beatriz luengo

• Beatriz Luengo (nacida el 23 de diciembre de 1982 en Madrid) es una cantante, actriz,bailarina y empresaria española.
• Nacida en una familia madrileña, Beatriz comienza a interesarse por el mundo del espectáculo a los seis años, cuando comienza a tomar clases de canto y baile. A los 11 años aparece en el reparto de baile del programa de televisión El Circo de Rita y Miliki (TVE), y con 12 firma, dentro de un grupo musical infantil llamado Tatu, su primer contrato discográfico con PolyGram, aunque dicho álbum nunca fue publicado.
• A los 15 años debuta en el Teatro Lope de Vega con la función Peter Pan, que se llevó el Premio Max de 1999 al mejor musical. Más tarde actuaría en otras funciones de teatro en la capital como La magia de Broadway, Jekyll and Hide, Hermanos de Sangre, Annie, Grease, etc... y comienza a forjar su carrera como cantante y actriz a nivel profesional. Su primera aparición en un largometraje fue en 2000, en la película Pasión adolescente dirigida por Antonio Llamas.
• Tras participar en series de televisión como El Comisario, Periodistas, Policias y Robles Investigador (junto a Antonio Resines), consigue en 2003 un papel protagonista en la serie Un paso adelante (Antena 3), basada en una escuela de baile. En dicha serie se formó un grupo musical basado en los personajes de la serie, conocido como UPA DANCE. La serie ha sido la más vendida en la historia de la televisión española pasando por más de 80 paises como Alemania, Italia, Chile, Serbia ... Y ha servido de inspiración para grandes éxitos televisivos posteriores como ¨RBD¨o ¨High School Musical¨ que pidieron el material de ¨Un Paso Adelante¨ para tomar ideas de la misma.
• Su primer álbum en solitario, Mi generación, no obtiene el éxito esperado en España, por lo que Beatriz decide marcharse a Francia para continuar desarrollando su carrera como cantante. Allí graba en 2006 su segundo álbum, BL, el disco consigue un enorme éxito en el pais galo con mas de 130.000 copias vendidas y 90.000 singles de su tema "Hit lerele". Nunca antes una artista española nueva había conseguido un posicionamiento tan fuerte en la primera semana de salida, consiguiendo ser número 1 en todas las radios de Francia y record de semanas en lista.La unión Europea le concede el premio ¨EUROPEAN BORDER BREACKERS AWARDS¨ junto a Tokio Hotel y Corinne Bailey Rae.
• Su tercer álbum, Carrousel, salió a la venta en España con la producción de Yotuel Romero y Andrés Levin. Su sencillo de lanzamiento, "Pretendo hablarte", fue la sintonía oficial de la Vuelta a España de 2008. Con el, logró posicionarse en el número 1 top radios. El disco consiguió; Disco de Oro, Triple Platino Digital, Artista Revelacion en los Premios Cadena Dial, Premio Cadena 100 y 2 nominaciones a los Premios 40 principales.
• Trás su larga y exitosa gira por España con su álbum Carrousel, Beatriz se encuentra en el estudio en proceso de producción de lo que será su nuevo disco. Mientras tanto realiza una gira presentación de su álbum junto al cantautor Yadam por todo Estados Unidos en una gira llamada MESTIZAJE, donde han colgado el cartel de Sold out en varias ciudades. Su última parada ha sido NY en el festival LAMC "Latin Alternative Music Conference" donde han tocado en un showcase patrocinado por HEINEKEN.

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Erasure

• Erasure es un dueto británico de pop electrónico, catalogados como Superestrellas del synthpop mundial, la banda es conformada por el compositor y teclista Vince Clarke y el cantante y letrista Andy Bell.
• Erasure ("Borradura") nace en el año 1985 formado por Vince Clarke (Vincent John Martin) en los sintetizadores, antiguo co-fundador y ex-integrante de Depeche Mode y Yazoo y el cantante Andy Bell (Andrew Ivan Bell), quien previamente había cantado en un grupo de efímera existencia llamado The Void.
• No obstante, Vince Clarke ya había conocido el éxito y la fama con sus dos bandas anteriores. Con Depeche Mode publicó en 1981 "Speak & Spell", álbum debut de la banda que alcanzó en puesto  10 del chart inglés y le dío al grupo su primer hit clásico "Just Can't Get Enough", el cual logró la posición  8 del UK singles chart. Sin embargo, luego de este prometedor inicio Vince abandonó el proyecto para pasar a formar otra sociedad, esta vez con la cantante Alison Moyet: (Yazoo) con quien nuevamente tuvo un gran éxito gracias a las dos producciones que editaron, Upstairs at Eric's (1982) que escaló hasta el lugar # 2 del chart británico y You and Me Both (1982) que logró el top one del UK chart, otorgándole al dúo singles tan recordados como Only You, Don't Go, Situation y Nobody's Diary. A pesar del gran éxito obtenido, incluso mayor que el de Depeche Mode en sus inicios y ganar en 1983 el Brit Awards como "Mejor Nuevo Artista Británico", el dúo no prosiguió en su sociedad.
• Posteriormente Clarke formó un grupo de corta vida llamado The Assembly junto al cantante Feargal Sharkey y con el productor Eric Radcliffe, la idea era crear un álbum todo con composiciones propias y con diferentes cantantes; el trío sólo edito un disco sencillo "Never, Never". El single tuvo gran éxito llegando a colocarse en el puesto  4 del ránking de singles británico.
•  Se esperaba el próximo single pero nunca llegó y el proyecto de álbum también quedó trunco. Dos años más tarde, en 1985 Vince Clarke lanzaría otro sencillo, esta vez el socio sería Paul Quinn, éste se titulo "One Day", el cual no tuvo el éxito del single entecesor.
  Meses más tarde, en su afán por crear una agrupación nueva, el inquieto Clarke puso un anuncio en el periódico musical Melody Maker de Londres donde decía que buscaba un vocalista para su nueva producción. De hecho en el especial británico de TV "Electropop Top Ten Pioneers" se puede ahora ver el citado anuncio que dice: "Se busca vocalista para mago de sintetizador.
• Debe gustarle disfrazarse y saltar en el escenario. Tel: 01-502-7368". Entre las personas que respondieron al aviso se encontraba Andy Bell, quien realizó la audición en el lugar número 42; y Vince Clarke quedando sorprendido por la voz potente, de tonos bajos y falcetes de Bell decidío formar una nueva asociación musical con este nuevo y desconocido cantante. Ahora la idea original de Vince de utilizar diferentes vocalistas para cada pista del álbum se había esfumado, colaborando Bell en todo el álbum, convirtiéndolos así en una sociedad permanente hasta el día de hoy, este fue el nacimiento de "Erasure".
• DiscografíaArtículo principal: Anexo:Discografía de Erasure
• En paréntesis sólo sus discos Top 40 en el UK chart.
• Wonderland - 1986
• The Circus - 1987 *(# 6 UK Chart)
• The Innocents - 1988 *(# 1 UK Chart)
• Wild! - 1989 *(# 1 UK Chart)
• Chorus - 1991 *(# 1 UK Chart)
• I Say I Say I Say - 1994 *(# 1 UK Chart)
• Erasure - 1995 *(# 14 UK Chart)
• Cowboy - 1997 *(# 10 UK Chart)
• Loveboat - 2000
• Other People's Songs - 2003 *(# 17 UK Chart)
• Nightbird - 2005 *(# 27 UK Chart)
• Union Street - 2006
• Light at the End of the World - 2007 *(# 29 UK Chart)
  Ver también:
• Artículo principal: Anexo:Videografía de Erasure

