Jim Morrison

• James Douglas "Jim" Morrison Clarke (Melbourne, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1943 – París, Francia, 3 de julio de 1971), fue un poeta, cantante y actor estadounidense, célebre por ser el vocalista del influyente grupo de rock psicodélico The Doors
  James Douglas Morrison Clarke nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y George Stephen Morrison. Tuvo dos hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera de su padre y vivir en diversas bases militares (a los catorce años de edad ya había tenido siete hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser. Tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.
• El joven James se marchó de su hogar a los diecinueve años. Era un muchacho alto y siempre desharrapado, podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudió en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, formando parte de la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola quien, años después, utilizaría el tema The End como soundtrack de introducción para Apocalypse Now, su película ambientada en la guerra de Vietnam. Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues había perdido todo interés por la carrera y por la industria cinematográfica.
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  Retrato de Jim MorrisonDecidió centrarse en lo que consideró siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitando complejos sonetos del siglo XVIII. Esta fue una época de descubrimientos para Jim. Por un lado, el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, como el peyote, la marihuana y el LSD (según se dice, su favorita), cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro, el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier y de la que vivió rodeado. Sin embargo, nunca se llegó a identificar con ella e incluso la desdeñaba en buena medida debido a su nihilismo. Su visión del mundo estaba muy alejada de cuestiones hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología.
• Se dice que tenía el elevado coeficiente intelectual de 149.[1] Aunque no está comprobado en las pruebas de IQ de aquellos días, es cierto que leía textos complejos para la mayoría, incluidas las obras de autores como Friedrich Nietzsche, Aldous Huxley, Jack Kerouac, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, el conde de Lautréamont, Emanuel Swedenborg, Gérard de Nerval y William Blake, entre muchos otros. Un profesor de Jim incluso relató a sus biógrafos que solía acudir a la Biblioteca del Congreso para comprobar si existían algunos de los libros que Jim decía leer. Los profesores de la universidad charlaban largamente con Jim sobre libros de este tipo.[1] Según declaraciones de algunos, "parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros; la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él".
• En 1965, tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek, ex compañero de clases en la universidad y también músico (que estaba al frente de la banda Rick and the Ravens). Con intención de difundir su poesía, Jim le mostró un par de trabajos que podían ser musicados. Manzarek pidió que le cantara alguno y Jim, sentado en la suave arena de Venice, tímidamente, entonó los primeros versos de Moonlight Drive. Al escucharlo, Manzarek quedó sorprendido por su talento y le pidió que formaran una banda de rock, lo que Jim aceptó "para ganar un millón de dólares", como ya siendo famosos comentaran. Después de varios cambios en la alineación de la banda, terminaron conformando The Doors, Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo The Psychedelic Rangers), además de la voz de Jim.
• El nombre que escogieron procede del título del ensayo Las puertas de la percepción de Aldous Huxley sobre la mescalina inspirado a su vez en la cita de William Blake "Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito" ("If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite").
• Después de dar muchos conciertos por locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en un bar conocido como "Whisky a Go Go". Noche tras noche tocaban sus temas más populares, entre los que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada The End. Morrison añadía o quitaba de ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Un día, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, Jim tuvo que ser llevado por sus compañeros casi a rastras hacia el bar y, de alguna forma, lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de The End, tal como hacía siempre, comenzó a improvisar sobre la música, pero aquel momento habría de terminar formando parte no sólo de la leyenda de The Doors sino de la cultura rockera en general. Morrison compuso en directo una breve y original versión de la tragedia Edipo rey, el personaje de Sófocles que, por azar cruel del destino, termina matando a su padre y desposando a su madre.
• -Father? (¿Padre?)
  -Yes, son? (Sí, hijo.)
  -I want to kill you... (Quiero matarte.)
  -Mother? (¿Madre?)
  -I want to... fuck you!!!. (Quiero... ¡follarte!)
  Claro que en la versión grabada para su primer álbum, esta última frase será sustituida por un grito de Morrison. En cualquier caso, para el dueño del local, aquello fue demasiado y les echó mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul A. Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les mostró su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes.
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  Retrato de Jim Morrison.En 1967 el grupo publicó su primer álbum llamado simplemente The Doors. Fue con el sencillo Light My Fire, escrito íntegramente por Robbie Krieger, que la banda se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista Billboard, durante el famoso verano del amor de 1967.
• Cabe resaltar el dramático cambio que experimentó Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor influencia, como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció ni vio en concierto pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido en la discográfica SUN, como Mystery Train, que interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría pánico escénico. En los primeros conciertos incluso cantaba dando la espalda al público. De hecho, se ha asegurado que Jim Morrison sufría un problema de TLP (trastorno límite de la personalidad) o BDP (Borderline Disorder of Personality), que le impulsaba a tomar drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas que se convirtió en un experto en el tema, interesándose por el chamanismo dada su estrecha relación con el peyote. Incluso escribió un tratado sobre drogas. También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamánico, y que, al llegar a la ciudad de Los Ángeles, vio la muerte de un indio en un accidente. La leyenda dice que, si ves a un indio morir, su espíritu se encarna en ti.
• Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, fue llevado a juicio a raíz de una actuación en la que algunos asistentes afirmaron que enseñó su pene y simuló una masturbación, entre otras cosas (aunque no hubo pruebas fehacientes). En 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía.
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  La tumba de Jim Morrison en el Cementerio Père-Lachaise, París.Es importante hacer notar que Morrison abandonó la carrera musical en su momento de mayor popularidad, cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano que competía con éxito con las grandes bandas como The Beatles o The Rolling Stones.
• Con su nombre completo, James Douglas Morrison Clarke, ya había publicado dos pequeños libros de poemas The Lords (Los Señores) y The New Creatures (Las Nuevas Criaturas), así como el opúsculo An American Prayer (Una oración americana) y Ode to L.A. (Oda a Los Ángeles), poema repartido entre los seguidores del grupo en un concierto a raíz de la muerte de Brian Jones, guitarrista de los Stones, ahogado en una piscina a causa de una sobredosis. Estos libros pueden leerse como filosofía y, por momentos, también como ensayos sociológicos o manifiestos conceptuales.
• El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, incluyendo la idea de un suicidio y de un asesinato). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise, el famoso cementerio donde fue enterrado, aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo sin que la administración lo sepa. También se pone en duda el hecho mismo de su muerte, ya que sus tarjetas de crédito y pasaportes aún siguen vigentes. Se dice que porque él así lo especificó en un testamento poco antes. Los únicos que vieron su cuerpo fueron su novia y un médico que ya no ejercía. Otras versiones afirman que sufrió una sobredosis de heroína (a la que no era aficionado) en los lavabos del parisino Rock´n´Roll Circus y fue posteriormente trasladado a su casa.
• Es indudable que había sido consumidor habitual de varios tipos de drogas (LSD, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas sustancias psicoactivas. Sin embargo, no es probable que consumiera heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas. De hecho, cuando sorprendió a su novia Pamela inyectándose, fue en busca del proveedor, conocido de ambos, para darle una paliza. Se dice que la cocaína también era droga de su predilección por su efecto "acelerador". No obstante, sobre todo utilizó las drogas propuestas por la comunidad hippie para alcanzar estados de equilibrio y paz, además de alcohol en abundancia.
• En torno a esta extraña muerte, han surgido muchas especulaciones. Varias personas afirmaron haber visto al Rey Lagarto en un café de París, así como en varios sitios de mala reputación de Los Ángeles, vistiendo un atuendo de cuero negro, aunque estos rumores nunca fueron comprobados. También se ha dicho que, después de su muerte, una persona que decía ser Jim Morrison y vestía como él, obtenía dinero mediante cheques a su nombre.
• Ray Manzarek, teclista de The Doors, declaró:
• “Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte –creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés– , poner un saco de ciento cincuenta libras dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta –África, quién sabe– ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”.
  Jim Morrison murió a los 27 años al igual que otros famosos rockeros como Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin o Kurt Cobain. Su epitafio está escrito en griego antiguo ("Kata ton daimona eaytoy") y se puede traducir como "cada quien su propio demonio
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EXTREME

