Sarah Vaughan

• Sarah Lois Vaughan (Newark, 27 de marzo de 1924 – Los Ángeles, 3 de abril de 1990), conocida como Sarah Vaughan (pronunciado Vo:n) y apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, está considerada por muchos como la más importante e influyente voz femenina del jazz, aunque su magisterio se extiende a toda el área de la música popular.
• La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue uno de los primeros vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.
• Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939. Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante. No ha quedado registro sonoro de esta colaboración de los años 1943-1944. Cuando su gran amigo el también cantante negro Billy Eckstine formó su propia orquesta, Sarah se unió a él, haciendo su debut en la grabación discográfica. En la orquesta de Hines recibió la influencia de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.
• Más allá de unos pocos meses con John Kirby entre 1945 y 1946, Sarah Vaughan desarrolló su carrera en solitario. Aunque hacia 1945 su imagen fuera mejorable (su primer marido George Treadwell la habría de ayudar mucho en este aspecto), su voz era ya incuestionable. Realizó unas primeras grabaciones para la compañía Continental entre las que destaca la del 25 de mayo de 1945, en la que estuvo acompañada por Gillespie y Parker. Sin embargo, fueron sus grabaciones de entre 1946 y 1948 para Musicraft (que incluían temas como "If You Could See Me Now", "Tenderly" y "It's Magic") las que demostraron su maduración como cantante y su fraseo orientado al bop aplicado a las canciones populares. Firmó con Columbia y grabó para ella durante el periodo 1949-1953, consolidando su popularidad. Aunque algunas de estas grabaciones tienen un matiz típicamente comercial, sus ocho temas grabados con la banda de Jimmy Jones durante el 18 y 19 de mayo de 1950 se encuentran entre sus interpretaciones más memorables, demostrando su capacidad indudable para cantar jazz.
• Durante los años cincuenta, Sarah grabó para Mercury música pop con orquestas, y material puramente jazzístico para el sello subsidiario de aquél, EmArcy, entre el que se encuentra su muy elogiada colaboración con Clifford Brown. Más tarde, grabaría para Roulette (1960-64), volvería a Mercury (1963-67) y, tras un periodo de inactividad de cuatro años, para Mainstream (1971-74); Vaughan estuvo también en el sello Pablo de Norman Granz desde 1977 a 1982.

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Brenda Lee

• Brenda Lee (n. Atlanta, Estados Unidos, 11 de diciembre de 1944) es una cantante de country, soul y rhythm & blues estadounidense. Fue un ídolo adolescente (una Princesa del Pop) durante la década de los 1950 y 1960.
• Brenda Mae Tarpley nace el 11 de diciembre de 1944 en Atlanta y a muy tierna edad ya destacaba en certámenes de talentos infantiles: participa en el Master Worker’s Quartet (conjunto gospel de su iglesia), interviene durante casi un año en el programa de radio Starmakers Revue y participa en algunos programas de la televisión local por los que ni ella ni su familia cobró ni un centavo. En 1956, con tan sólo 12 años, debuta arrasando en las listas con temas como ‘Jambalaya’, ‘Bigelow 6-200′ o ‘I’m Gonna Lasso Santa Claus’. Los éxitos se suceden con ‘Little Jonah’ o ‘Dynamite’. Éste último le da el apodo de “Miss Little Dynamite”. Y siendo tan sólo una niña consigue convertirse en un ídolo adolescente gracias a su poderosa voz de cantante veterana.
• Al tiempo que alcanzaba todos los tops de las listas country empiezan a surgir temas con otras influencias que le abren las puertas del triunfo internacional con míticas grabaciones como ‘Sweet Nothings’ o ‘I’m Sorry’. Su corta edad le supone cientos de problemas para actuar en muchos lugares, sobre todo en Europa, pero la publicidad que generaban muchas veces las mentiras de sus promotores hacía que las ventas y el éxito se multiplicara. Así llegó a convertirse en una estrella internacional con las actuaciones que no paraban de sucederse en Francia, Italia, Alemania, Gran Bretaña... Con ‘One Rainy Night in Tokyo’, grabada en Nashville, conquista los corazones nipones en 1965 y comienza su gira por Japón, dando lugar al LP grabado en directo ‘Live in Tokyo’. Más adelante se edita exclusivamente en Japón un EP de temas navideños y poco después graba en este país el álbum ‘Just for You, Something Nice’.
• Su primera aparición en el cine fue en ‘Two Little Bears’ en 1961 con un pequeño papel junto a Eddie Albert y Jane Wyatt donde interpretaba ‘Speak To Me Pretty’, canción que alcanzó grandes ventas en el Reino Unido. En 1962 interviene en la versión teatral de ‘Bye Bye Birdie’ con el papel protagonista de Kim y un año más tarde hace de Dorothy en ‘The Wizard of Oz’. En 1980 interviene en la gran pantalla con otro corto papel en ‘Smokey and the Bandit II’ (traducida por 'Vuelven los caraduras') y con la canción ‘Again and Again’.
• A lo largo de su carrera Brenda Lee ha conseguido obtener casi todos los premios musicales existentes hasta el momento excepto el Grammy, que sigue siendo su asignatura pendiente a pesar de haber estado nominada en numerosas ocasiones. Actualmente es la artista que más premios Edison de la Música (el equivalente holandés de los premios Grammy) ha recolectado, cinco en su caso. Es miembro de los Rock’n'Roll, Rockabilly y Country Music Hall Of Fame y a día de hoy es una de las artistas femeninas que más discos ha vendido en la historia de la música. A sus 64 años sigue dando giras y participando en multitud de galas. Mientras, sus canciones siguen siendo incluidas en bandas sonoras de cine, televisión y en campañas de publicidad de todo el mundo.
• Discografía1959 Grandma, What Great Songs You Sang!
  1960 Brenda Lee
  1960 This Is...Brenda
  1961 All the Way
  1961 Emotions
  1961 Miss Dynamite
  1962 Brenda, That's All
  1962 Sincerely, Brenda Lee
  1962 The Show for Christmas Seals
  1963 All Alone Am I
  1963 Love You
  1964 By Request
  1964 Let Me Sing
  1964 Merry Christmas from Brenda Lee
  1964 Songs Everybody Knows
  1965 The Versatile Brenda Lee
  1965 Too Many Rivers
  1966 Bye Bye Blues
  1966 Coming on Strong
  1967 Here's Brenda Lee
  1967 Reflections in Blue
  1968 Call Me
  1968 For the First Time
  1968 Good Life
  1968 Let It Be Me
  1969 Johnny One Time
  1972 A Whole Lotta
  1973 Brenda
  1974 New Sunrise
  1975 Now
  1977 L.A. Sessions
  1980 Even Better
  1980 Take Me Back
  1983 Kriss, Willie, Dolly and Brenda...The Winning...
  1984 Love Songs Just for You
  1994 Wiedersehn Ist Wunderschon
  1997 Live Dynamite
  2000 Miss Dynamite Live
  2002 Sweet Nothings
  2004 Little Miss Dynamite in Concert (en directo)

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Tom Jones

• Tom Jones, OBE, nombre artístico de Thomas John Woodward, es un cantante, actor y Caballero de la Corona Británica nacido en Treforest, Pontybird, una localidad cerca de Cardiff, Gales el 7 de junio de 1940. Ha vendido cerca de 100 millones de discos en todo el mundo
  Jones se hizo conocido en la década de 1960 por su gran voz, extravagante estilo y por su sensualidad, elementos que han sido claves en su imagen como artista.
• Su carrera se inicia en 1963 cuando era vocalista del grupo Tommy Scott & The Senators, una banda beat local de aquel entonces que ganó reputación principalmente en Gales del Sur, pese a que no tuvo un gran éxito. Ese mismo año su grupo intentó conseguir éxito de la mano del productor Joe Meek quien trató de convencer a varias compañías disqueras de su potencial artístico sin mucho éxito. El grupo siguió tocando en clubes nocturnos hasta que un día Gordon Mills vio en Tom Jones un gran potencial y lo llevó a Londres donde comenzó a gestar su exitosa carrera. Gordon Mills se convirtió en su manager y decidido a lograr la consolidación del joven artista lo rebautizó bajo el nombre artístico de Tom Jones en honor al personaje literario.
• El estilo de Tom Jones, apodado El Tigre de Gales, cautivaba a muchos por su voz cálida y al mismo tiempo muy caudalosa, algo muy poco frecuente en un cantante popular. Su primer sencillo fue grabado para la casa discográfica Decca en 1964 con la canción "Fiebre intermitente" (Chills And Fever); no tuvo mucho interés, pero el éxito llegó en 1965 con la canción "No es raro" (It's Not Unusual). Ese mismo año, graba la canción para la película de James Bond titulada "Operación Trueno" (Thunderball). El reconocimiento llegó con el premio Grammy por Mejor artista nuevo. En 1966, su popularidad empieza a consolidarse a través de una propuesta madura, transformándose en un gran crooner con canciones como "El verde, verde césped de casa" (Green Green Grass of Home), "¿Qué hay de nuevo, gatita?" (What's New Pussycat), "Los ojos míos" (Help Yourself) y Delilah.
• Entre 1969 y 1971, Tom Jones tuvo un exitoso programa de variedades para la televisión titulado This Is Tom Jones el cual fue exhibido en cadenas como ABC en Estados Unidos o ITV en el Reino Unido. En la década de 1970, su carrera tuvo una lenta decadencia; se supone que porque su estilo pasaba de moda, ya que por facultades y espíritu, Jones se mantenía en plena forma.
• El 29 de julio de 1986 murió su manager, Gordon Mills, y su hijo Mark llegó a administrar su carrera. Mark logró relanzar su carrera a partir de 1987 cuando Tom Jones volvió a las listas de popularidad con la canción A Boy From Nowhere. Luego graba una versión de la canción Kiss -popularizada por Prince- junto a The Art of Noise que fue un hit instantáneo.
• En 1993 firma un contrato con la casa discográfica Interscope Records que edita el álbum The Lead And How to Swing It, un éxito inmediato que conquistó a audiencias más jóvenes. En 1998, actuó junto a Robbie Williams en los Brit Awards cantando una selección de canciones de la banda sonora de la película The Full Monty.
• Al año siguiente graba su disco de duetos titulado Reload en el cual destaca Burning Down The House junto a la banda The Cardigans, canción del grupo de los 80 Talking Heads, cuyo video musical se caracterizó por su gran realización e innovador concepto. Con este disco tuvo el reconocimiento absoluto por su trayectoria la cual se consolidó con los siguientes años ya sea recibiendo distinciones (como el premio Brit Awards por su contribución a la música el año 2003) o colaborando para otros artistas como Wyclef Jean (quien produjo el álbum Mr. Jones, editado en 2002) y Jools Holland.
• El 29 de marzo de 2006, fue nombrado caballero de la corona británica por la Reina Isabel II por su trabajo como artista.
• En la actualidad, Tom Jones sigue vigente a pesar de su edad, así sigue deleitando a las audiencias tanto en tours internacionales como también en sus conciertos en el MGM Grand Las Vegas donde se presenta durante diez o doce semanas al año.
• En febrero de 2007 hizo su primera presentación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile), se le otorgaron 2 antorchas (1 de oro y 1 de plata) y 1 Gaviota de plata, por su calidad y trayectoria profesional. Si bien Tom Jones no tiene un estilo de música definido, su música suele ser rock / pop.
• En 2009, visitó Chile nuevamente cantando en el Casino de Viña del Mar, después lo hizo en el Festival de Antofagasta con un lleno impresionante de más de 100.000 personas para finalizar en la ciudad de Iquique con una extraordinaria presentación al más puro estilo de Las Vegas.