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Patty Loveless

• Patty Loveless (nacido Patty Lee Ramey, 4 de enero de 1957), es una cantante de música country estadounidense.
•  Desde su aparición en la escena de la música country a fines de 1986 con su primer álbum (homónimo), Loveless ha sido uno de los cantantes más populares del movimiento neotradicional país, aunque también ha grabado discos en el pop de Campo y géneros Bluegrass .
•  Sin amor nació en Pikeville, Kentucky, y fue criado en Elkhorn City, Kentucky y Louisville, Kentucky. se elevó a la fama gracias a su mezcla de honky tonk y el rock del país, por no hablar de un estilo quejumbroso, balada emocional. Sus discos de finales del decenio de 1980 fueron en general muy popular, ganando sus comparaciones con Patsy Cline, pero la mayoría de los críticos coincidieron en que ella realmente le vino a la propia como artista en la década de 1990.
•  Hasta la fecha, Loveless ha trazado más de cuarenta sencillos en el Billboard Hot Country Songs, entre ellos cinco Number Ones. Además, ha grabado catorce discos de estudio (sin contar recopilaciones), en los Estados Unidos, cuatro de estos álbumes han sido certificado platino, mientras que dos han sido disco de oro ...
• Ella es el miembro número 65 del Grand Ole Opry.
•  Sin amor es también un primo lejano de Loretta Lynn y Crystal Gayle. Ella ha estado casada dos veces, primero con Terry Lovelace (1976-1986), de quien se deriva su nombre profesional "Loveless", y Emory Gordy, Jr. (1989-presente), que también es su productor.
• Los primeros yearsPatty Lee Ramey nació el sexto de siete hijos de John y Ramey Naomie fuera de Pikeville, Kentucky, el 4 de enero de 1957. Aunque nació en Pikeville, la familia vivió en Elkhorn City, Kentucky, donde su padre era un minero de carbón.
• interés Patty Ramey en la música comenzó cuando era un niño pequeño. En 1969, cuando tenía doce años, la familia Ramey se trasladó a Louisville, Kentucky en busca de atención médica de John Ramey, quien padecía de "Enfermedad de Pulmón Negro" (neumoconiosis Coalworker's).
• Su hermana mayor, Dottie Ramey, fue una cantante de música country aspirantes, y se realizan con frecuencia en los pequeños clubes en el este de Kentucky, con su hermano Roger Ramey, conocido como el "Rameys Swinging". Viajar con Dottie y Roger a Fort Knox en 1969, y el oír a su hermana realizar en el escenario, Patty Ramey decidió que le gustaría convertirse en un artista intérprete o ejecutante, así .
• Cuando su hermana se casó con Dottie en 1969 y la realización de dejar de fumar, Roger Ramey convencido de Patty para llevar a cabo en el escenario por primera vez en un Jamboree pequeño país en Hodgenville, Kentucky El foro consistió en sillas plegables en un pequeño auditorio y fue llamado el "Lincoln Jamboree". Ella se asustó al principio, pero con su hermano interpretó varias canciones, sin embargo, que amaba los aplausos que recibió por su actuación, y después del show que se pagó cinco dólares, el primer dinero que nunca ganó.
• Patty Ramey se unió a su hermano Roger y empezó a cantar juntos en varios clubes en Louisville, Kentucky, bajo el nombre de "Cantando Rameys 'Swingin'" . Loveless y su hermano se realizan en varios clubes en el área de Louisville. Un locutor de radio local, Danny Rey con una estación de radio del país en Louisville fue un defensor de los niños Ramey. Siempre que había una oportunidad para que aparezcan en el escenario, que llamaría a la Rameys y tratar de conseguir una reserva.
•  Adolescente en NashvilleIt era su hermano Roger, que inicialmente tuvo Patty Ramey a Nashville, Tennessee en 1971. Después de haber crecido escuchando la música de la Grand Ole Opry, tanto en Pikeville, a continuación, en Louisville, Roger se había mudado a Nashville en 1970 y se convirtió en un productor de El Show de Porter Wagoner.
• Cuando llegó a Nashville, Roger fue a la oficina Porter Wagoner sin cita previa y logró introducir a su hermana a Wagoner. Roger fue capaz de convencer a Wagoner a escuchar cantar a su hermana, y ella interpretó una canción que escribió para su padre, John, llamado "Sonidos de la soledad". A ambos Roger y la sorpresa de Patty, Wagoner golpeó la mano en su escritorio y dijo que iba a ayudarla a salir. Wagoner les presentó a su compañero de canto en el momento, Dolly Parton, y la animó a volver a casa y terminar la escuela, aunque sí la invito a viajar con él y Dolly Parton los fines de semana durante el verano.
• En 1973, Bill Anderson, Connie Smith, los hermanos Wilburn, y Jean Shepard fueron programados para aparecer en una gira por mostrar el Grand Ole Opry en los jardines de Louisville. Sin embargo, Jean Shepard fue atrapado en una inundación, y ella no fue capaz de hacer in Danny Rey, detección de una oportunidad, dio la Rameys una llamada. Loveless y su hermano Roger apareció en el show durante unos quince minutos en el escenario.
• Los hermanos de Wilburn escuchado a Patty Ramey y después de su actuación le preguntó si ella había cantado nunca profesionalmente. Ella explicó que ella había trabajado con Porter Wagoner algunos y había viajado con él y con Dolly Parton en fines de semana y durante los veranos. Doyle Wilburn pregunté si quería venir a Nashville y trabajar con su banda para reemplazar a su cantante, a la que Patty Ramey acordado.  Entre 1973 y 1975 Patty Ramey viajó con el Wilburns los fines de semana y durante los veranos cuando la escuela estaba fuera . Loveless padres insistieron en que la Wilburns ver más de ella, mientras en el camino.
• Doyle Wilburn fue poco a poco aseo Ramey para reemplazar Loretta Lynn como su cantante principal, también se celebró un contrato de edición de música en su con música del Seguro-Fuego, su agencia de composición, como Wilburn se dio cuenta de que ella también era un compositor con mucho talento. Además, durante el verano, cuando el grupo no estaba en el camino, Doyle Wilburn había Patty Ramey trabajo en sus empresas diferentes en Nashville, que tiene su espera en las mesas de uno de sus restaurantes y tareas administrativas de naturaleza en su tienda de discos de música de EE.UU. Mart.
• Después de graduarse de High School en Louisville, Kentucky, en 1975, Patty Ramey se convirtió en miembro de tiempo completo de la banda de los Hermanos Wilburn como su cantante principal. Por esta época conoció a la Wilburn nuevo baterista, Terry Lovelace. Lovelace provenía de una pequeña ciudad en el oeste de Carolina del Norte, Kings, y ha compartido muchas cosas en común con Loveless. Al principio, Patty mantuvo su amistad y su creciente relación con Lovelace un secreto de la Wilburns, sin embargo con el tiempo Dolyle Wilburn se enteró y pidió a Patty a romper. Sin embargo, Ramey es la adolescente rebelde en lugar de salir de la Wilburns y se fue con su novio por el oeste de Carolina del Norte. A principios de 1976, se casó con Terry Lovelace y comenzó a tocar con él en una camioneta de banda con sede en Kings Mountain.
•  Carolina del Norte yearsIn Carolina del Norte, Patty y su esposo Terry se reproduce en un circuito de pequeños bares y salas de conciertos. Ella cantaba covers de finales de los 70 canciones de rock, junto con Linda Ronstadt y canciones de Bonnie Raitt, con la canción country ocasional. (Después de su matrimonio, ella adoptó el nombre artístico de Patty Loveless, de no sacar ninguna conexión con la actriz porno Linda Lovelace ...
• Durante este tiempo de su vida ella también estaba lejos de su familia, ya que ella se había casado sin su consentimiento. Según Loveless, "... creo que mi padre pensó que había perdido mi mente. Esta música se va a arruinar tu vida ... sólo arruinó su vida ... Pero era una música que he aprendido de nuevo .. . Usted no creería la gente que viene a este club. Ellos se baje del trabajo, y no iría a casa. Habían llegado a este club y tomar unas cervezas o bailar ... .. .. he aprendido mucho sobre la gente y la vida en esos lugares. Quiero decir que era todos los ámbitos de la vida ... la gente que había tocado el fondo. Y yo, había veces que me sentí cada una de esas personas también. No era a veces difícil para los dos, mi ex marido y yo, y creo que en ese momento, que nos causó a punto de separarse, y hemos perdido el respeto de unos a otros. Y llegó a tal punto que no sabíamos entre ellos ..." Un punto más bajo de su vida fue en agosto de 1979, cuando su padre, a quien idolatraba, murió en Louisville Loveless mientras estaba en Carolina del Norte.
• Los años en Carolina del Norte no tuvieron éxito para ella, como la policía empezó a reventar los clubes que llevaría a cabo y cerrarlas. Cuando no estaba haciendo ella trabajaba como camarera en el restaurante de su madre-en-ley. En 1984, ella estaba cantando en un club y cantaba música country para un cambio de la roca que normalmente llevaría a cabo. Hubo una nueva generación de artistas de Nashville, cantantes como Ricky Skaggs y Emmylou Harris, que estaban cambiando las tradiciones de la música country.
• Según Loveless, "... He aprendido mucho acerca de lo que siento en una canción de los años de tocar los clubes. Me ha entristecido a veces, porque pensé" me fui de Nashville, dejé todo por esto? Lo que me pasó ¿Qué hay de malo en mí? " Pero creo que lo que estaba pasando era que estaba empezando a encontrar ... mí. Buscar quién era yo realmente. ¿Y qué clase de persona que estaba dentro y por fuera. Sigo creyendo que este día en que ocurrió la manera en que tenía que suceder .
  

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Irma Thomas

• Irma Thomas (18 de febrero de 1941, Ponchatoula, Louisiana) es una cantante de soul, rhythm and blues y blues de Nueva Orleans. Es conocida como «la reina del soul de Nueva Orleans».
• Thomas es contemporánea de Aretha Franklin y Etta James, pero nunca ha conseguido su éxito comercial; aun así tiene muchos seguidores entre los aficionados al soul. En 2007 ganó el premio Grammy por el «mejor álbum de blues contemporáneo» por After the Rain, su primer Grammy en una larga y aclamada carrera de 45 años.
• Irma Lee, como una adolescente, cantó con un coro de la iglesia Bautista, la audición de los Registros Especiales como de 13 años. A la edad de 19 años se había casado dos veces y tuvo cuatro hijos. Mantener el apellido de su segundo ex marido, que trabajaba como camarera en Nueva Orleans, a veces cantando con Tommy Ridgley director de orquesta, quien le ayudó a conseguir un contrato discográfico con el sello local Ron. Su primer single, "(usted puede tener mi marido pero) Don't Mess With My Man", fue lanzado en la primavera de 1960, y alcanzó el número 22 en el Billboard R & B tabla.
• A continuación, comenzó a grabar en la etiqueta de Minit, trabajando con el compositor y productor Allen Toussaint en canciones como "It's Raining" y "Señor de mi corazón", que fue reinterpretado más tarde por Otis Redding como "Pain In My Heart". Imperial Records adquirió Minit en 1963, y siguió una serie de lanzamientos exitosos. Estos incluyen "Alguien deseo sería Care" (su mayor éxito a nivel nacional), su lado B "Break-A-Way" (más tarde cubiertos por Tracey Ullman, entre otros), "cualquier persona que conozca qué es el amor" (co-escrito por el jóvenes Randy Newman) y "El tiempo está de mi lado" (una canción grabada anteriormente por Kai Winding, y más tarde por los Rolling Stones).
• Aunque sus primeros cuatro singles Imperial todas las cartas en la lista pop de Billboard, versiones posteriores tuvieron menos éxito, y, a diferencia de sus contemporáneos Aretha Franklin, Gladys Knight y Dionne Warwick que nunca logró cruzar en un éxito comercial general. Grabó para Chess Records en 1967 a 1968 con cierto éxito, la canción de Otis Redding "Good To Me" de llegar a la lista de R & B. A continuación, se trasladó a California, la liberación de los registros en varios pequeños sellos, antes de regresar a Louisiana, y en la década de 1980 abrió su propio club, la guarida del león.
• Después del descanso de varios años de grabación, que fue firmado por Rounder Records, y en 1991 obtuvo su nominación al Premio Grammy por primera vez para Live! Simplemente el mejor, grabado en San Francisco. Posteriormente dio a conocer un número de álbumes gospel tradicional, junto con más grabaciones secular. El álbum Sing It! fue nominado para un Grammy en 1999.
• Thomas sigue activo como artista, que aparece anualmente en la New Orleans Jazz y el Festival de la Humanidad. Ella reinó como reina de la Krewe du Vieux para la temporada 1998 Nueva Orleans Mardi Gras. A menudo se tituló en su propio club, que ahora está fuera del negocio debido a los efectos del huracán Katrina. Thomas se trasladó a Gonzales, Luisiana, a 60 millas (97 kilómetros) de Nueva Orleans, después del huracán Katrina, pero, según su sitio web, que ahora está de vuelta en su casa en Nueva Orleans.
•  
  Thomas aparece con James Taylor y otros en 2008In abril de 2007, Irma Thomas fue honrado por sus contribuciones a la música de Louisiana con la inducción al Salón de la Fama de la Música de Louisiana. También en 2007, Thomas aceptó una invitación para participar en Goin 'Home: A Tribute to Fats Domino en el que, cantando con Marcia Ball, contribuyó "I Just Can't Get New Orleans de mi mente".
• En agosto de 2009, un álbum recopilatorio con tres canciones nuevas titulado La reina alma de Nueva Orleans: Celebración del 50 º aniversario fue liberado de Rounder Records para conmemorar el 50 aniversario de Thomas como artista de grabación.
• Irma Thomas es el tema del Jazz 2008 Nueva Orleans y el cartel del Festival del Patrimonio. Ella fue elegida como el tema antes de que la pintura fue elegido para el cartel. Artista Douglas burguesa pintó el cantante en 2006. Su arte fue elegido para reflejar su arte.
• En 2010, Irma Thomas montó en la Nueva Orleáns del desfile "Grela".
• En abril de 2011, Irma Thomas llevará a cabo en frente de Mark Boag en el Hotel Rincón, Richmond.
• Durante la Semana Santa de 2011, Irma realizado dos veces en el festival Bluesfest música en Byron Bay, Nueva Gales del Sur, Australia. Ella cautivó al público, muchos de ellos no están familiarizados con su amplio catálogo y aclamado de trabajo. El domingo, 24 de abril, Irma desempeñasen en la etapa de Crossroads, que viene después de Mavis Staples. El lunes, 25 de abril, Irma encabezó la etapa de Crossroads, que viene después de Jethro Tull y Osibisa.

