Cher

• Cherilyn Sarkisian (n. El Centro, 20 de mayo de 1946), conocida como Cher, es una cantante, actriz, compositora, diseñadora y productora estadounidense. Ha sido galardonada por su carrera musical y como actriz con, entre otros, los premios Óscar, Grammy, Emmy, Globo de Oro y un premio en el Festival de Cine de Cannes.
• Denominada como «La Diosa del Pop», Cher llegó a la fama en 1965, formando parte del dúo musical Sonny & Cher, junto con su exesposo Sonny Bono. Posteriormente Cher se estableció como solista. Ha lanzado veinticinco álbumes de estudio, varias compilaciones y cincuenta y seis sencillos; cinco de ellos han llegado a la cumbre del Billboard Hot 100, teniendo en cuenta además que trece de sus sencillos han entrado a esta lista.
•  El más notable es «Believe». Fue número uno en veintitrés países y la hizo acreedora al premio Grammy, además puede considerarse como la tercera canción más exitosa de toda la historia interpretada por una artista de sexo femenino detrás de “My Heart Will Go On” de Céline Dion y “I Will Always Love You” de Whitney Houston. Según Billboard, ella es la 39º mejor artista de la historia dentro de la lista encabezada por The Beatles, Madonna, Elton John y Michael Jackson.
• Se convirtió en actriz de televisión a mediados de 1970 y en actriz de cine a comienzos de 1980. En 1987 ganó el premio Óscar como mejor actriz por la película Hechizo de luna.
• Con una carrera que rebasa los 40 años y sin mostrar signos de decadencia, Cher ha sido conocida por ser un ícono pop y una de las pocas cantantes consideradas divas de la música además de su joven apariencia, debido a sus múltiples cirugías plásticas.
• Ha vendido más de 100 millones de grabaciones como solista lo cual la convierte en una de las cantantes más exitosas de la historia y en una de las artistas más exitosas de todos los tiempos.
• Dentro de los Estados Unidos la artista ha logrado la venta de 12,5 millones de copias certificadas por la RIAA.
•  Ha colocado a 10 de sus álbumes dentro de la lista Billboard 200 teniendo 2 de estos en el #4 Believe y The Very Best of Cher. Asimismo, la revista Rolling Stone ha considerado a su canción "I Got You Babe" como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
• A 2009, la cantante reside en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, presentando allí su espectáculo Cher At The Colosseum. También es reconocida por poseer un rango vocal de contralto
• Cher nació en El Centro, California, el 20 de mayo de 1946, a las 7:25 a.m.. Su padre, John Sarkisian (1920-2005), era un refugiado armenio que trabajó como camionero. Su madre, Georgia Holt, nació en Arkansas el 20 de junio de 1927. Se casó ocho veces, aspiró a ser actriz y trabajó como modelo ocasional. Es de ascendencia cheroqui, británica y alemana. Los padres de Cher se divorciaron cuando ella era joven y se crio principalmente con su madre y su media hermana Georgeane (1951), hija de Gilbert LaPierre, segundo esposo de Holt, un banquero que adoptó a Cher. Además de los graves problemas financieros que había en la familia, a Cher se le diagnosticó dislexia, lo cual la hizo retirarse de la escuela a muy temprana edad. En ese tiempo mantuvo una relación amorosa con el ahora actor Warren Beatty.
• A los 16 años, y siguiendo los pasos de su madre, Cher viajó a Los Ángeles para estudiar actuación. Sin embargo, no tuvo ningún resultado ya que su enfermedad se lo impedía. De camino a Los Ángeles en 1963 conoce en una cafetería local al productor musical Sonny Bono; se convirtieron rápidamente en amigos, luego se comprometieron y más tarde se casaron.
• Sonny Bono trabajaba en ese tiempo con el productor Phil Spector en Gold Star Studios en Hollywood. A través de Sonny, Cher entra al ámbito musical grabando demos, cantando en coros y participando en varias grabaciones de Spector, para artistas como The Righteous Brothers y Darlene Love. Spector vio el potencial que tenía la voz de Cher y no dudo en lanzarla a la escena musical. Bajo el nombre artístico Bonnie Jo Mason, Cher lanzó su primer sencillo en 1964 llamado Ringo, I Love You, dedicada a Ringo Starr, sin alcanzar el éxito. Los esfuerzos de Spector no cesaron y decidió unir a Sonny con Cher bajo el nombre artístico Cesar & Cleo, lanzando el sencillo "The Letter" que tampoco tuvo éxito.
• A comienzos de 1965 deciden relanzarse con el nombre "Sonny & Cher" y con su primer álbum de estudio, Look At Us, que fue un éxito de ventas en el mercado estadounidense y europeo. De este álbum salió el sencillo "I Got You Babe" que se convirtió en un gran éxito mundial llegando al puesto #1 del Billboard Hot 100. A este éxito le siguieron sencillos como "Baby Don't Go", Just You", "But You're Mine", "Little Man" y por último "The Beat Goes On".
• Ese mismo año el dúo aparece en programas de entretenimiento como The Ed Sullivan Show, American Bandstand, Top of the Pops, Ready Steady Go! y Shindig!. Cher se destacó como icono popular moderno por su extravagante forma de vestir y pronto Sonny & Cher se convirtieron en un ícono hippie. Paralelamente Cher lanzó al mercado su álbum debut como solista titulado All I Really Want To Do, que tuvo gran reconocimiento y llegó al puesto 16 de Billboard 200. El sencillo homónimo al álbum es una reversión de la canción de Bob Dylan del mismo título y logró llegar al puesto 15 del Billboard Hot 100.
•  En 1966 lanzó su segundo álbum en solitario titulado The Sonny Side of Chér, que fue un gran éxito en Reino Unido; de este álbum salieron los sencillos "Where Do You Go" y "Bang Bang (My Baby Shot Me Down)" (ambos compuestos y producidos por Sonny Bono). Esta última canción fue un gran éxito en Norteamérica, convirtiéndose en el sencillo más exitoso de Cher en los años 60s. En 1966 Cher lanzó su primer álbum homónimo que, aunque no fue tan exitoso como los anteriores, incluyó el sencillo "Sunny", que ocupó los primeros lugares en las listas del Reino Unido. Al año siguiente lanza otro nuevo álbum de estudio titulado Backstage, pero fue un fracaso comercial...
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Mariah Carey

• Mariah Carey explora los aspectos de nuestra humanidad compartida, con una profundidad poco común, la honestidad y abierta de corazón. Es una de las declaraciones más fuertes en su larga y distinguida carrera.
• El tema de las memorias es el amor en todas sus etapas en nuestras vidas. Que lo experimenta por primera vez. Perderlo. Recordando sus momentos más dolorosos, y también sus momentos de mayor inocencia y la alegría. Anhelo de ella. Aprender de ella. Creciendo como resultado de su profundo poder. Encontrar de nuevo y estar agradecido por tan gran regalo. Y, finalmente, ser humillado, lleno de admiración y elevada por misteriosos caminos del amor. En ese sentido, y más, Memorias es un viaje lleno, una gran satisfacción.
• "Cada canción es como una conversación íntima o una entrada en un diario privado", dice Carey sobre el álbum. "Muchas de las canciones reflejan momentos específicos, diferentes en mi vida. Otros se inspiraron en las películas, los hechos reales que me han ocurrido, o las historias de amigos que me hablaron de las experiencias que han sufrido". Con una sola excepción, Carey escribió y produjo el álbum en colaboración con The-Dream y Tricky Stewart. El trío claramente un sentido compartido de lo que inspiró Memorias debe ser. Ranuras sinuosas y al instante el flujo de melodías memorables de pista en pista, mientras que el ingenio y la intimidad de las letras crear la sensación de un amigo habla con otro. Como es bien vista por cada canción, Memorias juega con la belleza y la consistencia de un clásico, de principio a final del álbum.
• "Mi principal objetivo era trabajar con gente con la que podrían colaborar con sin que parezca redundante o pasado", dice Carey. "En mi opinión Tricky es uno de los principales productores más subestimado que hay ahora. Me gustó mucho colaborar con él. Y me gustó especialmente escrito con The-Dream, básicamente porque los dos nos encanta divertirse con letras y melodías, y" nosotros También son capaces de conseguir más graves en más canciones hay un sentido particular de la libertad que siento cuando escribimos juntos -. a pesar de que hacer que se quede en el estudio de toda la noche hasta que esté listo para matarme LOL "!
• Solo las memorias de la primera es el contundente "Obsessed", que es acompañado por un video dirigido por Brett Ratner (Rush Hour la trilogía) en el que Carey interpreta tanto la estrella glamorosa y su fan acosador. Al igual que el video, la letra de la canción se combinan humillaciones devastadoras ("El último hombre sobre la Tierra todavía no podía conseguir esto") con el humor ("ver a través de ti como si fueras bathin en Windex"). El sin sentido "Up Out My Face" captura un humor cáustico similar, despedir a un ex amante de la despedida: "Cuando me rompo, rompo, muchacho." "Es un Wrap" entrega un mensaje similar sobre el final de una aventura: ". Cuando se ha ido, se ha ido" "Standing O", con su estribillo irresistible, con sorna aplaude un ex infiel por sus logros la firma: "Se jugó la que más amaba." "Betcha Gon 'Know" prevé kármica venganza de un amante caprichoso, pero, una vez más, las letras inteligentes ("Oprah Winfrey segmento entero de verdad, de verdad / 20/20 Barbara Walters de verdad, de verdad") fomentar una sonrisa en medio de el dolor.
• La balada "HATEU", por su parte, considera que la cantante de ver la vida como consecuencia de una ruptura y el anhelo por el momento en que la pérdida y el arrepentimiento se transforman en una furia de limpieza. Pero el título de la canción no necesariamente representan lo que usted piensa que podría hacerlo. "HATEU es la primera canción que escribí para el álbum", dice Carey, "y se destaca por tener un trastorno emocional típica".
• Siempre es un cantante brillante técnica con un rango vocal extraordinario, Carey se eleva a nuevas alturas en la pista. "Yo canto una melodía recurrente en el registro más alto de mi voz, no es una improvisación, sino una parte integral del gancho de la canción", dice. "Eso no es algo que he hecho antes, y al escuchar de nuevo a él, me acordé de cómo Minnie Riperton utiliza su registro más alto en" Lovin 'su exitosa canción You. " Pensé en lo irónico que su canción se llamaba "Lovin 'You" y mi canción se llama' HATEU ' -. Y tanto el uso que superior 'silbato registro "como una parte importante de la melodía lo tanto, es una especie de homenaje a Minnie Riperton, un homenaje a ella ya que ha tenido tanta influencia en mi forma de cantar".
• En una nota de licitación, la melancólica "Candy Bling" evoca maravillosamente el reino maravilloso del amor de los jóvenes ("Tobilleras, placas con los nombres que tú me diste / tartas dulces, el anillo aparece había que dulces Bling / Y eras mi mundo"), mientras que "Inseparable" dolor de un amor que terminó mal por razones que parecen imposibles de comprender. "Más que amigos" flota fuera en una fantasía de lo que una relación casual podría llegar a ser ("Permanentemente me pintura en su imagen como Picasso / Love Me Down hasta que alcanzó la cima de mi soprano"). "Ribbon" y "lo imposible" desmayo de alegría y gratitud por el amor redentor que ha vuelto a hacer la vida más rica de nuevo. "Usted hizo lo imposible", Carey canta. "Se rescató a mi amor."
• Memorias de un ángel imperfecto termina con una interpretación del evangelio espectacularmente poderosa balada preciosa de Extranjería, "I Wanna Know What Love Is". La voz de Carey se eleva en el cielo como un coro que conmueve el alma deja claro que la búsqueda del amor es lo más cercano que cualquier ser humano nunca llega a lo divino.
• Lo que nos lleva de vuelta al ángel del título del álbum. "Yo había escrito una canción llamada 'imperfecto'", dice Carey, "pero no lo hizo en el álbum La letra de canción que se ocupan del hecho de que el mundo pone mucha presión sobre nosotros -. Sobre todo en las mujeres - - de ser perfecto y lucir de cierta manera, y eso es imposible porque nadie es perfecto Sólo Dios es perfecto sé que he tratado de ser una buena persona, pero yo soy definitivamente un ángel "..!
• "Pero después de poner este disco en conjunto y decidido que el nombre de Memorias de un ángel imperfecto", concluye, "me acordé de que el álbum de Minnie Riperton que contenía" Lovin 'You "fue llamado ángel perfecto. Así que me sentí en muchos aspectos que estaba destinado a ser. "
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Cliff Richard