• Extreme es una banda de rock estadounidense que logró popularidad en la década de 1980 y principios la década de 1990.
• Algunas de las influencias de Extreme son Queen, Led Zeppelin y Van Halen (Gary Cherone se unió a Van Halen por un tiempo para luego retirarse). Extreme clasifica su música como "Funky metal".
• Gary Cherone (voz principal)
  Nuno Bettencourt (guitarra)
  Pat Badger (bajo)
  Kevin Figueiredo (Batería)
• El primer álbum de Extreme en trece años no sólo marcará el regreso tan esperado de la banda para el estudio y el escenario. Saudades de Rock (que se pronuncia "sembrar-dodge") es un disco innovador que reafirma la estatura del amado, criado en Boston cuarteto como innovadores en el mundo del rock & roll.
  Al abrigo de la misma songcraft firme y diversos enfoques musicales que primero ganó la banda - el vocalista Gary Cherone, el guitarrista Nuno Bettencourt, el bajista Pat Badger y el nuevo baterista Kevin Figueiredo - multi-platino álbumes con éxitos de las listas batida y con entradas agotadas giras por el mundo, ofreciendo quinto estudio extrema sólo puede ser su mejor momento todavía.
• "Un disco es lo que hace una banda vital", dijo Bettencourt, quien grabó el disco de Extreme regreso en los estudios NRG en Los Ángeles y trabajó como productor del proyecto y el mezclador. "Para los fans, es como, 'Muéstrame si todavía lo tengo." Y lo hemos hecho. Realmente creo que este es el mejor disco que hemos hecho ".
• Con badass, cargados de groove, números de arrogante ("rey"), primas de metal funk ("Learn to Love"), baladas expresiva ("Interface") y piano soul, dirigido ganadores ("Ghost"), el Saudades crudo, orgánico de Rock es el siguiente paso lógico en un catálogo que es tan ambicioso y expresivo como lo es la reflexión.
• Anclado por el increíblemente memorable "Star", donde las voces Cherone de lanzamiento de la canción contundente antes de dar paso a un gancho brillante y una observación tópica de aspirantes a estrellas cayendo en desgracia. En otros lugares, el himno rockero "Rey" es igualmente alegre, como su magia funciona un coro que no acaba de dejar de fumar. "Es una de esas canciones hechas para conducir con la capota bajada," Bettencourt afirma.
• Si el arco de la extrema parece sorprendentemente sincronizados, teniendo en cuenta la gran década más de diferencia entre los registros, es porque Bettencourt y Cherone se mantuvieron en contacto durante los años cuando la banda estaba latente. Luego, en 2004, una serie de conciertos reunión de la ciudad natal sembró la semilla de lo que ha terminado por convertirse en el equipo oficial de reagrupamiento de. Cuando la pareja se unieron para escribir las canciones que formarían parte Saudades de Rock a finales de 2007, las puertas estaban abiertas creativa. Nuno dice, "La química que desde el primer día, ya que sospechaba que sería."
• A lo que maravillas Cherone, "He pasado toda mi vida tratando de mantenerse al día con Nuno. De hecho, había demasiado material! Estábamos haciendo una canción o dos al día, y terminamos con 23 o 24 canciones en una sesión de dos semanas por escrito. "
• "Sabíamos que una hora después de que Gary y yo volver a estar juntos para escribir, que todavía tenía algo importante que ofrecer", continúa Bettencourt. "Y mientras que hay grandes bandas por ahí, de Muse a los Raconteurs, nos sentimos como que había un vacío en lo que hacia arriba el rock and roll va."
• Tenga en cuenta que por el agujero lleno de ampollas, riffs de Zeppelin-mente y los ritmos de gran alcance que que elevan el "Slide" en una obra de rock crudo. Menos grandilocuente, pero también es la abrasadora pasión, el blues-y "Última Hora", que describe musicalmente Nuno como "algo que se oía en la década de 1960. Me recuerda a "La Casa del Sol Naciente, pero más pesado."
• Bettencourt también llamadas estas últimas "momento brillante de Gary", insistiendo, "que llegó a la montaña vocalmente". Mientras tanto, los dos números dirigido piano-, lo importante, Lennon-minded "Paz" y la ya mencionada atmosférica "Ghost", exposición amplia de Extreme habilidades estilísticas.
• "Siempre hemos tenido una canción o dos que me senté en el piano con Gary," dice Nuno de "Ghost". "Pero hemos querido hacer que uno más optimista." Igualmente hipnótico y un gran lugar a dudas: "Toma nos dio vida" incorpora un país golpes enfoque blues con una excepcional interpretación vocal de Gary y recoger la guitarra de Nuno impresionante. "
• "Siempre hemos tenido estos" derecho a su vez-en-Albuquerque pistas ", dice Nuno, que nos recuerda que Page & Plant Señores utilizado métodos similares hace mucho tiempo. Hablando de los proveedores Zoso, se apresura a reconocer que la extrema siempre ha asintió con orgullo a sus héroes.
• "Nunca hemos tenido un problema de uso de nuestra influencia en la manga", dice el guitarrista. "No me importa si se trata de Zeppelin, los Beatles, Nirvana o Prince. Habría que aumentar, literalmente, de entre los muertos, una guitarra y atado a escribir y grabar su registro para no ser tocado por la música a tu alrededor. Que se remonta a cuando empezamos, siempre pensé que Zeppelin y los Beatles fueron los más grandes bandas de siempre, y si se podría caer en algún lugar entre ellos, estaríamos haciendo algo bien. "
• Con base en el entusiasmo de los aficionados al rock y los fans incondicionales que han seguido la banda desde su debut homónimo, 2008/2009 Extreme 'nos llevará Alive' World Tour está destinado al éxito. Exposición de material del álbum majestuoso nuevos y clásicos de discos como el de 1990 multi-platino, Pornograffitti, por no hablar de 1992 Sides III aclamado por la crítica en cada historia, los miembros de la extrema estamos encantados de estar de salir a la carretera.
• "Por mucho que disfrutar de la grabación, para mí, siempre me ha gustado tocar en vivo para los fans", dice Cherone. "No podemos esperar a salir ahí fuera y reproducir la música en vivo." Permanecer alejada de una práctica común en los estudios de grabación, Bettencourt rechazado engaño equipo y ajustes vocales asociados con el software Auto-Tune.
• "Vamos a tener nada de eso", explica Nuno. "Las cosas pueden ponerse muy complicadas en el estudio si se les deja. Es por eso que hemos querido hacer mucho de este disco en directo - estas canciones se traducen fácilmente a los escenarios. Estamos con muchas ganas de salir de gira, hacer un espectáculo. Eso es realmente donde la banda brilla ".
  Y para los que siguen suspirando por la llegada de rompe tabla de Extreme, "More Than Words" y "Hole Hearted", en donde Cherone y armonizado Bettencourt con gracia y fluidez tal, no busque más, "Interface", que celebra que la fórmula probada, mientras que podría decirse que superó que.
• Saudades de Rock se encuentra a los hombres de extrema contentos de estar juntos y jugar a su fuerza colectiva. Y claro, la realización no se pierde en ellas. "No pasó mucho tiempo para nosotros que se nos recuerde lo que éramos capaces de" Cherone con entusiasmo. "Siempre supimos que era especial extrema. Siempre supimos que era una cuestión de tiempo. "
• Es un sentimiento que se traslada al título de la fenomenal nuevo disco de Extreme. "'Saudades' siempre fue una palabra hermosa para mí", explica Nuno. "Expresa un anhelo, una tristeza subyacente por algo o alguien que ha estado ausente en su vida, y no muy seguro de si alguna vez regresará. En este caso, para nosotros, es Rock and Roll. Saudades de Rock ".
• O como Gary concluye: "Me gusta cómo se expresa ese anhelo que hemos estado sintiendo a jugar para nuestros fans y estar juntos de nuevo." Amén.
• Hasta la fecha, el extremo nominado al Grammy ha lanzado cinco álbumes, además de un conjunto de grandes éxitos de ventas de más de 10 millones de discos en todo el mundo. También logró un éxito # 1 single, "More Than Words", de su 1990 álbum multi-platino II Extreme: Pornograffitti-en el Billboard Hot 100, que siguieron con el Top Five "Hole Hearted". Aunque estos dos hits acústica trajo el éxito banda corriente grande, la banda de sonido de marca ha sido siempre más una mezcla de hard rock funk-alimentada por el estilo de la firma virtuoso guitarrista Nuno Bettencourt, la voz resonante de Gary Cherone y letras con conciencia social, bajo la roca sólida Pat Badger, y el contundente Kevin Figueiredo en la batería.
• Extrema se ha introducido recientemente a toda una nueva generación de fans con la inclusión de su canción "Play With Me" en el Guitar Hero de vídeo popular juego, así como "More Than Words" aparece en películas de éxito Forgetting Sarah Marshall y The Love Guru.
   
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Level42

• Level 42 es un una banda musical de pop británica y de estilo funk. El grupo tuvo gran éxito en el Reino Unido y en el resto del mundo durante los 80. La banda ganó fama por la calidad de músicos como Mark King, cuya técnica magistral de tocar el bajo fue un trampolín para muchos éxitos de la banda.
• Level 42 se formó en 1979 como una banda que fusionaba el jazz y el funk. En principio la banda firmó con una pequeña discográfica indepediente, Elite Records. Poco después lanzaron el sencillo "Love meeting Love" en Elite Records, lo cual llamó la atención de Polydor Records y firmaron con ésta. Uno de los colaboradores de su nueva andadura, el teclista Wally Badarou, más tarde se convertiría por años en el co-productor de Level 42 y que Mark King llamaría el "quinto miembro" de la banda, pese a que tenía otros compromisos que le impedía ir de gira.
• En 1981 sacaron "Love Games", un éxito con el que coparon las listas de ventas; poco después lanzaron el álbum del mismo nombre, que fue un gran éxito en toda Europa.
• Al año siguiente, se hizo un segundo álbum The Pursuit of Accidents, y sencillos del álbum: el primero "Weave Your Spell" y luego salió "The Chinese Way", el último en particular llegó muy lejos en las listas de ventas, ganando en audiencia y en éxito. Entre tanto, Polydor lanzó The Early Tapes, grabado en tiempos en que la banda firmó con el sello discográfico Elite. Un cuarto álbum Standing in the Light colocó entre los diez primeros de las listas el éxito "The Sun Goes Down (Living It Up)" en Reino Unido en 1983. Grabado con los miembros de Earth, Wind and Fire, este álbum abrió una nueva era en la banda, menos experimental y de estilo jazz que sus anteriores lanzamientos. No había piezas enteramente instrumentales en este álbum y ninguno de los siguientes álbumes hasta el Staring at the Sun en 1988.
• El cuarteto prosiguió con el álbum True Colours en 1984, el cual mezclaba estilos funk, pop, midtempo rock y baladas melosas. Dio paso a los sencillos "The Chant Has Begun" y "Hot Water". En ese mismo año, Mark King estaba inmerso en un proyecto en solitario: Influences. Además, el grupos fue aclamado también por sus poderosos directos en el escenario (como el directo grabado en álbum Physical Presence).
• El siguiente álbum hecho en estudio fue World Machine, que salió en 1985. Los sencillos de éste, "Something About You" y "Leaving Me Now" fueron éxitos entre los diez primeros en las listas, seguido por otro, "Lessons in Love", a principios de 1986. Por entonces, la banda se alejó de su estilo jazz-funk y su tendencia fue el sonido pop. Elementos de las raíces de Level 42 todavía podían apreciarse en el funky "Coup d'Etat" y "Dream Crazy" en la versión británica del álbum, así como una larga pista instrumental llamada "Hell". Esta última pista del álbum no vio la luz del día hasta principios de 2000 como una descarga de MP3 en el antiguo Napster.
• El álbum Running in the Family, 1987, se convirtió en su disco más vendido, y sentó las bases del estilo musical pop, con el bajo de Mark King, Lindup y los sonidos del teclista Badarou sirviendo como plantillas, para dar canciones pop acertadas como "Lessons in Love", la balada "It's Over" y el título del álbum.
• Tanto Philip como Boon dejaron el grupo, descontentos por la creciente tendencia hacia la música pop y agotados por las giras. Entonces, King contrató a Gary Husband y a Steve Topping para reemplazarlos. Husband recomendó a Topping, pero éste no se entendió bien con King debido a diferencias de personalidad. El guitarrista Alan Murphy se unió al grupo, ex-integrante de la banda Go West. También había tenido el guitarrista de estudio de Kate Bush. El nuevo álbum de Level 42 Staring at the Sun salió a la venta en 1988. Al año siguiente, Alan murió a causa de una efermedad relacionada con el SIDA y la banda desapareció por un tiempo. Entonces, se sacó al mercado Level Best, un recopilation con los grandes éxitos. En diciembre de 1990, la banda tocó unos conciertos en el Hammersmith Odeon de Londres, el cual ya había sido reservado dos años antes. Estos conciertos los caracterizaban Lyndon Connah en teclados y voces y Allan Holdsworth en la guitarra. En este año, Mike Lindup sacó también su álbum debut en solitario Changes.
• Durante principios de los 1990s, el grupo intentó extraer más de su recientes influencias musicales, como las de Mahavishnu Orchestra, pidiendo al músico Allan Holdsworth para aportar unos toques sorprendentes de guitarra para el álbum Guaranteed (sobre todo a "A Kinder Eye"). Pese a la buena acogida, especialmente de los críticos de la música de Estados Unidos, muchos de sus incondicionales del jazz-funk no les gustó su estilo rock-pop. El álbum no se vendió tan bien como se esperaba a pesar de haber realizado musicalmente el trabajo más sofisticado y elaborado por Level 42 hasta la fecha.
• Sin embargo, la banda continuaba teniendo un potente directo en los escenarios, con miembros como Annie McCaig, que también hacía de voz de fondo en el álbum Guaranteed, y el dúo formado por el saxofonista Gary Barnacle y el trompetista John Thirkell, de los The Hen Pecked Horns. Además, Barnacle tocó en varios álbumes de estudio de los Level 42. Barnacle había sido antecedido como saxofonista de la gira por Krys Mach, quien también grabó con Level 42 y estuvo de gira con el grupo de 1984 a 1988.
• Después de grabar Guaranteed y de una gira promocional de una semana, Holdworth, resuelto a no tocar más la guitarra, dejó la banda y fue reemplazado por Jakko Jakszyk. Aunque no en la grabación, Jakszyk figuró en la foto del álbum; también formó parte de promociones y en la gira para el álbum. Fue protagonista en canciones como "At the Great Distance" y "As Years Go By". Trabajos de estudio con Level 42 vinieron en forma de dos pistas ("Fire" y "Free Your Soul") que se incluyeron en los álbumes Guaranteed y Forever now respectivamente.
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  El álbum Forever Now de 1994, marcó el retorno de Philip Gould como percusionista de estudio y principal compositor de letras. En el álbum se vio que el grupo se acercaba a sus raíces Rythm&Blues-jazz, sobre todo en la balada "Romance", en la canción con influencias de acid-jazz "Sunbed Song" y la dance-pop "Learn to Say No".
• Con un álbum más que se requería como parte del acuerdo que tenía la banda con RCA Records, los incondicionales vieron un futuro prometedor para la banda, especialmente con el retorno Philip Gould y los halagos de la crítica musical con Forever Now; sin embargo, la fructífera reunión duró muy poco. Phil Gould, consternado por la ineptitud de la compañía discográfica, no continuó el camino emprendido con la banda y su gira Forever Now; anunció su retirada en medio de la gira. Esto pudo significar el fin de la banda.
• En 1998, Mark King lanzó su segundo álbum en solitario One Man con letras de Boon Gould. En 1999, King volvió con nuevas composiciones y algunas de Level 42. A últimos 2001 llegó a un acuerdo con Mike Lindup y para renombrar su banda como 'Level 42'. Generalmente, este nuevo elenco estaba formado por King, el batería Gary Husband, Nathan King en guitarras y voces, Lyndon Connah en los teclados y voces y Sean Freeman en el saxofón y voces. Nuevas noticias en la web Level42.com (Mayo de 2006) hablan de un cambio de Lyndon por Mike Lindup en los teclados.
• En agosto de 2000, se reunieron tres cuartas partes del elenco de Level 42 para un concierto privado. Philip Gould invitó a algunos amigos músicos para tocar en una fiesta, incluyendo a su hermano Boon y Mike Lindup. Dos años más tarde, King, Lindup y Philip Gould tocaron juntos (en la boda de Lindup) por primera vez en diez años. Esto les llevó a un intento de juntarse de nuevo como en sus inicios con Baradou. Sin embargo, la formación duró poco y viejas rencillas comenzaron a resurgir. El catalizador fue King en su empeño del control sobre la banda.
• Aunque el grupo decidió no reagruparse, Boon Gould y Mike Lindup contribuyeron en su nuevo álbum, dirigido por King, pero con contribuciones de muchos integrantes de la banda en distintas épocas. El núevo álbum, Retroglide, previsto el lanzamiento para el 11 de septiembre de 2006, se anunció en febrero de 2006 con una gira por el Reino Unido, Holanda, Alemania y otros países europeos en octubre/noviembre de 2006 con Mike Lindup como invitado especial.