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MIGUEL BOSÉ

• El giro musical es mal acogido por la discográfica CBS (hoy Sony-BMG), que cree que su producto se les va de las manos y se convierte en incontrolable. Miguel Bosé graba, en contra de la voluntad de su discográfica, Bandido, considerado como una de sus obras cumbres. Sus sencillos "Sevilla" y "Amante bandido" arrasan en las listas españolas y latinoamericanas y pronostican un futuro prometedor para el nuevo Bosé. Si bien el cambio le sitúa a la vanguardia de la moda y la época, este nuevo registro no es bien aceptado por los fans italianos que preferían la imagen pulcra de niño bueno de antaño frente a este nuevo Bosé más ambiguo y con barba de tres días, vestido con el popular pantalón-falda de esa época. La portada del álbum mostraba a un Bosé revolucionario, con el rostro maquillado y el pelo crespado en la línea del trabajo Aladdin Sane de David Bowie.
• Es una etapa en la que la imagen de Bosé es casi tan importante como su música. Su look moderno y sofisticado (mitad vampiro, mitad extraterrestre) y su carisma se convierten en la tarjeta de presentación allí donde va. El artista se rodea de un halo intocable combinando sus trabajos musicales con incursiones esporádicas en el mundo del cine como El caballero del dragón (la película española más cara hasta la época) o En penumbra.
• El camino musical de la experimentación y de la producción más elaborada continúa para Miguel con el lanzamiento de sus dos siguientes discos, editados ya en Warner Music, su actual compañía discográfica: Salamandra (1986) y XXX (1987).
• Si bien Salamandra es una continuación algo más compleja e intimista de Bandido, con sencillos de gran éxito y repercusión como "Nena" o "Aire soy", XXX es el ambicioso intento de Bosé por conquistar el mercado norteamericano. Con un sonido mucho más industrial y letras más crípticas, el disco se edita en EE.UU. con portada diferente (en muchos países europeos con la misma portada que la española) y los temas en inglés. Ni "Lay Down On Me" ni "The Eight Wonder" lograrían la repercusión deseada por el artista (a pesar del importante apoyo que tuvo el canal MTV para el lanzamiento del primer tema, tanto en Europa como en EE.UU., y de que se contase con el prestigioso François Kevorkian para las remezclas de discoteca, y una nueva versión single del segundo), mientras que sus versiones en castellano, "Como un lobo" y "Duende", sí triunfarían en España y Latinoamérica. Tras una durísima gira en la que Bosé se quedó literalmente en los huesos, el artista decide tomarse un largo descanso para disfrutar de la vida cotidiana, perdiéndose en las noches madrileñas
  Años 90Los primeros años 1990 reciben el lanzamiento de su álbum Los chicos no lloran, que acerca a Miguel a un sonido más comercial y aportan una imagen más accesible para todos los públicos. El disco cosecharía varios éxitos en sencillo, pero perdería el glamour y la sofisticación de los trabajos anteriores. La exitosa gira de presentación del disco se recogería en su siguiente trabajo Directo '90.
• Tras un corto periodo de relax, en 1992 Bosé consigue otro éxito, esta vez en el mundo cinematográfico, con su papel de juez travestido en la película de Pedro Almodóvar Tacones lejanos.
• En 1993 se presenta en el mercado español el álbum Bajo el signo de Caín que posteriormente, en 1994, se editará en versión inglesa e italiana. El disco es un regreso al camino de la experimentación y refleja una notable madurez artística creando un puente sonoro con XXX, pero más intimista e innovador si cabe y cargado de una belleza ambiental casi cinematográfica. "Si tú no vuelves" y "Nada particular" fueron los sencillos de mayor éxito del álbum. De nuevo una exitosa gira devolvería a Bosé sobre los escenarios, para continuar con la aparición en la importante producción francesa, La reina Margot.
• En 1995 saldría Laberinto, compleja continuación de Bajo el signo de Caín, aún más experimental y críptica, que tan sólo contenía un tema meramente comercial al uso, "La autoradio canta". El disco se reeditaría incluyendo tres temas más comerciales, entre ellos el sencillo "Este mundo va", para asegurar así su éxito de ventas. También en 1995 Miguel Bosé aparece en el cortometraje Detrás del dinero de Alejandro González Iñárritu.
• En 1996 se estrena Libertarias, de Vicente Aranda, en la que Miguel vuelve a ponerse frente a la cámara. Ese año murió su padre, Luis Miguel Dominguín, a los 69 años a causa de un derrame cerebral.
• En 1998 Miguel publica un álbum de versiones, Once maneras de ponerse un sombrero, su personal homenaje a algunas de las, para él, canciones más importantes de la cultura latina. Siguiendo el camino de la producción compleja, el trabajo rebosa belleza en sus sencillos "Muro" y "Sólo pienso en ti".
• En 1999 Miguel publica un disco de éxitos de los últimos 16 años de carrera (1984 - 1998) bajo el nombre de Lo mejor de Bosé, que incluía dos temas inéditos, "Hacer por hacer" y "No hay ni un corazón que valga la pena", junto a dos nuevas versiones, una de "Amante bandido" y otra de "Nena". Para Italia también sale otro álbum de éxitos con el nombre Best Of, con una versiones en italiano de "Este mundo va", "Questo mondo va", y de "Hacer por hacer", "Un momento per me". En abril de este mismo año Miguel Bosé sufre un accidente de automóvil al lado de su amiga Rebecca de Alba. Rebecca sólo tuvo contusiones, pero Miguel resultó gravemente herido.[cita requerida] Dos semanas después apareció en una entrega de premios junto a su amigo Alejandro Sanz, donde ambos se presentaron vestidos y peinados igual. Miguel apenas podía caminar y llevaba una faja ortopédica.
• Años 2000Tras un periodo marcado por la presentación del programa "Séptimo de caballería" para TVE, Bosé se embarca en el año 2000 en un larguísimo tour, Girados, junto a la ex cantante del grupo Mecano, Ana Torroja, que les llevará a muchas ciudades de España y Latinoamérica haciendo repaso por la extensa carrera musical de ambos artistas e interpretando muchos de sus temas a dúo. La gira se publicó en un doble CD grabado en directo, añadiendo un single inédito interpretado por ambos, Corazones.
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  Miguel Bosé 2007 en los Premios Nokia AmigoEn 2001 Miguel publica su nuevo trabajo de estudio, el primero desde 1998, Sereno, un disco más comercial respecto a sus trabajos anteriores y donde se reflejan algunas etapas desconocidas de su vida.
• Tres años después de la publicación de Sereno (2001), Miguel presentó el ambicioso proyecto Por vos muero (2004), donde colaboró con varios músicos y compositores, entre ellos Alejandro Sanz -del que se convirtiera en compadre, ya que fue padrino de bautizo de su hija Manuela-.[cita requerida] El disco, grabado en La Cuadra, la casa de Miguel, y bajo la producción de Chris Cameron y Nicolás Sorín, es una especie de homenaje personal al mundo del cine, a las bandas sonoras y a la formación clásica que recibió de niño. El disco se presentó en directo en muy pocas ciudades de España y México, con diferentes orquestas sinfónicas, y supuso uno de los retos más importantes en su carrera.[cita requerida]
• En 2005, sale Velvetina, una obra que penetra en el mundo de la electrónica, el dance, el trip hop y el chillout, grabado al mismo tiempo que Por vos muero. Velvetina presenta 13 nuevas canciones compuestas y producidas por Antonio Cortés y el propio Miguel, en cuyas letras se mezclan diferentes idiomas. El DVD que acompaña una de las ediciones del disco incluye 13 vídeoclips que ilustran visualmente cada una de las canciones. Estas "video-creaciones" han sido dirigidas por jóvenes realizadores que gozaron de total libertad creativa. El diseño del disco y la imagen de Velvetina han sido realizadas por el diseñador David Delfín. El video "Down With Love" fue censurado por su "alto contenido erótico" en México.[cita requerida]
• En 2007, sale a la venta Papito, donde recopila sus más grandes éxitos cantándolos a dúo con varios cantantes de talla internacional y teniendo gran éxito desde la primera semana de ventas, logrando en México el disco de platino.[cita requerida] La gira Papitour reúne a una gran cantidad de personas a lo largo de Latinoamérica, España y un concierto en Italia.
• En 2008, después de un descanso, Miguel continuará con su gira de grandes éxitos...
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La Otra Fe