• Cliff Richard ha sido un ícono de la música durante cinco décadas. Cuando irrumpió en la escena musical en 1958, su energía adolescente prima fue un soplo de aire fresco, estableciéndolo como primera piedra auténtica de Europa 'n' roll star.
•  50 años y un sorprendente 250 millones las ventas de discos después, Cliff continúa deleitando a sus fans con nueva música y espectaculares actuaciones en directo. De hecho, es imposible pensar en un artista británico que se ha extendido por los años y las generaciones y con más éxitos en todo el mundo que este hombre únicCliff Richard, guitarrista y cantante solista, fue uno de los fundadores de The Drifters (no confundir con el grupo estadounidense del mismo nombre). Por sugerencia de un manager, quién pensó que sería bueno llevar el nombre de alguien al frente, cambiaron el nombre a Cliff Richard and the Drifters y posteriormente a Cliff Richard and the Shadows.
• El grupo consiguió un contrato y grabó su primer disco en los estudios Abbey Road en 1958. Les dieron un tema bastante flojo llamado 'Schoolboy Crush', pero les permitieron grabar un tema propio para la cara B. El elegido fue "Move It!", escrito por Ian "Sammy" Samwell, que era miembro del grupo por aquel entonces. Hay bastantes historias sobre porqué la cara A fue remplazada por la cara B. Una dice que su productor, Norrie Paramor, le puso el disco a su hija, y ella alucinó con la cara B en lugar de la A. Otra posible razón para el cambio fue que el influyente productor de televisión Jack Good, quién tomó el número para su programa de TV "Oh Boy!", dijo que la canción que tenían que cantar en su programa tenía que ser "Move It!". Finalmente, el single fue cambiado y alcanzó el número 2 en las listas de éxitos.
• Los componentes de la banda cambiaron con los siguientes singles, aunque nunca se consideró realmente un nuevo grupo. Con frecuencia, se dice de manera errónea, que the Drifters/Shadows era una banda de acompañamiento que tocaba ocasionalmente con Cliff. La realidad es que fue simplemente un cambio gradual en los componentes, que finalmente dejó a Cliff como el único miembro original del grupo. Conforme Jet Harris, Tony Meehan, Hank Marvin y Bruce Welch fueron emergiendo en el grupo, se fueron sucediendo algunos aconcimientos afortunados para la banda y para el mundo. La música Pop podía haber cambiado totalmente si ciertos incidentes no hubiesen ocurrido, especialmente en un único día en el Soho. Ese día, el manager de Cliff, John Foster, estaba buscando un nuevo guitarrista. Acudió al club '2 I's, un lugar de reunión conocido para músicos.
• El hombre que estaba buscando era Tony Sheridan, un conocido de the Drifters, y que más adelante grabo en Hamburgo con The Beatles de acompañantes, lo que les condujo a conseguir su primer contrato en Gran Bretaña. Tony no estaba allí cuando llegó Foster, y Foster tenía mucha prisa y no podía esperar mucho. Entonces le hablaron a Foster de un brillante guitarrista, y así fue como Foster conoció a a Hank Marvin. Hank le dijo que formaba conjunto con Bruce Welch, así que Foster incorporó dos nuevos miembros a the Drifters ese día. Si Sheridan hubiese estado en el club ese día, es posible que The Beatles nunca hubiesen saltado a la fama.
• Tony Meehan y Jet Harris dejaron el grupo temporalmente y tocaron juntos con mucho éxito en las listas. Un componente del grupo de Jet Tony era John Paul Jones, más tarde miembro de Led Zeppelin, y Jimmy Page también grabó con ellos.
• Un grave accidente paralizo el éxito de Jet, aunque más tarde resurgió con Jeff Beck (Yardbirds), Ron Wood (Rolling Stones), y Rod Stewart formando The Faces; sin embargo, este grupo no duró mucho.
• The Shadows tuvieron algunos bajistas más, y también estuvo con ellos Brian Bennett en la batería.
• o y muy querido.
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Elton Hercules John

• Sir Elton Hercules John, CBE, (n. Londres, 25 de marzo de 1947), es un cantante, compositor y pianista británico, de música pop, rock, glam rock y piano rock, nacido como Reginald Kenneth Dwight.
• A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha vendido más de 250 millones de álbumes y más de 150 millones de singles y ha colocado más de 50 canciones en las listas de éxitos, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. En el año 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 49 en su lista de los 100 mejores artistas de la historia. Su canción Candle in the Wind, regrabada en 1997 en recuerdo de la fallecida Lady Di, se convirtió en el single más vendido de todos los tiempos con 37 millones de copias.[1] Sus múltiples premios incluyen el título de Sir al ser nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico por Isabel II de Inglaterra. Según Billboard, es el tercer más grande artista de todos los tiempos en Estados Unidos, solo por detrás de The Beatles y Madonna. También ha colaborado con el lanzamiento al panorama musical de grandes artistas como Anastacia.
• Fue educado en la Royal Academy of Music, gracias a una beca que consiguió en esta institución a la edad de 11 años que abandonó seis años después para dedicarse a la música rock. A partir de 1964 comenzó a colaborar con grupos locales como Bluesology, donde conoció al cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John.
• En la década de los sesenta participó en varios grupos, pero sin demasiado éxito, si bien colaboró como músico de sesión para varios artistas de éxito de la época. Cabe destacar que en 1968 un desconocido para aquel entonces llamado Reginald Dwight tocó el piano durante la grabación del single Imagine/Mr Boyd de un desconocido grupo llamado Argosy, liderado por Roger Hodgson, el que luego sería cofundador de Supertramp, o del tema He Ain't heavy He's my Brother, el cual se convertiría a la postre en el mayor éxito de The Hollies. Recientemente él y su marido han adoptado a un niño mediante un vientre de alquiler, llamado Zachary Jackson Levon Furnish-John.
• Primeros éxitosA finales de los sesenta, Elton conoció al letrista y poeta Bernie Taupin. Juntos obtuvieron su primer gran éxito en 1970 con el álbum Elton John por la canción Your Song (famosa nuevamente 30 años después por la película Moulin Rouge!). En 1971 se colocaron cuatro álbumes simultáneamente entre los diez primeros de las listas de Estados Unidos, algo que no ocurría desde los Beatles. También en ese mismo año Elton empezó a desarrollar una galopante alopecia que le conduciría años después al uso de peluca.
• La década de los setenta fue la de su consagración como auténtica estrella; comenzó a actuar ataviado con extravagantes disfraces y otros adornos característicos del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios. En esa época tuvo grandes éxitos como «Crocodile Rock» (1972), «Bennie and the Jets» (1973) y «Don’t Let The Sun Go Down On Me» (1974). Otro éxito de la época fue «Candle In The Wind» (1973), dedicado a Marilyn Monroe y que regrabaría en 1997 en honor de otra celebridad fallecida igualmente: Diana de Gales. Entre 1972 y 1975, siete de sus discos entraron a los primeros puestos de las listas de ventas británicas.
• En 1975 participó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Por aquella época escandalizó a la opinión pública con ciertas declaraciones sobre su homosexualidad, aunque posteriormente se casaría con una mujer.
• Al entrar la década de 1980, Elton John dejó de lado temporalmente su relación con Taupin además de que moderó su imagen y su música, haciéndola más melódica. Produjo nuevos éxitos como I'm Still Standing y Little Jeannie pero ya con menos frecuencia, y su vida privada vivió también algunos problemas. El 14 de febrero de 1984 contrajo matrimonio con la ingeniera de sonido Renate Blauel.
• En julio de 1985, Elton John participó en el concierto Live Aid realizado en el Estadio de Wembley de Londres en el que también participaron David Bowie, Sting, Eric Clapton, Phil Collins y Queen, entre otros.
• A finales de los 80's tocó en vivo el piano con Debbie Gibson, fan numero uno del artista. En 1990 le afectó profundamente la muerte por SIDA de un amigo suyo que sufría de hemofilia, Ryan White. Tras el funeral confirmó estar en tratamiento para superar su adicción al alcohol, las drogas y la bulimia. En 1992 fundó la Elton John AIDS Foundation, una de las mayores organizaciones no lucrativas para la erradicación del sida, a la que decidió destinar todos los beneficios de sus singles.
• En Marzo de 1991 grabó en vivo junto a George Michael la canción Don't Let The Sun Go Down On Me en un concierto en estadio Wimbledon, donde Elton John era un invitado sorpresa de George Michael. El dueto se convirtió en un éxito masivo a ambos lados del Atlántico. Fue publicado menos de un año más tarde y alcanzó el Nº1 en el RU por dos semanas en diciembre de 1991 y fue Nº1 en el Billboard Hot 100 por una semana en febrero de 1992. La canción es el único Nº1 de la era moderna en ser grabado en exteriores, fuera de un estudio.
• El 20 de abril de 1992 compartió escenario con Brian May, Roger Taylor, John Deacon y Axl Rose además de otras figuras como Metallica, David Bowie, Robert Plant y Roger Daltrey en el Freddie Mercury Tribute Concert interpretando Bohemian Rhapsody y The Show Must Go On.
• Elton John ya renovado y más sobrio obtuvo un nuevo éxito en 1994 con su participación en la banda sonora de El Rey León en colaboración con Tim Rice. También ganó un Grammy y un Óscar.
• El asesinato de su amigo Gianni Versace y la muerte en accidente de tráfico de su también amiga Diana de Gales supusieron para Elton un fuerte golpe en 1997. Obtuvo un rotundo éxito con su homenaje a la princesa Diana, con el tema Candle in the Wind, que batió todos los récords y resultó ser el single más vendido en la historia de la música.[2]
• Al año siguiente fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico después recibió un Grammy honorífico por su trayectoria musical. En el año 2000 colaboró como músico invitado junto a la banda estadounidense Collective Soul, el tema Perfect Day. En 2001 grabó una vez más con su letrista de cabecera Bernie Taupin, Songs From the West Coast le siguió en el 2004 el álbum número 43 de su carrera Peachtree Road. Ese mismo año publicó una carta en el cual Elton John criticaba a varios artistas incluyendo a su amigo George Michael, el cual se mostró muy decepcionado por la cantidad de barbaridades escritas, enojándose casi a muerte con el cantante. En julio de 2005 se reconciliaron.
• En diciembre de 2005, Elton John formalizó su relación con su pareja de más de 12 años, el director de cine canadiense David Furnish, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles homosexuales.
• En septiembre de 2006 publica su álbum número 44 (aunque puede que esta cuenta no incluya todos sus discos) llamado The Captain And The Kid que resulta ser la secuela del álbum de 1975 titulado Captain Fantastic And The Brown Dirty Cowboy, ambos discos autobiográficos y aclamados por la critica. Actualmente se encuentra de gira con su último disco y en sus últimas declaraciones en un concierto de Las Vegas (The red piano) ha dejado entrever que no va a publicar más discos al menos bajo el nombre de Elton John.
• En 2007, año en que cumplió sus 60 años y 40 de carrera artística, estuvo en el sexto lugar de "Personajes Artísticos de Influencia Mundial", del multimedial Forbes. En este año, también, se editó un DVD Especial con su aparición en vivo en el New York Madison Square Garden (realizada el 25 de marzo, por motivo de su sexagésimo aniversario).
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  Elton John en un recital en 2008.En septiembre de 2008 anunció el inicio de una gira por Latinoamérica para enero de 2009 con fines benéficos.[3]
• En la actualidad, Elton John, pese a no aparecer de forma constante en los medios, sigue siendo una figura musical de reconocimiento mundial, y uno de los máximos exponentes del rock-pop de todos los tiempos.
• Elton John también canta junto con The Killers la canción navideña para la compañía (PRODUCT)RED, llamada Joseph, Better You than Me.
• En enero de 2009 ofreció un concierto de beneficencia por la educación en México, y otros particulares en Argentina, Venezuela, Brasil y Chile.
• En marzo de 2010 se confirmó que Elton John está grabando un disco con el cantautor norteamericano Leon Russell. Las 16 canciones que lo compondrían tendrían un sonido que iría desde el rock and roll stone pasando por las baladas country y en clave gospel, hasta algo del sonido de Frank Sinatra. El disco se llamará The union y saldrá a la venta el 19 de octubre en Estados Unidos y el 25 del mismo mes en Europa
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Jim Morrison