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Linda Ronstadt

• Linda Ronstadt conocida también por el sobrenombre de La Reina del Rock o la Primera Dama del Rock[1] (Linda Susan Marie Ronstadt) nacida el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona, es una cantante estadounidense, cercanamente asociada al género country y rock prevalente en la década de 1970; pero se la conoce mejor por interpretar canciones de otros autores.[2]
• Aunque comenzó su carrera de cantante grabando música folclórica con su banda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960, ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde el más tradicional country al rhythm & blues, incluyendo entre otros new wave, ópera y mariachi.
• Con raíces en el país de Los Ángeles y las escenas de folk-rock, Linda Ronstadt fue una de las cantantes más populares de interpretación de los años 70, ganando una serie de discos de platino y singles Top 40. A lo largo de los años 70, nunca la perdió de vista relajado pop de sus raíces folk, pero como ella se mudó a los 80, comenzó su sonido a cambiar con los tiempos, agregando influencias new wave. Después de un breve coqueteo con la pre-pop rock, Ronstadt asentado en un patrón de pop adulto contemporáneo y discos latinos, el mantenimiento tanto de su popularidad en los campos.
•  Mientras Ronstadt fue un estudiante de la Universidad de Arizona, que lleva el guitarrista Bob Kimmel. El dúo se trasladó a Los Angeles, donde el guitarrista / compositor Kenny Edwards se unió a la pareja. Que se hacen llamar The Stone Pony, el grupo se convirtió en una atracción en el circuito de folk de California, grabando su primer álbum en 1967. El segundo álbum de la banda, Evergreen, vol. 2, aparece en el Top 20 hit "Different Drum", que fue escrito por Michael Nesmith. Después de grabar un álbum más con el grupo, Ronstadt fue a una carrera en solitario a finales de 1968.
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Tinsley Ellis

• Hard-rock guitarrista de blues-empapado / vocalista y canción-escritor Tinsley Ellis canta y juega con la energía y el alma de todos los grandes músicos del sur que han llegado antes que él. Ellis ataques musical de la historia con el poder y el sentimiento de blues rock, en la tradición siguientes del Deep South héroes musicales Duane Allman, Freddie King, Derek Trucks y Warren Haynes. Sus shows en vivo han extendido sus calados llena la experimentación melódica y rítmica con, en el espíritu de las bandas de tocar como pánico generalizado sus amigos y The Allman Brothers. Atlanta Magazine Ellis Declarado "la mayor parte del" artista de blues importante para salir de Atlanta sincera Blind Willie McTell ".
  Desde la primera golpear la escena nacional con el debut historia cocodrilo Records, Georgia AZUL en 1988, Ellis ha realizado giras sin parar y continuó lanzando un críticamente aclamado álbum tras otro. Su trabajo de guitarra estelar, siempre un elemento básico de todos los Live CD y la historia, la historia se corresponde con canciones fuertes y voz potente, conmovedora. papel de Tinsley ciudad natal, The Atlanta Journal Constitution, llamadas historia de la música ", un potente, increíble viaje a través de blues-rock eléctrico."
• Ellis hizo cinco álbumes aclamados por la crítica de cocodrilo Entre 1988 y 1997 Antes de la grabación de las etiquetas de Capricornio y Telarc. Su gran energía en vivo-Highwayman, los fans Viva esperado álbum de la historia han estado exigiendo desde hace años, marcado retorno-la historia de Alligator Records. "Tinsley es uno de los mejores jóvenes blues generación de rockeros. Él ha hecho grandes discos para nosotros en el pasado, y estamos muy contentos de tenerlo de vuelta en la familia de los lagartos. Es genial en el estudio, aún mejor para vivir, por lo que ' estoy realmente entusiasmado con este disco ", dijo Iglauer.
• última versión de Ellis es cocodrilo MOMENTO DE LA VERDAD, captura toda la potencia y la energía de sus legendarias actuaciones en vivo. Su voz de alcanzar nuevas cotas de emotividad y expresividad; Su forma de tocar la guitarra y feroz es el objetivo implacable, cuando el ambiente lo requiere, dulce y conmovedora. Lo que realmente diferencia el álbum de diferencia, sin embargo, es la profundidad de la composición de Ellis. El material trata tanto en asuntos personales y universal, y recorre toda la gama de las emociones humanas. MOMENTO DE LA VERDAD ES grabación más amplia y Inspirado Ellis.
• Nacido en Atlanta en 1957, Ellis creció en el sur de la Florida y primera guitarra a la edad de ocho jugados. Encontró el blues A través de la puerta de atrás de la invasión británica bandas como The Yardbirds, The Animals, Cream y The Rolling Stones. Especialmente le gustaba los Reyes - Freddie BB y Albert - y pasó las horas sumergirse "en su música. Su amor por el blues solidificados cuando tenía 14 años. En una actuación de BB King, Tinsley sáb hipnotizado en la primera fila. Cuando BB rompió una cadena es Lucille, lo cambió sin perder el ritmo, y entregó la cuerda rota a Ellis. Después del espectáculo, de la leva a cabo BB y habló con los fans más Impresionante Tinsley con su calidez y la actitud de los pies en la tierra. Por ahora el destino de Tinsley fue sellada, él tuvo que convertirse en un guitarrista de blues. Y sí, él Stiller Has Esa cadena.
• músico ya realizado años adolescentes, Ellis izquierda de la Florida y regresar inmediatamente a Atlanta en 1975. Pronto se unió a los gatos del callejón, una banda de blues arenoso que incluye Preston Hubbard (de los Fabulosos Cadillacs la fama). En 1981, el veterano cantante de blues junto con y arpista Chicago Bob Nelson, Tinsley Formado El Heartfixers, un grupo que se convertiría en el dibujo de arriba de Atlanta banda de blues. Al escuchar "Live At The Moonshadow (deslizamientos), segunda versión de la banda, The Washington Post declaró:" Tinsley Ellis es un héroe de la guitarra legítimos. " Después de cortar Heartfixers dos álbumes más de deslizamientos, Cool On It (con debut como vocalista de Tinsley) y hasta Tore (con la voz de blues gritador Brown pañales), Ellis estaba listo para salir por su propia cuenta. Ellis se siente una copia de la cinta maestra para su debut en solitario de Bruce Iglauer en Alligator Records. "Yo había oído FRÍO EN TI", recuerda Iglauer, "y me asombró. Yo no había oído antes Tinsley, bebía como los chicos que jugaba con gran reputación internacional. No era sólo la historia de poder puro y duro, era su gusto y la madurez que tiene para mí. Si el poder del rock al blues como el fieltro. Sabía que quería saber más de este tipo. "
• GEORGIA AZUL, primera versión de Tinsley cocodrilo, golpeó pública preparada por año sorpresa en 1988. Los críticos y los fans rápidamente de acuerdo en un nuevo y original héroe de la guitarra había surgido. "Deslumbrante musical lanzó en alguna parte entre la volatilidad del rock and roll y estimulante de la pasión del blues urbano," deliró el Los Angeles Times. En poco tiempo, Alligator Dispuestos a reeditar FRÍO EN TI y rompió ampollas Malthus Exponer Tinsley música anterior a una creciente base de fans. "The Chicago Tribune celebra la liberación por parte diciendo:" Toma Ellis entrenamientos clásicos, en el sur de blues-rock y em sacudidas Nueva vida con un eje de la presa tórrida ".
• próxima versión de Tinsley, Fanning en 1989 Las llamas, además amplió el estado del guitarrista héroe. Su talento ya un compositor igualado destreza historia de la guitarra. Guitar World gritó: "Ellis está al lado de Stevie Ray Vaughan y Johnny Winter, y que no es sólo propaganda". 1992 TIEMPO DE PROBLEMAS Añadido invitados manera Peter Buck (REM) y el teclista Chuck Leavell (Rolling Stones), y aún más Elogios de la crítica Presentado Ellis. La canción> Highwayman Airplay Recibido es comercial estaciones de radio de rock de todo el país. "Alive", patadas y empapado en sudor ", declaró el Washington Post.
• 1994 AVISO DE TORMENTA SE verdadero avance de Ellis. Grabado en vivo en el estudio con la historia y la banda de carreteras inteligentes Producido por Eddy Offord (John Lennon, Yoko Ono, sí), el álbum fue un tour de force de entrenamientos de guitarra de blues rock y el smoking para la radio. Características y opiniones corrió en la revista Rolling Stone, The Chicago Tribune, The Washington Post, Los Angeles Times, The Boston Globe, y en muchas otras publicaciones nacionales y regionales. Su audiencia, con mucho, la leva más grande Cuando NBC Sports corrió una característica es el mejor guitarrista de blues de Atlanta Durante 1996 olímpicos de verano la cobertura de sus vistos por millones de personas en todo el mundo.
• Fire It Up Seguido en 1997. Producido por el legendario Tom Dowd (Allman Brothers, Ray Charles), el álbum aparece tocando la guitarra ardiente Ellis y voz expresiva y conmovedora en forma mejor que nunca. Con un toque de producción hábil Dowd - junto a la banda por carretera fuego Tinsley y una serie de talentosos músicos, incluyendo el famoso bajista Donald "Duck" Dunn fueron siete canciones - Ellis alcanzado nuevas alturas, llegando con algunos de los mejores resultados de la historia de la carrera. The Associated Press llamó Set El CD, "Una sólida colmada de blues ... una mezcla de originales bien escrito y cubre todos los sujetos con abrasador guitarra y una voz grande para llevar histórico letras fuertemente por escrito."
• Un movimiento a los expedientes de Capricornio en el año 2000 vio Ellis Revisando sus raíces del sur con Kingpin. Lamentablemente por, la etiqueta doblada pronto el después del lanzamiento del CD. En 2002, se unió a la discográfica Telarc, producir dos discos bien recibidos del alma empapada de blues-rock, contra viento y marea y The Hard Way. Al mismo tiempo, nunca dejó de viajar Ellis. "Un músico nunca llegó a su casa famosa Permanecer", se apresura a señalar.
• Ellis ha jugado en los 50 estados, así como Canadá, Europa, Australia y América del Sur. Ya sea que fuera con su propia banda o compartiendo escenarios con The Allman Brothers, Robert Cray, Koko Taylor o pánico generalizado, que promedia más de 150 actuaciones al año, llevando su movimiento rápido, de alta energía, actuaciones empapados de guitarra a los fans de todo del mundo. En vivo, simplemente no hay uno mejor en Encendiendo una multitud, sala de ensayo con enfoque y propósito ...
• DISCOGRAFÍA
• Momento de la Verdad 2007
• Live-Highwayman 2005
• The Hard Way 2004
• Hell Or High Water 2002
• Cabecillas de 2000
• Fire It Up 1997
• Advertencia de la Tormenta 1994
• Problemas de tiempo de 1992
• Avivando las llamas de 1989
• Georgia Azul 1988
• "Cool On" Es de 1986