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Gene kelly

• Esta canción para mí siempre fue un sueño , que en su dia lo hice realidad con unos buenos amigos/as
• Por aquel entonces saliamos de juerga y novean lo que llovia :)..
• Eugene Joseph Curran Kelly (Pittsburgh, Estados Unidos, 23 de agosto de 1912 – Beverly Hills, Estados Unidos, 2 de febrero de 1996), mejor conocido como Gene Kelly, fue un actor, cantante, bailarín, director y coreógrafo estadounidense.
• Gene Kelly nació en uno de los barrios de trabajadores de Pittsburgh (Pennsylvania), en el seno de una familia obrera. Su padre era vendedor de fonógrafos y su madre, Harriet, fue la encargada de hacer que Gene y sus hermanos se interesaran por el mundo de la danza. Fue ella quien propulsó la formación del grupo "The Five Kellys", compuesto por los cinco hermanos. Tras deshacerse el grupo, él y su hermano Fred continuaron bailando y preparando enérgicas coreografías bajo el nombre de "The Kelly Brothers".
• Durante la depresión económica de 1929 que sacude los Estados Unidos y mientras acababa sus estudios universitarios (se licenció en Económicas en 1933), Kelly comenzó a trabajar en diversos oficios para ayudar a sacar adelante a su familia. Finalmente, y como negocio familiar, inauguran una primera academia de baile en Pittsburgh y después una segunda en Johnstown, en las que Kelly trabaja como codirector y profesor de baile. Cuando las academias empiezan a funcionar, él cree llegado el momento de viajar a Nueva York e intentar encontrar trabajo como coreógrafo.
• Así, en sus comienzos y con la firme decisión de convertirse en una figura del baile, Gene viaja a Nueva York y en poco tiempo, consigue un gran éxito en Broadway protagonizando el musical "Pal Joey" (1940), en el que conoció al por entonces chico de coro Stanley Donen. Kelly reconoció en él importantes cualidades técnicas y le ofreció trabajar para él como ayudante. Con esta obra llamó la atención del famoso productor David O. Selznick y del director de la MGM Louis B. Mayer. Selznick le ofrece un contrato para trabajar en Hollywood en donde se instala un año más tarde junto a su mujer Betsy Blair. Desafortunadamente, Selznick no estaba interesado en producir musicales y pensó que Kelly podría convertirse en un gran actor dramático, dejando de lado su carrera de bailarín. Sin embargo, Gene no estaba muy entusiasmado con la idea, por lo que recibió con agrado una oferta de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para protagonizar junto a Judy Garland la encantadora "Por mí y por mi chica", dirigidos por el coreógrafo y director Bubsy Berkeley ("La calle 42"). La película en la que se ponía de manifiesto una química entre los dos protagonistas que mantendrían ya para siempre, recibió muy buenas críticas, e hizo que Gene se convirtiera en el centro de la atención de Hollywood.
• Tras "Por mí y por mi chica", realizó una serie de películas con la MGM, y en 1944, protagoniza "Las modelos" (Cover Girl, de Charles Vidor) (producida por la Columbia y protagonizada también por Rita Hayworth). En esta película Kelly coreografía, con la ayuda de Stanley Donen, uno de los números de baile más revolucionarios de la historia del musical americano, el 'Alter Ego", un complejo duelo entre el personaje de Kelly y su conciencia que resulta ser un gran éxito y que convierte al actor en una enorme fuente de ingresos para la empresa.
• Las cosas le iban bien hasta que Pearl Harbor fue bombardeada y Gene decide alistarse y luchar por su país. Aunque en un principio no se lo permitieron, entre 1944 y 1946 combatió en la Segunda Guerra Mundial.
• A su vuelta del frente revitalizó su popularidad en películas como "Levando anclas" (1945, George Sidney) en su primer film mítico junto a Frank Sinatra, que incluye un célebre número musical junto al personaje de animación Jerry (de "Tom y Jerry"); "Ziegfield follies" de Vincente Minnelli, de nuevo con Judy Garland y coincidiendo también con Fred Astaire y Lucille Ball; "El pirata" (The Pirate 1948, de Vincente Minnelli, clásico del cine musical no estrenado en España hasta 1974, en el que compartía cartel con Judy Garland de nuevo) y "Los tres mosqueteros" (The three Musketeers, 1948 de la mano de George Sidney). En esta última, todo un éxito en su momento, estuvo acompañado por June Allyson, Lana Turner y Van Heflin. Cuando se estrenó "Un día en Nueva York" (On the town) Gene alcanza una fama que nunca antes había conocido. Éste fue su debut como director junto a Donen. La película la protagoniza junto a Frank Sinatra y Vera Ellen. Fue tal el éxito alcanzado, que la película ha marcado historia en el cine musical. Por primera vez una película musical es rodada en escenarios exteriores reales, convirtiéndose la ciudad en la verdadera protagonista del filme.El estudio se dio cuenta del potencial artístico y creativo de Kelly y decidió darle mayor libertad a la hora de poner en práctica sus ideas. Esa libertad fue la que hizo posible que se realizaran los dos musicales más recordados de todos los tiempos.
• "Un americano en París" (An american in Paris, 1951 de Vincente Minnelli) fue la película que elevó a Kelly al rango de superestrella. Fue uno de los mayores éxitos del año, llegando a conseguir seis Premios Óscar de la Academia, entre los que destacan el de "Mejor película", y uno honorífico por la versatilidad de Gene como actor, cantante, bailarín, director, coreógrafo y, más concretamente, por su aportación al género del musical.
• Al año siguiente, en 1952, Kelly volvió a hacer historia dirigiendo, coreografiando y protagonizando "Cantando bajo la lluvia" (Singin' in the rain), al lado de Donald O'Connor y Debbie Reynolds. Aunque en la actualidad está considerada como el mejor musical de todos los tiempos y una de las mejores películas de la historia, en aquellos años se vio eclipsada por el éxito de su predecesora. En 1954 continuó su fructífera colaboración con Vincente Minnelli en un film no muy apreciado en su día pero que se ha ido revalorizando con el tiempo, "Brigadoon". "It's always fair weather" (1955), especie de continuación en un tono de melodrama nostálgico y amargo de la citada Un día en Nueva York, también resultó ser muy alabada por la prensa y por el público. En 1956 rodó en Inglaterra uno de sus proyectos personales más ambiciosos: "Invitación a la danza".
• Tras esta gran oleada de éxitos, la carrera de Kelly empezó a declinar y a perder el esplendor conseguido. Apartado ya del musical, en 1960 realizó una de sus mejores interpretaciones en medio de un impresionante duelo interpretativo entre los legendarios Spencer Tracy y Fredric March en el film "La herencia del viento" de Stanley Kramer (uno de los grandes interrogantes sobre la carrera de Kelly es hasta donde hubiera llegado como actor dramático de no haber tenido como prioridad el mundo de la danza). Tanto su vida profesional como la personal se encontraban en un momento muy difícil. En 1957 su matrimonio de quince años con Betsy Blair ("Marty", "Calle Mayor") había terminado debido a la necesidad de crecimiento personal de Betsy. En 1960 Kelly se casó con Jeanne Coyne, quien desde hacía muchos años había sido su asistente y ayudante coreográfica y que años atrás había mantenido un breve matrimonio con su amigo Stanley Donen. De esta relación nacerían dos hijos, Tim y Bridget. (Tenía ya una hija de su primer matrimonio, Kerry).
• En 1967,Gene Kelly participó en la clásica producción animada "Jack y las habichuelas mágicas". Esta maravillosa realización, mezcla de animaciones y personajes reales, cuenta las aventuras de Jeremy (Gene Kelly) junto a Jack (Bobby Rhia), quienes suben por el tronco de una habichuela gigante hasta el palacio de un ogro. La dulce Serena está cautiva allí y Jeremy deberá rescatarla.
• Después de unos años de aparente olvido, recuperó la fama al dirigir a Barbra Streisand y Louis Armstrong en "Hello, Dolly!" (1969), así como a James Stewart y Henry Fonda en "El club Social de Cheyenne" (The Cheyenne Social Club, 1970). Sin embargo, cuando Gene estaba empezando a conseguir mejores películas y mejores papeles, sufrió un duro golpe en su vida personal al diagnosticársele a su mujer leucemia, enfermedad de la que fallecería en 1973. Viudo y con dos hijos pequeños, decidió dedicarse a ellos y, a partir de ese momento, rechazó todos aquellos proyectos que pudieran tenerle lejos de Los Ángeles (California) durante un largo período. "Erase una vez Hollywood" (1974), "Hollywood, Hollywood" (1976), y "That's Entertainment III" (1994), la tercera de estas exitosísimas películas antológicas sobre el cine musical y la comedia de los años dorados del cine norteamericano, fueron seguramente sus últimos films reseñables.
• Durante la siguiente década, Gene realizó algunas intervenciones en televisión aceptando ocasionalmente algún trabajo como director. En 1980, realizó su última aparición en un musical pero, desafortunadamente "Xanadu" resultó todo un fracaso, aunque eso no impidió que la banda sonora, en la que él interpretaba y bailaba "Whenever you're away from me" a dúo con Olivia Newton-John, fuera un gran éxito de ventas. Xanadu fue la última aparición cinematográfica de Gene Kelly como actor. En 1985, recibió, entre otros muchos premios, el del "American Film Institute" en homenaje a toda su carrera profesional.
• Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996 por complicaciones de dos apoplejías sufridas en julio de 1994 y en febrero de 1995.
• Su nombre está escrito con letras de oro junto a los de Fred Astaire, Judy Garland, Stanley Donen o Vincente Minnelli, dentro de los anales de la historia del cine musical. Su enorme personalidad, la inteligencia de sus coreografías, la agilidad y el entusiasmo con que dotó a sus personajes y el endiablado ritmo de algunos de sus bailes le catapultaron a la fama dentro del período más dorado del género. Maravilloso bailarín y coreógrafo, magnífico actor y director y un encantador vocalista, la contribución de Kelly al musical es de una importancia incalculable y su obra ha ido creciendo a los ojos de las nuevas generaciones.
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Blur