• James Douglas "Jim" Morrison Clarke (Melbourne, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1943 – París, Francia, 3 de julio de 1971), fue un poeta, cantante y actor estadounidense, célebre por ser el vocalista del influyente grupo de rock psicodélico The Doors
  James Douglas Morrison Clarke nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y George Stephen Morrison. Tuvo dos hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera de su padre y vivir en diversas bases militares (a los catorce años de edad ya había tenido siete hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser. Tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.
• El joven James se marchó de su hogar a los diecinueve años. Era un muchacho alto y siempre desharrapado, podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudió en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, formando parte de la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola quien, años después, utilizaría el tema The End como soundtrack de introducción para Apocalypse Now, su película ambientada en la guerra de Vietnam. Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues había perdido todo interés por la carrera y por la industria cinematográfica.
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  Retrato de Jim MorrisonDecidió centrarse en lo que consideró siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitando complejos sonetos del siglo XVIII. Esta fue una época de descubrimientos para Jim. Por un lado, el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, como el peyote, la marihuana y el LSD (según se dice, su favorita), cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro, el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier y de la que vivió rodeado. Sin embargo, nunca se llegó a identificar con ella e incluso la desdeñaba en buena medida debido a su nihilismo. Su visión del mundo estaba muy alejada de cuestiones hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología.
• Se dice que tenía el elevado coeficiente intelectual de 149.[1] Aunque no está comprobado en las pruebas de IQ de aquellos días, es cierto que leía textos complejos para la mayoría, incluidas las obras de autores como Friedrich Nietzsche, Aldous Huxley, Jack Kerouac, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, el conde de Lautréamont, Emanuel Swedenborg, Gérard de Nerval y William Blake, entre muchos otros. Un profesor de Jim incluso relató a sus biógrafos que solía acudir a la Biblioteca del Congreso para comprobar si existían algunos de los libros que Jim decía leer. Los profesores de la universidad charlaban largamente con Jim sobre libros de este tipo.[1] Según declaraciones de algunos, "parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros; la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él".
• En 1965, tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek, ex compañero de clases en la universidad y también músico (que estaba al frente de la banda Rick and the Ravens). Con intención de difundir su poesía, Jim le mostró un par de trabajos que podían ser musicados. Manzarek pidió que le cantara alguno y Jim, sentado en la suave arena de Venice, tímidamente, entonó los primeros versos de Moonlight Drive. Al escucharlo, Manzarek quedó sorprendido por su talento y le pidió que formaran una banda de rock, lo que Jim aceptó "para ganar un millón de dólares", como ya siendo famosos comentaran. Después de varios cambios en la alineación de la banda, terminaron conformando The Doors, Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo The Psychedelic Rangers), además de la voz de Jim.
• El nombre que escogieron procede del título del ensayo Las puertas de la percepción de Aldous Huxley sobre la mescalina inspirado a su vez en la cita de William Blake "Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito" ("If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite").
• Después de dar muchos conciertos por locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en un bar conocido como "Whisky a Go Go". Noche tras noche tocaban sus temas más populares, entre los que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada The End. Morrison añadía o quitaba de ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Un día, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, Jim tuvo que ser llevado por sus compañeros casi a rastras hacia el bar y, de alguna forma, lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de The End, tal como hacía siempre, comenzó a improvisar sobre la música, pero aquel momento habría de terminar formando parte no sólo de la leyenda de The Doors sino de la cultura rockera en general. Morrison compuso en directo una breve y original versión de la tragedia Edipo rey, el personaje de Sófocles que, por azar cruel del destino, termina matando a su padre y desposando a su madre.
• -Father? (¿Padre?)
  -Yes, son? (Sí, hijo.)
  -I want to kill you... (Quiero matarte.)
  -Mother? (¿Madre?)
  -I want to... fuck you!!!. (Quiero... ¡follarte!)
  Claro que en la versión grabada para su primer álbum, esta última frase será sustituida por un grito de Morrison. En cualquier caso, para el dueño del local, aquello fue demasiado y les echó mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul A. Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les mostró su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes.
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  Retrato de Jim Morrison.En 1967 el grupo publicó su primer álbum llamado simplemente The Doors. Fue con el sencillo Light My Fire, escrito íntegramente por Robbie Krieger, que la banda se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista Billboard, durante el famoso verano del amor de 1967.
• Cabe resaltar el dramático cambio que experimentó Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor influencia, como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció ni vio en concierto pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido en la discográfica SUN, como Mystery Train, que interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría pánico escénico. En los primeros conciertos incluso cantaba dando la espalda al público. De hecho, se ha asegurado que Jim Morrison sufría un problema de TLP (trastorno límite de la personalidad) o BDP (Borderline Disorder of Personality), que le impulsaba a tomar drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas que se convirtió en un experto en el tema, interesándose por el chamanismo dada su estrecha relación con el peyote. Incluso escribió un tratado sobre drogas. También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamánico, y que, al llegar a la ciudad de Los Ángeles, vio la muerte de un indio en un accidente. La leyenda dice que, si ves a un indio morir, su espíritu se encarna en ti.
• Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, fue llevado a juicio a raíz de una actuación en la que algunos asistentes afirmaron que enseñó su pene y simuló una masturbación, entre otras cosas (aunque no hubo pruebas fehacientes). En 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía.
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  La tumba de Jim Morrison en el Cementerio Père-Lachaise, París.Es importante hacer notar que Morrison abandonó la carrera musical en su momento de mayor popularidad, cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano que competía con éxito con las grandes bandas como The Beatles o The Rolling Stones.
• Con su nombre completo, James Douglas Morrison Clarke, ya había publicado dos pequeños libros de poemas The Lords (Los Señores) y The New Creatures (Las Nuevas Criaturas), así como el opúsculo An American Prayer (Una oración americana) y Ode to L.A. (Oda a Los Ángeles), poema repartido entre los seguidores del grupo en un concierto a raíz de la muerte de Brian Jones, guitarrista de los Stones, ahogado en una piscina a causa de una sobredosis. Estos libros pueden leerse como filosofía y, por momentos, también como ensayos sociológicos o manifiestos conceptuales.
• El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, incluyendo la idea de un suicidio y de un asesinato). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise, el famoso cementerio donde fue enterrado, aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo sin que la administración lo sepa. También se pone en duda el hecho mismo de su muerte, ya que sus tarjetas de crédito y pasaportes aún siguen vigentes. Se dice que porque él así lo especificó en un testamento poco antes. Los únicos que vieron su cuerpo fueron su novia y un médico que ya no ejercía. Otras versiones afirman que sufrió una sobredosis de heroína (a la que no era aficionado) en los lavabos del parisino Rock´n´Roll Circus y fue posteriormente trasladado a su casa.
• Es indudable que había sido consumidor habitual de varios tipos de drogas (LSD, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas sustancias psicoactivas. Sin embargo, no es probable que consumiera heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas. De hecho, cuando sorprendió a su novia Pamela inyectándose, fue en busca del proveedor, conocido de ambos, para darle una paliza. Se dice que la cocaína también era droga de su predilección por su efecto "acelerador". No obstante, sobre todo utilizó las drogas propuestas por la comunidad hippie para alcanzar estados de equilibrio y paz, además de alcohol en abundancia.
• En torno a esta extraña muerte, han surgido muchas especulaciones. Varias personas afirmaron haber visto al Rey Lagarto en un café de París, así como en varios sitios de mala reputación de Los Ángeles, vistiendo un atuendo de cuero negro, aunque estos rumores nunca fueron comprobados. También se ha dicho que, después de su muerte, una persona que decía ser Jim Morrison y vestía como él, obtenía dinero mediante cheques a su nombre.
• Ray Manzarek, teclista de The Doors, declaró:
• “Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte –creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés– , poner un saco de ciento cincuenta libras dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta –África, quién sabe– ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”.
  Jim Morrison murió a los 27 años al igual que otros famosos rockeros como Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin o Kurt Cobain. Su epitafio está escrito en griego antiguo ("Kata ton daimona eaytoy") y se puede traducir como "cada quien su propio demonio
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EXTREME

