicos, incluyendo tres canciones populares que antes fuera de la de impresión en los EE.UU. El álbum estará ampliamente disponible en CD y digital, y también estará disponible exclusivamente a la venta en vinilo fromwww.georgethorogood.com LP y en los conciertos de la banda de gira. La firma del sucio Dozenfeatures Thorogood de blues-rock de voz y guitarra de 12 canciones, muchas de las cuales fueron escritas por un quién es quién de las leyendas del blues como Muddy Waters, Bo Diddley, "Sleepy John Estes, Chuck Berry, Howlin 'Wolf , y Willie Dixon. nuevas grabaciones del álbum y favoritos de los fans se agrupan de la LP-inspirado en "partes".
• A pesar de todo, Thorogood mantiene su inteligencia. "¿Hasta dónde puede estirar tres acordes? O en mi caso, un acorde?'', Dice, riendo de nuevo. "¿Cuántos trabajos de pintura diferentes puedo poner en" Johnny B. Goode "? Lo tienes? Mi emoción más grande es cuando alguien dice a un amigo: "Yo tengo el nuevo CD de George y es como el último." Tú sabes lo que quiero decir? "No todos somos John Lennon y Paul McCartney. Comenzaron tocando Chuck Berry, a continuación, que se desarrolló en "Strawberry Fields." Yo no soy así, ni lo que siempre proclaman que ser así.''
• Thorogood prefiere pensar en sí mismo como un jugador de rol, pero ese papel ha sido agradable un par de generaciones de fans del rock en este punto. Él mantiene su inocencia y también su sentido del humor autocrítico.
• "Una vez hablé con Randy Newman y me asusté porque me dijo lo que es un gran fan de la mina era'', dice Thorogood. "Le dije: 'Oye, tú eres Randy Newman. Eres un genio. Y después de un rato, se puso un poco molesto. Él dijo, 'George, no puedo como "Malo hasta el" hueso? ¿Qué le pasa a usted? "Él estaba cantando el Himno Nacional en un juego de pelota y yo ni siquiera podía concentrarse en el juego porque estaba asustado por lo que Randy Newman no sólo sabía quién era yo, pero que él cavó lo que hago. Cuando me iba a casa, mi padre-en-ley, dijo, "Mírelo de esta manera, me enteré de que Laurence Olivier fue un gran admirador Tres Chiflados." Usted lo consiguió? Eso es todo Jeff y Billy y yo fueron: Larry, Moe y Curley. Pero Larry, Moe y Curley todavía en la televisión, ¿de acuerdo? "Todavía estoy en el marcador.''

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Georgia Satellites

• En un momento en que el rock & roll no se preocupan por sus raíces, el Georgia Satellites se desplomó en las listas de éxitos con una sorpresa sencillo de recordar a todo el mundo donde la música había venido.
• El hit de 1986 de "Keep Your Hands a ti mismo", sacudió tan fuerte como una vieja canción de Chuck Berry, además de ser casi tan inteligente. Los satélites no eran una vuelta a lo básico banda rock de raíces, ya sea - su sonido directo prestado por igual de Berry, los Rolling Stones, Faces, Little Feat, y AC / DC, con una inclinación del sur agreste.
•  En el mejor de los casos, los satélites eran sólo una roca muy buena y roll, impulsado por el compositor clásico y fresco de la cantante y guitarrista Dan Baird.
• Sobre la base de "Tu Mantenga las manos a ti mismo", su primer álbum importante de la etiqueta se vendió bien, pero el seguimiento, abierto toda la noche, no, la radio y la MTV había tratado a la banda como una especie de novedad - un montón de Hicks expulsar a rock & roll ofreció una ruptura entre el pop pulido de metal de Bon Jovi y el pop introspectivo de Peter Gabriel.
• En el momento en que lanzó Open All Night en 1988, nadie estaba interesado, aunque el álbum fue sólo ligeramente más débil que el debut.
• Después de un álbum más de 1989 hay en la Tierra de la salvación y el pecado, la banda dio por terminada. El guitarrista Rick Richards se unió Ju Izzy Stradlin Ju Hound tres años más tarde, Baird siguió una carrera en solitario y tuvo un pequeño éxito a finales de 1992 con "I Love You período.
• En 1996, ayudó a formar el Yayhoos después de lanzar su segundo álbum en solitario.
•  El Yayhoos tienen dos álbumes, el más reciente de 2006 puso de Down Hammer. A mediados de los años 90, los Georgia Satellites reunirse sin Baird. Lanzaron sacudido No se movió en 1997.
•  Combinando elementos del punk, boogie, outlaw country, rock and roll y buen americano a la antigua, Georgia Satellites eran como una respiración ruidosa de aire fresco en medio de la década de 1980 el rock moderno. Originalmente fundada por el cantante Dan Baird y el guitarrista Rick Richards en 1980, la banda no entró en plena floración hasta 1985, cuando una colección de demos temprana se convirtió en una sensación europea. Georgia Satellites firmó con Elektra y desató su álbum debut homónimo del año siguiente. Fue un regreso a lo básico éxito de taquilla, destacó por éxitos de rock sucio como "Battleship Chains " y la exitosa arrogante, "Mantenga sus manos a ti mismo," que explotó al # 2 en el Billboard "Hot 100".
•  Dos colecciones de más de rock and roll rambunctious raíces de combustible antes de seguir los satélites dio por terminada en 1989. Richards tarde reformó la banda sans Baird, que sigue siendo una figura importante en la escena americana como compositor, director y producto

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