• Blur es un grupo de britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista / teclista Damon Albarn, el guitarrista / vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes del Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.
• Las influencias originales de Blur están en su álbum debut, Leisure, incluyendo tendencias de Rock alternativo británico contemporáneo tales como Madchester y Shoegazing. Después de un cambio de estilo a mediados de 1990, bajo la influencia de grupos de guitarra ingleses como The Kinks, The Beatles, y XTC, la banda lanzó Modern Life Is Rubbish, Parklife y The Great Escape. Como resultado, la banda ayudó a popularizar el género Britpop y logró una masiva popularidad en el Reino Unido, con la ayuda de un famoso cuadro de batalla con sus rivales Britpop Oasis.
• En la década de 1990, con el lanzamiento de su quinto álbum, Blur, la banda sufrió otra reinvención, influenciado por el indie-rock y el estilo lo-fi estadounidense de bandas como Pavement y R.E.M., en el proceso de obtener un difícil éxito Americano con el single "Song 2". En el último álbum de la banda con la formación original, 13, se encuentra a Blur experimentando con la electrónica y la música gospel.
• En mayo de 2002, el miembro fundador Graham Coxon dejó la banda a principios de la grabación de las sesiones Think Tank, el séptimo y último álbum. Blur continúa en su ausencia, siendo vistos por última vez en su gira para el álbum Think Tank. Desde el final de su gira de 2003, la banda está inactiva, como banda están trabajando en proyectos en solitario. En septiembre de 2007, la banda se reunió con Coxon por primera vez en 5 años. En octubre de 2007, se publicó un mensaje en su página web diciendo que, si bien las relaciones son sanas entre los cuatro miembros, Damon Albarn descartó la posibilidad de volver a hacer un nuevo álbum. El 9 de diciembre de 2008, los rumores sobre una posible gira y la reunión del grupo se confirmaron; se presentaron el 2 y 3 de julio de 2009 en el Hyde Park.[2]
• Raíces e InfluenciaBlur es una de las bandas británicas que aparecieron en el inicio de la caída del grupo británico The Stone Roses, mezclando psicodelia pop rock con fuertes guitarras. Siguieron el cambio de imagen a mediados de los 90, el grupo se erigió como uno de las más populares bandas de Reino Unido, proclamándose como herederos de la tradición Pop inglesa de grupos como The Kinks, The Small Faces, The Who, The Jam, Madness y The Smiths. En el proceso, el grupo abrió las puertas a una nueva generación de bandas cuyo movimiento se engloba en el Britpop. Las letras irónicas de Damon Albarn, el trabajo remarcado de Graham Coxon y la maestría pop del resto del grupo, les concede ser uno de los líderes del Britpop. Sin embargo, pronto se vieron atados por él; porque fueron una de sus principales bandas, estuvieron cerca de caer con el movimiento cuando este decaía o ya no interesaba. A través del reinvento de sí mismos, Blur reclamaba su posición como una banda art pop-rock en los 90 mediante la incorporación de indie rock e influencias lo-fi procedentes de bandas de los Estados Unidos en el estilo de Pavement o R.E.M., lo cual les dio el difícil reto de triunfar en Norteamérica en 1997. Pero el legado de la banda todavía permanece en Reino Unido, donde ayudaron a reinventar la música pop de guitarras con un enriquecimiento sabio de las tradiciones pop del país.
• Debe anotarse que Blur salió de Goldsmith's College. Otros alumnos de la escuela son Damien Hirst que trabajó con Blur en un vídeo y con miembros de la banda en otra banda llamada Fat Les, y Julian Opie, quien creó las imágenes vectoriales realistas usadas en la carátula de la colección de singles. El impacto del Goldsmith's College en la banda no puede menospreciarse.
  Ascenso al éxito (1991-1993)
  Después de "She's So High", el primer single del grupo, que salió en el programa Top 50 - el productor de Morrissey Stephen Street contactó con la banda y les propuso producir su álbum. La banda aceptó inteligentemente, teniendo en cuenta el éxito posterior de la banda. La asociación entre Blur y Stephen fue exitosa y perduraría durante la siguiente mitad de década. La ayuda de Street en la producción, que ayudó a la banda en su camino al estrellato, hizo que fuese considerado como el quinto miembro de Blur por fans y prensa.
• El siguiente single a "She's So High" - "There's No Other Way" - entró en el Top Ten. Ambos singles se incluyeron en su álbum debut, Leisure. Aunque recibió buenas críticas, el álbum fue encajado entre la escena pop Madchester prácticamente muerta y la escena Shoegazing ya decadente, haciendo que algunos periodistas y críticos musicales desecharan a la banda al considerarla ídolos hechos para jóvenes. Durante un par de años, Blur luchó para abandonar este título y probar que los críticos se equivocaban.
• Durante su tour por América, documentado en la película Starshaped, el grupo perdió la felicidad, muchas veces ventilando sus frustraciones entre ellos y llevando a cabo varios enfrentamientos violentos. La banda (y especialmente Albarn) empezó a desarrollar la idea de un álbum dirigido contra la cultura estadounidense, originalmente titulado "Blur vs América", con lo que empezaron a trabajar en su regreso a Reino Unido. Andy Patridge, de XTC, fue en un primer momento encargado de producir el siguiente álbum a Leisure - lo que se convirtió posteriormente en Modern Life Is Rubbish. Sin embargo, la relación entre él y la banda pronto se deterioró, así que Street fue de nuevo conducido a producir la grabación. Tras estar casi un año en el estudio, la banda publicó el álbum en Food Records. Sin embargo, la compañía rechazó el álbum, declarando que necesitaba un hit. La banda volvió de nuevo al estudio y grabó "For Tomorrow", que se convirtió en un hit en Reino Unido. Food estaba preparada para publicar el álbum, pero su compañía en Estados Unidos, SBK, dijo que no había un hit para el público estadounidense, así que pidió el regreso de nuevo al estudio de la banda. Entonces crearon y grabaron "Chemical World" que satisfizo a SBK; la canción fue un hit alternativo menor en Estados Unidos y alcanzó el puesto 28 en la lista británica. Modern Life... estaba preparado para ser publicado en la primavera de 1993, cuando SBK pidió a Blur regrabar el álbum con el productor Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth y Smashing Pumpkins). La banda muy enfadada e irritada decidió rehusar la petición. El álbum fue publicado en mayo en Reino Unido; apareció en EE.UU. ese otoño. Modern Life Is Rubbish recibió buenas críticas en RU, alcanzando el puesto 15 en las listas, pero falló estrepitosamente en EEUU. A pesar del desdén de Albarn por la cultura estadounidense, particularmente el grunge, las notas del álbum llevaban una cita directa del escritor canadiense Douglas Coupland que escribió la "novela grunge" Generation X: Tales for an Accelerated Culture (Generación X: Historias para una cultura acelerada). La cita decía "Legislated nostalgia: to force a body of people to have memories they do not actually possess" (Nostalgia legislada: forzar a un cuerpo de personas a tener recuerdos que de hecho no poseen).