• Extreme es una banda de rock estadounidense que logró popularidad en la década de 1980 y principios la década de 1990.
• Algunas de las influencias de Extreme son Queen, Led Zeppelin y Van Halen (Gary Cherone se unió a Van Halen por un tiempo para luego retirarse). Extreme clasifica su música como "Funky metal".
• Gary Cherone (voz principal)
  Nuno Bettencourt (guitarra)
  Pat Badger (bajo)
  Kevin Figueiredo (Batería)
• El primer álbum de Extreme en trece años no sólo marcará el regreso tan esperado de la banda para el estudio y el escenario. Saudades de Rock (que se pronuncia "sembrar-dodge") es un disco innovador que reafirma la estatura del amado, criado en Boston cuarteto como innovadores en el mundo del rock & roll.
  Al abrigo de la misma songcraft firme y diversos enfoques musicales que primero ganó la banda - el vocalista Gary Cherone, el guitarrista Nuno Bettencourt, el bajista Pat Badger y el nuevo baterista Kevin Figueiredo - multi-platino álbumes con éxitos de las listas batida y con entradas agotadas giras por el mundo, ofreciendo quinto estudio extrema sólo puede ser su mejor momento todavía.
• "Un disco es lo que hace una banda vital", dijo Bettencourt, quien grabó el disco de Extreme regreso en los estudios NRG en Los Ángeles y trabajó como productor del proyecto y el mezclador. "Para los fans, es como, 'Muéstrame si todavía lo tengo." Y lo hemos hecho. Realmente creo que este es el mejor disco que hemos hecho ".
• Con badass, cargados de groove, números de arrogante ("rey"), primas de metal funk ("Learn to Love"), baladas expresiva ("Interface") y piano soul, dirigido ganadores ("Ghost"), el Saudades crudo, orgánico de Rock es el siguiente paso lógico en un catálogo que es tan ambicioso y expresivo como lo es la reflexión.
• Anclado por el increíblemente memorable "Star", donde las voces Cherone de lanzamiento de la canción contundente antes de dar paso a un gancho brillante y una observación tópica de aspirantes a estrellas cayendo en desgracia. En otros lugares, el himno rockero "Rey" es igualmente alegre, como su magia funciona un coro que no acaba de dejar de fumar. "Es una de esas canciones hechas para conducir con la capota bajada," Bettencourt afirma.
• Si el arco de la extrema parece sorprendentemente sincronizados, teniendo en cuenta la gran década más de diferencia entre los registros, es porque Bettencourt y Cherone se mantuvieron en contacto durante los años cuando la banda estaba latente. Luego, en 2004, una serie de conciertos reunión de la ciudad natal sembró la semilla de lo que ha terminado por convertirse en el equipo oficial de reagrupamiento de. Cuando la pareja se unieron para escribir las canciones que formarían parte Saudades de Rock a finales de 2007, las puertas estaban abiertas creativa. Nuno dice, "La química que desde el primer día, ya que sospechaba que sería."
• A lo que maravillas Cherone, "He pasado toda mi vida tratando de mantenerse al día con Nuno. De hecho, había demasiado material! Estábamos haciendo una canción o dos al día, y terminamos con 23 o 24 canciones en una sesión de dos semanas por escrito. "
• "Sabíamos que una hora después de que Gary y yo volver a estar juntos para escribir, que todavía tenía algo importante que ofrecer", continúa Bettencourt. "Y mientras que hay grandes bandas por ahí, de Muse a los Raconteurs, nos sentimos como que había un vacío en lo que hacia arriba el rock and roll va."
• Tenga en cuenta que por el agujero lleno de ampollas, riffs de Zeppelin-mente y los ritmos de gran alcance que que elevan el "Slide" en una obra de rock crudo. Menos grandilocuente, pero también es la abrasadora pasión, el blues-y "Última Hora", que describe musicalmente Nuno como "algo que se oía en la década de 1960. Me recuerda a "La Casa del Sol Naciente, pero más pesado."
• Bettencourt también llamadas estas últimas "momento brillante de Gary", insistiendo, "que llegó a la montaña vocalmente". Mientras tanto, los dos números dirigido piano-, lo importante, Lennon-minded "Paz" y la ya mencionada atmosférica "Ghost", exposición amplia de Extreme habilidades estilísticas.
• "Siempre hemos tenido una canción o dos que me senté en el piano con Gary," dice Nuno de "Ghost". "Pero hemos querido hacer que uno más optimista." Igualmente hipnótico y un gran lugar a dudas: "Toma nos dio vida" incorpora un país golpes enfoque blues con una excepcional interpretación vocal de Gary y recoger la guitarra de Nuno impresionante. "
• "Siempre hemos tenido estos" derecho a su vez-en-Albuquerque pistas ", dice Nuno, que nos recuerda que Page & Plant Señores utilizado métodos similares hace mucho tiempo. Hablando de los proveedores Zoso, se apresura a reconocer que la extrema siempre ha asintió con orgullo a sus héroes.
• "Nunca hemos tenido un problema de uso de nuestra influencia en la manga", dice el guitarrista. "No me importa si se trata de Zeppelin, los Beatles, Nirvana o Prince. Habría que aumentar, literalmente, de entre los muertos, una guitarra y atado a escribir y grabar su registro para no ser tocado por la música a tu alrededor. Que se remonta a cuando empezamos, siempre pensé que Zeppelin y los Beatles fueron los más grandes bandas de siempre, y si se podría caer en algún lugar entre ellos, estaríamos haciendo algo bien. "
• Con base en el entusiasmo de los aficionados al rock y los fans incondicionales que han seguido la banda desde su debut homónimo, 2008/2009 Extreme 'nos llevará Alive' World Tour está destinado al éxito. Exposición de material del álbum majestuoso nuevos y clásicos de discos como el de 1990 multi-platino, Pornograffitti, por no hablar de 1992 Sides III aclamado por la crítica en cada historia, los miembros de la extrema estamos encantados de estar de salir a la carretera.
• "Por mucho que disfrutar de la grabación, para mí, siempre me ha gustado tocar en vivo para los fans", dice Cherone. "No podemos esperar a salir ahí fuera y reproducir la música en vivo." Permanecer alejada de una práctica común en los estudios de grabación, Bettencourt rechazado engaño equipo y ajustes vocales asociados con el software Auto-Tune.
• "Vamos a tener nada de eso", explica Nuno. "Las cosas pueden ponerse muy complicadas en el estudio si se les deja. Es por eso que hemos querido hacer mucho de este disco en directo - estas canciones se traducen fácilmente a los escenarios. Estamos con muchas ganas de salir de gira, hacer un espectáculo. Eso es realmente donde la banda brilla ".
  Y para los que siguen suspirando por la llegada de rompe tabla de Extreme, "More Than Words" y "Hole Hearted", en donde Cherone y armonizado Bettencourt con gracia y fluidez tal, no busque más, "Interface", que celebra que la fórmula probada, mientras que podría decirse que superó que.
• Saudades de Rock se encuentra a los hombres de extrema contentos de estar juntos y jugar a su fuerza colectiva. Y claro, la realización no se pierde en ellas. "No pasó mucho tiempo para nosotros que se nos recuerde lo que éramos capaces de" Cherone con entusiasmo. "Siempre supimos que era especial extrema. Siempre supimos que era una cuestión de tiempo. "
• Es un sentimiento que se traslada al título de la fenomenal nuevo disco de Extreme. "'Saudades' siempre fue una palabra hermosa para mí", explica Nuno. "Expresa un anhelo, una tristeza subyacente por algo o alguien que ha estado ausente en su vida, y no muy seguro de si alguna vez regresará. En este caso, para nosotros, es Rock and Roll. Saudades de Rock ".
• O como Gary concluye: "Me gusta cómo se expresa ese anhelo que hemos estado sintiendo a jugar para nuestros fans y estar juntos de nuevo." Amén.
• Hasta la fecha, el extremo nominado al Grammy ha lanzado cinco álbumes, además de un conjunto de grandes éxitos de ventas de más de 10 millones de discos en todo el mundo. También logró un éxito # 1 single, "More Than Words", de su 1990 álbum multi-platino II Extreme: Pornograffitti-en el Billboard Hot 100, que siguieron con el Top Five "Hole Hearted". Aunque estos dos hits acústica trajo el éxito banda corriente grande, la banda de sonido de marca ha sido siempre más una mezcla de hard rock funk-alimentada por el estilo de la firma virtuoso guitarrista Nuno Bettencourt, la voz resonante de Gary Cherone y letras con conciencia social, bajo la roca sólida Pat Badger, y el contundente Kevin Figueiredo en la batería.
• Extrema se ha introducido recientemente a toda una nueva generación de fans con la inclusión de su canción "Play With Me" en el Guitar Hero de vídeo popular juego, así como "More Than Words" aparece en películas de éxito Forgetting Sarah Marshall y The Love Guru.
   