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Paco De Lucia

• Francisco Sánchez Gomes, de nombre artístico Paco de Lucía, (Algeciras, Cádiz, 21 de diciembre de 1947), es un guitarrista flamenco español. Su segundo apellido "Gomes" es debido a su madre, Lucía Gomes, natural de Castro Marim (Portugal); de ahí el nombre de su disco Castro Marín (Universal, 1987).
• Está considerado uno de los mejores maestros de la guitarra de todos los tiempos. Ha recibido, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004). Es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music, distinción concedida en mayo de 2010.
• Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, ha grabado algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión de flamenco con el jazz y otros estilos musicales.
• Paco
  Mi nombre es Francisco Sánchez Gómez, Alias Paco de Lucía, y soy guitarrista.
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• …Si le invitases a casa
  Para comer: Algún plato de cuchara
  Para beber: Un tinto
  No le hables de: Guitarra, su pesadilla
  En la cadena de música: Camarón “el mayor genio que he conocido”
  Para la sobremesa: Una película de Willy Wilder o la trilogia “Blanco, Azul y Rojo “ de Kieslowski.
  Un libro para prestarle: Alguno de oscar Wilde( nada de filosofía porque dice que de tanto leer a Ortega y Gasset, terminó por analizarlo todo y perder el sentido del humor)
• 
  Cuando me propusieron tocar el concierto de Aranjuez en Japón, fue un reto para mi, nunca lo había tocado ni me lo sabia. Como suele ocurrirme, firmé el contrato y me olvidé. Cuando me di cuenta solo faltaba un mes para debutar, pensé que sólo podría lograr aprendérmelo estando completamente solo y abstrayéndome del mundo.
•  
• Para estudiarlo me escapé a México, a la casa de Playa del Carmen. Me llevé mi bata japonesa un par de bañadores, la partitura del concierto, un pentagrama con los nombres de las notas para poder descifrar aquello y varias versiones grabadas.
•  
• Fueron unos días duros pero los recuerdo con gusto. Cada mañana cogía mi fusil de pesca y me iba caminando unos 5 Km. por la playa hasta la pequeña bahía de X-Caret, que en ese entonces era virgen, era mi pescadería particular. Me tiraba al agua un par de horas hasta conseguir la comida del día, que era generalmente un pargo. De regreso a casa, lo limpiaba y lo freía. Una delicia.
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• Después de comer, me instalaba con mis notas y mi cassette hasta la medianoche.
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• Con la partitura localizaba las notas y con las grabaciones comprendía los tiempos. Esa parte fue la más difícil, porque en muchos pasajes las versiones clásicas utilizan rubatos que no están en la partitura. Que de horas me tiré con algunos pasajes escuchándolos mil veces hasta poder encajarlos. Porque para mi lo más importante en ese momento era respetar el tiempo.
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  Después de un mes, regresé a Madrid, ya lo tenía.

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Jesse Cook

• Jesse Cook es un guitarrista con sede en Toronto, nació en París de padres canadienses. Al igual que otros guitarristas del estilo histórico de la música, incorpora funky jazz, música latina y del mundo la historia en jugar. Cook est aussi pour la historia conocida de muestra de la energía en vivo. Él ha contribuido al álbum Afro Celt Sound System de semillas, y ha menudo Otros artistas populares contribuir "voz en sus propios álbumes. Él tiene en la etiqueta Narada.
• Nacido en París el 29 de noviembre de 1964 a fotógrafo y cineasta John Cook y el director y productor de televisión Heather Cook, Jesse Cook, pasó los primeros años de su vida en movimiento entre París, el sur de Francia y Barcelona. Como un niño pequeño que estaba fascinado por la guitarra y trató de emular el sonido oído que viene de los padres grabaciones históricas "de Manitas de Plata, el guitarrista gitano famoso de la región del sur de Francia, conocido como La Camarga.
• Después de Sus padres se separaron, Cook y su hermana accompagné su madre a su país natal, Canadá. La capacidad musical de Ella, el reconocimiento de las lecciones de sonido Seguido de Eli Kassner Toronto Academia de Guitarra. Otro famoso guitarrista clásico Kassner los alumnos Liona Boyd WS.
• Mientras que Cook era todavía un adolescente, su padre se retiró a la ciudad francesa de Arles Camargue En El Vecino DONDE historia acaba de pasar a ser Nicolás Reyes, cantante principal del grupo de flamenco los Gipsy Kings.
• Durante las visitas frecuentes a Arles, Jesse Cook hizo cada vez más fascinado por el "sonido Camargue" La rítmica, flamenco, rumba enfoque que se oía en las esquinas y cafés en el barrio gitano ".
• De vuelta en casa, Continuación de los estudios de la historia del jazz y la guitarra clásica, en parte, el sacrificio de los más prestigiosos de América del Norte Escuela de Música como el legendario Berklee College of Music en Boston. A menudo se ha bromeó que luego trató de olvidar que al mismo tiempo que sumergirse "en las tradiciones orales de la música gitana. Esta historia le ayudó Ampliar gama de gustos musicales.
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  Cook en 1995 2006El Festival de Jazz de Catalina fue un punto de inflexión en la historia de la carrera. Su álbum debut, "Tempestad" había sido lanzado de forma independiente en Canadá. Dentro de un mes, una empresa estadounidense Narada lidiar con que se les permita en el Jazz Festival de Catalina reservado. Originalmente la banda fue realizar "durante los veinte minutos intermedios en un bar de abajo poco Desde el escenario principal. Su actuación fue muy apreciada, tan apreciado en efecto, que Cook fue invitado a dar una actuación en el escenario principal. Poco después, Tempestad entró en las listas Billboard estadounidense en el # 14.
• Cook ha grabado siete álbumes de estudio, dos DVDs en vivo y ha viajado por el mundo Explorando las tradiciones musicales mezclados en que tiene la historia de la rumba flamenca. Además de conciertos y festivales como cabeza de cartel, se ha abierto a leyendas como BB King, Ray Charles y Diana Krall. Ha actuado con la soprano galesa Charlotte Church en The Tonight Show y estuvo de gira con la legendaria banda irlandesa The Chieftains.
• Su música ha-sido presentado en varios episodios de Sexo en Nueva York, El Show de Chris Isaac y varios Juegos Olímpicos.
• En 2001, Cook ganó un premio Juno en la categoría Mejor Álbum Instrumental para la "caída libre". En 2009, fue jugador Acoustic Guitar Magazine's Choice ganador del Premio de Plata en la categoría de flamenco (fue disco de oro a Paco de Lucía). Él es un tres veces ganador del Premio de Jazz canadiense suave para Guitarrista del Año y otros numerosos premios..