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Lisa Nicole Grace

• Popular Singer / Songwriter Lisa Nicole Grace tiene ese tipo de voz que al instante se derretirá el corazón de uno. Canta con la pureza y la claridad de que los aficionados puedan comprender fácilmente. Lo que hace especialmente atractivo su son esas letras maravillosas que están llenos de lecciones de la vida. Echa un vistazo a esta entrevista reciente que nuestro Webzine completa con la artista mientras se habla más sobre su música, entre otras cosas.
• Isaac: Acabo de escuchar una de sus canciones titulada "Last Breath". ¿Cuál fue la inspiración para hacer esta canción y su nuevo álbum?
• "Lisa: Last Breath" fue una canción que escribí durante las vacaciones de Navidad en 2008. Yo acababa de leer el segundo libro de la Saga Crepúsculo: Luna Nueva. Yo estaba un poco detrás del resto del mundo en el descubrimiento de estos libros, y de ellos como un regalo de Navidad de mi hermana mayor. Me inspiré en la trágica historia de amor de Edward y Bella (los dos personajes principales). Ellos estaban tan dispuestos a morir por los demás en nombre del amor. La letra de "Last Breath" está a punto sacrificar su último aliento para proclamar su amor. Es un poco dramático! Esta canción fue grabada sólo por diversión en el estudio de un amigo, no va a ser una pista en mi nuevo disco que estoy grabando.
• Actualmente estoy en el estudio grabando mi primer disco de larga duración, que se titulará "Prairie Bell". Todavía estamos en las primeras etapas, pero esperamos contar con el registro publicado en el verano de 2010. El álbum será de diez canciones que he escrito. Estamos grabando en un estudio local aquí en Edmonton llamado Audio llave en mano con nuestro buen amigo Randor Lin. Mi esposo Jared Evangelos, mi hermano-en-ley Brent Schaitel y yo estamos produciendo el álbum. Va a ser una mezcla de folk contemporáneo / raíces / pop. Estoy muy emocionado!
• Isaac: ¿Quiénes fueron tus influencias?
• Lisa: Crecer mis padres tenían un gran sabor de la música y los artistas que me influenciaron fueron los que escuché sobre una base regular en nuestra casa. A unos pocos grandes influencias en cuanto a la escritura van son Bonnie Rait, James Taylor y Jann Arden. Jann Arden realmente se destacó para mí, porque ella es una artista canadiense (de la misma provincia que yo - Alberta), que ha hecho tan bien en Canadá y en todo el mundo. Ella cuenta muy buenas historias con sus canciones, que es algo que aspira a hacer.
• Otros artistas que escucho todo el tiempo que definitivamente me toca y me inspiran son Martin Sexton, Ryan Adams, Gavin DeGraw y Sheryl Crow. Además, la comunidad de artistas indie en mi ciudad natal de Edmonton realmente influye en mí, en mi particular buenos amigos Chloe Albert Cooper y Chanda.
• Isaac: ¿Cuál considera que ha sido el punto culminante (s) y el punto bajo (s) de su carrera hasta la fecha?
• Lisa: Todavía siento que mi carrera musical apenas comienza a veces. He estado escribiendo, tocando y grabando durante unos ocho años. Empecé tarde en la vida, en comparación con un montón de gente que ha estado cantando desde que eran niños. El punto culminante de mi música "viaje" hasta el momento sin duda sería la liberación de mi EP "Las sesiones de Bodega" en 2008. Mi esposo, su cuñado-y he trabajado en este EP en nuestro propio estudio pequeño sótano de unos meses en el invierno de 2008 y nunca espera lanzar nada. Pero lo hicimos y lo que realmente acaba de rodar la pelota en cuanto a emisiones de radio, escribir ups diferentes, las características, y me dio la inspiración que necesitaba para una grabación de larga duración.
• Realmente no diría que ha sido un punto específico bajo. Hay un montón de altibajos en la música y eso es lo que persigue es tan emocionante, frustrante, gratificante e interesante. He escuchado a otros artistas indie se refieren a la música como una gran montaña rusa y estoy completamente de acuerdo. Los momentos de alegría y de realización siempre eclipsar los momentos de decepción.
• Isaac: Breve historia acerca de sus antecedentes, más el estilo de música que toca.
• Lisa: Al crecer, yo siempre estaba involucrado en las artes, nunca directamente con el canto y la composición, pero yo estaba muy involucrado en la danza y la escritura de cuentos y poesía. Yo me crié en una casa donde siempre hubo música fantástica que se está reproduciendo. Hacia el final de la escuela secundaria, que tenía que tener la cirugía de columna, que clase de poner fin a mis días de baile. Cuando no podía bailar más, empecé a cantar. Mi padre me puso en mi primer juego de lecciones a los 17 años de edad. Dentro de unos meses, hice una audición para un programa de música de la universidad, y dentro de unos meses de que empecé mi primer año de mi diploma de la música. Esto pronto dio lugar a un grado en la voz. De pronto, se hizo la escuela y experimentar con el juego de mi música original alrededor de mi ciudad natal. Con el tiempo, me llevó a grabar y lanzar mi primer EP "Las sesiones de Bodega". Dos años más tarde, ahora estoy trabajando en mi primer disco de larga duración.
• Me cuesta a mí mismo palo en un género para el estilo de música que yo hago y escribo. A veces es un poco más popular, a veces se siente un poco más de las raíces / país y es a veces rayana en el pop contemporáneo. De cualquier manera es sin duda la música de mi corazón.
• Isaac: ¿Qué tan fácil es para usted obtiene conciertos como artista? ¿Cuál es la escena de la música en directo como en su área?
• Lisa: Edmonton (mi pueblo) tiene algunos eventos en vivo muy buena música. Obtención de conciertos no es demasiado de un reto, siempre y cuando usted es bueno en la promoción de ti mismo y sacar a la gente a sus presentaciones. Ya que es una comunidad más pequeña musical es importante para establecer una reputación de calidad para usted. Hay una fantástica piscina de la cantante genuina / compositores en Edmonton. Nunca me siento en competencia con mis compañeros artistas independientes, siempre siento que estamos trabajando juntos para mantener la escena de la música viva y floreciente.
• Isaac: ¿Qué piensa usted del estado de la música popular en este momento?
• Lisa: La música tradicional, al menos desde donde yo estoy en el mundo parece ser uno de los más sinceros, honestos música por ahí. Me alegra el corazón, y estoy encantado de formar parte de ella.
• Isaac: ¿Escuchas radio mucho a todos?
• Lisa: Yo escucho la radio todo el tiempo. Tengo un poco de un viaje a mi trabajo diario, así que escuchar la radio en mi disco. Escucho la radio local, radio por satélite y de radio por Internet en el ordenador en el trabajo. Ahora mismo estoy enganchado a la estación de Coffeehouse en Sirius Satellite Radio. Se trata de una acústica cantante / compositor estación que toca algunos realmente grandes nuevos artistas - su música original y junto con algunos covers malos.
• Isaac: ¿El Internet ayudó a la música crecer o impedido que en su opinión?
• Lisa: Creo que la Internet ha sido un poco de la captura 22, cuando se trata de música. Por un lado, los programas de software como Limewire exponer a los artistas, al permitir a los usuarios descargar música de forma gratuita. Pero por otro lado, hay algunas increíbles herramientas que han sido introducidos, tales como MySpace, YouTube, y las ofertas Sonic. Estas herramientas hacen parte de la industria de la música que de otro modo inaccesibles, accesible a los artistas como yo. Personalmente siento que los medios de comunicación social ha permitido a los artistas indie para interactuar con los artistas más establecidos en una variedad de formas que pueden beneficiar a su carrera musical. También he utilizado la Internet para comunicarse con las estaciones de radio de todo el mundo que a su vez han empezado a jugar mi música, por lo que me ha servido bien.
• Isaac: Si pudieras crear una banda de fantasía - ¿Cuál sería el line-up y por qué?
• Lisa: Muy buena pregunta! Tuve que dar a este un un montón de pensamiento. Sólo de pensar en todos estos músicos reunirse en una sala para volver a mí me da escalofríos y estuve a punto de empezar a hiperventilar. Sólo para darle una idea de cuánto los admiro.
• Steve Jordan a la batería. No sé de Steve Jordan, porque mi esposo Jared es un gran fan. Yo tendría que haber Jered tambores jugar demasiado para que pudieran jugar juntos y Jered podía morir un hombre feliz.
  Arnold McCuller en la voz de nuevo.
  David Lasley en la voz de nuevo.
  Larry Goldings en el teclado.
  Jerry Douglas en dobro.
  Martin Sexton en la guitarra rítmica y voz de una copia de seguridad.
  Michael Landau en la guitarra.
  Pino Palladino en el bajo.
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Peter Green