• El trío compuesto por los hermanos Sady y Cristián y su amigo Leo, todos oriundos de Puerto Montt y radicados hace cuatro años en la capital, hoy suenan en las más importantes emisoras nacionales con los singles “Cuánto más”, “Dónde estás” y “El peor de todos”.
• Los chicos ya han pasado a ser los artistas chilenos más solicitados por los auditores. De hecho, obtuvieron por parte del público en la encuesta de la emisora FM DOS la categoría de Grupo Nacional del Momento, donde participaron con bandas de la categoría de Lucybell, Kudai y Los Tres.
• En la gira de la Teletón, pudieron “comprobar que la gente cantaban nuestros temas, eso fue gratificante”, cuenta orgulloso un integrante del grupo, quien agrega que “nunca pensamos que éramos tan conocidos por nuestros temas. Ahora nos falta darnos a conocer visualmente”.
• Creadores en potencia
• Los integrantes de La Otra Fe, que no sólo componen sus propias letras, también han creado para Douglas y Leandro Martínez, tienen como objetivo principal seguir marcando presencia en nuestro país y – por qué no- “estar el próximo año en el Festival de Viña del Mar”, dicen.
• Pero también su próxima meta es internacionalizarse: “nuestro sueño es irnos a México. La internacionalización la haremos porque somos tan cargantes que lo más probable es que así sea”.
• Estos jóvenes veinteañeros no tienen en sus planes ser un grupo del montón: “queremos perdurar en el tiempo y marcar un precedente. No queremos, si hemos trabajado tanto, ser un grupo de moda nada más”, aclaran y adelantan que en marzo del año que se aproxima entrarán a grabar su segunda placa manteniendo el sello de La Otra Fe.
• La Otra Fe no sólo es una mezcla de conceptos que encierran la fe divina y perseverancia, sino que también el motor que mueve a un joven trío de puertomontinos, quienes a través de la balada pop comienzan su despegue musical.
• Los hermanos Sady y Cristian Yánez, más Leonardo Carrasco, acaban de sacar a la venta un disco homónimo que a través de 10 canciones pretende entregar sencillas, pero sentidas balada románticas al servicio de la música.
• "Cuanto más" es el primer single de su disco, el cual ya ha alcanzado notoriedad en radios de Chile y fue exhibido en formato video a través de Zona Latina y Metro TV.
• Cabe destacar que su trabajo musical no es nuevo, ya que su periplo por los escenarios lo comenzaron hace 6 años en Puerto Montt, donde bajo el nombre de "Mister ex" recorrieron pubs , discotecas y festivales de la ciudad con su música. Luego decidieron tomar sus cosas y probar suerte en Santiago, donde con la misma fórmula musical obtuvieron reconocimiento al producir temas musicales para artistas tan conocidos como Douglas y Leandro Martínez.
• Eso, hasta ser descubiertos por un agente de Peermusic, una de las compañías editoriales independientes más grandes del mundo, que posee 75 años de trayectoria y 22 filiales en todo el mundo.
• Así lograron sacar la producción que los llevó a trabajar con productores musicales como René Calderón en Chile, Fernando Chávez en México, José Manuel Moles en España y con el otrora cantante del trío vocal Ariztía, ahora productor, José Ignacio Ariztía en Miami, Estados Unidos.
• Lanzan CD
• El lanzamiento oficial está pronosticado para marzo en Santiago y Puerto Montt y será a través de Feria Music, sello que los ha cobijado en su primera incursión musical y que ya lo tiene disponible en discos compactos en todo el país.
• Finalmente, Sady Yánez y "La Otra Fe" de visita en "El Llanquihue" dejaron la invitación abierta a todos los puertomontinos.
• "Invito a toda la gente a comprar el disco, ya que no sólo se van a encontrar con un trabajo de producción, grabación y masterización depurado, sino que también con una gran calidad sonora, donde se van a encontrar con muy buenas canciones ".
• EN TUS OJOS ME ENCOTRÉ
  TE MIRABA SIN SABER
  QUE ERAS TODO LO QUE SIEMPRE SOÑÉ
• TE ADUEÑASTE DE MI PIEL
  DE MI PRESENTE Y DE MI AYER
  MI VIDA ENTERA HOY LA PONGO A TUS PIES
• ME ESCOGISTE PORQUE SI
  PORQUE EL DESTINO LO QUISO ASI
  QUE TE ENAMORES TAMBIÉN DE MI
  NO ME PUEDO IMAGINAR
  LA VIDA ENTERA SI TU NO ESTAS
  NO LA QUIERO NI SOÑAR
• ES AMOR, LO QUE SIENTO POR TI
  LO QUE ME HACE VIVIR
  Y SENTIR QUE YA NADA ME FALTA DESDE QUE TU ESTAS
  ES AMOR, LO APRENDIDO DE TI
  Y HOY ERES PARA MI
  EL REGALO QUE DIOS ME GUARDABA
  Y QUE PUDE ENCONTRAR
  ES AMOR
• A VECES TU INSEGURIDAD
  PIENSA QUE TE DEJÉ DE AMAR
  Y DISCUTIMOS Y REIMOS AL FINAL
  ES TU SONRISA Y CAMINAR
  ES TU MANERA DE ENTREGAR
  LA QUE NO PUEDO NI QUISIERA DEJAR
• ME ESCOGISTE PORQUE SI
  PORQUE EL DESTINO LO QUISO ASI
  QUE TE ENAMORES TAMBIÉN DE MI
  NO ME PUEDO IMAGINAR
  LA VIDA ENTERA SI TU NO ESTAS
  NO LA QUIERO NI SOÑAR
• Y HOY QUE ESTE AMOR SE HA CONVERTIDO EN REALIDAD
  CONTIGO QUIERO ESTAR, VIVIR LA ETERNIDAD

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Shaila Dúrcal

• Shaila es hija de los cantantes Rocío Dúrcal y Antonio Morales “Junior”.
• Terminados sus estudios de secundaria en Madrid, España en 1997, comenzó a estudiar canto y danza en la capital española para desplazarse en 1999 a Miami, Florida a continuar sus estudios hasta 2001. Posteriormente acompañó a su madre, Rocío Dúrcal, en las últimas giras que realizó por Latinoamérica y Estados Unidos, participando en los coros sobre el escenario. Fue en México donde su madre la dio a conocer y la puso en contacto con su propia compañía discográfica, Sony-BMG México, que firmó un contrato con la joven Shaila en 2003.
• En diciembre de 2005, la joven cantante tuvo que interrumpir en México la grabación de su segundo disco tras el agravamiento del cáncer de matriz de útero que padecía su madre ya que éste se había extendido a los pulmones y tuvo que regresar a Madrid para estar con ella y su familia. Tras el fallecimiento de su madre el 25 de marzo de 2006, pasó momentos difíciles pero volvió al estudio de grabación a continuar cantando en un disco homenaje a Rocío Dúrcal, que pretendía que fuese una sorpresa a su madre y que, lamentablemente, no pudo disfrutar. Rocío Dúrcal iba a grabar un disco de duetos junto a jóvenes cantantes masculinos como Luis Miguel, Alejandro Sanz, David Bisbal, Enrique Iglesias, Ricardo Arjona, Chayanne, Juanes, Luis Fonsi, Ricky Martin o Alejandro Fernández, pero no se pudo cumplir por su repentina muerte, y Shaila Dúrcal ya ha manifestado su deseo y empeño para que esto se haga realidad próximamente gracias a las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías digitales.
• El 12 de abril de 2008 se casó con Dorio Ferreira en Acapulco.
• El 24 de junio, Shaila Dúrcal publica su nuevo álbum Tanto amor, que aparece después de haber conseguido el éxito con anterior trabajo Recordando, nº1 en España con dos Discos de Platino. Rodeada por los compositores y productores más reconocidos de la escena latina (Kike Santander, Adrián Posse, Roberto Livi, Armando Ávila, Alfonso Gutiérrez, Aúreo Baquero, Kiko Cibrián…), Shaila Dúrcal ha conseguido que Tanto amor establezca la frontera entre el antes y el después en su carrera, porque refleja un importante paso adelante en su música.
• La artista española, que comenzó triunfando en México para después volver a su país natal y repetir el éxito, tiene en Tanto amor su mejor álbum, el más consistente y definido, en que consolida un estilo propio que, pisando más que nunca los terrenos del pop, mantiene con su voz un carácter especial sin olvidar sus raíces. Tanto amor es el álbum de Shaila Dúrcal con mejores canciones, con una producción muy cuidada al servicio de su voz y que sitúa a la cantante (que en este disco también se estrena como compositora) con mayor alcance internacional. Clásico y contemporáneo al tiempo, Tanto amor es el trabajo de una Shaila Dúrcal diferente.
• El álbum se abre con Para darte mi vida, que lleva la firma de Roberto Livi, Adrián Posse y Alfonso Gutiérrez. Se nota la mano de compositores de su experiencia en una canción claramente pop, dinámica, con aire fronterizo en el estribillo y pensada para la voz, más matizada y suave que nunca, de Shaila Dúrcal. Hasta la eternidad es una balada cantada con enorme delicadeza, clásica, creciente, con uno de estos estribillos que firmaría el mejor autor de cualquier estilo. Hay milagros es la primera canción del álbum en la que aparece Kike Santander y es la confirmación de que Shaila es una artista nueva en su nuevo álbum. Una canción fresca, dinámica, alegre, original, contemporánea, con un swing diferente y toques de programación, buscando la originalidad en el sonido. En Juego perdido, Shaila Dúrcal se introduce en terrenos inéditos, alejándose de las influencias de raíz para adentrarse en un pop de amplitud internacional, muy rítmico y de carácter eléctrico.
• La canción que da título al álbum, Tanto amor, es obra de Armando Ávila, otro compositor de campanillas, que ha regalado a Shaila una canción redonda, sin fisuras, en tiempo más que lento, elegante, balanceada, orquestal, de las que permanecen. Un gran tema recorrido por la melancolía y el abandono, que da paso a Pobre tonto, casi una continuación por la temática de la letra, también impregnada de clasicismo, esta vez de aire más anglosajón, y en la que Shaila se mueve a las mil maravillas. En la composición de Esperaré un poco más participa Shaila Dúrcal (junto a Ana Ruiz, Kiko Cibrián y Manuel Ruiz) y es una canción que aviva el ritmo del álbum, muy bien construída y cantada con sensualidad. Kike Santander vuelve como autor en Crees que me engañas, que tiene un claro aire sureño, rumbero y salsero, con guitarras españolas y percusiones latinas, donde Shaila se desenvuelve con absoluta soltura.
• Tanto cielo perdido es el primer single del álbum y reafirma el paso adelante en la carrera de la cantante española por la sutileza en la mezcla de pop y esencias latinas, con un toque fronterizo. Compuesta y producida también por Kike Santander, es la canción más mexicana del disco por su melodía y rítmo, aunque los toques country-blues de la guitarra acústica y los coros de inspiración gospel la sitúan en mundos más amplios. En la recta final del álbum, Te quiero cerca es una composición de Aúreo Baquero que huele a Brasil visto a través del pop norteamericano y con un plus de suavidad. Y Tanto amor se cierra con una versión en portugués de Para darte mi vida, la canción que lo abre, y que deja el disco con un poso de grandes temas y una voz que vuela como nueva, distinta, con un velo especial.
• Tanto amor es el tercer álbum de Shaila Dúrcal. Con el anterior, Recordando, Shaila evocaba a su madre Rocío Dúrcal y se convirtió en una de las grandes revelaciones de la música latina de 2007. Fue nº1 en la lista de los más vendidos en España, en la que permaneció más de un año, consiguiendo dos Discos de Platino, varios Platinos y Oros en las de descargas digitales con la canción Vuélvete a la luna y una nominación a los Premios Grammy Latinos en la categoría de Mejor Álbum Pop Femenino. Ahora, Tanto amor descubre a una Shaila Dúrcal nueva y diferente, capaz de adentrarse en el pop sin perder ninguna de las esencias que la han llevado al éxito en España y Latinoamérica. El 24 de junio, se publica en España lo nuevo de una nueva Shaila Dúrcal.