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Joss Stone

• Joscelyn Eve Stoker (11 de abril de 1987) es una cantante de soul, R&B y blues inglesa. Compositora y también actriz, ha vendido más de diez millones de álbumes en todo el mundo. Su talento ha sido reconocido por la industria discográfica estadounidense e inglesa con dos premios Brit Awards y un Premio Grammy.
• Ha vendido millones de álbumes en todo el mundo; ha estado nominada a los premios Grammy; ha aparecido en el escenario con James Brown, The Rolling Stones, Stevie Wonder, Elton John, Patti Labelle, Mavis Staples, Donna Summer, y Smokey Robinson; se sentó para una entrevista con Oprah Winfrey; protagonizó dos grandes campañas publicitarias para la marca Gap; y actuó para más de 200.000 personas en el concierto 2005 Live 8 Concert en Londres — todo eso antes de alcanzar la mayoría de edad de 19 años.
• Desde el momento en que la Stone de Devon, criada en Inglaterra emergió en la escena musical a la edad de 16 años, siempre ha demostrado fuerza e intensidad, a pesar de insistir que por entonces, siendo tan joven, no sabía lo que hacía. La crítica disentía, calificándola como una cantante que posee un "cinturón rico y profundo, lleno de soul", como la describía el New York Post, y "distinta de cualquier cantante de su generación". En el 2003, Stone publicó The Soul Sessions, un álbum de versiones de oscuros temas de soul, se lanzó a la carretera durante un año, luego grabó el Mind, Body & Soul de 2004, su primer álbum de material original. De ese disco, la revista Newsweek apuntaba: "Stone puede cantar dulcemente con voz triste, profunda y gutural, berrearlo estilo garito con rocola, o ponerse marchosa y funky para el público marchoso", mientras que Interview la elogiaba "voz audaz, que puede picar como un bourbon añejo, o fundirse como cinta de melaza".
• Stone estuvo nominada para tres Grammy en el 2005, incluyendo Mejor Artista Revelación, e interpretó un memorable tributo a Janis Joplin con Melissa Etheridge en la ceremonia de los premios. Su versión de "Cry Baby / Piece of My Heart" se editó como single, y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Stone en los EEUU. Ese mismo año, Stone apareció en todos los programas nocturnos y matutinos de entrevistas de la televisión americana, y protagonizó reportajes en todo tipo de revistas desde Rolling Stone a Vanity Fair además de ser portada de la biblia de la moda Elle.
• En febrero de 2006, se unió a Stevie Wonder, John Legend, e India.Arie para el concierto que se celebraba antes de la retransmisión de la Super Bowl XL, mientras que en la noche de los premios 2006 Grammy Awards, apareció con Legend y Van Hunt cantando un popurrí de éxitos de la estrella del soul Sly Stone. Su versión de "Family Affair", que aparece en el álbum de tributo a Sly Stone, Different Strokes By Different Folks, ha sido nominada este año para un premio Grammy por "Mejor Interpretación R&B por un dúo o grupo". Dispuesta siempre a honrar a las leyendas que llegaron antes que ella, Stone provocó un gran aplauso con su versión del "Son of a Preacher Man" de Dusty Springfield en la ceremonia de los UK Music Hall of Fame Awards en noviembre.
• The Soul Sessions, Mind, body & soul, y en 2007 Introducing Joss Stone. "Este es el primer disco que he hecho que es verdaderamente yo" declara. "Esa es la razón por la que lo llamo Introducing Joss Stone (Presentando a Joss Stone). Estas son mis palabras, y esto es quien soy como artista".
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Lidia Guevara

• Lidia Guevara nació un 10 de agosto en Barcelona y desde la infancia vive enamorada de la música. Desde siempre supo que lo suyo eran los escenarios y transmitir emociones con su voz.
• Empecé a experimentar con la música a los 5 años. Necesité una caja de zapatos y gomas de la pollería para fabricarme una guitarra. Los años posteriores los dediqué a crear diferentes grupos de música (el de heavy, el de versiones, el de rock, el de estilo inclasificable...). Toqué en los pasillos del metro para vivir la experiencia y poco después empecé a trabajar de corista para muchos artistas, una tarea que compaginé con mis estudios de periodismo.
• Durante muchos años estuve enviando maquetas a discográficas mostrando mis canciones, pero nunca recibí una respuesta. Un día, un productor me propuso formar parte de un grupo de música pop con sonidos orientales. Con gran osadía y curiosidad me adentré en aquella aventura y pude experimentar aquella oportunidad que me daba una gran discográfica. Sin comerlo ni beberlo el primer disco se convirtió en platino y yo ni siquiera entendía cómo había podido adentrarme en ese proyecto tan prefabricado.
• Tras sacar el segundo disco con esta formación sufrí una crisis existencial y decidí que quería empezar de cero para hacer la música que realmente me gustaba. Guitarra en mano, preparé una maqueta recopilando temas que había compuesto algunos años atrás y otros que había escrito por esas fechas.
• Gracias a las redes sociales (Myspace, Facebook, etc) mis canciones llegaron a muchos oídos y las pequeñas salas de conciertos en las que tocaba cada vez estaban más llenas. En aquellos momentos entré a formar parte del proyecto Apadrina un Artista (http://www.auamusic.com/), un portal web donde la gente puede invertir en sus artistas preferidos. En pocas semanas mis seguidores habían ingresado 10.000 euros y empecé a grabar mi disco con mis productores Lucas Masciano y Marcelo Frajmowicz.
• Continuando con la racha de buena suerte, Dani Martín (El Canto del Loco) descubrió uno de mis vídeos en Internet y quiso que fuera la corista de su primer disco en solitario. También contó conmigo como telonera, así como también lo hizo Suzanne Vega. En los últimos tiempos he tenido la suerte de compartir escenario con grandes artistas a los que aprecio y admiro (Conchita, Rafa Pons, Dani Flaco, Rebeca Jiménez, etc).
• Y ahora ya puedo decir que me doy por satisfecha: por fin he sacado mi disco. El álbum incluye 11 temas autobiográficos y viscerales, presentados como capítulos de mi vida. Se titula 'Memoria de Elefante' porque a la hora de recordar experiencias personales y emociones tengo una memoria privilegiada. Además, últimamente parece que en mi vida todo gira alrededor de este animal. Espero y deseo que se trate de un elefante con la trompa hacia arriba.

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Heather Nova

• Heather Nova (Bermudas; 6 de julio de 1967) es una cantautora y poeta británica. Su nombre verdadero es Heather Allison Frith.
• Nova nació en Bermuda con el nombre Heather Alison Frith. Sus raíces paternas en la isla se remontan trescientos años atrás, mientras que su madre es de origen canadiense. La mayor parte de su infancia la pasó navegando con sus padres y sus dos hermanos en un barco de 12 metros, construido por su padre, por el Atlántico y por las islas del Caribe.
• De pequeña, Nova comenzó a tocar la guitarra y el violín, y compuso su primera canción a los 12 años. Por aquel entonces su familia se trasladó a Nueva Inglaterra, donde realizó sus estudios escolares. Finalizados éstos en 1983, Nova estudió en la escuela de diseño de Rhode Island, en la especialidad de cinematografía, en la que se graduó en el año 1989. También tomó clases de poesía, y compuso letras y música para sus películas de estudiante. Más adelante abandonó el cine para dedicarse por entero a la canción.
• Nova vive en Bermuda con su marido, el productor musical Felix Tod y con su hijo Sebastian, nacido en 2004.
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  Después de finalizar sus estudios, Nova vivió durante un corto tiempo en Nueva York, donde intentó en vano interesar a varias empresas discográficos por su música. A continuación fue a vivir a Londres, donde residió durante los siguientes doce años y donde se sintió como en casa, ya que siendo originaria de Bermudas tiene la nacionalidad británica.
• En 1990 apareció su primer single, Heather Frith, todavía con su nombre auténtico. Un año más tarde cambió su apellido por "Nova", nombre que eligió por poderse pronunciar fácilmente en cualquier idioma europeo. Su segundo single, Spirit Of You, y después su primer álbum, Glow Stars, aparecieron en 1993 y tuvieron una favorable acogida.
• El año siguiente, Nova publicó su segundo álbum, Oyster, considerado probablemente el mejor de los que ha realizado. A lo largo de su carrera, Nova ha compuesto ya más de 100 canciones y es considerada una artista consolidada en el mundo de la música pop anglosajona.
• Además de consolidarse en el mundo de la música pop, es conocida por las importantes colaboraciones que ha hecho con uno de los dj's más reconocidos a nivel mundial ATB, al prestar su voz en canciones como lo ha sido Love will find you y más recientemente Renegade, canción que actualmente es el sencillo más reciente del afamado dj alemán.
• Grandes éxitos como : (London rain) tema que fue incluido en la afamada serie de Dawson's Creek

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Lisa Gerrard

• La música es un lugar para refugiarse. Es un Santuario de la mediocridad y el aburrimiento. Es inocente y es un lugar que puede perderse en los pensamientos, recuerdos y complejidades ... "Lisa Gerrard.
• Durante una carrera que abarca casi dos décadas con Dead Can Dance, bandas sonoras de películas galardonadas y una serie de álbumes como solista aclamado y colaboración, Lisa Gerrard se ha establecido como uno de los más de Australia innovador y artistas en la demanda. Cantante, compositora y actriz en El Niño de la Luna (una película que también anotó), Lisa ofrece una visión que es a la vez preciso y global de todo lo que hace.
• Es un viaje musical que comenzó en la década de 1980 cuando ella y su compatriota australiano Brendan Perry formó Dead Can Dance, una de las bandas más originales del planeta cuyos orgullosos cuentan es que no cabe en cualquier género cuidadosamente fabricadas o encasillar predefinidos.
• Con la voz de otro mundo de Lisa contra el preparado por los tonos melifluos de Brendon, desde el principio, pensaron que nada de establecer discordantes guitarras eléctricas y la oscuridad, balanceo de líneas de bajo contra cellos, trombones y timbales.
• Más de nueve álbumes entre 1984 y 1995, lienzo musical del dúo se amplió con cada lanzamiento para tener en una mezcla atemporal de las influencias musicales del mundo, los cantos medievales, baladas folk, estilos barroco, sabores celta, electrónica, muestras y cualquier otra cosa que tuvo su fantasía.
• Este mosaico de influencias musicales es tal vez menos sorprendente a la luz de la infancia de Lisa en Melbourne, donde se recuerda melodías griegos, turcos e irlandeses "que rezuma en las calles" de su barrio.
• Desde entonces vivió en Londres, España e Irlanda antes de regresar a las montañas nevadas de Australia.
• En 1995 llegó su primer álbum solista, The Mirror Pool en la que estuvo acompañado por la Orquesta Filarmónica de Victoria. Una vez más, es un álbum que desafía la categorización, causando una impresión, pero el revisor perplejos a lo describen como "ambient, folk orquestal, y new age, todo al mismo tiempo."
• La dualidad, una colaboración con Pieter Bourke seguido en 1998 y otra vez trascendido épocas y géneros musicales. Luego vino la memoria inmortal increíblemente bella, una colaboración con el compositor irlandés, Patrick Cassidy, que además explora los límites de la ambición musical de Lisa.
• Su reciente álbum, The Silver Tree, de nuevo cambió a un nuevo territorio, un álbum en todos los seres sintientes camino y etérea.
• En los últimos años, Lisa se ha convertido en una codiciada compositor de bandas sonoras. En muchos sentidos, esto ha sido una progresión lógica.
• Gran parte del trabajo de Dead Can Dance tenía una calidad cinematográfica que llevó a la música del grupo está siendo utilizado en la película de culto Baraka, comerciales de televisión e incluso una escena de persecución de coches en Miami Vice.
• Entre las muchas películas y documentales que ha conseguido o contribuido a son de Gladiador, de los Ejecutivos, Whale Rider, Caída del Halcón Negro, El calor, Alí, el Rey Arturo, Tears Of The Sun, The Mist, Salem's Lot, A Thousand Roads, Cenizas y nieve, Layer Cake, El Niño de la Luna, Balibo, milagro de Henry Poole, solo, jugando para Charlie y Ichi.
• Lisa ha recibido nominaciones a los Globos de Oro de información privilegiada y Ali y nominaciones al Oscar por Gladiator y 4 premios internacionales de Whale Rider.
• En 2009, fundó su propio sello discográfico, Discos Gerrard, con la intención de potenciar y apoyar a los artistas sin firmar, no reconocida en el mundo entero.
• Rompiendo el molde típico sello discográfico, Discos Gerrard tratará de darle a los artistas las herramientas y recursos para gestionar, además de actuar para salvaguardar los derechos y la propiedad intelectual de los artistas que sirve. nuevo álbum de estudio de Lisa, El Ópalo Negro, se establece en el primer lanzamiento de la etiqueta.