• Como muchos ya saben mis 10 guitarristas favoritos son Paul Kossoff, Mick Taylor, BB King, Santana, Eric Clapton, Gary moore, ETC Y The Edge y el que nos ocupa, Peter Green. En este artículo voy a intentar contar un poco aspectos relevantes de este gran músico e intercalar datos históricos con alguna que otra anécdota que he ido recopilando a lo largo del tiempo que llevo siguiendo al señor Green y opiniones personales de ésta que os escribe estas líneas.
• Peter Allen Greenbaum nació un 29 de octubre de 1946 en el barrio obrero de Bethnal Green (este de Londres, Inglaterra). Su verdadero apellido no era Green sino Greenbaum (una “simplificación” de su apellido real judío). El hecho de ser judío le podía haber ocasionado muchos problemas en la Inglaterra de los años 60 donde todavía existía cierto antisemitismo, por lo que es compresible su decisión de cambio. Por esta razón desde que tuvo 15 años comenzando su carrera como músico profesional firmaba y se identificaba con el nombre Peter Green... más accesible para las clases obreras londinenses y sin la discriminación potencial que podía ocasionar el real. Sus padres Joe y Anne tuvieron antes de él a otros 3 niños, siendo su hermano Michael el que inició a Peter en el mundillo de la guitarra enseñándole sus primeros acordes. Este niño creció entre la influencia de la clase trabajadora del este de Londres y sus tradiciones judías que dejaron una gran huella en él. Sus primeras influencias fueron gente como los Shadows de Hank Marvin, algunos discos bluseros –en especial BB King- y la música folk que oía en el seno familiar
  Empezó su carrera con un grupete de poca importancia que se denominaban “Bobby Denim and the Dominoes” donde tocaba versiones de clásicos y cosas de la radio de la época. Al principio no era ningún guitarrista multifacético y virtuoso. Sólo sabia un par de links pero los tocaba con al convicción y gusto que esto era suficiente. Después pasó por los Muskrats y por The Tridents tocando el bajo. Quizás este tiempo tocando ese instrumento le ayudase a formarse rítmicamente y asumir un papel de apoyo a la canción más que el sonido solista desbordante que tomó por ejemplo Clapton.
• Lo que le marcó mucho fue conocer al decidido Mick Fleetwood el gigante batería de los Fleetwood Mac; los dos tocaron en otro grupete del teclista Peter Barden, los Peter Bardens' Looners, (también conocidos como los The Peter B's o los Peter B Looners) grabando por primera vez en su vida. Peter tenía 19 años por entonces y duró solo 3 meses en la banda. Poco después incluso tocó con Rod Steward en Shotgun Express aunque ambos no conectaron demasiado, la verdad. En aquel tumultuoso ambiente Peter iba mucho a ver a “la competencia” admirando a gente como Eric Clapton. Cuando Eric dejó tirado por primera vez a John Mayall Peter se ofreció como sustituto insistentemente. Ya había alguien en el lugar de Clapton pero Green insistía que él era el guitarrista que necesitaban.
• Mayall parece que aceptó no tanto por sus cualidades guitarrísticas sino para que le dejase en paz. Peter tocó con John Mayall y los Bluesbreakers solo tres conciertos hasta que volvió Clapton. Cuando Clapton se fue ya definitivamente poco después le dieron un toque a Peter para que se incorporase de forma continua a la banda. Pienso que debió ser duro para él el ser el sustituto de Clapton de forma intermitente. Siempre he tenido la impresión -y esto es una apreciación personal- de que Peter debió ser un niño bastante sensible que al crecer en un barrio obrero (lo que llaman en el Reino Unido clase trabajadora pero que nosotros conocemos más como clase baja) en aquella época tuvo que desarrollar una actitud dura y un poco agresiva que le facilitase moverse en el mundo de la música y en especial del blues. El blues en la Inglaterra de los 60 era una música desconocida. La gente “normal” iba a los Music Halls, no a los Working Men clubs a escuchar música que hacían los negros en América. Esto pasó factura a Peter, pero más de esto luego.
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  Peter se mostró como un sustituto más que adecuado. Su estilo no se parecía en casi nada al de Clapton; donde Clapton era frenético, Green era pausado, donde Clapton era virtuoso, Green se mostraba minimalista. Donde Clapton era impetuoso y mordaz, Green era retraído y dulce. Nunca sabremos hasta que punto esto fue un hecho provocado conscientemente por Green o simplemente una diferencia real en su forma de entender e interpretar el Blues.
• De todas maneras yo veo ciertos elementos de Clapton en Green como es esa tendencia a tocar un poco “detrás” del tiempo. Si nos fijamos en gente como Mike Bloomfield (que tocaba también con una LP, en la misma época y un tipo de música muy similar) el “feeling” es muy distinto; Bloomfield era mucho más preciso frente al estilo más “arrastrado” de Clapton y Green. Curioso ¿verdad? Por aquel entonces ya tocaba con su LP Standard del 59. Era un instrumento muy peculiar con un mástil gordísimo, muy difícil de tocar y que quizás forzase a Peter a tocar de una manera más contemplativa y controlada. Además en algún momento Peter rompió la pastilla de graves que fue reparada de forma chapucera pero que aportó a esa Les Paul un sonido muy peculiar y que hoy identificamos inmediatamente con la música de aquella primera encarnación de Fleetwood Mac. Como curiosidad diré que le tipo que reparó la pastilla usó un tocadiscos para bobinar el hilo y que usó hilo tipo Stratocaster en vez del normal esmaltado que usaba Gibson en aquella época.
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  Para la grabación del disco con Mayall usó la susodicha y amplis Marshall (posiblemente Jtm45s). Del disco “A Hard Road” podemos recomendar el tema instrumental “The Supernatural”.... tengo que reconocer que la voz de Mayall no me vuelve loco por lo que elegir un tema instrumental que realce el tono de Green es lo que a mi más me satisface. Jeje. Es de notar que Green eligió el tema de Freddie King “The Stumble”.... ¿sería para dejar constancia que si Clapton podía hacerlo él también podía? Uhmmm... Pues lo interesante es que Mayall le regaló a Green por su cumple unas cuantas horas de estudio que este usó con McVie (bajista) y Fleetwood (batería) para grabar 4 temas entre los que estaban “ First Train Home” y la instrumental Fleetwood Mac. Este tema se puede escuchar en la excelente recopilación de “The complete Blue Horizon sessions”.
•  Mucho les tuvo que gustar la cosa porque en el verano del 67 dos de los tres después dejaron a Mayall. A Mick le echaron por beber en exceso y Peter se fue poco después a montar “Fleetwood Mac”. McVie no quería dejar a Mayall por ser un trabajo estable y entonces Green buscó al gafitas estudiante de arte y músico aficionado Bob Brunning. Bob era más un fan que un buen músico pero colaboró bastante y siguió siendo amigo y fan incluso después de que le diesen la “patada” para meter a John McVie. Es curioso como el diminuto, chistoso y excéntrico chico de Hartlepool Jeremy Spencer se incorporó a la banda y aportó su sonido de slide salvaje y su desgarrada voz que contrastaba con Peter. Desde el principio Jeremy fue algo especial y cuentan anécdotas que reflejaban el carácter despistado del mismo: por ejemplo tuvo a su primeraza hija bastante joven mientras tocaba con Peter y compartía piso con Bob Brunning. Cuando el bajista le preguntó por el nombre del bebé al pronto no lo podía recordar.
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  Unos cuantos conciertos y ya con McVie ( que se había peleado con Mayall ) llegó el primer disco. La mezcla funcionó sorprendentemente bien y junto a los temas minimalistas y preciosistas de Peter como se encontraban temas mucho más rudos como “My Heart beats like a hammer” de Spencer.
• La producción era bastante mala y terrosa; si lo comparamos con el famoso disco “Beano” de Clapton con Mayall donde el sonido tenía la calidez del equipo analógico de la época pero también una profundidad y filo excelente el primer disco oficial de Fleetwood Mac resulta algo pobre. Para los amantes de los datos anecdóticos Brunning fue el que grabó el bajo de “Long Grey Mare” uno de los pocos número “movidos” del disco aunque su nombre no apareció, claro. Lo mejor del disco? La guitarra y voz de Green, el sentido del humor de Spencer y la sólida base rítmica. ¿lo peor? La producción y unas letras bastante feas y anodinas. Las letras nunca fueron el fuerte del Blues y Fleetwood Mac no fueron una excepción.

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The Cranberries

• The Cranberries es una banda de rock irlandesa formada en Limerick en 1989 bajo el nombre de The Cranberry Saw Us, más tarde cambiado por la vocalista Dolores O'Riordan.
• Aunque ampliamente asociados con el rock alternativo, el sonido de la banda también incorpora indie pop, indie, rock, post-punk, folk irlandés y los elementos de pop rock.
• The Cranberries se elevó a la fama internacional en la década de 1990 con su álbum debut, Todo el mundo lo está haciendo, ¿por qué nosotros no?, Que se convirtió en un éxito comercial de alto y vendió más de cinco millones de copias en los Estados Unidos.
•  El grupo fue uno de los grupos de rock más exitosas de los años 90 y vendió más de 14,5 millones de discos en Estados Unidos.
•  La banda ha logrado cuatro top 20 álbumes en el Billboard 200 (Todo el mundo lo está haciendo, ¿por qué no podemos;? No Need To Argue, a los Fieles Difuntos y enterrar el hacha) y los ocho mejores 20 singles en el Moderno Rock Tracks ("Linger", "Sueños", "Zombie", "Ode to My Family", "Ridiculous Thoughts" La salvación "," Free To Decide "y" Promises ").
•  El hiato desde 2003 hasta reunirse en el 2009 , The Cranberries están de regreso en el camino con excelentes críticas y se vendieron en todo el mundo muestra antes de regresar al estudio en 2010 para la próxima versión de larga duración de la banda.
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Martina McBride

• Aqui Martina McBride Cuenta su biografia...
• Hace diecisiete años, fue uno de los muchos. Una chica con la habilidad de cantar una canción como nadie y el sueño que la gente se le permiten hacer precisamente eso. Al final resultó que, la gente amó a la joven de Kansas tanto que hoy en día, no sólo es que sigue haciendo eso, ella lo hace por más personas que nunca antes.
• "Lo que es emocionante para mí es todavía siento que mi carrera está creciendo", dice un entusiasta Martina. "Es una locura, pero sé que desde el internet y cosas así que todavía hay gente descubrir mi música y me la audiencia por primera vez. Podría ser una nueva canción que consigue su interés. Yo podría estar cantando en un partido de fútbol que los hace conscientes de lo que soy o que puedan escuchar una vieja canción en la radio. Sea lo que sea, la gente sigue descubriendo mi música. Todavía estamos haciendo nuevos fans que vienen a ver nuestra muestra que nunca nos han visto antes. "El crecimiento está bien representada en Shine, décimo álbum de estudio de Martina (todo en RCA Records Nashville). Bajo el título, no sólo como un guiño a la letra en tres de las canciones comprendidas dentro, sino por lo que "brillo" de la palabra sugiere: Fuerte. Positivo. Fuertes.
• También es lo que planea hacer lo que le lleva a que el crecimiento anterior y se ejecuta con él en una variedad de direcciones. Además de los sonido de la guitarra cargada, Limpiabotas encontrado Martina ampliar su círculo de co-productores por reclutar veteranos Dann Huff para co-producir con ella por primera vez. Esta decisión trajo una nueva perspectiva y, al mismo tiempo que la liberó de las minucias de la producción, sino que también le dio la oportunidad de ser todo un artista y cantante. "Sentí que quería seguir adelante, la producción-sabio, que no siempre es fácil. Creo que era el momento de encontrar a alguien con un nuevo diferente, tener en mi música. Me sentí como si me necesitaba a alguien que me ayude a hacer las cosas un poco diferente, y yo sentía instintivamente Dann fue adecuada para el trabajo.
• "Estoy muy entusiasmado con esta música y esta vez en mi vida. Creativa que tiene una energía renovada y me siento como este disco refleja eso. "
• - Martina McBride
  "Este álbum se siente como a mí cuando yo estaba haciendo la evolución o la emoción. Ese fue un momento tan creativo para mí con esta energía locura y la creatividad. Me sentí tan apasionado de los registros y que tipo de perdida que por un rato. No es que no me gustan los discos que hizo después de eso, pero yo recuerdo ir con el tipo de álbum Martina sensación de que había estado allí, hecho eso. Fue realmente una lucha para mí para encontrar la inspiración y la creatividad. Es por eso que lo hice sin tiempo para poder recargar y tomar un respiro de tener que crear nueva música.
• El sonido fresco inmediatamente a la derecha es notable a partir de la guitarra abrir mano de "Wrong Baby Baby Mal Mal", una canción que celebra la amistad y el apoyo a dos amigas puede tener cuando la persona equivocada es, finalmente, "... Baby Gone." El nuevo sonidos continuar a través de la luz y el aire "Sunny Side Up", una canción co-escrita por Martina y el veterano Brad golpeó compositores y Warren Brett. Sin embargo, no todo el brillo cae bajo el ámbito de las nuevas. Siempre un éxito a horcajadas sobre la delgada línea entre estar innovadoras y restantes familiares, Martina lleva su voz altisonante firma de canciones como "Walk Away", "¿Qué tengo que hacer", y cuatro en la planta, "Dios-fearin ' las mujeres "al estilo" no me vas a dejar. "También se mantiene fiel a la forma es su afinidad por la historia con canciones de la muy oportuna" No costará ni un centavo ", una canción que nos recuerda que, independientemente de cómo las cosas podrían ir en el mundo, el amor es su propia moneda. Creado con la mentalidad de hacer un disco coherente en comparación con una colección de 11 canciones que podrían ser singles, Shine es sin duda la mejor compilación de Martina. El proceso de grabación se extendía durante un período de diez meses, no sólo debido a su calendario de gira, pero sobre todo debido a su dedicación intransigente a grabar canciones sólo grandes.
• "La música es lo que soy. Tengo un sentido muy fuerte de lo que soy, lo que funciona para mí y lo que me gusta. Hay una cierta positividad a mi música, a pesar de que algunos de mis mayores éxitos han sido canciones que no son necesariamente felices, como 'Concrete Angel', '¿Dónde es "y" Día de la Independencia. "Las canciones de brillo definitivamente no son todo es positivo, pero incluso si la canción es acerca de la angustia o la pérdida, hay una fuerza que lo que viene a través. "
• Al final del día, mientras que el año en el calendario puede haber cambiado, Martina no tiene.
• "Quiero que mis fans de amor Brilla como que se han querido todos los álbumes. Quiero hacer nuevos fans con este disco y tener éxitos en la radio. Quiero ser capaz de salir a jugar esta música en vivo y seguir construyendo mi gira. Para mí, sigue siendo un reto para hacer que todo suceda porque no importa dónde usted está en su carrera, en última instancia depende de los aficionados ".