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Tears for fears

• Tears for Fears es una banda Adult oriented rock y New wave fundada por Curt Smith y Roland Orzabal en 1981. Su estilo es muy variado y evidente en cada una de sus producciones musicales que se han mantenido vigentes. Sus principales influencias musicales han sido The Beatles, Human League y Duran Duran, aunque también han llegado a sonar con similitud con Supertramp y Spandau Ballet. Canciones como "Everybody Wants to Rule the World", "Shout" y "Sowing the Seeds of Love" convirtieron a Tears for Fears en uno de los grupos más importantes de los años '80, y en uno de los grupos más reconocidos a nivel mundial.
• Tears for Fears ha sido un grupo con ideas concretas que han ido plasmando a lo largo de su historia en letras que tienen que ver con la humanidad y sus problemáticas, los trastornos psicosociales, el amor por la vida entre otros incluyendo tendencias políticas propias de momentos específicos. Tienden al uso de instrumentos electrónicos, en un estilo Synth Pop. Han incurrido también en el estilo de rock progresivo y jazz, logrando grandes baladas como "Woman in Chains".
• Sus estilos van del Soft-Rock, al New Wave hasta un ligero toque de Jazz en su producción "The Seeds of Love" de 1989, producciones "Elemental" (1993) y "Raoul and The Kings of Spain" (1995).
• Siempre fueron uno de los grupos más ambiciosos y destacados de la oleada de bandas que surgieron a finales de la década de los 70´s y principios de los 80's así como Duran Duran, Depeche Mode o Spandau Ballet entre otros. Las ventas de sus primeras 3 producciones (1983-1989) han superado las 20 millones de copias alrededor del mundo y fueron considerados el mejor grupo musical de 1985 gracias a temas como "Everybody Wants to Rule the World" y "Shout", ganándose un puesto entre las bandas más destacadas de la música de los 80s y 90s. Precisamente es el disco "Songs from the Big Chair" el éxito más grande que tuvieron en su carrera, y que los consagraría a mediados de la década de los 80s.
• Roland Orzabal y Curt Smith, fundadores de esta banda inglesa se conocieron en su ciudad natal Bath, Inglaterra a principios de la década de los años setenta cuando estudiaban en el mismo colegio. Desde que descubrieron el uno al otro su afinidad por la música y las propuestas similares en conceptos y proyecciones decidieron formar un grupo llamado Tears for Fears en 1981, aunque como antecedente Roland Orzabal y Curt Smith ya habían formado una banda a finales de los años setenta, "Graduate", que tras la estela del primer sonido "ska" de "The Specials", "The Selecter", "Madness", "The Akrylykz" o "Bad Manners" no tuvo mayor consideración, si exceptuamos el tema "Elvis should play Ska". Anteriormente, formaron parte de la banda Neon, compuesta también por Pete Byrne y Rob Fisher, quienes luego formaron Naked Eyes.
• En el año 2003 Roland Orzabal y Curt Smith decidieron regresar a trabajar juntos en la nueva producción de la banda que había sido liderada solamente por Orzabal cuando Smith decidió alejarse de Tears for Fears en 1991.
• Para el 2004 sacaron su producción "Everybody Loves a Happy Ending" retornando a su sonido característico de influencia post Beatles, haciendo un sonido interesante y que los ha vuelto a colocar en la escena musical. En la cual estaba su famosa canción Closest Thing to Heaven, uno de sus mayores éxitos el cual ha sido de vital importancia en la vida y las decisiones diarias, tomadas por sus seguidores, una canción que habla de la vida, del dolor, de toda la injusticia diaria, los grandes problemas, pero también de la superación, de que siempre se puede, no te rindas en algún momento saldrá el sol.
• 2009 - Habiendo conseguido hits inmortales con «Mad World», «Pale Shelter» y, sobre todo, las inmensas «Shout», «Everybody Wants To Rule The World» y «Sowing The Seeds Of Love» Todas ellos, más otros hits y tres temas completamente nuevos (con arreglos orquestales de Paul Buckmaster, quien trabajó en varios momentos álgidos en la carrera de mitos como Rolling Stones, Mott The Hoople, Carly Simon, Elton John, Guns N´Roses y David Bowie, entre muchísimos otros) están incluidos en Secret World, un proyecto ambicioso, quizás el más completo que Roland Orzábal y Curt Smith hayan encarado en su carrera, dado que no solo marca su regreso triunfal a los escenarios, sino que presenta nuevas composiciones en donde dan su visión del pop en el siglo XXI, siempre marcada por un claro espíritu beatle (de hecho, citan a Wings en la nueva Secret World, en su versión en vivo). Para llevar las cosas aun más lejos, el dúo ha registrado un dvd conteniendo un show, grabado en vivo en París, donde interpretan todos sus hits. Secret World marca el regreso de una leyenda del pop mundial que demuestra su plena vigencia. El disco se publica en tres formatos: cd, cd + dvd y dvd. El primer single del álbum es Secret World, en su versión en estudio, uno de los momentos más conmovedores del pop británico de los últimos tiempos.
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Miranda Lambert