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Tracy Nelson

• Ella tiene una de las voces de la firma de su generación. Ese don natural siempre ha guiado alma Tracy Nelson, de hecho le permitió escribir tanto y buscar las canciones más profundas, independientemente de lugar o género. Un cantante feroz de la verdad, una fuente de la más profunda angustia, que es un comunicador final y ha destruido regularmente audiencias a través de décadas de llevar a cabo. Ella es una de las pocas cantantes femeninas que ha tenido éxito tanto en los registros de blues y géneros país, actuando con todos, desde Muddy Waters a Willie Nelson a Marcia Ball y Irma Thomas, con nominaciones a los Grammy ® para los esfuerzos tanto de su país y el blues. John Swenson, escribiendo en la revista Rolling Stone, afirmó, "Tracy Nelson demuestra que la voz humana es el instrumento más expresivo en la creación." Con las víctimas del Blues (Delta Groove), su álbum número 26 en poco más de cinco décadas, se ha rodeado completamente , de vuelta a la música original del South Side de Chicago que hipnotizado su mente adolescente a mediados de la década de 1960.
• "Hace varios años," Nelson revela ahora, "Yo estaba conduciendo con un amigo a través de Montana, herramientas hasta la I-90 el remolque de un 1962 Bambi II tráiler Airstream, la que parece una tostadora. Estábamos haciendo un viaje a Hebrón, Dakota del Norte, donde mi abuelo homesteaded y construyó un rancho de 2,000 acres que vendía en los años 60. "Los actuales propietarios estaban a punto de derribar la barraca la demanda de edad y que quería volver Hay una última vez. Las ventanas del coche estaban abajo y el blues nacional DJ Bill de cera fue en su radio satelital XM - el gran Otis Spann de "Una milla más", de su álbum de 1964 del Prestige, salió de los altavoces del camión. "Siempre había sido una canción que yo quería hacer", recuerda Nelson ", y que me hizo empezar a pensar en todas las grandes canciones de blues de Chicago y otros artistas que había oído en mis años de formación, especialmente Muddy Waters y Howlin 'Wolf. Este fue todo el tiempo que hice mi primer disco, profundas son las raíces. "Pensó también de hace unos años cuando ella estaba de gira a nivel nacional como parte de una conocida revista de Chicago blues, tocando un montón de festivales de blues. "La música que escuché en su día en Chicago, y lo que estaba escuchando desde la cosecha actual de los actos de blues guarda poca relación entre sí."
• A partir de ese día memorable en la audiencia Badlands "Una milla más", decidió que era hora de hacer un disco, dice, con "algunas de esas viejas canciones bien y ser lo más verdadero y auténtico al estilo como una niña blanca de Noruega (es ? que redundante) de Wisconsin pueden manejarlo "Este nuevo álbum, víctima de los Blues, es una colección cuidadosamente seleccionada de las canciones, la mayoría escritos por los héroes de principios de Nelson. Muddy Waters, Jimmy Reed, Mayfield Percy, Hopkins Rayo, Joe Tex y Howlin 'Wolf. Ella ha elegido 11 canciones del día, los que se derrama de las radios AM de los apartamentos del segundo piso, las ventanas del coche rodó hacia abajo, y viven de los clubes oscurecido con nombres exóticos como El Macambo.
• El álbum comienza con una alegre melodía Wolf, "Usted Be Mine", impulsado por el piano hombre Pugh Jimmy (Robert Cray, John Lee Hooker, Etta James) y resistente guitarrista Mike Henderson (La sangre azul), con el bajo bofetadas caseta de perro de la Casa de Byron (banda de Robert Plant de la Alegría) consumada magia Willie Dixon, que se eleva la voz de Tracy Nelson. Una canción contemporánea, "llevar un caballo al agua", señala Nelson, "es una maravillosa cantante y compositor llamado Earl Thomas, que debería haber nacido en esa época." El serpientes, trémulo Pops grapas de sonido del guitarrista Henderson, junto con el voces gospel de fondo (Vicki Carrico, Reba Russell, John Cowan, Tucker Terry y Nick Nixon) haría sonrisa de Mavis.
• Un par de Jimmy Reed ("el gran comunicador de blues de Chicago"-Robert Santelli) clásicos siguiente: "Dispara a Él" aparece como un petardo irónica, con Rimshot / arma de fuego desde el baterista John Gardner (Earl Scruggs, Las Dixie Chicks, James Taylor) y la nota inesperada (y consternado) Henderson. amigo de Nelson y el cantante invitado / piano mujer Marcia Ball saltos en la acción también. Y en "It's a Sin" Nelson ofrece voz perfecta lento arrastre. (Letras en tanto son por Mary Reed, antiguo colaborador de Jimmy y su esposa.)
• Las mujeres aullando nunca había sonado tan maldita clase en Wolf "Howlin 'para mi bebé." Aquí Nelson se une a Texas y sus compañeros generales de Blues, Angela Strehli. "Una milla más", la canción de Otis Spann que inspiró el álbum entero, es un verdadero tributo al Delta / músicos de blues de Chicago que trajeron su alma y la habilidad musical para las generaciones futuras, y podría ser considerado como un sujetalibros de 1968 de Nelson versión de su Memphis Slim canción del mismo nombre, "la Madre Tierra." Una vez más, Nelson sólo lo rompe, profundamente, catárticamente, dolorosamente.
• pequeña obra maestra de clave Percy Mayfield "Un extraño en mi propia ciudad natal" es seductora gracias a la propulsión cepillos de Gardner y el tacto Pugh en el Hammond B-3. La cautela dramática y tierna Nelson ofrece en "The Love You Save", una joya de 1966 Joe Tex, aboga por la comprensión íntima de una manera oportuna, mundano.
• Una Nueva Orleáns venció segunda línea infunde Nelson asumir la oscuridad Hopkin Lightning 'Feel So Bad "con la idea de que la danza fuera el dolor. Y cuando Nelson entona "se siente como un juego de pelota en un día lluvioso," se puede degustar la humedad y la sobrecarga de las nubes.
• "Without Love", escrita por Danny pequeñas, hecho famoso por Tom Jones, Irma Thomas y Elvis Presley, se cierra, magnífico en la presentación, humilde y redentor - "Yo había conquistado el mundo, pero ¿qué tengo? Sin amor, no tenía nada en absoluto. "Cantante John Cowen coincide con la potencia explosiva de Nelson como él toma la parte alta y va a la iglesia.
• La única pieza de este álbum de la primera generación era de blues - repleta de graves banjo, Steppin 'de piano prostíbulo Casa y Pugh - es de Ma Rainey, a quien Nelson define como "mi primera influencia musical, cuando empecé a cantar en serio. Es la canción del título, "Víctimas del Blues" - y la historia de mi vida. . . "
• educación de música de Nelson comenzó en la década de 1960 cuando, mientras crecía en Madison, Wisconsin, se sumergió en el R & B que escuchó en su dormitorio con vigas de WLAC Nashville-AM. "Era como escuchar música de Marte", recuerda de los sonidos alienígenas que su agitada así. Como estudiante de la Universidad de Wisconsin, que combina sus pasiones musicales cantando blues y folk en los cafés y R & B en las fiestas de fraternidad como uno de los tres cantantes al frente de una banda (incluido el teclista Ben Sidran) llamado imitaciones fabulosas. Ella era de 18 años. En 1964 se fue a Chicago para grabar su primer álbum, Deep son las raíces, producida por Sam Charters y lanzado en el sello Prestige. "Contratamos a Charlie Musselwhite a tocar la armónica en ese disco y él y yo conectado y colgado juntos por un tiempo. Yo iba a visitarlo en Chicago y él me lleve a los clubes en el lado sur. Ahí es donde conocí a Muddy Waters y Howlin 'Wolf. "
• Poco tiempo después, Tracy se trasladó a San Francisco y, en medio de la explosión psicodélica que era, formó la Madre Tierra, un grupo que lleva el nombre de la canción fatalista Memphis Slim (que cantó en su funeral 1988). La Madre Tierra el grupo, fiel a su origen más a tierra que extraño, era no obstante un gran atractivo en el Fillmore, donde compartieron escenarios con Janis Joplin, Jimi Hendrix y Eric Burdon. En 1968 la Madre Tierra grabó su primer álbum, que incluía propia composición de Nelson "Down So Low." Se convirtió en su canción de la firma, y ​​es considerado por todos un logro asombroso en el canon de la música rock. la revista Esquire lo llamó "una de las cinco canciones más tristes jamás escritas." Ha sido periódicamente objeto de cantantes grandes mujeres a través de los años, incluyendo Etta James, Linda Ronstadt, Maria Muldaur y, en 2010, Cyndi Lauper, quien lo eligió para su propia nominado al Grammy álbum de blues.
• En 1969, el segundo álbum de la Madre Tierra, hacen un ruido alegre, fue grabado en Nashville, lo que Tracy para alquilar una casa y luego comprar una pequeña granja en la zona donde aún vive hoy en día. Como proyecto paralelo, que pronto registró la Madre Tierra presenta Tracy Nelson Campo por la que convenció original de Elvis Presley Sol, era el guitarrista Scotty Moore a co-producir (con Pete Drake) y jugar en su interpretación de Arthur "Big Boy" Crudup "That's Todos Mama derecha "En cierto modo, el fenómeno que es Tracy Nelson se encapsula en esa circunstancia:. es una canción de blues, popularizada por el rodillo 'n' roll, grabado en un álbum de country por un folkie volvió diosa Fillmore, producido por una leyenda del rockabilly y preeminente el pedal de acero jugador de la jornada.
• Después de seis álbumes de la Madre Tierra para Mercury Records y Reprise Records, Nelson siguió registrando a lo largo de los años 70 como artista en solitario en las etiquetas de diversos. En 1974, ella obtuvo su primera nominación al Grammy por "Después de que el fuego is Gone", un tema de su álbum del Atlántico Records, un dueto con Willie Nelson que Tracy repitió en su álbum de 2003, en vivo desde Cell Block D. Willie (que, a pesar de los rumores, no está relacionada con Tracy, aunque afirma que podría ser "los hijos ilegítimos de Ozzie y Harriet") dice de los tubos notable de Tracy, "esa voz tremenda ha hecho más que mejorar con los años."
• El punto culminante de la tenencia de Nelson con Rounder Records a lo largo de la década de 1990 fue sin duda Sing It!, El brillante, de gran venta de álbum de 1998 protagonizada por Nelson, swamp blues / rockero Marcia Ball y el alma reina Irma Thomas. "Ella tiene una voz magnífica. Ella realmente puede vender una canción, "dijo Thomas, y los críticos de música con entusiasmo acordado -" Nelson varias veces se detiene el show con su voz enorme, envolvente, transformando canciones como 'In Tears' desde simples baladas con sabor a los países en catártica experiencia emocional ", escribió Punto de Michael (Austin American-Statesman). Y el dibujo de los álbumes recientes que hizo con Memphis International, Nelson dio a los aficionados de todo el mundo la oportunidad de escuchar su directo (en la tradición de la cárcel gran disco de Johnny Cash y BB King) cuando lanzó Live From Cell Block D, grabado en el Oeste de Tennessee Centro de Detención en Mason, Michigan. Fue una experiencia profunda para ella y para reforzar "el valor de compartir música en cada lugar imaginable."
• A finales de julio de 2010, Nelson se presentó en NPR "edición de fin de semana," un poco más de un mes después del trágico incendio que cobró la antigua casa de labranza de 100 años que compartió con su antiguo compañero de Mike Dysinger. Ella estaba empezando a hacer frente a las consecuencias de perder su casa y muchos de sus objetos personales. "Los bomberos nos dijeron que podría salvar una habitación - tuvimos que decidir-nos dijo 'el estudio." "Este álbum, víctima de los Blues, es el álbum que milagrosamente sobrevivió al fuego. Y esa es la razón por la que las primeras personas gracias Nelson en las notas de este disco son las quemaduras, New York Fire Department.
• Hasta la fecha, ha habido varios beneficios en todo el país para asistir a los dos en la reconstrucción de su casa de campo en la tierra que aman. Viendo como su primera nominación al Grammy fue para "Después de que el fuego se ha ido" con Willie Nelson, decía jocosamente, "entonces es lo perfecto para llamar a estos eventos." Nelson había titulado el álbum antes de que el fuego, por lo que el ironía no se pierde en ella. Víctima de los Blues es tan sentida como algo que ella ha grabado en su excepcional carrera, ella es una sobreviviente del alma.