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Level42

• Level 42 es un una banda musical de pop británica y de estilo funk. El grupo tuvo gran éxito en el Reino Unido y en el resto del mundo durante los 80. La banda ganó fama por la calidad de músicos como Mark King, cuya técnica magistral de tocar el bajo fue un trampolín para muchos éxitos de la banda.
• Level 42 se formó en 1979 como una banda que fusionaba el jazz y el funk. En principio la banda firmó con una pequeña discográfica indepediente, Elite Records. Poco después lanzaron el sencillo "Love meeting Love" en Elite Records, lo cual llamó la atención de Polydor Records y firmaron con ésta. Uno de los colaboradores de su nueva andadura, el teclista Wally Badarou, más tarde se convertiría por años en el co-productor de Level 42 y que Mark King llamaría el "quinto miembro" de la banda, pese a que tenía otros compromisos que le impedía ir de gira.
• En 1981 sacaron "Love Games", un éxito con el que coparon las listas de ventas; poco después lanzaron el álbum del mismo nombre, que fue un gran éxito en toda Europa.
• Al año siguiente, se hizo un segundo álbum The Pursuit of Accidents, y sencillos del álbum: el primero "Weave Your Spell" y luego salió "The Chinese Way", el último en particular llegó muy lejos en las listas de ventas, ganando en audiencia y en éxito. Entre tanto, Polydor lanzó The Early Tapes, grabado en tiempos en que la banda firmó con el sello discográfico Elite. Un cuarto álbum Standing in the Light colocó entre los diez primeros de las listas el éxito "The Sun Goes Down (Living It Up)" en Reino Unido en 1983. Grabado con los miembros de Earth, Wind and Fire, este álbum abrió una nueva era en la banda, menos experimental y de estilo jazz que sus anteriores lanzamientos. No había piezas enteramente instrumentales en este álbum y ninguno de los siguientes álbumes hasta el Staring at the Sun en 1988.
• El cuarteto prosiguió con el álbum True Colours en 1984, el cual mezclaba estilos funk, pop, midtempo rock y baladas melosas. Dio paso a los sencillos "The Chant Has Begun" y "Hot Water". En ese mismo año, Mark King estaba inmerso en un proyecto en solitario: Influences. Además, el grupos fue aclamado también por sus poderosos directos en el escenario (como el directo grabado en álbum Physical Presence).
• El siguiente álbum hecho en estudio fue World Machine, que salió en 1985. Los sencillos de éste, "Something About You" y "Leaving Me Now" fueron éxitos entre los diez primeros en las listas, seguido por otro, "Lessons in Love", a principios de 1986. Por entonces, la banda se alejó de su estilo jazz-funk y su tendencia fue el sonido pop. Elementos de las raíces de Level 42 todavía podían apreciarse en el funky "Coup d'Etat" y "Dream Crazy" en la versión británica del álbum, así como una larga pista instrumental llamada "Hell". Esta última pista del álbum no vio la luz del día hasta principios de 2000 como una descarga de MP3 en el antiguo Napster.
• El álbum Running in the Family, 1987, se convirtió en su disco más vendido, y sentó las bases del estilo musical pop, con el bajo de Mark King, Lindup y los sonidos del teclista Badarou sirviendo como plantillas, para dar canciones pop acertadas como "Lessons in Love", la balada "It's Over" y el título del álbum.
• Tanto Philip como Boon dejaron el grupo, descontentos por la creciente tendencia hacia la música pop y agotados por las giras. Entonces, King contrató a Gary Husband y a Steve Topping para reemplazarlos. Husband recomendó a Topping, pero éste no se entendió bien con King debido a diferencias de personalidad. El guitarrista Alan Murphy se unió al grupo, ex-integrante de la banda Go West. También había tenido el guitarrista de estudio de Kate Bush. El nuevo álbum de Level 42 Staring at the Sun salió a la venta en 1988. Al año siguiente, Alan murió a causa de una efermedad relacionada con el SIDA y la banda desapareció por un tiempo. Entonces, se sacó al mercado Level Best, un recopilation con los grandes éxitos. En diciembre de 1990, la banda tocó unos conciertos en el Hammersmith Odeon de Londres, el cual ya había sido reservado dos años antes. Estos conciertos los caracterizaban Lyndon Connah en teclados y voces y Allan Holdsworth en la guitarra. En este año, Mike Lindup sacó también su álbum debut en solitario Changes.
• Durante principios de los 1990s, el grupo intentó extraer más de su recientes influencias musicales, como las de Mahavishnu Orchestra, pidiendo al músico Allan Holdsworth para aportar unos toques sorprendentes de guitarra para el álbum Guaranteed (sobre todo a "A Kinder Eye"). Pese a la buena acogida, especialmente de los críticos de la música de Estados Unidos, muchos de sus incondicionales del jazz-funk no les gustó su estilo rock-pop. El álbum no se vendió tan bien como se esperaba a pesar de haber realizado musicalmente el trabajo más sofisticado y elaborado por Level 42 hasta la fecha.
• Sin embargo, la banda continuaba teniendo un potente directo en los escenarios, con miembros como Annie McCaig, que también hacía de voz de fondo en el álbum Guaranteed, y el dúo formado por el saxofonista Gary Barnacle y el trompetista John Thirkell, de los The Hen Pecked Horns. Además, Barnacle tocó en varios álbumes de estudio de los Level 42. Barnacle había sido antecedido como saxofonista de la gira por Krys Mach, quien también grabó con Level 42 y estuvo de gira con el grupo de 1984 a 1988.
• Después de grabar Guaranteed y de una gira promocional de una semana, Holdworth, resuelto a no tocar más la guitarra, dejó la banda y fue reemplazado por Jakko Jakszyk. Aunque no en la grabación, Jakszyk figuró en la foto del álbum; también formó parte de promociones y en la gira para el álbum. Fue protagonista en canciones como "At the Great Distance" y "As Years Go By". Trabajos de estudio con Level 42 vinieron en forma de dos pistas ("Fire" y "Free Your Soul") que se incluyeron en los álbumes Guaranteed y Forever now respectivamente.
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  El álbum Forever Now de 1994, marcó el retorno de Philip Gould como percusionista de estudio y principal compositor de letras. En el álbum se vio que el grupo se acercaba a sus raíces Rythm&Blues-jazz, sobre todo en la balada "Romance", en la canción con influencias de acid-jazz "Sunbed Song" y la dance-pop "Learn to Say No".
• Con un álbum más que se requería como parte del acuerdo que tenía la banda con RCA Records, los incondicionales vieron un futuro prometedor para la banda, especialmente con el retorno Philip Gould y los halagos de la crítica musical con Forever Now; sin embargo, la fructífera reunión duró muy poco. Phil Gould, consternado por la ineptitud de la compañía discográfica, no continuó el camino emprendido con la banda y su gira Forever Now; anunció su retirada en medio de la gira. Esto pudo significar el fin de la banda.
• En 1998, Mark King lanzó su segundo álbum en solitario One Man con letras de Boon Gould. En 1999, King volvió con nuevas composiciones y algunas de Level 42. A últimos 2001 llegó a un acuerdo con Mike Lindup y para renombrar su banda como 'Level 42'. Generalmente, este nuevo elenco estaba formado por King, el batería Gary Husband, Nathan King en guitarras y voces, Lyndon Connah en los teclados y voces y Sean Freeman en el saxofón y voces. Nuevas noticias en la web Level42.com (Mayo de 2006) hablan de un cambio de Lyndon por Mike Lindup en los teclados.
• En agosto de 2000, se reunieron tres cuartas partes del elenco de Level 42 para un concierto privado. Philip Gould invitó a algunos amigos músicos para tocar en una fiesta, incluyendo a su hermano Boon y Mike Lindup. Dos años más tarde, King, Lindup y Philip Gould tocaron juntos (en la boda de Lindup) por primera vez en diez años. Esto les llevó a un intento de juntarse de nuevo como en sus inicios con Baradou. Sin embargo, la formación duró poco y viejas rencillas comenzaron a resurgir. El catalizador fue King en su empeño del control sobre la banda.
• Aunque el grupo decidió no reagruparse, Boon Gould y Mike Lindup contribuyeron en su nuevo álbum, dirigido por King, pero con contribuciones de muchos integrantes de la banda en distintas épocas. El núevo álbum, Retroglide, previsto el lanzamiento para el 11 de septiembre de 2006, se anunció en febrero de 2006 con una gira por el Reino Unido, Holanda, Alemania y otros países europeos en octubre/noviembre de 2006 con Mike Lindup como invitado especial.