• En la escala de precaución-vs-franqueza, no es difícil averiguar dónde Miranda Lambert se reduce. "Yo no soy muy cuidadosa en lo absoluto", dice. "Probablemente debe ser. Yo casi no tengo nada que ocultar, sin embargo. Yo nunca ocultó nada crecía. Mis padres eran, así que realmente no podía IP."
• Puede que se han convertido en un pájaro cantor en lugar de fisgón, pero en su propia manera, Lambert sigue en el negocio familiar, como un investigador privado del corazón - un comercio que se reanude con gusto en su tercer álbum, Revolución. los mayores éxitos de la estrella de 25 años de edad, han tendido a ser su más audaces canciones, por lo que no se trata de poner una tapa en su plano-spokenness ahora.
• "Quiero decir cada palabra que digo en cada letra de cada canción en este disco, y cada disco que he hecho", declara. "Yo nunca recuperar una palabra o letra o el punto de que he hecho, porque es parte de lo que soy. Y hay un montón de artistas que no lo haría mucho más de que, si ese es el tipo de música que ' de nuevo en. Pero si usted está en la honestidad, tengo los registros para usted ", dice riendo.
• En su sencillo más exitoso hasta la fecha, "la pólvora y el plomo", declaró Lambert que algunas niñas se hacen menos de azúcar y especias que más sustancias combustibles. Y la canción de su debut de platino de 2005, queroseno, la estableció en el firmamento de la música country como en sentido figurado y tal vez incluso literalmente personalidad incendiaria. Pero puede haber error que el título del nuevo álbum, Revolución, podría tomarse como igualmente agresiva o simplemente una promesa simple de reinvención personal.
• "Estoy un poco más estable en mi vida, y no el niño loco, con los ojos desorbitados que estaba escribiendo 'Kerosene' a los 18 años", dice. "He pasado por mucho y crecido mucho en el camino. Y siempre he sido un tipo de poco más de mi edad, de todos modos. Tengo el normal de 25 años de edad lado pequeña chica de ciudad a mí que le gusta para hacer pastelitos y vivir en una granja, y luego tengo este escandaloso, loco, headbanging, con el lado de estrella de rock-girl que es mi vida en la carretera. Siento que este disco muestra una imagen más completa de lo que soy.
• En un extremo de la gama se encuentra el hard-rock, vengativo "El pecado de un pecado", coescrito por Lambert con Blake Shelton, en la que suena como que podría ser el indicio de un homicidio. "Quizás sí, quizás no", se ríe, se niega a comprometerse a una interpretación. "Se trata básicamente de hacer trampa, el amor ido mal, y la muerte de algo, si es amor o una persona ... Esa es la marca Miranda - la canción en mi disco que más suena como yo de 'Kerosene' o 'Crazy Ex-Girlfriend . En realidad, nadie llega a vivir todas sus fantasías, me acaba de llegar a cantar las minas en las canciones ".
• En el otro extremo del espectro de la revolución-aria es la oferta, pero todavía muy realista "Love Song", coescrito con Shelton y dos miembros de Lady Antebellum. "Una canción llamada" Love Song "Yo nunca pensaría sería en mi disco", admite. "¿Sabes lo que quiero decir? Porque yo no cantar canciones como esa. Pero esta canción es acerca de gente real en el amor verdadero, no el cuento de hadas. Y sabes, creo que hemos llegado a un punto donde, de todos los derecho al amor tal vez a alguien.
• Lambert es un artista de muchas cualidades complementarias que sólo aparecen en la superficie a contradicciones. Incluso se puede ver en algunas de las portadas de las revistas que aparecieron en. Ella ha sido recientemente el foco de la historia de su primera portada en el País Semanal, previamente al frente de un tema de No Depression, una publicación dedicada por lo general sólo a los no convencionales, aclamado por la crítica, alt-country cantautores. Es igualmente en el país en la portada de Primera, una revista femenina ("Bliss Miranda Consejos!"), Y de jardín y pistola (que su pregonado como "The Loretta Lynn Nueva"). La gente la nombró una de 2009 de "100 personas más bellas" ... después de sólo un año Esquire la nombró "terrorífico" Mujer del Año ".
• Ella puede ser cómodo cualidades que contiene en los extremos más alejado de una división en particular, pero no la llaman un centrista. "Creo que es aburrido estar en línea recta la vainilla media", dice Lambert. "Tengo gente que absolutamente me quiere, y estoy seguro de que hay gente que odia a todo lo que he representan. Pero eso es bueno. Por lo menos las personas sienten pasión por algo, y hablando de ti de cualquier manera. Pero justo en- la llanura media, que nunca ha sido mi estilo, personal o profesionalmente. "
• Eso puede haber sido una sorpresa hace unos años a nadie, que esperaban una cierta aquiescencia de un reality show ex concursante. Lambert quedó en tercer lugar en la primera temporada de Nashville Star, que sin duda establecer ideas preconcebidas sobre qué tipo de artista que había a su vez ser. Sin embargo, con años de jugar clubes nocturnos de Texas en su haber, incluso cuando era un adolescente, que enfrentó a los ejecutivos de Nashville con la misma determinación férrea con la que había miró multitud ruidosa barra. Y a pesar de representante Music Row para rehacer artistas impresionables a su propia imagen, ella dice que nunca se ha enfrentado la resistencia de su visión de alguien de Sony Nashville, en hasta el presidente de la etiqueta.
• "Joe Galante es otra persona que absolutamente me dejó ser yo misma artísticamente. No sé por qué, pero estoy muy agradecido por ello, y yo no quiero cuestionarlo demasiado. Lo siento por la gente que don ' t tiene que. Pero yo creo que mucha gente que podría traer sobre sí mismos, porque si usted no sabe quién es usted, entonces es mucho más fácil dejarse llevar en una dirección u otra. Y entré en este negocio se con convicciones tan fuertes de:. 'Este soy yo puedo ir a casa a Texas y hacer lo que hago no jugar en los clubes, o puedo tratar de ser más grande ¿Alguien me quiere ayudar con esto..? Y ha funcionado gracias a Dios. "
• Su esfuerzo de 2.005 estudiantes de primer año, queroseno, la puso en un club exclusivo, como uno de los siete artistas en la historia de SoundScan para salir de la caja en el n º 1 en el país de venta gráfico con un álbum de debut. apoyo crítico fue inmediatamente próxima: Fue nombrado uno de los 10 mejores discos del año por el New York Times, Rolling Stone, y CMT.com, entre muchos otros. Cogió nominaciones clave para la CMA, los Grammys, Premios de la CMT, y otros honores, derrotando a los nuevos compañeros de Taylor Swift y Kellie Pickler a ser mencionado como principio vocalista femenina del MCA "nuevo.
• En 2007, Crazy Ex-Girlfriend también debutó en el n º 1 en las listas país. Después de una serie de Top 20 singles, el segundo álbum generó su primer top 10 hit, "La pólvora y el plomo." Fue nombrado uno de los 10 mejores discos del año por la revista Entertainment Weekly, Blender, y "decano de los críticos de rock" Robert Christgau. En anual de la voz del pueblo la encuesta de todos los géneros de la crítica de Estados Unidos, que ocupó el lugar número 15, el más alto que muestra cada vez por un álbum de country en medio de la encuesta general de rock y hip-hop-favorece. Le fue aún mejor - N º 1, para ser exactos - en la encuesta anual de la escena de Nashville de los críticos nacionales que se especializan en el país. "Este año, nuestro 96 votantes entregó cantante de Texas, Miranda Lambert, una de las victorias más dominante en la historia del sondeo", escribió la escena en el anuncio de los resultados. (Los críticos también llamado "Famosos en una ciudad pequeña" el mejor año individual, así como nombrar Lambert vocalista femenina del año, Compositor del Año y Artista del Año.) No sólo los periodistas la entrega de los galardones , pero la industria de la música, como Crazy Ex-Girlfriend ganó el álbum codiciado trofeo del año en la Academia de 2008 de Premios de la Música Country.
• ¿Qué hacer para un niño de tres turba?
• Hasta cierto grado, "fuimos con la escuela de" Si no está roto, no arreglarlo '", dice. "Hemos trabajado con los mismos tipos para hacer el disco que hizo mis dos últimos -. Mismos músicos, los productores mismos" En esta última categoría son Frank Liddell y Wrucke Mike. "Frank es un tipo tan gran canción ... Y Wrucke de la totalidad del cerebro detrás de la forma en que mi sonido registros."
• Pero hay diferencias cruciales, también. Por un lado, la Revolución incluye 15 temas en lugar de la Nashville-estándar de 10 o 11. "Para mí, si hay una historia que contar en 15 canciones, entonces la gente obtenga un 15 canciones que yo realmente quería que se sintiera como una obra de arte -.. Un verdadero cuerpo de trabajo, un viaje musical si se quiere, y es una álbum. Todo el álbum es este gran círculo con una foto de mi cara al final. Si usted no tiene toda la cosa, entonces no tienen el cuadro completo. "
• Para garantizar el álbum tuvo tanto la cohesión y la espontaneidad, la gran mayoría de los que fue grabado en una sesión relámpago a principios de 2009 (con excepción de dos pistas que se establecieron en noviembre pasado). "Fue la vieja escuela", dice Lambert. "Entramos y cortar todo el proyecto en una semana. Yo no quería ir grabar dos canciones de un día y luego dos semanas más tarde ir a grabar algunas más, y así sucesivamente. Lo hicimos todo como un solo proyecto, un ambiente registro. Por lo general, el estudio es muy estresante, y esta vez fue sólo diversión. Sólo ganas de hacer música no ... el trabajo. "
• Estilísticamente, dice, "Este disco es el país - un país mucho más que las otras dos y estoy muy contento por que yo no pensaba en escribir más canciones país o entrar en ella con un estilo en mente,.. que acabo de escribir lo que sentía y lo puso en el álbum. " Por supuesto, los tradicionalistas intransigentes se les debe advertir que, si bien ella es capaz de llegar tan puro honky-tonk como cualquier joven artista por ahí, Lambert es sin duda, un distribuidor de volumen. "Mi bajista trajo un buen punto:" Usted escribe canciones country y poner un ritmo de rock a 'em'. Así que 'Mantener el dolor' es definitivamente una letra país, pero tiene un sonido de rock clásico a la misma. "
• Y mentalidad? "Todavía oigo el clásico Miranda Lambert y lírica voz y actitud. Pero definitivamente me siento como este disco es más bien redondeado que los otros dos. Me siento como si fuera un poco más crecido." No es que no siempre tienen una cierta precocidad. "Mis padres eran investigadores privados, y vi mucho y escuchado mucho crecimiento. Como familia nos fuimos a través de los buques financiera duro mientras crecía, de vez en cuando teníamos que hacer" crecer "nuestra propia comida. Pasando por todo lo que realmente se pega con usted, construye tu personaje y le permite saber quién es usted.
• Miranda ha sido a través de algunos cambios en los últimos dos años, como la mudanza desde Texas hasta Oklahoma, donde compró una finca a pocos kilómetros de su novio Blake Shelton.
• "Es como mudarse a otro país, si eres de Texas!" se interrumpe, riendo. "Yo tengo una casita en el lugar de mis padres que he tenido durante mucho tiempo. Pero yo sentía que no podía vivir 100 pies de mis padres el resto de mi vida. Así que compró una granja, y ha sido el lugar más increíble. Siento que gané la independencia mediante la compra de un terreno y algunos animales y la cría de pollos. realmente me siento muy crecido, ahora! "
• No es una medida de contentamiento romántica en algunas de las canciones Revolución, como la ya mencionada "Love Song", e incluso la canción de apertura con ironía burlona, ​​"Sólo más bonita." Pero si te preocupa que Lambert podría ser un poco también se conformó con su propia música buena, no. ¿Fue difícil para aprovechar la tensión cuando se sentía que el bien sobre su vida personal? "Me pareció sorprendentemente fácil", los contadores. "Ser feliz y en el amor es lo peor de su figura y su composición de música country. Pero a pesar de que estoy feliz y tener una vida realmente grande en este momento, he encontrado un poco de angustia."
• El vencimiento de baladas como "Virginia Bluebell" y "Love Song" no se opone a una participación equitativa en el nuevo material en el que Lambert definitivamente sigue actuando su edad impetuoso. "Yo escribí desde mi punto de vista y donde yo esté a 25 años de edad. Es lo que soy, y es bastante honesto." Esa brusquedad se extiende a las entrevistas. "Siempre he sido abierto y realmente decir que mi opinión no de un modo grosero;.. Yo no quiero volver a venir a través como engreído no soy arrogante, estoy seguro Creo que tengo algo que. dicen. Si la gente no le gusta, entonces no me gusta. Usted puede estar de acuerdo o en desacuerdo. "
• Usted puede obtener un sentido aún mayor de cara tea Lambert de "Heart Like Mine", en el que el cantante escribe sobre sus expectativas del más allá ... que implica Jesús saludarla con un par de copas de vino.
• "Yo crecí en la iglesia, y he sido cristiano toda mi vida. Mi madre siempre dice que cortar los dientes en un banco de la iglesia. Podría ser autobiográfico en cierto modo, porque definitivamente he tenido mi parte de ser juzgado pero yo estoy interpretando a un personaje un poco en cada canción, también. "
• Lambert es un personaje, en muchas de las mentes de la gente - y mientras ella no se activa tratar de ir contra la corriente musical de la fila, que no le importa si ella es percibida de esa manera.
• "Espero haber sido capaz de romper algunas puertas para más apertura mental en el país. La gente me ha dicho que tengo. Pero ha sido mucho trabajo, y ha sido un montón de poner mis pies en la tierra y decir , aquí está la línea que no cruzará. He perdido un montón de cosas por él o que puede haber ganado un montón de cosas. Pero yo sé que gran sueño en la noche.
• Espero poder hacer esto para siempre, si se presentará para 10.000 aficionados o cantando en un bar, de 20 años.
• Afortunadamente para los aficionados país, todavía estamos al comienzo de la carrera relativa de Lambert, capaz de saborear una artista que sólo parece ser tan avezado como alguien de unos 40 años cuando en realidad tiene décadas por delante de ella. Que ella siga con vencimiento en todas las formas de derecho - y por no perder su feistiness juvenil en todas las correctas, también. Como se suele decir: ¡Viva la Revolución.