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Paul Anka

• Nacido 30 de julio 1941, en Ottawa en una familia muy unida de Canadá, Paul Anka no perder mucho tiempo conseguir su vida en la música comenzó. Cantó en el coro de la Iglesia y el piano de estudio. Él perfeccionó sus habilidades de escritura con los cursos de periodismo, incluso trabajando para una temporada en el Ottawa Citizen. A los 13, tuvo su propio grupo vocal, el bobbysoxers. Actuó en todas las noches de aficionados que pudo llegar en el coche de su madre, sin su conocimiento, por supuesto. Poco después, ganó un viaje a Nueva York al ganar un concurso de sopa Campbell de IGA Tiendas de Alimentos que le obligaba a pasar tres meses recogiendo sopa de etiquetas pueden. Fue allí donde su sueño se solidificó, que iba a triunfar como compositor cantante, no había duda en su mente tenaz jóvenes.
• En 1956, convenció a sus padres que le dejaran viajar a Los Ángeles, donde llamó a todas las empresas registro en la guía telefónica en busca de una audición. Una reunión con Modern Records llevó a la liberación de Anka primer sencillo, "Blau-Wile Deverest Fontaine." No fue un éxito, pero Anka mantiene tapar lejos, llegando a colarse en vestuario Fats Domino para cumplir con el hombre y su gerente en Ottawa. Cuando Anka regresó de Nueva York en 1957, marcó una reunión con Don Costa, el hombre de A & R para ABC-Paramount Records. Le jugó un lote de canciones que incluye "Diana" - Costa fue debidamente entusiasmados con el potencial de la joven cantante y compositor. El éxito rápido y enorme de "Diana" - su primer número uno golpeado - le hizo una estrella.
• "Todos son muy autobiográficas", dice Anka de sus primeros éxitos. "Yo estaba solo, viajes, chicas gritando, y yo nunca llegó cerca de ellos. Soy un adolescente y se sienten aislados y todo eso. Eso se convierte en "Lonely Boy". Al registrar el sector del lúpulo, estoy en el escenario y todos estos niños están cogidos con las cabezas sobre los hombros del otro. Entonces tengo que ir a cenar en mi habitación, porque hay miles de niños fuera del hotel - "Pon tu cabeza en mi hombro" era totalmente esa experiencia.
• Pronto Paul se encontró viajando en autobús con la "Cabalgata de Estrellas" con los nombres más importantes del día en la era de la segregación, actuando en la Copa Cabana, el artista más joven en hacerlo, y perfeccionando su arte, rodeado por los gustos de Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Lyman Frankie, y Chuck Berry.
• En el momento en que los Beatles llegaron en los años sesenta, Anka había otra herramienta en su kit de supervivencia. "Después de unos cuantos golpes", dice, "Yo sabía que era un escritor, y con los escritores, el poder estuvo siempre en la pluma. Cuando comencé a escribir para Buddy Holly y Connie Francis, sentí que me hacía diferente para la gente - que decía: "Hey, usted puede escribir, puede recurrir a algo" Entre sus logros de mayor orgullo fue escrito el premio de la Academia. nominado al tema de El día más largo, la película de 1962 en la que también protagonizó.
• Composición y la realización de "es lo que me dio la confianza para seguir adelante", dice. Convertirse en un socio menor de Sinatra y el Rat Pack también tenía sus privilegios. En los años 70, el éxito de "My Way" y una serie de éxitos como "(You're) Having My Baby", confirmó su estatus como un ícono de la música popular. Sus logros más tarde como cantante incluyen "Hold Me Til 'Morning Comes", un dueto con Peter Cetera, en 1983, los Amigos álbum en español en 1996, y el cuerpo de trabajo, un álbum de duetos de 1998 que contó con Frank Sinatra, Celine Dion, Patti LaBelle, Tom Jones y su hija Anthea Anka. Si esto no fuera suficiente, se reveló en su lanzamiento en 2009, que co-escribió Anka Michael Jackson póstuma hit # 1 en todo el mundo, "This Is It", que también ha cementado su lugar en los compositores más prolíficos y versátiles de cualquier generación.
• Sin dormirse en sus laureles, dos de Anka álbumes más recientes - Rock Swings y ahora Classic Songs, My Way - ingeniosamente presentado canciones originalmente creados por algunos de los artistas de rock más importante del día - al igual que otros artistas ya establecidos a través de varios géneros. El giro: Paul Anka hizo de las canciones a su manera. "Su objetivo:". Tomando grandes canciones y las revisiones a lo que son naturales para mí "Con la ayuda de sus cinco hijas, Anka pasó meses investigando la música de los años 80 y 90, tratando de encontrar las canciones que iba a funcionar en el contexto nuevo y radical propuso. Las canciones que hicieron el corte incluido Bon Jovi "It's My Life", "Hello" de Lionel Richie y Eric Clapton "Tears in Heaven". Aún más espectacular fueron sus transformaciones de "Wonderwall" de Oasis, "Negro Hole Sun" de Soundgarden y de Nirvana "Smells Like Teen Spirit".
• Rock Swings fue Top 10 en el Reino Unido, y fue certificado de oro en el Reino Unido, Francia y Canadá, llegó al número 2 en Billboard's Top Jazz Albums y vendió medio millón de unidades en todo el mundo.