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Historias de Javier Martinez

• •Violetas...!!
  •
  •Subió las escaleras sintiendo a cada paso el crujir de los escalones de madera, oscuros y gastados, llenos de idas y venidas. Al entrar en el rellano miró al fondo: tres puertas, tres suertes. En la número cinco, a la derecha, un mimo la esperaba. Vestía como visten los mimos, traje negro y zapatos de charol -negros-, cara blanca y sonrisa roja y en la mano, un ramito de violetas. Avanzó hacia la puerta, y conforme se acercaba, el mimo extendía el brazo y con él, las Violetas. Recogió las flores y un guiño fue su cómplice.
  •
  •Por la ventana abierta se colaban los últimos rayos de la tarde y la algarabía de los niños en la plaza y el susurro de los ancianos y el grito del cojo y el desdén del cura y la melodía salvaje de El Moderno.
  Cama alta, colcha blanca, barrotes en forja, blanco en el cielo, astillas al suelo, lámpara en pie, mesita redonda, silla baja, mecedora vieja, mesa con sayos, jarra de agua, bandeja de plata, rosa en copa, uvas en la fuente, pomelos en la pared, azules al viento.
  •
  La puerta del armario se quejó en un lamento gruñón. Allí dejó la mochila, la cazadora y una mirada en una percha desnuda.
  Entró al baño, blanco, blanquísimo. Dibujó una sonrisa en el espejo y la mano dejó caer en la bañera redonda. Una velita bailaba no se sabe bien que danza. Primero una bota, luego la otra; después el vaquero, y tras él, la camisa y tras ella, las braguitas. Se abandonó y sólo la música le insinuaba que todavía estaba allí. Una camiseta con suerte vino a cubrir su piel morena. Tejió sus cabellos al compás, ahora fuerte, ahora delicadamente, mientras la sonrisa dibujada se escondía en un hasta luego regalando la bienvenida a su rostro limpio.
  •
  Abrió las sabanas, abrió los brazos, abrió las manos y cerró los ojos tendida boca abajo.
  •En la calle, la vida continuaba como si tal cosa, como todos los dias. Decía el viejo reviejo al viejo reviejo:
  - "el amor es una de las enfermedades más jodidas y contagiosas;
  a los enfermos cualquiera nos reconoce."
  •- "anchas ojeras delatan que nunca dormimos despabilados noche tras noche por los abrazos o por la falta de los abrazos".
  - "el amor se puede provocar echando un pedacito de polvos de quereme
  como al descuido, en el café, o en la sopa, o en el trago..."
  - " se puede provocar, pero no se puede impedir, no lo impide, el agua bendita ni el polvo de hostia, tampoco el diente de ajo sirve para nada..."
  - " el amor es sordo al verbo divino y al conjuro de las brujas." (1)
  ....
  ....
  ....
  Beep. Beep. Beep.
  "Uno, dos y tres,
  escondite ingles,
  a esa niña de rojo,
  ya me la como yo." (2)
  ;-)
  •Lo sintió entrar con paso firme y seguro. Y otra vez el correr del agua, y otra vez el baile de la velita loca y otra vez los azules al viento. Sus manos, cual mariposas embriagadas, comenzaron una danza de descubrimientos. Tan pronto las sentía en sus pies como en sus manos como en sus ojos como en su espalda. Ensortijadas en los cabellos, atrapadas en los labios. Parecían jugar a adivinar cada poro, cada suspiro, cada destello de deseo. Ávidas por saber, ávidas por provocar, ávidas. No decía palabras.
  •A la mañana siguiente, encontró una nota en la bandeja de plata:
  "Jueves, 11. Concello de Santa María. Calle Nueva, nº 5."
  •
  • 
  •No decía palabras,
  acercaba tan sólo un cuerpo interrogante,
  porque ignoraba que el deseo es una pregunta
  cuya respuesta no existe,
  una hoja cuya rama no existe,
  un mundo cuyo cielo no existe.
  La angustia se abre paso entre los huesos,
  remonta por las venas
  hasta abrirse en la piel,
  surtidores de sueño
  hechos carne en interrogación vuelta a las nubes.
  Un roce al paso,
  una mirada fugaz entre las sombras,
  bastan para que el cuerpo se abra en dos,
  ávido de recibir en sí mismo
  otro cuerpo que sueñe;
  mitad y mitad, sueño y sueño, carne y carne,
  iguales en figura, iguales en amor, iguales en deseo.
  Auque sólo sea una esperanza
  porque el deseo es pregunta cuya respuesta nadie sabe

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Historias de Javier Martinez

• •Las Llaves.
  •
  •A Rosa.
  •A Marian y a Dioni.
  •A AnACel.
  •A Angela.
  Y en ellas, a todas las mujeres.
  •Busqué mis llaves en el bolsillo, en los bolsillos, en todos lo bolsillos y al fin conseguí abrir el portal. Llamé al ascensor y cabizbajo esperé un tiempo que me pareció eterno.
  •Un dolor profundo anidaba en mi estomago. Era un dolor que no dejaba de acompañarme durante todo el día. Era el dolor del miedo, miedo a encontrarte feliz con alguien que no era yo, miedo a no hallarte , miedo a perderte, miedo a que no fueras mía, miedo a no ser, miedo a ser menos, miedo.
  Entré en el ascensor y me estrellé de frente con el espejo.
  • "Dios ...estas hecho un asco. El tiempo te está pasando su cruel factura." Me miré y busqué dibujar mi mejor mirada, aquella que me hacía tierno y pleno a la vez. Aquella que sacaba de mi lo mejor. Conforme pasaban los pisos, el dolor era más intenso. Sabía que te encontraría sentada frente a esa pantalla loca, con los ojos chispeantes y una sonrisa tan libre, tan llena de color. Esa risa te hacía infiel, profundamente infiel, infiel en lo más recóndito de tu ser. ¿cómo luchar contra aquello?
  •Abrí la puerta intentando ser sigiloso y a la vez cotidiano.
  •La lamparita del salón estaba encendida y me regalaba el color justo que necesitaba, el color cálido del hogar. Avancé por el pasillo y entré en tu cuarto. Allí estabas, y una vez más el movimiento presuroso de tus manos te delataban. Estabas chateando.
  •No quise ver y mi vista se recreó en la excitación que llenaba tu cara, en el palpitar de quién se sabe que ha sido cogido en falta. Los dos, en un acuerdo tácito y espontáneo, no quisimos enzarzarnos en una escena de celos. Hoy no.
  •- Hola, ¿que tal el día? , me dijiste.
  - Bien, como siempre, te respondí mientras acercaba mi cara a tu cara y te daba un beso tranquilo.
  - Voy a ducharme .... y apaga ese trasto ...anda.
  - Vale, ya voy ... me respondiste sin apartar la mirada de la pantalla. Ese gesto de no mirarme, de no ser el motivo que atrapara tu atención, tus pocas ganas fue otro aguijón en mi estomago.
  Ya en la ducha me desnudé con parsimonia , como concediéndote todo el tiempo del mundo que necesitabas en tu juego. Sabía que tus despedidas eran sin final. Me sentía incapaz de luchar contra aquello. Ya lo había intentado todo. El agua caliente se estrellaba contra mi cara y al hacerlo deseaba con todas mis fibras que limpiara aquel dolor que me atenazaba, que desapareciera por el sumidero y recobrara así la paz. Me enjaboné una vez ... y dos ... y vuelta a sentir el estallido del agua en mi rostro. Salí del baño con una toalla a media cintura.
  •Tú apartabas los cojines de la cama y colocabas en la mesita tu libro de turno.
  - Voy a ver un poco la tele te dije. Otra excusa más para ganar tiempo.
  - Vale .. voy a ducharme yo ahora.
  En la tele la mierda cotidiana lo llenaba todo: La propaganda fascista de un gobierno de opereta en la tres y en la uno, la cutrería nauseabunda de otra victima más del descreimiento en la cinco, todo como parte de una tiranía difusa, la maldad inaprensible confundida en el aire con el resto de la basura humana ante la cobardía de tantos y de todos. Allí estaban con nítida claridad las razones que me empujaban cada día más a esconderme en las pequeñas cosas, en los pequeños gestos. Un documental sobre fotografía consiguió al fin poner un poco de sosiego en mi ánimo. Apagué la tele.
  •Al entrar en nuestro dormitorio te vi recostada con tu libro, tranquila, relajada, y atrapada en esa huida que la aventura de leer te proporcionaba. Me recosté a tu lado, con mi cabeza a la altura de tu cintura. Retiré la sabana y mi mano buscó tu piel. Quise hacerte cosquillas, pero no tantas como para impedirte que siguieras leyendo. Empecé a besarte suavemente, a dejar que mis manos escalaran tus piernas. Mi cabeza en tu vientre, mis ojos en tu pubis, mis dedos dibujando círculos al rededor de tu sexo oculto tras tus braguitas. Un leve suspiro te hizo presente de nuevo.
  Había decidido amarte a pesar de todo. Esa noche sería el mejor amante del mundo o al menos el mejor amante que yo quería ser. No tenía la certeza de que esa noche no fuera a ser nuestra última noche. No alcanzaba a comprender por que seguías allí, tus contradicciones eran un misterio insuperable a mis ojos; pero allí estabas y estaba dispuesto a poseerte y a entregarme con todas las ganas de las que era capaz, con la ambición oculta de hacerme eterno en tu memoria. Esa sería, quizás, mi venganza si el adiós brotaba de tu boca.
  •Bajé mi cabeza hasta mas allá de los tobillos, y ya sin recato, comencé a lamerte toda entera, escalando, saboreando tus muslos y así hasta que acabé hundido en tu sexo, dejándome impregnar de todos los olores, jugando con tus labios menores, con tus labios mayores, con tu vulva cada vez más inflamada, con mis dedos empapados de tu humedad, con la sedosidad de tus vellos ...con tus quejidos contenidos . Mi excitación estaba llegando a su cima. Pero no, yo quería más, quería ser tu juguete, quería dejar que me dominaras y me usaras a tu antojo. Me tumbé boca arriba y tu sexo volvió a mi boca. Te miraba y contemplaba tus senos, tus pezones en su apogeo y tu mirada entrecerrada, sabedora que yo era tu juguete.
  En ese momento no lo pudiste evitar y el clímax te llenó toda entera al ritmo salvaje de tus caderas y tu sexo se me antojó entonces, una vez más, la mejor fruta jamás degustada. Había llegado mi turno. Ahora sería yo quien te dominaría, y puesta a cuatro patas hinqué mis dientes un tu culo de pera, haciendo el daño justo, el dolor necesario que la pasión cegadora a gritos clama, hasta que te monté con toda la furia que mi rabia contenida ansiaba. En ese instante mágico eras mía, sólo mía y mis embestidas no eran si no la reafirmación del deseo sin límite. De reclamar lo mío, de gozarte y de hacerte gozar.