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Rory Gallagher

• En los años que han transcurrido desde la muerte de Rory Gallagher, de 47 años el 14 de junio de 1995, su verdadera estatura se ha convertido cada vez más clara. Este irlandés de voz suave, que se caracteriza por su trenza y en cabello y la ropa de trabajo marca la etapa del hombre, estaba lejos de ser normal. Gallagher fue un virtuoso autodidacta que forjó una revolución musical en su tierra natal, evitó las trampas de la fama y el estrellato sin embargo se convirtió en un héroe popular internacionales universalmente reconocidos.
• rock Rory sólida devoción a su vocación nunca vaciló y el respeto de sus compañeros musicales era universal. Eric Clapton acreditado Gallagher con "sacarme de nuevo en el blues", de The Rolling Stones intentaron hacerle cambiar de Mick Taylor.
• propagación de Rory influencia a través de las generaciones - de Slash a Johnny Marr, de The Edge de U2 con Brian May de Queen, y en Bradfield El Manics "James Dean - cualquier reproductor de aspirantes que se encontraron con él estaba obligado a estar bajo tensión o se transforma.
• De todos los grandes de la guitarra que surgieron en la posguerra era Rory Gallagher estaba predestinado a convertirse en un rey guerrero celta. El orador comparte su nombre con el último monarca nativo de Irlanda, nació (en roca) en Rock Hospital Ballyshannon, Donegal (02 de marzo 1948), mientras que su padre fue empleado la construcción de una planta hidroeléctrica de energía eléctrica en el cercano río Erne.
• A su debido tiempo, ya sea utilizando la potencia de fuego eléctrico o el dominio acústico, el modesto Gallagher se transformaría en un gigante musical, sin embargo, siempre mantuvo el sentimiento más humano, evitando extraños FX y artilugios en favor de su propio genio en bruto y primitivo, la cadena de flexión . Reconocido como "el guitarrista de la popular" Rory se acumulan 20 millones de ventas, pero la conexión emotiva que hizo con audiencias en todo el mundo fue mayor que las estadísticas pueden mostrar. fuego de Gallagher en la punta de los dedos sentir era el resultado de la emoción de duro trabajo y la destreza, la energía incansable y la unidad dinámica.
• Además de su facilidad a la guitarra, la mandolina, y, en ocasiones, saxo, regalos de Rory composición dio plataforma perfecta para su estilo vocal y el talento instrumental. Si exuberante sin límites ("caminar sobre las brasas ') o reflexivo moderado (el inquietantemente conscientes de sí mismos" A Million Miles Away "), sus obras fueron dirigidas por una instintiva, natural sentir la tristeza profunda que residía en su corazón y el alma.
• Como un pre-adolescente que crece en 1950 Cork, en una casa sin tocadiscos, la determinación de una sola mente que su carrera sello de Rory Pronto se hizo evidente. El descubrimiento de Elvis y principios de rodillos de rock n le lleva a buscar maestros de blues en la radio de América Fuerzas tales como colaborador más tarde, Muddy Waters. "Mientras más escuchaba más me volví adicto", recordó más tarde. Él ya era una estrella local, el talento se presenta ganar, blandiendo una guitarra barata, cuando el primer pago se realizó en la famosa Fender Stratocaster 1961Sunburst que - su pintura despojada de su propio sudor altamente alcalino - convertirse en una herramienta permanente totémico de su el comercio.
• A principios de los años 60 oportunidades de Irlanda por una guitarra que Dios espera de brillar se contrae por la única salida disponible: idéntica showbands adecuado. Rory empujado contra el sobre cuando salió a la carretera con La Fontana y más tarde El impacto de las rutinas aceptadas reto del día.
• Su sensacional muestra de la magia sin restricciones en el diapasón puede haber ganado reprimendas de los promotores locales y los propietarios de salón interesados ​​en regimentación pero Rory seguramente hicieron los fans de toda la vida en el público hambriento de un nuevo tipo de libertad. Tocando en bandas show fue un trampolín y Rory se dio cuenta que era "sólo de paso". Pero, como Jimi Hendrix cuando escapó el circuito Chitlin, las competencias establecidas como acompañante restringida iba a explotar en los próximos años cuando Rory se convirtió en el principal atractivo. Después de disfrutar de la puesta en libertad de jugar en clubes de Hamburgo, Rory aprovechó la oportunidad para salir de la banda muestran correa de vuelta a casa, poner el mismo centro del escenario en el power trío, gusto.
• El establecimiento de una base en la escena del Blues próspera que había construido alrededor de Van Morrison en el Marítimo de Belfast, el sabor se convirtió en una sensación instantánea. Una residencia en el club londinense Marquee en 1968, donde John Lennon se unió a un seguimiento cada vez mayor fervor, llevan a apoyar las franjas horarias con Cream y Blind Faith. formidable presencia gusto fue capturado en dos álbumes de estudio grande y dos álbumes en vivo pendientes, incluidas su concierto en la Isla de Wight álbum, grabado en el festival de 1970. Luego, con su mundo aparentemente a su gusto los pies, desgarrado por conflictos de gestión, hizo implosión, tocando su concierto de despedida en Belfast el Fin de Año 1970.
• La pérdida de una banda en su mejor momento incandescentes golpeó Rory profunda (ver el dolor 'al final', en su 1975 'Contra El Grano álbum), pero hubo poco tiempo para vivir en arrepentimiento (Used To Be' de 'Deuce "1972). Un director de orquesta naturales, Gallagher se reagruparon de embarcarse en la década más productiva de su carrera en solitario con 1971 debut como solista titulado. "Deuce", "Plan", "Tatuaje", "Al Grano", "Calling Card", "Photo Finish", "máxima prioridad" - los álbumes siguieron en rápida sucesión, cada uno con composiciones originales ("En Tu Ciudad ', "Who's That Coming ',' caminar sobre las brasas ',' Tattoo'd Señora ') que se dirigió directamente a su público, alcanzado el estado clásico instantáneo. Estas canciones y muchas más se reunían dinamismo aún mayor en presentaciones en vivo. Los álbumes "Live In Europe ',' Stagestruck 'y' irlandés Tour '74 'Álbumes mostrar cómo.
• Como se vio en el excepcional documental de Tony Palmer, que acompañó a los irlandeses Tour '74, lanzamientos a través de 'los problemas' de Rory Belfast galvanizado muestra una réplica comunales alegre a la tensión, el miedo y las divisiones que desgarraron la ciudad aparte. Donde otros evitado la capital de Irlanda del Norte, Gallagher hizo un punto de volver siempre, dar esperanza e inspiración, para aquellos que sigan su ejemplo. Rory sería más tarde invitado en álbumes de bandas de Belfast que inspira directamente - Energy Orchard y Stiff Little Fingers.
• Al otro lado de la frontera que encabezó y organizó por primera vez de Irlanda del festival de rock al aire libre en Macroom junto con su hermano menor y gerente Donal (sólo Rory hermano), un evento que allanaría el camino para el rock de estadio de U2. Sin embargo, casi la creencia evangélica de Rory en el poder curativo de la unificación de la música se vio atenuada por la sospecha de las celebridades. "Me parece un desperdicio, a mi trabajo y trabajar durante años, en realidad gettin 'su música juntos, y luego a hacer algo más grande, como hacen algunas personas, y sólo se convierten en una especie de personalidad. Usted juega menos, se realiza menos, circulan menos. Se convierte en algo completamente diferente ", había dicho a la revista Rolling Stone en 1972.
• Esta precaución le dejó a evitar por completo el mercado de los singles, aún cuando su jefe etiqueta insistió en que el anhelo magnífico filos en azul (desde 1976 de "Calling Card") fue un candidato para un número de EE.UU.. El cuerpo de trabajo que ha dejado atrás es notable por su coherencia, la honestidad y la terrenal. grabaciones de Rory son notablemente de una pieza que demuestre su afirmación tantas veces se cita que "lo que es jugar en mi todo el tiempo, no sólo algo que me enciende".
• La determinación de hacer música original que se mantuvo fiel a los sonidos de raíz que lo inspiró fue llevado hasta el final. Inmaculada por trucos de estudio discordante o momentáneamente las técnicas de moda, cavernoso sonidos de percusión o haga clic en pistas, lo que ha dejado un legado discográfico es definido por la pureza de la forma resistente y sentimiento. El enfoque no afecta destacó los muchos sabores - país patear el culo, la sofisticación de jazz, folk escupir aserrín n, entarimado temblor techo elevar roca - que se alimentan de Rory amorosamente nutridos blues. Su dedicación a mantener lo que llamó "una buena cosecha, étnica" de sonido, lo que favorece pre digital a través de equipos de grabación modernos, sin duda, habría sido uno de los atributos que querer por Rory admirador de Bob Dylan, un visitante en el backstage de un show de Los Ángeles 1978 después de que inicialmente se dio la vuelta no reconocido. cuota anual de conciertos de Gallagher a menudo de las principales 300, sudor noches empapado en la que nunca le dio nada menos que 110 por ciento. Y él siempre estaba dispuesto a dar un poco más, venga el tiempo de Navidad que a menudo se embarcan en giras improvisadas en la Irlanda rural que, naturalmente, alcanzado el estatus de leyenda. Una cruz héroe tribal musical que hizo un llamamiento a trad rockeros, punks y hordas de metales pesados, Rory era un jornalero verdadera música va donde la música se lo llevó. El invitado en álbumes para muchos como clave las influencias de Jerry Lee Lewis, Albert King, Albert Collins y el ya mencionado de Muddy Waters, una experiencia que disfrutó especialmente.
• En 1990, Rory había jugado 25 giras en Estados Unidos y apareció en el festival de lectura en el Reino Unido y el festival de Jazz de Montreux más veces que cualquier otro acto. Lamentablemente, se hinchó como los medicamentos con receta y bebidas diversas para hacer frente a los rigores de la vida en la carretera había antes de tiempo y notablemente su edad. "El blues es malo para su salud", se encogió de hombros ", su tan simple como eso, va con el territorio."
• Rompiendo con la etiqueta principal y la creación de forma independiente, la producción de Rory se había vuelto menos prolífico ya que cada vez más agonizante grabaciones. Incluso 'Jinx' álbumes más tarde, 'Defender' y 'La evidencia fresca', la última versión antes de su muerte, le mostró sigue avanzando, rompiendo un nuevo territorio. El alza "Loan Shark Blues 'es un grito eterno potente de desesperación financiera, mientras que' La puerta del cielo 'y' Blues Espíritu", el título de la carrera de excelente Ian Thuiller de que abarca 2.010 documental Gallagher, cortado del mismo paño sí revelador como 'Un Millón de Millas "Lejos, la fragilidad de la vida contemplado. Su dedicación a la musa era absoluto, tal vez a costa de su vida personal: no tenía el matrimonio, no hay relación de largo plazo y sin hijos. El hombre que podía unir a miles de personas en el desempeño vivió una vida solitaria unindulgent lejos del escenario, que parece identificarse con los operativos en solitario que poblaban la ficción de detectives del cine negro como Dashiell Hammett de la que a menudo se ha inspirado en lírica. Así que estaba atada a la vida en la carretera que sus últimos años los pasó viviendo en un hotel con vistas al puerto Chelsea. Rory, literalmente, jugó hasta que cayó, después de desmayarse en el escenario en Rotterdam en enero de 1995, fue hospitalizado en Londres con insuficiencia hepática. Tras una operación exitosa de trasplante parecía estar recuperándose, pero él cogió una infección y murió en junio de 2005.
• El mundo de la música enviaron sus condolencias, 15.000 salieron a las calles de Cork como él fue enterrado. Pero la dedicación de Rory a la base de la roca habilidades también verle enseñar a un jugador en ciernes a tocar un riff o conseguir un cierto sonido - Brian May fue uno de los beneficiarios, tales - y él se enorgullecía de la fundación de la todavía importante Registro de Tutores guitarra.
• Desde su muerte, la reputación de Rory ha crecido. Tal vez su único con el paso del tiempo que el alcance total y la inmensidad de sus logros se pueden evaluar. Un verdadero original resueltamente ordinaria de trabajo el hombre a su imagen, la consistencia sin adornos de su arte (y su pintura despojada de inicio!) Resulta aún más extraordinario en la era de la saturación de los medios de comunicación. En 2003, el título póstumo en libertad "ruedas dentro de ruedas" álbum proporcionan otro punto culminante de carrera, centrándose en la faceta acústica de arte de Rory con colaboraciones con Martin Carthy, Bert Jansch, Lonnie Donegan, flamenco Juan Martin y Dubliners. Este año será el primer lanzamiento del álbum de 1978 abandonó registrado en Estados Unidos "Notas de San Francisco. la memoria de Rory vive en todo el mundo, en la memoria de los que experimentaron sus espectáculos y se reunió con él. Legiones son los fans que, como un joven aspirante a Manchester guitarrista Johnny Marr en los años 70, acariciado reunión Rory y entró andando en el aire. Más de una vez en el calor de un show en el estadio invasiones eran comunes el inicio se entregó a un miembro de la audiencia por un rasgueo rápido. La sensación de que podría crear en una sala en Belfast o de Montreux, en Londres o en Los Ángeles, no se puede pedir más de un concierto, de verdad.
• Gallagher se conmemora en toda Irlanda, una estatua de bronce en Ballyshannon, una escultura en Cork, donde el teatro local lleva su nombre, una guitarra montada en Dublín, una placa en Belfast y su famosa pintura maltratadas despojado inicio Sunburst ha sido comercializado por Fender en un homenaje modelo. Hay una calle de Rory Gallagher en París, un festival anual en Irlanda y conciertos homenaje se celebra cada año en su honor en todo el mundo. historia de Rory, al parecer, no va a terminar. Fácilmente accesible en imponentes presentaciones en vivo conservados a una gran cantidad de DVDs, un sitio web integral comisariada oficiales y grabaciones remasterizadas - un legado de amor que mantiene a su familia, el hermano Donal y su sobrino Daniel, su música sigue dispuesto a inspirar y emocionar generaciones viejas y nuevas.
• Rory Gallagher murió muy joven con mucho por lograr y ofrecer, pero la riqueza y la calidad del material que produjo en su vida, asegura su vez inquisitiva, vive con hambre de espíritu.