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Anita O'Day

• Anita Belle Colton (Chicago, 18 de octubre de 1919 - 23 de noviembre de 2006), (Anita O'Day) fue una cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las principales voces femeninas del jazz. Su estilo es tradicional, y oscila entre el swing y el bop; tiene un gran sentido de la improvisación y del ritmo. La voz de Anita O'Day es ligeramente grave y siempre suave.
• La primera aparición de Anita O'Day' en una big band rompió con la imagen tradicional de las vocalistas femeninas, situándose a un nivel similar al de los otros músicos del grupo.
• Animada por su madre, entró desde muy joven en el mundo de la música a través de varios concursos en los que participaba tanto como bailarina como cantante. Tras malas experiencias en breves estancias con Benny Goodman y Raymond Scott, O'Day consiguió un puesto en la orquesta de Gene Krupa en 1941. Varias semanas más tarde, Krupa contrató al trompetista Roy Eldridge, formándose un trío que alcanzó grandes éxitos como "Let Me Off Uptown", "Boogie Blues" y "Just a Little Bit South of North Carolina". Estuvo también durante un breve periodo con Woody Herman para regresar otra vez con Krupa, hasta abandonarle otra vez en 1943. Estuvo con Stan Kenton en 1944 y, finalmente, antes de su iniciar su carrera en solitario en 1946, otra vez con Krupa.
• Su carrera explosionó en 1955 con su primer disco (el primero que, además, editó VERVE) titulado Anita (o This Is Anita). Anita O'Day fue siempre mucho más apreciada en el mundo del jazz que en el del pop, y así frecuentó las actuaciones en los festivales de jazz, apareciendo junto a figuras como Louis Armstrong, Thelonious Monk y George Shearing. Su actuación en el Newport Jazz Festival de 1958 la convirtió en famosa en todo el mundo tras realizarse sobre el mismo una película titulada Jazz on a Summer's Day.
• La serie de casi veinte discos para VERVE durante los años cincuenta y sesenta convirtieron a Anita O'Day en una de las más distintivas, seguidas y exitosas vocalistas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. Trabajó con múltiples arreglistas y en muy variados estilos, incluyendo una colaboración llenga de swing con Billy May (Anita O'Day Swings Cole Porter with Billy May), un disco íntimo con The Oscar Peterson Quartet (Anita Sings the Most), varios tradicionales con la Buddy Bregman Orchestra (Pick Yourself Up, Anita), uno de orientación cool con Jimmy Giuffre (Cool Heat) e incluso uno con ritmos latinos con Cal Tjader (Time for Two).
• Hacia 1967, Anita O'Day tuvo que detener su carrera debido al extremo agotamiento físico derivado de su intensa actividad artística y estilo de vida, y de su adicción a la heroína.
• Tras pasar varios años controlando sus adicciones a las drogas y al alcohol, regresó a los escenarios en el Festival de Jazz de Berlín de 1970 y a comienzos de los setenta con varios discos de estudio y en directo, muchos de ellos grabados en Japón y algunos realizados por su propio sello discográfico, Emily Records. Ha seguido grabando hasta los años noventa.
• Publicó su autobiografía en 1981, titulada High Times, Hard Times.

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STEVE MILLER BAND

• La Steve Miller Band es un influyente grupo estadounidense de blues rock liderado por Steve Miller; guitarrista y vocalista.
• Steve Miller, junto al teclista Barry Goldberg, el bajista Roy Ruby, el guitarrista Craymore Stevens y el batería Lance Haas, fundó la Goldberg-Miller Blues Band poco después de trasladarse a Chicago para tocar blues. La banda firmó un contrato con Epic Records después tocar en muchos clubes de la ciudad. Su única publicación fue un single, "The Mother Song".
• Tocaron en el Hullabaloo con el Four Tops and the Supremes e hicieron una actuación en un club de Manhattan. Entonces Miller se mudó debido a la creciente actividad musical de la ciudad de San Francisco y formó la Steve Miller Blues Band. Cuando firmaron con Capitol Records en 1967, acortaron su nombre al definitivo: Steve Miller Band. El cuarteto de Miller, James Cook (guitarrista), Lonnie Turner (bajista) y Tim Davis (batería) tocó con Chuck Berry en un concierto en el Fillmore West, que más tarde se editaría como álbum en vivo. Tim Davis había sustituido a Lance Haas, quien había dejado el grupo.
• Poco después, el guitarrista Boz Scaggs se unió a la Steve Miller Band y tocaron en el Monterey Pop Festival en junio. Su álbum debut fue Children Of The Future, grabado en Inglaterra y que salió a la venta en mayo de 1968. Este primer disco no tuvo éxitos destacables y no logró colarse en la lista Top100, pero algunos temas dignos de mención son la melodía acústica "Baby's Calling Me Home" y el tema funky blues "Steppin' Stone". Cerrando el álbum, se puede encontrar una lenta canción titulada "Key To The Highway". La Steve Miller Band publicó un segundo álbum en octubre, llamado Sailor, que tuvo mucho más éxito y alcanzó el puesto 24 en la lista Billboard.
• Los seguidores del grupo iban aumentando con cada nuevo álbum. Brave New World, de 1969, llegó al puesto 22; incluía el éxito "Space Cowboy" y el tema "My Dark Hour", en el que también participaba Paul McCartney como bajista. El disco Your Saving Grace, también de 1969, se situó en el puesto 38 y Number 5 llegó más arriba, hasta el 23, ya en 1970.
• En 1971, Steve Miller se rompió el cuello en un accidente de coche y Capitol Records editó un nuevo álbum, Rock Love, que incluía material inédito tanto de directo como de estudio. Éste y Recall the Beginning... A Journey From Eden son los únicos dos álbumes de Steve Miller Band que no se han sacado en CD.
• En 1972 se puso a la venta el doble álbum Anthology, una recopilación de dieciséis temas de los cinco primeros discos. El siguiente año, The Joker supuso un cambio en la Steve Miller Band. El sonido era más rápido y enérgico y su primer tema, que daba título al álbum, se convirtió en un número 1. Mientras tanto, el disco consiguió posicionarse en el segundo puesto y fue premiado como álbum de platino por su más de un millón de copias vendidas.
• Tres años más tarde, la Steve Miller Band regresó con el LP Fly Like An Eagle, que logró un meritorio tercer puesto en las listas. Sus tres sencillos fueron: "Take The Money And Run" (puesto 11º), "Fly Like An Eagle" (puesto 2º) y "Rock N' Me", que fue su segundo sencillo en llegar a lo más alto de las listas. En Fly Like An Eagle se encuentra también el tema "Serenade", versionado muchos años más tarde por el grupo español M Clan con el título "Llamando a la Tierra". Éste es uno de los temas más famosos del grupo español, y de él existen tres versiones: en el disco Usar y tirar, de 1999, se pueden escuchar una con las letras originales en inglés y otra con la nueva letra de M-Clan. En el disco acústico Sin enchufe, de 2001, hay una muy buena versión (acústica) con grandes solos de guitarra.
• En 1977 publicaron Book Of Dreams, que llegó al puesto 2º y también incluía tres éxitos: "Jet Airliner" (puesto 8º) "Jungle Love" (puesto 23º) y "Swingtown" (puesto 17º). En 1982 volvieron a conseguir un nuevo número uno con el tema que compartía título con el disco, Abracadabra.
• Desde entonces han grabado esporádicamente. Su último disco, Let your hair down, una recreación de piezas de Jimmy Reed, Wiliie Dixon, Muddy Waters y Charles Brown, entre otros, se públicó en 2011.
• The Steve Miller Band's Greatest Hits 1974-1978, sacado en 1978, ha vendido más de ocho millones de copias y la banda sigue aún ofreciendo actuaciones en vivo.
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Stormy Mondays

• Ninguna banda española ha llegado, literalmente, tan lejos. Los Stormy Mondays sonarán en el espacio. Después de varias semanas de votaciones, el grupo ovetense ha quedado primero en el concurso convocado por la NASA para sonar a bordo del transbordador espacial Endeavour, que ayer partió para su misión número 25, la última de su historia
• Stormy Mondays es una banda de rock clásico, el de toda la vida.
• Soy Jorge Otero y hace casi veinte años que Stormy Mondays es mi banda: una banda de rock, con discos en inglés y también en castellano
  Tocando con Bruce Springsteen y más
  Mi camino musical se ha cruzado a menudo con el de muchas leyendas del rock americano.
• En nuestro primer disco colaboró Elliott Murphy, con quien tocamos en numerosas ocasiones. Más adelante me incorporé a su banda como bajista y mandolinista; quedan para el recuerdo más de 100 conciertos por toda Europa y un DVD en directo.
• También realicé diversas giras y conciertos en Europa y EEUU como guitarrista con Willie Nile, Joe Grushecky y Cindy Bullens, con la que grabé un disco en directo.
• Y no, la foto de la derecha no está trucada...
• En el festival Light Of Day en New Jersey, el 2 de diciembre de 2006, Grushecky me invitó al escenario junto a Bruce Springsteen (no te pierdas las fotos y el relato).
  
  Jorge Otero y Bruce Springsteen (2006)
  
  Woodstock ‘99
  Más aventuras: Woodstock '99 y Slash en el '92
  En 1999, gracias a tener nuestras canciones colgadas en internet, nos convertimos en el primer y único grupo español en la historia del festival de Woodstock, donde actuamos ante más de 50.000 personas.
• Otro encuentro musical improbable: en 1992, Slash (sí, el guitarrista de Guns N’ Roses) se subió a tocar con nosotros durante las fiestas de San Mateo en Oviedo. Teníamos 17 años y apenas un par de canciones propias. Fueron veinte minutos que pasaron en veinte segundos.
• Un fracaso sonado: nuestra discográfica
  No todo va a ser éxitos y encuentros con famosos. En su momento nos pareció buena idea crear nuestra propia discográfica. Nuestro primer artista fue Elliott Murphy.
• Peleamos durante años. Aahora sabemos que es imposible luchar contra las grandes discográficas, y que las radios comerciales están cerradas a la música indepediente.
  Contra la "antipiratería"
  Un día, hace muchos años, me harté de leer cifras manipuladas en los medios y me declaré en contra de la campaña "antipiratería". Nuestra web está llena de artículos al respecto.
• Copiar música es bueno, por eso ofrecemos nuestras canciones con licencia Copyleft o Creative Commons, que te permite copiarlas tranquilamente. Llevamos más de diez años haciéndolo y sigue siendo noticia.
• Discografía
  •Radio (LP vinilo, noviembre 2010)
  •Días mejores (EP, noviembre 2010)
  •On My Radio (EP, mayo 2010)
  •Concierto: Jardín Botánico (2009)
  •On The Run (EP, 2007)
  •París (EP, 2004)
  •Días de lluvia, corazones rotos (2002)
  •Winter Songs (EP, 2002)
  •Rainy Days And Broken Hearts (1998/2000)
  ¿Y ese nombre?
  Stormy Mondays se formó en Oviedo en 1991. Al igual que hicieron los Rolling Stones en su día, decidimos tomar el nombre de un clásico del blues. El nuestro es "They Call It Stormy Monday", de T-Bone Walker, editado en 1947.
• Otros proyectos musicales
  En el calendario de conciertos puedes ver todos los conciertos en los que toco, desde mis giras europeas con Willie Nile a las noches en pequeños locales con Fever Blues Band.
• Licencia Creative Commons
   