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Gene kelly

• Esta canción para mí siempre fue un sueño , que en su dia lo hice realidad con unos buenos amigos/as
• Por aquel entonces saliamos de juerga y novean lo que llovia :)..
• Eugene Joseph Curran Kelly (Pittsburgh, Estados Unidos, 23 de agosto de 1912 – Beverly Hills, Estados Unidos, 2 de febrero de 1996), mejor conocido como Gene Kelly, fue un actor, cantante, bailarín, director y coreógrafo estadounidense.
• Gene Kelly nació en uno de los barrios de trabajadores de Pittsburgh (Pennsylvania), en el seno de una familia obrera. Su padre era vendedor de fonógrafos y su madre, Harriet, fue la encargada de hacer que Gene y sus hermanos se interesaran por el mundo de la danza. Fue ella quien propulsó la formación del grupo "The Five Kellys", compuesto por los cinco hermanos. Tras deshacerse el grupo, él y su hermano Fred continuaron bailando y preparando enérgicas coreografías bajo el nombre de "The Kelly Brothers".
• Durante la depresión económica de 1929 que sacude los Estados Unidos y mientras acababa sus estudios universitarios (se licenció en Económicas en 1933), Kelly comenzó a trabajar en diversos oficios para ayudar a sacar adelante a su familia. Finalmente, y como negocio familiar, inauguran una primera academia de baile en Pittsburgh y después una segunda en Johnstown, en las que Kelly trabaja como codirector y profesor de baile. Cuando las academias empiezan a funcionar, él cree llegado el momento de viajar a Nueva York e intentar encontrar trabajo como coreógrafo.
• Así, en sus comienzos y con la firme decisión de convertirse en una figura del baile, Gene viaja a Nueva York y en poco tiempo, consigue un gran éxito en Broadway protagonizando el musical "Pal Joey" (1940), en el que conoció al por entonces chico de coro Stanley Donen. Kelly reconoció en él importantes cualidades técnicas y le ofreció trabajar para él como ayudante. Con esta obra llamó la atención del famoso productor David O. Selznick y del director de la MGM Louis B. Mayer. Selznick le ofrece un contrato para trabajar en Hollywood en donde se instala un año más tarde junto a su mujer Betsy Blair. Desafortunadamente, Selznick no estaba interesado en producir musicales y pensó que Kelly podría convertirse en un gran actor dramático, dejando de lado su carrera de bailarín. Sin embargo, Gene no estaba muy entusiasmado con la idea, por lo que recibió con agrado una oferta de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para protagonizar junto a Judy Garland la encantadora "Por mí y por mi chica", dirigidos por el coreógrafo y director Bubsy Berkeley ("La calle 42"). La película en la que se ponía de manifiesto una química entre los dos protagonistas que mantendrían ya para siempre, recibió muy buenas críticas, e hizo que Gene se convirtiera en el centro de la atención de Hollywood.
• Tras "Por mí y por mi chica", realizó una serie de películas con la MGM, y en 1944, protagoniza "Las modelos" (Cover Girl, de Charles Vidor) (producida por la Columbia y protagonizada también por Rita Hayworth). En esta película Kelly coreografía, con la ayuda de Stanley Donen, uno de los números de baile más revolucionarios de la historia del musical americano, el 'Alter Ego", un complejo duelo entre el personaje de Kelly y su conciencia que resulta ser un gran éxito y que convierte al actor en una enorme fuente de ingresos para la empresa.
• Las cosas le iban bien hasta que Pearl Harbor fue bombardeada y Gene decide alistarse y luchar por su país. Aunque en un principio no se lo permitieron, entre 1944 y 1946 combatió en la Segunda Guerra Mundial.
• A su vuelta del frente revitalizó su popularidad en películas como "Levando anclas" (1945, George Sidney) en su primer film mítico junto a Frank Sinatra, que incluye un célebre número musical junto al personaje de animación Jerry (de "Tom y Jerry"); "Ziegfield follies" de Vincente Minnelli, de nuevo con Judy Garland y coincidiendo también con Fred Astaire y Lucille Ball; "El pirata" (The Pirate 1948, de Vincente Minnelli, clásico del cine musical no estrenado en España hasta 1974, en el que compartía cartel con Judy Garland de nuevo) y "Los tres mosqueteros" (The three Musketeers, 1948 de la mano de George Sidney). En esta última, todo un éxito en su momento, estuvo acompañado por June Allyson, Lana Turner y Van Heflin. Cuando se estrenó "Un día en Nueva York" (On the town) Gene alcanza una fama que nunca antes había conocido. Éste fue su debut como director junto a Donen. La película la protagoniza junto a Frank Sinatra y Vera Ellen. Fue tal el éxito alcanzado, que la película ha marcado historia en el cine musical. Por primera vez una película musical es rodada en escenarios exteriores reales, convirtiéndose la ciudad en la verdadera protagonista del filme.El estudio se dio cuenta del potencial artístico y creativo de Kelly y decidió darle mayor libertad a la hora de poner en práctica sus ideas. Esa libertad fue la que hizo posible que se realizaran los dos musicales más recordados de todos los tiempos.
• "Un americano en París" (An american in Paris, 1951 de Vincente Minnelli) fue la película que elevó a Kelly al rango de superestrella. Fue uno de los mayores éxitos del año, llegando a conseguir seis Premios Óscar de la Academia, entre los que destacan el de "Mejor película", y uno honorífico por la versatilidad de Gene como actor, cantante, bailarín, director, coreógrafo y, más concretamente, por su aportación al género del musical.
• Al año siguiente, en 1952, Kelly volvió a hacer historia dirigiendo, coreografiando y protagonizando "Cantando bajo la lluvia" (Singin' in the rain), al lado de Donald O'Connor y Debbie Reynolds. Aunque en la actualidad está considerada como el mejor musical de todos los tiempos y una de las mejores películas de la historia, en aquellos años se vio eclipsada por el éxito de su predecesora. En 1954 continuó su fructífera colaboración con Vincente Minnelli en un film no muy apreciado en su día pero que se ha ido revalorizando con el tiempo, "Brigadoon". "It's always fair weather" (1955), especie de continuación en un tono de melodrama nostálgico y amargo de la citada Un día en Nueva York, también resultó ser muy alabada por la prensa y por el público. En 1956 rodó en Inglaterra uno de sus proyectos personales más ambiciosos: "Invitación a la danza".
• Tras esta gran oleada de éxitos, la carrera de Kelly empezó a declinar y a perder el esplendor conseguido. Apartado ya del musical, en 1960 realizó una de sus mejores interpretaciones en medio de un impresionante duelo interpretativo entre los legendarios Spencer Tracy y Fredric March en el film "La herencia del viento" de Stanley Kramer (uno de los grandes interrogantes sobre la carrera de Kelly es hasta donde hubiera llegado como actor dramático de no haber tenido como prioridad el mundo de la danza). Tanto su vida profesional como la personal se encontraban en un momento muy difícil. En 1957 su matrimonio de quince años con Betsy Blair ("Marty", "Calle Mayor") había terminado debido a la necesidad de crecimiento personal de Betsy. En 1960 Kelly se casó con Jeanne Coyne, quien desde hacía muchos años había sido su asistente y ayudante coreográfica y que años atrás había mantenido un breve matrimonio con su amigo Stanley Donen. De esta relación nacerían dos hijos, Tim y Bridget. (Tenía ya una hija de su primer matrimonio, Kerry).
• En 1967,Gene Kelly participó en la clásica producción animada "Jack y las habichuelas mágicas". Esta maravillosa realización, mezcla de animaciones y personajes reales, cuenta las aventuras de Jeremy (Gene Kelly) junto a Jack (Bobby Rhia), quienes suben por el tronco de una habichuela gigante hasta el palacio de un ogro. La dulce Serena está cautiva allí y Jeremy deberá rescatarla.
• Después de unos años de aparente olvido, recuperó la fama al dirigir a Barbra Streisand y Louis Armstrong en "Hello, Dolly!" (1969), así como a James Stewart y Henry Fonda en "El club Social de Cheyenne" (The Cheyenne Social Club, 1970). Sin embargo, cuando Gene estaba empezando a conseguir mejores películas y mejores papeles, sufrió un duro golpe en su vida personal al diagnosticársele a su mujer leucemia, enfermedad de la que fallecería en 1973. Viudo y con dos hijos pequeños, decidió dedicarse a ellos y, a partir de ese momento, rechazó todos aquellos proyectos que pudieran tenerle lejos de Los Ángeles (California) durante un largo período. "Erase una vez Hollywood" (1974), "Hollywood, Hollywood" (1976), y "That's Entertainment III" (1994), la tercera de estas exitosísimas películas antológicas sobre el cine musical y la comedia de los años dorados del cine norteamericano, fueron seguramente sus últimos films reseñables.
• Durante la siguiente década, Gene realizó algunas intervenciones en televisión aceptando ocasionalmente algún trabajo como director. En 1980, realizó su última aparición en un musical pero, desafortunadamente "Xanadu" resultó todo un fracaso, aunque eso no impidió que la banda sonora, en la que él interpretaba y bailaba "Whenever you're away from me" a dúo con Olivia Newton-John, fuera un gran éxito de ventas. Xanadu fue la última aparición cinematográfica de Gene Kelly como actor. En 1985, recibió, entre otros muchos premios, el del "American Film Institute" en homenaje a toda su carrera profesional.
• Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996 por complicaciones de dos apoplejías sufridas en julio de 1994 y en febrero de 1995.
• Su nombre está escrito con letras de oro junto a los de Fred Astaire, Judy Garland, Stanley Donen o Vincente Minnelli, dentro de los anales de la historia del cine musical. Su enorme personalidad, la inteligencia de sus coreografías, la agilidad y el entusiasmo con que dotó a sus personajes y el endiablado ritmo de algunos de sus bailes le catapultaron a la fama dentro del período más dorado del género. Maravilloso bailarín y coreógrafo, magnífico actor y director y un encantador vocalista, la contribución de Kelly al musical es de una importancia incalculable y su obra ha ido creciendo a los ojos de las nuevas generaciones.
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Blur