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Telsa

• Tesla es una banda de Rock estadounidense originaria de Sacramento, California. La banda se formó en 1984 y fue nombrada Tesla en el momento en que se grababa su primer álbum en el Estudio Bearsville de New York, fue la primera vez que salieron de Sacramento. El nombre de la banda, algunos títulos y contenidos de canciones se derivan de eventos relacionados con Nikola Tesla, un inventor e ingeniero eléctrico nacido en el Siglo XIX.
• "Love Song" es una balada de la banda de Tesla, del álbum El conflicto de los Grandes Radio,
   lanzado en 1989. Cuando el video fue puesto en rotación en MTV,
   la canción se disparó al número diez en las listas de EE.UU.,
  convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del grupo.
• El video musical fue filmado en la ciudad natal de la banda de Sacramento
  en el antiguo anfiteatro Cal Expo. Antiguo
  93 banderas Rock se puede ver colgado en el fondo.
• Hay muchos placeres en este mundo, pero se escucha buena música es uno de los mejores máximos que puede tener. Estar drogado contra las drogas nunca es bueno.
• . Si les gusta, genial, si no, siempre se puede encontrar de 1000 personas en YT y la red que cavan la misma música que haces
• CANCIÓN
• That your love has fin'lly reached the end.
   Que tu amor finalmente ha terminado
  
  Any time you call, night or day,
   Cuando quiera que llames, de noche o de día
  
  I'll be right there for you if you need a friend.
   Estaré ahí esperando si necesitas un amigo
   
• 
  
  It's gonna take a little time.
   Va a llevar un poco de tiempo
  
  Time is sure to mend your broken heart.
   El tiempo seguro que curará tu corazón roto
  
  Don't you even worry, pretty darlin'.
   Nunca te preocupes, pequeña mía
  
  I know you'll find love again. Yeah.
   Sé que encontrarás el amor de nuevo, si
   
• 
  
  Love is all around you. Yeah
   El amor está a tu alrededor, sí
  
  Love is knockin' outside YOUR door.
   El amor está llamando a TUS puertas
  
  Waitin' for you is this love made just for two
   Esperándote está este amor hecho sólo para dos
  
  Keep an open heart and you'll find love again, I know.
   Mantén tu corazón abierto y encontrarás el amor de nuevo, lo sé
   
• 
  
  Love is all around you.
   El amor está a tu alrededor, sí
  
  Love is knockin' outside YOUR door.
   El amor está llamando a TUS puertas
  
  Waitin' for you is this love made just for two
   Esperándote está este amor hecho sólo para dos
  
  Keep an open heart and you'll find love again, I know.
   Mantén tu corazón abierto y encontrarás el amor de nuevo, lo sé
   
• 
  
  Love will find a way.
   El amor encontrará el camino
  
  Darlin', love is gonna find a way,
   Cariño, el amor encontrará el camino
  
  Find its way back to you.
   Encontrará su camino de vuelta a tí
  
  Love will find a way.
   El amor encontrará el camino
  
  So look around, open your eyes.
   Así que mira alrededor, abre los ojos
  
  Love is gonna find a way.
   El amor va a encontrar el camino
  
  Love is gonna, love is gonna find a way.
   El amor va, el amor va a encontrar el camino
  
  Love will find a way.
   El amor encontrará el camino
  
  Love's gonna find a way back to you, yeah,
   El amor va a encontrar su camino de vuelta a tí, si
  
  I know. I know. I know.
   Lo sé, lo sé, lo sé
   

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We Can't Dance (1991)

• Este disco me lo regalo un buen amigo aquien admiro mucho , Parmenides ..Desde entonces no paro de escucharlo ..Es Grande como todo de Genesis ..Si tienen oportunidad escuchenlo vale la pena ..
• We Can't Dance (1991) es un álbum musical del grupo de rock progresivo Genesis, el 14º álbum de estudio (17º de su carrera) y el último en el que Phil Collins, vocalista y percusionista del grupo, participaría. Génesis continuó con sus actividades como grupo durante algunos años en giras internacionales para disolverse y volver a formarse unos años más tarde con un nuevo vocalista. El disco fue el mayor éxito de ventas del grupo.
• Una nueva edición del álbum en formato SACD/DVD (incluyendo nueva mezcla con sonido 5.1) ha sido lanza en octubre de 2007
• 
  El álbum We Can't Dance fue su primer disco grabado en estudio en cinco años, siendo su anterior trabajo de estudio Invisible Touch en 1986. Fue publicado por la compañía Virgin Records. El disco llegó a ser No. 4 en la lista Billboard de éxitos musicales de Estados Unidos y otro número 1 de Génesis en el Reino Unido. Aun siendo un disco popular en otros países su éxito fue mucho más reducido. Del disco se extrajeron los singles "I Can't Dance" (No. 7), "No Son Of Mine" (No. 12), "Hold On My Heart" (No. 12), "Never A Time" (No. 21) y "Jesus He Knows Me" (No. 23), éste último, una parodia de letra ácida sobre el fenómeno de los telepredicadores norteamericanos, sería uno de los grandes éxitos comerciales del disco.
• 
  El álbum "We Can't Dance" de 1991 fue el álbum de Genesis largamente postergado, debido principalmente a la carrera como solista de Phil Collins. La banda pospuso este álbum por tanto tiempo, que los otros miembros concretaron dos trabajos en solitario mientras tanto. El álbum nuevamente estaba compuesto por momentos fuertes y momentos más débiles, siendo el primer LP de Genesis que no estuvo pensado para ser lanzado en vinilo (aunque se publicó una versión de dos discos en vinilo, donde se encontraban todos los temas del CD).
• El ingeniero Hugh Padgham no participó en este proyecto y fue reemplazado por el ingeniero Nick Davis, que había producido excelentes álbumes para grupos como Marillion.
• "We Can't Dance" marca el regreso de la banda a canciones más largas y progresivas, como en "Driving the Last Spike" que utiliza sus diez minutos de duración para contar la historia de los trabajadores que construyeron las líneas ferroviarias en Inglaterra. "Fading Lights", también representa un regreso a épocas anteriores, pero utilizando un sonido muy moderno. Otras canciones que se destacan son "Living Forever", una canción con notables solos de teclado de Tony Banks o la balada "Never a Time".
• Pero la canción que más evoca el sonido pasado de Genesis es "Fading Lights", una pieza con un sonido etéreo que incluso encuentra el lugar para los clásicos solos de teclado. Otras canciones como "No Son of Mine", "Jesus He Knows Me", o "I Can't Dance" fueron éxitos y tuvieron una gran difusión en radio y televisión. En su necesidad de limitar las canciones del álbum a 70 minutos (lo que podía grabarse en un CD de audio en esa época), la banda dejó fuera del mismo la canción "On the Shoreline", apareciendo publicada posteriormente en un single. Esta es una canción que los seguidores del grupo consideran como la mejor, o una de las mejores para este álbum, por lo que su no inclusión parece ser una pobre elección.

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The Veldman Brothers

• Este es uno de los discos de blues que más me apasionan ...Espero que les guste ...
• Los hermanos Veldman: Een Hechte banda rondom "hermanos de sangre" Gerrit en Bennie Veldman. Gerrit op gitaar, Bennie op hammond en bluesharp, Marco Overkamp op tambores en Donald van der Goes op bas.
•  Tomeloze energie; zichtbaar plezier en voelbare sinergia; Muziek gespeeld vanuit de onderbuik: Een gedreven ritmesectie morir Gerrit en Bennie Veldman aanzet tot grootse prestaties zangers esclerosis lateral amiotrófica, ELA Solisten en als artistas.
•  Vier getalenteerde muzikanten reunió een Schat aan ervaring, beïnvloed elkaar puerta en puerta beïnvloed de "Helden van weleer": los hermanos Vaughan, Muddy Waters, Jimi Hendrix, Elmore James, Howlin 'Wolf, Jimmy Smith en The Fabulous Thunderbirds.
•  Los hermanos Veldman Volgen deze diepe voetsporen respectvol, se reunió cubre en eigen canciones en bovenal reunió een zeer herkenbaar eigen geluid.
•  El zijn Veldman hermanos te zien op grote en festivales en kleine kroegen en hebben Bijna alle gerenommeerde bluesclubs en festivales en Nederland al wel eens op z'n kop gezet. "Home", het debuutalbum van los hermanos Veldman werd puerta onafhankelijke Kenners op radio en internet aangewezen als het beste bluesalbum van de 2007.
   Daarnaast heeft het nummer "One More Chance" intussen zelfs een plekje veroverd de Blues de los 50 mejores allertijden van Arrow Classic Rock in het es quinto aniversario en vivo Album puerta de luisteraars van Radio Bluezy verkozen tot beste cd van de 2009.
•  Blues en el rhythm & blues, en swingblues deltablues, blues se reunió een randje rock, blues se reunió een alma randje del funk: Grenzen zien Los Hermanos Veldman niet en ze Laten maar een zich ook en hokje duwen: "Alles Wat Puur es en Wat recht uit Het Hart komt ". Blues & Raíces directamente desde el corazón! Zorg dat je El Veldman Hermanos gezien, gehoord en gevoeld hebt!

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Kenny Brown

• Kenny Brown ha sido-un estudiante de la Mississippi Blues colina por parte de su vida. Nacido en Selma, Alabama, en 1953, su familia se trasladó a Nesbit, Mississippi, cuando tenía menos de un año de edad. Desarrollado interés Kenny año en tocar la guitarra a la edad de diez y comenzó a enseñar lo básico sí mismo. Dos años después, el cantante de blues Joe Callicott se mudó al lado, y se selló el destino de Kenny. Esta extraña pareja se pasaban horas juntos, ya sea en la mañana antes de Kenny tenía que estar en la escuela o en la noche, tan pronto como Kenny cam casa.
•  Algunas noches allí, Kenny escuchaba la música que venía de un lugar Othar Turner por el camino. Crecer en esta parte de Mississippi, Kenny estaba rodeado por los músicos: Junior Kimbrough, Fred McDowell, y R. L. Burnside. Su influencia no fue en vano en este joven blanco, y Kenny se aseguró de probarse a sí mismo a todos ellos.
•  A la edad de dieciocho años que estaba jugando con la banda de Burnside, en los próximos treinta años más o menos juntos, ellos giras por todo el mundo. Burnside refiere a menudo como la historia de Kenny "hijo adoptivo". Como R. Salud L. 's comenzó a desvanecerse en los últimos años, Kenny se inició la grabación de su propio. Su álbum debut, Stingray, fue lanzado en el sello Fat Possum en 2003. Brown es actualmente miembro del programa de la Comisión de Artes del artista Lista. Él también se realizó en la música y ha contribuido a la serpiente de películas importantes Negro Moan, lanzado a principios de 2007.
•  Kenny se ha mantenido cerca de las raíces históricas, todavía ofrece un guiño a la historia antigua mentor, el fallecido Joe Callicott, Cada Vez Realiza ET. Propósito Kenny aussi ha logrado desarrollar un estilo propio. ET como lo ve, la música tiene que evolucionar, porque tienes que seguir aprendiendo. Al enterarse de que los lazos con el country blues de Mississippi cerro definitivamente Ties That Bind

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