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Cyndi Lauper

• Que recuerdos me trae esta mujer   Cyndi Lauper ..Mismo este disco lo tengo cuando fue el ultimo grito por aquel entonces en todas las discotecas ...que uso le di en la discoteca Madre :)...
• Cyndi Lauper irrumpió en la escena mundial como quintaesencia de la chica que quiera divertirse. Después de más de 25 años de la libra esterlina y las ventas mundiales récord de más de 30 millones, se ha demostrado que tiene el corazón y el alma para mantener a su legión de fans obligado por su cada movimiento creativo.
• La belleza de Cyndi Lauper es que ella se ha convertido en una mujer rica renacimiento de múltiples facetas que golpea un acorde resonante con cada proyecto.
• Con su primer álbum "She's So Unusual", Cyndi ganó un premio Grammy por Mejor Nuevo Artista y se convirtió en la primer artista femenina en la historia en tener cinco top 10 singles de un álbum debut. En el camino, ella no ha dejado de ganar reconocimientos como cantante, músico, actriz, y escritora. Ha sido nominada para 14 premios Grammy, dos premios Emmy, dos American Music Awards, 7 American Video Awards y 18 premios MTV.
• En el centro de la vida de Cyndi es la música. Este mes de junio, lanzó su álbum de estudio 11, el nominado al Grammy Blues de Memphis, que entró en el Billboard 200 en el  26, convirtiéndose en el álbum de gráficos más alto tercero y el quinto top 40 álbumes de su carrera. Memphis Blues también debutó en el  1 en el Billboard Blues Album Chart, sentencia la cima de la tabla por 14 semanas consecutivas. Con esta colección de covers de blues, ella vuelve a reinventar a sí misma poniendo su toque único en uno de los géneros más queridos de la música.
• La sensación de Blues de Memphis es arenoso y lleno de vida. Grabado en marzo en Electraphonic Studios en Memphis, Tennessee, el álbum cuenta con apariciones de grandes artistas como BB King, Jonny Lang, Allen Toussaint, Ann Peebles y Charlie Musselwhite.
  "Este es el álbum que he querido hacer desde hace años", dijo Lauper. "Todas estas bellas canciones, y todos los grandes jugadores en el álbum, fueron elegidos con cuidado, ya que he admirado toda mi vida. Y yo sabía desde el momento Alan Toussaint tocar las teclas en "Shattered Dreams" que estábamos creando algo realmente especial.
•  "Un ganador del premio Emmy por su papel de estrella invitada como Marianne Lugasso en "Loco por ti", Cyndi sigue mostrando su gama como actriz y personalidad de la televisión, en cine y en el escenario. Actualmente aparece en el papel recurrente de hechizar psíquica Harmonia Avalon en la FOX éxito "Bones" y compitió en la última temporada de la NBC éxito "Celebrity Apprentice", recaudando $ 45,000 para su caridad, el Fondo de True Colors. Cyndi recientemente firmó un acuerdo con Mark Burnett Productions para su serie propia realidad listo para lanzar en 2011.
  En la película, Cyndi ha aparecido en películas como La señora Parker y el círculo vicioso (Fine Line / Mirimax), la vida con Mikey (Touchstone), y funcionando (Independiente), y Vibes (Columbia / Imagine). Tal vez lo más notable ha sido su actuación que afecta, aclamado frente Christopher Walken en El Oportunista (Independiente).
• En 2006, Cyndi hizo su debut en Broadway como Jenny en La ópera de tres centavos y actualmente está escribiendo la música para la adaptación de Broadway de la película británica Kinky Boots.
  Cyndi ha disfrutado de una vida brillante y colorido que sigue creciendo a mayores alturas creativas y prestigio mundial. En la actualidad la captura de su viaje en la forma literaria de una autobiografía que verá la luz a través de Simon & Schuster. Será, sin duda, otro hito de barras de fondos en una carrera que sigue dejando el ansia mundo más.
• "Todavía tengo mucho que decir y compartir," ella dice. "Estoy agradecido por cada uno y todos los días que llego a hacer música. Mientras hay un rincón del mundo donde la gente quiere escucharme, yo estaré allí ... cantando y actuando y escribiendo mi corazón. "
  Un defensor inquebrantable de lesbianas, gays, bisexuales y transgénero (LGBT), la igualdad desde el comienzo de su carrera, Cyndi creó la gira "True Colors en 2007. El Tour ha reunido a artistas como Erasure, The B-52s, las Indigo Girls, Deborah Harry y Joan Jett & The Blackhearts para combinar con éxito demuestra que la buena música y la conciencia pública acerca de los problemas que enfrenta la comunidad LGBT.
• Para más su papel como activista, Cyndi fundó la verdadera Fondo Colores en el 2008. Sin fines de lucro busca inspirar y comprometer a todos, especialmente hacia la comunidad, a participar en la promoción de la igualdad LGBT. El Fondo ha lanzado recientemente una campaña de "Give Maldita sea, una amplia e innovadora línea de educación pública y la iniciativa de sensibilización.
  Además, Cyndi es el Presidente Honorario de la Residencia True Colors, el primer proyecto de este tipo para proporcionar un hogar permanente, de apoyo y seguridad a los jóvenes LGBT sin hogar que antes en Nueva York.
• En reconocimiento por su trabajo, Cyndi ha sido honrado por muchas organizaciones como la Campaña de Derechos Humanos, GLSEN y PFLAG.
  "Es un honor tener siempre el afecto sincero de la comunidad gay," dice Cyndi. "Nunca han dado la espalda a mí. Nunca dar la espalda a ellos. Hemos tenido una larga historia de amor y duradera. "
  Cyndi también participa incansable en la lucha para poner fin a la pandemia del VIH / SIDA.
  Más recientemente, Cyndi se ha unido con Lady Gaga ser los portavoces para 2010 MAC Viva Glam y la campaña para educar a la mujer sobre el VIH / SIDA en todo el mundo.
• Ella también sigue participando en los esfuerzos y eventos para organizaciones como AMFAR, Broadway Cares / Equity Fights AIDS y la crisis Gay Men's Health con el fin de hablar sobre la necesidad de educación y mayores recursos para luchar contra esta enfermedad.
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Whitney Houston

• Whitney Elizabeth Houston (nacida en Newark Nueva Jersey, Estados Unidos el 9 de agosto de 1963). Conocida mundialmente como Whitney Houston..
• El regreso de Whitney Houston es un hecho. Después de seis años de silencio, el 1 de septiembre de 2009 se publica su nuevo álbum I Look to You que llega precedido del single Million Dollar Bill, que muestra a una Whitney Houston impactante, a la altura de sus mejores momentos pero mirando al futuro. Compuesta por Alicia Keys y producida por Kasseem “Swizz Beatz” Dean, Million Dollar Bill es una canción inspirada, dinámica, de gran pegada, bailable y con ciertos ecos clásicos. De lo más enérgico y contemporáneo que ha cantado Whitney Houston a lo largo de su carrera.
• Es el primer avance del álbum I Look to You, en el que Whitney Houston se ha rodeado de una impresionante nómina de autores y productores. Entre ellos, además de Alicia Keys y Kasseem “Swizz Beatz” Dean, están Fernando Garibay, Nathaniel “Danja” Hills, Stargate, R Kelly, Claude Kelly, Akon, Leon Russell, H. Mason, Diane Warren, David Foster, J. Austin, Eric Hudson o Tricky Stewart. Como curiosidad, la versión que Whitney Houston hace de la canción A Song for You, un clásico compuesto por el mítico Leon Russell en 1970 y recreada después por Donny Hathaway, The Carpenters, Aretha Franklin, Cher, Ray Charles, Simply Red o Michael Bublé, entre otros muchos artistas.
• Million Dollar Bill es la primera tarjeta de presentación de I Look to You, un álbum que fue anunciado a los medios de comunicación en pasado 14 de julio por el legendario Clive Davis, productor y descubridor de Whitney Houston. Es el séptimo disco de la cantante estadounidense que, desde su debut en 1985, ha vendido más de 170 millones de ejemplares de sus álbumes, singles y vídeos. Citada por el libro Guiness de los Récords como la “artista femenina más vendedora de la historia”, Whitney Houston ha conseguido en su carrera 411 premios, entre los que se encuentran seis Grammy, dos Emmy, 23 American Music y 16 Billboard Music y es la única artista que ha tenido siete nº1 consecutivos en la lista Billboard.
• Desde que a los 11 años comenzó a cantar como solista en un coro gospel, la carrera de Whitney Houston, nacida en 1963 en New Jersey (Estados Unidos), se ha convertido en una de las más importantes de la música estadounidense de todos los tiempos. La vocación le venía de familia, de su madrina (Aretha Franklin) y de su prima (Dionne Warwick), grandes donde las haya. Su primer álbum en 1985 ya fue nº1 y desde entonces la colección de canciones de éxito es impresionante: I Will Always Love You, Saving All My Love for You, How Will I Know, Greatest Love Of All, So Emotional, Where Do Broken Hearts Go, I’m Your Baby Tonight, Exale (Shoop Shoop)... Todas han sido nº1 y han permitido a Whitney Houston convertirse en una de las grandes artistas de la historia de la música internacional.
• El 1 de septiembre de 2009 se publica su nuevo álbum, I Look to You, ante una gran expectación. Es el regreso de Whithey Houston a la música después de muchos años de silencio y de superar tiempos duros y difíciles. Cuando se escucha su voz en Million Dollar Bill, el primer single del disco, se diría que nos encontramos ante una artista moderna, enmarcada en el siglo XXI y con muchas cosas que decir y cantar. Es la nueva Whitney Houston.

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