• Blur es un grupo de britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista / teclista Damon Albarn, el guitarrista / vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes del Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.
• Las influencias originales de Blur están en su álbum debut, Leisure, incluyendo tendencias de Rock alternativo británico contemporáneo tales como Madchester y Shoegazing. Después de un cambio de estilo a mediados de 1990, bajo la influencia de grupos de guitarra ingleses como The Kinks, The Beatles, y XTC, la banda lanzó Modern Life Is Rubbish, Parklife y The Great Escape. Como resultado, la banda ayudó a popularizar el género Britpop y logró una masiva popularidad en el Reino Unido, con la ayuda de un famoso cuadro de batalla con sus rivales Britpop Oasis.
• En la década de 1990, con el lanzamiento de su quinto álbum, Blur, la banda sufrió otra reinvención, influenciado por el indie-rock y el estilo lo-fi estadounidense de bandas como Pavement y R.E.M., en el proceso de obtener un difícil éxito Americano con el single "Song 2". En el último álbum de la banda con la formación original, 13, se encuentra a Blur experimentando con la electrónica y la música gospel.
• En mayo de 2002, el miembro fundador Graham Coxon dejó la banda a principios de la grabación de las sesiones Think Tank, el séptimo y último álbum. Blur continúa en su ausencia, siendo vistos por última vez en su gira para el álbum Think Tank. Desde el final de su gira de 2003, la banda está inactiva, como banda están trabajando en proyectos en solitario. En septiembre de 2007, la banda se reunió con Coxon por primera vez en 5 años. En octubre de 2007, se publicó un mensaje en su página web diciendo que, si bien las relaciones son sanas entre los cuatro miembros, Damon Albarn descartó la posibilidad de volver a hacer un nuevo álbum. El 9 de diciembre de 2008, los rumores sobre una posible gira y la reunión del grupo se confirmaron; se presentaron el 2 y 3 de julio de 2009 en el Hyde Park.[2]
• Raíces e InfluenciaBlur es una de las bandas británicas que aparecieron en el inicio de la caída del grupo británico The Stone Roses, mezclando psicodelia pop rock con fuertes guitarras. Siguieron el cambio de imagen a mediados de los 90, el grupo se erigió como uno de las más populares bandas de Reino Unido, proclamándose como herederos de la tradición Pop inglesa de grupos como The Kinks, The Small Faces, The Who, The Jam, Madness y The Smiths. En el proceso, el grupo abrió las puertas a una nueva generación de bandas cuyo movimiento se engloba en el Britpop. Las letras irónicas de Damon Albarn, el trabajo remarcado de Graham Coxon y la maestría pop del resto del grupo, les concede ser uno de los líderes del Britpop. Sin embargo, pronto se vieron atados por él; porque fueron una de sus principales bandas, estuvieron cerca de caer con el movimiento cuando este decaía o ya no interesaba. A través del reinvento de sí mismos, Blur reclamaba su posición como una banda art pop-rock en los 90 mediante la incorporación de indie rock e influencias lo-fi procedentes de bandas de los Estados Unidos en el estilo de Pavement o R.E.M., lo cual les dio el difícil reto de triunfar en Norteamérica en 1997. Pero el legado de la banda todavía permanece en Reino Unido, donde ayudaron a reinventar la música pop de guitarras con un enriquecimiento sabio de las tradiciones pop del país.
• Debe anotarse que Blur salió de Goldsmith's College. Otros alumnos de la escuela son Damien Hirst que trabajó con Blur en un vídeo y con miembros de la banda en otra banda llamada Fat Les, y Julian Opie, quien creó las imágenes vectoriales realistas usadas en la carátula de la colección de singles. El impacto del Goldsmith's College en la banda no puede menospreciarse.
  Ascenso al éxito (1991-1993)
  Después de "She's So High", el primer single del grupo, que salió en el programa Top 50 - el productor de Morrissey Stephen Street contactó con la banda y les propuso producir su álbum. La banda aceptó inteligentemente, teniendo en cuenta el éxito posterior de la banda. La asociación entre Blur y Stephen fue exitosa y perduraría durante la siguiente mitad de década. La ayuda de Street en la producción, que ayudó a la banda en su camino al estrellato, hizo que fuese considerado como el quinto miembro de Blur por fans y prensa.
• El siguiente single a "She's So High" - "There's No Other Way" - entró en el Top Ten. Ambos singles se incluyeron en su álbum debut, Leisure. Aunque recibió buenas críticas, el álbum fue encajado entre la escena pop Madchester prácticamente muerta y la escena Shoegazing ya decadente, haciendo que algunos periodistas y críticos musicales desecharan a la banda al considerarla ídolos hechos para jóvenes. Durante un par de años, Blur luchó para abandonar este título y probar que los críticos se equivocaban.
• Durante su tour por América, documentado en la película Starshaped, el grupo perdió la felicidad, muchas veces ventilando sus frustraciones entre ellos y llevando a cabo varios enfrentamientos violentos. La banda (y especialmente Albarn) empezó a desarrollar la idea de un álbum dirigido contra la cultura estadounidense, originalmente titulado "Blur vs América", con lo que empezaron a trabajar en su regreso a Reino Unido. Andy Patridge, de XTC, fue en un primer momento encargado de producir el siguiente álbum a Leisure - lo que se convirtió posteriormente en Modern Life Is Rubbish. Sin embargo, la relación entre él y la banda pronto se deterioró, así que Street fue de nuevo conducido a producir la grabación. Tras estar casi un año en el estudio, la banda publicó el álbum en Food Records. Sin embargo, la compañía rechazó el álbum, declarando que necesitaba un hit. La banda volvió de nuevo al estudio y grabó "For Tomorrow", que se convirtió en un hit en Reino Unido. Food estaba preparada para publicar el álbum, pero su compañía en Estados Unidos, SBK, dijo que no había un hit para el público estadounidense, así que pidió el regreso de nuevo al estudio de la banda. Entonces crearon y grabaron "Chemical World" que satisfizo a SBK; la canción fue un hit alternativo menor en Estados Unidos y alcanzó el puesto 28 en la lista británica. Modern Life... estaba preparado para ser publicado en la primavera de 1993, cuando SBK pidió a Blur regrabar el álbum con el productor Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth y Smashing Pumpkins). La banda muy enfadada e irritada decidió rehusar la petición. El álbum fue publicado en mayo en Reino Unido; apareció en EE.UU. ese otoño. Modern Life Is Rubbish recibió buenas críticas en RU, alcanzando el puesto 15 en las listas, pero falló estrepitosamente en EEUU. A pesar del desdén de Albarn por la cultura estadounidense, particularmente el grunge, las notas del álbum llevaban una cita directa del escritor canadiense Douglas Coupland que escribió la "novela grunge" Generation X: Tales for an Accelerated Culture (Generación X: Historias para una cultura acelerada). La cita decía "Legislated nostalgia: to force a body of people to have memories they do not actually possess" (Nostalgia legislada: forzar a un cuerpo de personas a tener recuerdos que de hecho no poseen).

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Lisa Nicole Grace

• Popular Singer / Songwriter Lisa Nicole Grace tiene ese tipo de voz que al instante se derretirá el corazón de uno. Canta con la pureza y la claridad de que los aficionados puedan comprender fácilmente. Lo que hace especialmente atractivo su son esas letras maravillosas que están llenos de lecciones de la vida. Echa un vistazo a esta entrevista reciente que nuestro Webzine completa con la artista mientras se habla más sobre su música, entre otras cosas.
• Isaac: Acabo de escuchar una de sus canciones titulada "Last Breath". ¿Cuál fue la inspiración para hacer esta canción y su nuevo álbum?
• "Lisa: Last Breath" fue una canción que escribí durante las vacaciones de Navidad en 2008. Yo acababa de leer el segundo libro de la Saga Crepúsculo: Luna Nueva. Yo estaba un poco detrás del resto del mundo en el descubrimiento de estos libros, y de ellos como un regalo de Navidad de mi hermana mayor. Me inspiré en la trágica historia de amor de Edward y Bella (los dos personajes principales). Ellos estaban tan dispuestos a morir por los demás en nombre del amor. La letra de "Last Breath" está a punto sacrificar su último aliento para proclamar su amor. Es un poco dramático! Esta canción fue grabada sólo por diversión en el estudio de un amigo, no va a ser una pista en mi nuevo disco que estoy grabando.
• Actualmente estoy en el estudio grabando mi primer disco de larga duración, que se titulará "Prairie Bell". Todavía estamos en las primeras etapas, pero esperamos contar con el registro publicado en el verano de 2010. El álbum será de diez canciones que he escrito. Estamos grabando en un estudio local aquí en Edmonton llamado Audio llave en mano con nuestro buen amigo Randor Lin. Mi esposo Jared Evangelos, mi hermano-en-ley Brent Schaitel y yo estamos produciendo el álbum. Va a ser una mezcla de folk contemporáneo / raíces / pop. Estoy muy emocionado!
• Isaac: ¿Quiénes fueron tus influencias?
• Lisa: Crecer mis padres tenían un gran sabor de la música y los artistas que me influenciaron fueron los que escuché sobre una base regular en nuestra casa. A unos pocos grandes influencias en cuanto a la escritura van son Bonnie Rait, James Taylor y Jann Arden. Jann Arden realmente se destacó para mí, porque ella es una artista canadiense (de la misma provincia que yo - Alberta), que ha hecho tan bien en Canadá y en todo el mundo. Ella cuenta muy buenas historias con sus canciones, que es algo que aspira a hacer.
• Otros artistas que escucho todo el tiempo que definitivamente me toca y me inspiran son Martin Sexton, Ryan Adams, Gavin DeGraw y Sheryl Crow. Además, la comunidad de artistas indie en mi ciudad natal de Edmonton realmente influye en mí, en mi particular buenos amigos Chloe Albert Cooper y Chanda.
• Isaac: ¿Cuál considera que ha sido el punto culminante (s) y el punto bajo (s) de su carrera hasta la fecha?
• Lisa: Todavía siento que mi carrera musical apenas comienza a veces. He estado escribiendo, tocando y grabando durante unos ocho años. Empecé tarde en la vida, en comparación con un montón de gente que ha estado cantando desde que eran niños. El punto culminante de mi música "viaje" hasta el momento sin duda sería la liberación de mi EP "Las sesiones de Bodega" en 2008. Mi esposo, su cuñado-y he trabajado en este EP en nuestro propio estudio pequeño sótano de unos meses en el invierno de 2008 y nunca espera lanzar nada. Pero lo hicimos y lo que realmente acaba de rodar la pelota en cuanto a emisiones de radio, escribir ups diferentes, las características, y me dio la inspiración que necesitaba para una grabación de larga duración.
• Realmente no diría que ha sido un punto específico bajo. Hay un montón de altibajos en la música y eso es lo que persigue es tan emocionante, frustrante, gratificante e interesante. He escuchado a otros artistas indie se refieren a la música como una gran montaña rusa y estoy completamente de acuerdo. Los momentos de alegría y de realización siempre eclipsar los momentos de decepción.
• Isaac: Breve historia acerca de sus antecedentes, más el estilo de música que toca.
• Lisa: Al crecer, yo siempre estaba involucrado en las artes, nunca directamente con el canto y la composición, pero yo estaba muy involucrado en la danza y la escritura de cuentos y poesía. Yo me crié en una casa donde siempre hubo música fantástica que se está reproduciendo. Hacia el final de la escuela secundaria, que tenía que tener la cirugía de columna, que clase de poner fin a mis días de baile. Cuando no podía bailar más, empecé a cantar. Mi padre me puso en mi primer juego de lecciones a los 17 años de edad. Dentro de unos meses, hice una audición para un programa de música de la universidad, y dentro de unos meses de que empecé mi primer año de mi diploma de la música. Esto pronto dio lugar a un grado en la voz. De pronto, se hizo la escuela y experimentar con el juego de mi música original alrededor de mi ciudad natal. Con el tiempo, me llevó a grabar y lanzar mi primer EP "Las sesiones de Bodega". Dos años más tarde, ahora estoy trabajando en mi primer disco de larga duración.
• Me cuesta a mí mismo palo en un género para el estilo de música que yo hago y escribo. A veces es un poco más popular, a veces se siente un poco más de las raíces / país y es a veces rayana en el pop contemporáneo. De cualquier manera es sin duda la música de mi corazón.
• Isaac: ¿Qué tan fácil es para usted obtiene conciertos como artista? ¿Cuál es la escena de la música en directo como en su área?
• Lisa: Edmonton (mi pueblo) tiene algunos eventos en vivo muy buena música. Obtención de conciertos no es demasiado de un reto, siempre y cuando usted es bueno en la promoción de ti mismo y sacar a la gente a sus presentaciones. Ya que es una comunidad más pequeña musical es importante para establecer una reputación de calidad para usted. Hay una fantástica piscina de la cantante genuina / compositores en Edmonton. Nunca me siento en competencia con mis compañeros artistas independientes, siempre siento que estamos trabajando juntos para mantener la escena de la música viva y floreciente.
• Isaac: ¿Qué piensa usted del estado de la música popular en este momento?
• Lisa: La música tradicional, al menos desde donde yo estoy en el mundo parece ser uno de los más sinceros, honestos música por ahí. Me alegra el corazón, y estoy encantado de formar parte de ella.
• Isaac: ¿Escuchas radio mucho a todos?
• Lisa: Yo escucho la radio todo el tiempo. Tengo un poco de un viaje a mi trabajo diario, así que escuchar la radio en mi disco. Escucho la radio local, radio por satélite y de radio por Internet en el ordenador en el trabajo. Ahora mismo estoy enganchado a la estación de Coffeehouse en Sirius Satellite Radio. Se trata de una acústica cantante / compositor estación que toca algunos realmente grandes nuevos artistas - su música original y junto con algunos covers malos.
• Isaac: ¿El Internet ayudó a la música crecer o impedido que en su opinión?
• Lisa: Creo que la Internet ha sido un poco de la captura 22, cuando se trata de música. Por un lado, los programas de software como Limewire exponer a los artistas, al permitir a los usuarios descargar música de forma gratuita. Pero por otro lado, hay algunas increíbles herramientas que han sido introducidos, tales como MySpace, YouTube, y las ofertas Sonic. Estas herramientas hacen parte de la industria de la música que de otro modo inaccesibles, accesible a los artistas como yo. Personalmente siento que los medios de comunicación social ha permitido a los artistas indie para interactuar con los artistas más establecidos en una variedad de formas que pueden beneficiar a su carrera musical. También he utilizado la Internet para comunicarse con las estaciones de radio de todo el mundo que a su vez han empezado a jugar mi música, por lo que me ha servido bien.
• Isaac: Si pudieras crear una banda de fantasía - ¿Cuál sería el line-up y por qué?
• Lisa: Muy buena pregunta! Tuve que dar a este un un montón de pensamiento. Sólo de pensar en todos estos músicos reunirse en una sala para volver a mí me da escalofríos y estuve a punto de empezar a hiperventilar. Sólo para darle una idea de cuánto los admiro.
• Steve Jordan a la batería. No sé de Steve Jordan, porque mi esposo Jared es un gran fan. Yo tendría que haber Jered tambores jugar demasiado para que pudieran jugar juntos y Jered podía morir un hombre feliz.
  Arnold McCuller en la voz de nuevo.
  David Lasley en la voz de nuevo.
  Larry Goldings en el teclado.
  Jerry Douglas en dobro.
  Martin Sexton en la guitarra rítmica y voz de una copia de seguridad.
  Michael Landau en la guitarra.
  Pino Palladino en el bajo.
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Peter Green