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Gregg Bissonette

• Gregg gran oportunidad llegó en el verano de 1985, cuando David Lee Roth dejó Van Halen y comenzó su propia banda. Gregg consiguió el concierto tocando la batería, con Steve Vai en la guitarra, Billy Sheehan en el bajo, y Brett Tuggle en las teclas. La banda grabó Em la Coma álbumes 'y de sonrisas y Rascacielos, ambos de los cuales fue multi-platino. Gregg Matt, el hermano se unió a la banda para la gira de rascacielos y el próximo álbum de estudio, un poco, no es suficiente. Los videos de "Yankee Rose", "Goin 'Crazy", "Just Like Paradise", "Stand Up" y "That's Life" tiene un montón de tiempo en el aire en MTV.
  En 1989, Gregg tuvo la gran experiencia y el honor de tocar con la Buddy Rich Big Band en el Buddy Rich Memorial de Becas de vídeo de conciertos. Este video también aparece Vinnie Colaiuta, Steve Gadd, y Louie Bellson.
  En 1992, Gregg y Matt grabado con Joe Satriani en su CD Los extremistas, producido por uno de los ingenieros favoritos Gregg / productores, Andy Johns, que también diseñado un montón de canciones de Led Zeppelin. Cuando Andy Gregg preguntó qué le gustaría que sus tambores a sonar como, Gregg respondió: "¿Y como cualquiera de las cosas que hizo con John Bonham?" Andy rápidamente sonrió y respondió: "Podemos hacer eso!" Gira por Gregg y Matt con Joe Satriani derecho después de la liberación de "los extremistas", y también hizo un CD en vivo de esta gira llamada "máquina del tiempo." Matt fue a grabar tres discos más con Joe Satriani y sigue haciendo giras con Joe cuando él puede.
  Gregg y Matt comenzó su propia banda llamada The Semillas de Mostaza en 1993, con los guitarristas Doug Bossi y Jorge Bernhardt. Los cuatro miembros escribió las canciones juntos y era el vocalista principal y las armonías. Gregg recuerda esta banda como una época muy creativa y gratificante musicalmente. "Hay algo muy especial por estar en su propia banda con su hermano," él dice.
  En 1995, Gregg hizo una gira europea con la banda Toto después (el baterista de Toto desde la inesperada muerte de Jeff Porcaro) Simon Phillips preguntó Gregg para reemplazar a él durante cuatro meses debido a una lesión. La visita dio lugar a un montón de tiempo jugando con Steve Lukather, y un par de años más tarde trabajó con Steve en el álbum Lucas, que incluyó una gira por Europa y Japón. Gregg también jugó en el 2003 Lukather SantaMental álbum de Navidad, con Steve, Gregg, Babko Jeff en los teclados, y John Pierce en el bajo. Gregg tocaba la trompeta y, junto con Walt Fowler en la trompeta y el trombón Babko Jeff.
  Gregg celebró otro hito en 1998 - el nacimiento de su maravilloso hijo de Noé. Más tarde ese año, también tuvo la oportunidad de trabajar con uno de sus héroes desde hace mucho tiempo, Don Henley, en el álbum de Don Inside Job. productor Don fue Stan Lynch, el batería de Tom Petty y los Heartbreakers y uno de los mejores amigos de Gregg.
  En 2000, Gregg tuvo el honor de tocar con Carlos Santana en la multi-ganadora de un Grammy CD Supernatural. Esta sesión se produjo porque el productor originalmente llamó a uno de los bateristas favoritos de Gregg, Vinnie Colaiuta, para hacer la sesión, pero Vinnie no estaba disponible y recomendó Gregg.
  En 2001 Gregg celebra el nacimiento de su segundo hijo, su maravillosa hija María. En el mismo año, Gregg y Matt estuvo de gira con Jeff Lynne y ELO en su vivo Zoom Tour. Gregg y Matt había sido grande tanto a los fans de ELO y Jeff Lynne, quien jugó con la Willberries de viaje, George Harrison, Paul McCartney, Tom Petty, entre otros.
  Gregg ha grabado y lanzado dos álbumes en solitario, Gregg Bissonette en Shrapnel Records (que incluye un cover de una de las canciones favoritas de Gregg, "No Matter What" de Badfinger, con Gregg en la voz), y el submarino en los expedientes de las Naciones Favorecida. Todas las canciones fueron escritas y producidas por Matt Bissonette, que figuran en el bajo, coros, trombón y violonchelo. Gregg canta lleva en ambos discos, además de tocar la batería, trompeta y percusión.
  Gregg Bissonette características guitarristas invitados Steve Vai, Ty Tabor, Andy Summers, Paul Gilbert, Doug Bossi, Bernhardt George, Steve Lukather, Scott Henderson, Michael Thompson, y Mike Miller. Submarino características Joe Satriani, Frank Gambale, Steve Stevens, Tim Pierce, Steve Vai, Gary Hoey, Doug Bossi, Ritchie Kotzen, y el gran pianista David Garfield.
  Desde Maynard Ferguson, a los álbumes multi-platino, con giras mundiales y un Grammy, Gregg ha visto sus sueños musicales vienen verdadero por uno. Y en 2003, otro sueño se hizo realidad cuando él y Matt se les pidió que gira con Ringo Starr para promover el álbum de Ringo Ringo Rama. Ringo ha sido héroe batería Gregg ya que su padre lo llevó a ver a los Beatles en vivo en 1966!
  Además de tocar la batería, mientras que Ringo frente de la banda en las canciones "Yellow Submarine", "Con un poco de ayuda de mis amigos", "Fotografía", "It Don't Come Easy", y el tributo de Ringo con George Harrison, "Nunca Sin Ti ", Gregg y Ringo también tocó la batería dos veces en los Beatles éxitos como" I Wanna Be Your Man "y" Boys ". Además de un gran concierto en vivo en Nueva York, que también jugó en los programas de televisión El Show de Tonite con Jay Leno, Conan O'Brian, Good Morning America Regis y Kelly, y Last Call con Carson Daly. Gregg también hizo un video musical con Ringo "Never Without You".
  Algunos de ustedes saben Gregg como su alter ego, Skippy Skuffleton! Gregg ha jugado con la banda inglesa de rock más fuerte, Spinal Tap, desde la primera vez de gira con ellos en 2001. También tocó con Toque en el Live Earth 2007, y el Festival de Glastonbury y el Estadio de Wembley, en 2009. Lo puedes escuchar en la batería en la parte posterior del álbum Dead, lanzado 2009.
  Gregg tiene una nueva gira con Ringo, esta vez como un All Starr en Todas las banda de Ringo Starr, para sus viajes de 2008 y 2010. miembros de la banda de la gira 2008 All-Starr fueron Colin Hay (Men At Work), Billy Squier, Hamish Stuart (Average White Band), Edgar Winter, y Gary Wright. Para el Tour de 2010, la banda incluía a Wally Palmar (Los románticos), Rick Derringer (The McCoys), Edgar Winter, Gary Wright, y Richard Page (Mister Mister). En julio del tour 2010, Gregg era parte de una fiesta de cumpleaños cuando Paul McCartney, Ringo sorprendió de 70 cumpleaños de Ringo en el Radio City Music Hall de Nueva York. Gregg llegó a jugar la canción de los Beatles "cumpleaños" con tanto Ringo y Paul, y un reparto repleto de estrellas musicales!
  definitiva de instrucción de Gregg DVD, percusión en diferentes estilos musicales, fue lanzado por Hudson Music en 2005. Se grabó en el estudio de Allaire en el estado de Nueva York, donde Norah Jones y David Bowie había grabado sólo álbumes. Percusión musical cuenta con ocho pistas de la banda de los álbumes en solitario de Gregg, en estilos que van desde el jazz, al funk, al latín, al swing.
  Con todos sus logros tambores y elogios, a Gregg sus hijos son sus mayores atributos. Un hombre de familia fuerte y comprometida, le encanta pasar tiempo con su hijo y una hija. Como padre soltero, Gregg valores de su tiempo con ellos y es una inspiración para otros padres solteros tratando de equilibrar los desafíos de la vida de un músico agitado con criar a los niños.
  Hoy en día, Gregg continúa grabando con y para muchos otros artistas, películas y programas de televisión. Gregg consejos favoritos para bateristas? "Ser un baterista musical!", Dice. "Concentrarse en mantener el ritmo y el groove de la canción entera, y el juego de forma dinámica. Aprender a tocar la big band, latina, funk, afro-cubana, hip-hop, R & B, jugar con pinceles, en pequeños grupos, grandes grupos, lugares pequeños o grandes, de todas las edades y todo tipo de estilos y enfoques. Recuerde, no se trata de tocar solos de batería, se trata de hacer un ruido alegre ... espero hacer una vida fuera de él algún día! "
  Gregg utiliza exclusivamente batería Mapex, platillos Zildjian, DW pedales del tambor, tambor Jefes Remo, Vic Firth baquetas, Audio Sansón, micrófonos Shure, el Gregg Bissonette Firma Stick Bolsa de Kaces, XL casos especiales por carretera, Beato tambor Bolsos, LT Lug Seguros, y LP percusión productos ...

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