• Como muchos ya saben mis 10 guitarristas favoritos son Paul Kossoff, Mick Taylor, BB King, Santana, Eric Clapton, Gary moore, ETC Y The Edge y el que nos ocupa, Peter Green. En este artículo voy a intentar contar un poco aspectos relevantes de este gran músico e intercalar datos históricos con alguna que otra anécdota que he ido recopilando a lo largo del tiempo que llevo siguiendo al señor Green y opiniones personales de ésta que os escribe estas líneas.
• Peter Allen Greenbaum nació un 29 de octubre de 1946 en el barrio obrero de Bethnal Green (este de Londres, Inglaterra). Su verdadero apellido no era Green sino Greenbaum (una “simplificación” de su apellido real judío). El hecho de ser judío le podía haber ocasionado muchos problemas en la Inglaterra de los años 60 donde todavía existía cierto antisemitismo, por lo que es compresible su decisión de cambio. Por esta razón desde que tuvo 15 años comenzando su carrera como músico profesional firmaba y se identificaba con el nombre Peter Green... más accesible para las clases obreras londinenses y sin la discriminación potencial que podía ocasionar el real. Sus padres Joe y Anne tuvieron antes de él a otros 3 niños, siendo su hermano Michael el que inició a Peter en el mundillo de la guitarra enseñándole sus primeros acordes. Este niño creció entre la influencia de la clase trabajadora del este de Londres y sus tradiciones judías que dejaron una gran huella en él. Sus primeras influencias fueron gente como los Shadows de Hank Marvin, algunos discos bluseros –en especial BB King- y la música folk que oía en el seno familiar
  Empezó su carrera con un grupete de poca importancia que se denominaban “Bobby Denim and the Dominoes” donde tocaba versiones de clásicos y cosas de la radio de la época. Al principio no era ningún guitarrista multifacético y virtuoso. Sólo sabia un par de links pero los tocaba con al convicción y gusto que esto era suficiente. Después pasó por los Muskrats y por The Tridents tocando el bajo. Quizás este tiempo tocando ese instrumento le ayudase a formarse rítmicamente y asumir un papel de apoyo a la canción más que el sonido solista desbordante que tomó por ejemplo Clapton.
• Lo que le marcó mucho fue conocer al decidido Mick Fleetwood el gigante batería de los Fleetwood Mac; los dos tocaron en otro grupete del teclista Peter Barden, los Peter Bardens' Looners, (también conocidos como los The Peter B's o los Peter B Looners) grabando por primera vez en su vida. Peter tenía 19 años por entonces y duró solo 3 meses en la banda. Poco después incluso tocó con Rod Steward en Shotgun Express aunque ambos no conectaron demasiado, la verdad. En aquel tumultuoso ambiente Peter iba mucho a ver a “la competencia” admirando a gente como Eric Clapton. Cuando Eric dejó tirado por primera vez a John Mayall Peter se ofreció como sustituto insistentemente. Ya había alguien en el lugar de Clapton pero Green insistía que él era el guitarrista que necesitaban.
• Mayall parece que aceptó no tanto por sus cualidades guitarrísticas sino para que le dejase en paz. Peter tocó con John Mayall y los Bluesbreakers solo tres conciertos hasta que volvió Clapton. Cuando Clapton se fue ya definitivamente poco después le dieron un toque a Peter para que se incorporase de forma continua a la banda. Pienso que debió ser duro para él el ser el sustituto de Clapton de forma intermitente. Siempre he tenido la impresión -y esto es una apreciación personal- de que Peter debió ser un niño bastante sensible que al crecer en un barrio obrero (lo que llaman en el Reino Unido clase trabajadora pero que nosotros conocemos más como clase baja) en aquella época tuvo que desarrollar una actitud dura y un poco agresiva que le facilitase moverse en el mundo de la música y en especial del blues. El blues en la Inglaterra de los 60 era una música desconocida. La gente “normal” iba a los Music Halls, no a los Working Men clubs a escuchar música que hacían los negros en América. Esto pasó factura a Peter, pero más de esto luego.
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  Peter se mostró como un sustituto más que adecuado. Su estilo no se parecía en casi nada al de Clapton; donde Clapton era frenético, Green era pausado, donde Clapton era virtuoso, Green se mostraba minimalista. Donde Clapton era impetuoso y mordaz, Green era retraído y dulce. Nunca sabremos hasta que punto esto fue un hecho provocado conscientemente por Green o simplemente una diferencia real en su forma de entender e interpretar el Blues.
• De todas maneras yo veo ciertos elementos de Clapton en Green como es esa tendencia a tocar un poco “detrás” del tiempo. Si nos fijamos en gente como Mike Bloomfield (que tocaba también con una LP, en la misma época y un tipo de música muy similar) el “feeling” es muy distinto; Bloomfield era mucho más preciso frente al estilo más “arrastrado” de Clapton y Green. Curioso ¿verdad? Por aquel entonces ya tocaba con su LP Standard del 59. Era un instrumento muy peculiar con un mástil gordísimo, muy difícil de tocar y que quizás forzase a Peter a tocar de una manera más contemplativa y controlada. Además en algún momento Peter rompió la pastilla de graves que fue reparada de forma chapucera pero que aportó a esa Les Paul un sonido muy peculiar y que hoy identificamos inmediatamente con la música de aquella primera encarnación de Fleetwood Mac. Como curiosidad diré que le tipo que reparó la pastilla usó un tocadiscos para bobinar el hilo y que usó hilo tipo Stratocaster en vez del normal esmaltado que usaba Gibson en aquella época.
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  Para la grabación del disco con Mayall usó la susodicha y amplis Marshall (posiblemente Jtm45s). Del disco “A Hard Road” podemos recomendar el tema instrumental “The Supernatural”.... tengo que reconocer que la voz de Mayall no me vuelve loco por lo que elegir un tema instrumental que realce el tono de Green es lo que a mi más me satisface. Jeje. Es de notar que Green eligió el tema de Freddie King “The Stumble”.... ¿sería para dejar constancia que si Clapton podía hacerlo él también podía? Uhmmm... Pues lo interesante es que Mayall le regaló a Green por su cumple unas cuantas horas de estudio que este usó con McVie (bajista) y Fleetwood (batería) para grabar 4 temas entre los que estaban “ First Train Home” y la instrumental Fleetwood Mac. Este tema se puede escuchar en la excelente recopilación de “The complete Blue Horizon sessions”.
•  Mucho les tuvo que gustar la cosa porque en el verano del 67 dos de los tres después dejaron a Mayall. A Mick le echaron por beber en exceso y Peter se fue poco después a montar “Fleetwood Mac”. McVie no quería dejar a Mayall por ser un trabajo estable y entonces Green buscó al gafitas estudiante de arte y músico aficionado Bob Brunning. Bob era más un fan que un buen músico pero colaboró bastante y siguió siendo amigo y fan incluso después de que le diesen la “patada” para meter a John McVie. Es curioso como el diminuto, chistoso y excéntrico chico de Hartlepool Jeremy Spencer se incorporó a la banda y aportó su sonido de slide salvaje y su desgarrada voz que contrastaba con Peter. Desde el principio Jeremy fue algo especial y cuentan anécdotas que reflejaban el carácter despistado del mismo: por ejemplo tuvo a su primeraza hija bastante joven mientras tocaba con Peter y compartía piso con Bob Brunning. Cuando el bajista le preguntó por el nombre del bebé al pronto no lo podía recordar.
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  Unos cuantos conciertos y ya con McVie ( que se había peleado con Mayall ) llegó el primer disco. La mezcla funcionó sorprendentemente bien y junto a los temas minimalistas y preciosistas de Peter como se encontraban temas mucho más rudos como “My Heart beats like a hammer” de Spencer.
• La producción era bastante mala y terrosa; si lo comparamos con el famoso disco “Beano” de Clapton con Mayall donde el sonido tenía la calidez del equipo analógico de la época pero también una profundidad y filo excelente el primer disco oficial de Fleetwood Mac resulta algo pobre. Para los amantes de los datos anecdóticos Brunning fue el que grabó el bajo de “Long Grey Mare” uno de los pocos número “movidos” del disco aunque su nombre no apareció, claro. Lo mejor del disco? La guitarra y voz de Green, el sentido del humor de Spencer y la sólida base rítmica. ¿lo peor? La producción y unas letras bastante feas y anodinas. Las letras nunca fueron el fuerte del Blues y Fleetwood Mac no fueron una excepción.

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