DAVE MATTHEWS BAND

• La Dave Matthews Band se formó en Charlottesville, Virginia, a principios de 1991, cuando el vocalista / guitarrista Dave Matthews decidió poner algunas canciones que había escrito en la cinta.
•  En lugar de simplemente dejar un testimonio con una guitarra, optó por traer un poco de ayuda instrumental para dar sus ideas musicales más profundidad.
• Dave encontró ayuda en el baterista Carter Beauford y el saxofonista LeRoi Moore, ambos músicos de jazz en la escena musical local de Charlottesville. Basándose en la recomendación de distinguidos locales de jazz gurú John D'tierra, de 16 años de edad, prodigio musical Stefan Lessard subió a bordo a tocar el bajo. Finalización de la banda fue el tecladista Peter Griesar, quien dejó la banda después de un par de años, así como el talentoso violinista y formación clásica, Boyd Tinsley.
• La primera actuación pública de la Dave Matthews Band se produjo en la ciudad de Charlottesville Festival del Día de la Tierra en abril de 1991. El primer concierto oficial de la nueva concepción de Dave Matthews Band fue 11 de mayo 1991, en una fiesta privada celebrada en el tejado de la nave de color rosa en South Street en el centro de Charlottesville. Local conciertos semanales pronto siguieron en estándar del este y centro nocturno Trax, y dentro de poco tiempo, la palabra del sonido contagioso recientes de la banda se extendió como un reguero de pólvora por toda la región. Los clubes empezaron a llenar, Tours comenzó a cubrir más territorio, y la base de fans creció a un ritmo increíble
• 1993
  El 9 de noviembre de 1993, DMB lanzó su primer álbum, recordar dos cosas, en su sello Bama Rags. El álbum fue grabado en vivo en el club de música de Muse en la isla de Nantucket, en agosto de 1993. El álbum debutó en las listas de la universidad como la más alta entrada independiente, y llegó a ser disco de oro por la RIAA - un logro importante para un disco independiente. Mientras tanto, la banda siguió de gira y su base de fans sigue creciendo. Al permitir que los aficionados a grabar los programas para su uso personal, DMB creó una comunidad altamente interactiva que continúa en el espíritu de hoy.
• 1994
  Durante la primera parte de 1994, Dave Matthews Band grabó su debut en RCA, Under the Table and Dreaming. Justo antes del lanzamiento del álbum el 27 de septiembre de 1994, Dave Matthews Band salió a la carretera para su primera gira nacional oficial. El viaje duró más de un año e incluyó fechas ya agotadas de teatro en todo el país, un viaje a Europa, y dos veranos jugando en el escenario principal de la Horda Festival.
• 1995
  En el otoño de 1995, cuando la banda regresó al estudio para grabar su siguiente álbum, Under the Table and Dreaming había sido certificado cuatro veces platino por la RIAA.
• 1996
  Crash, la segunda de Dave Matthews Band es RCA álbum de estudio, fue lanzado el 30 de abril de 1996, y debutó en el número dos en el Billboard 200.
• 1997
  La banda continuó con un horario fijo de gira a lo largo de 1997, como cabeza de cartel sold-out fechas anfiteatro en América del Norte. DMB, aunque elevado al nivel de estrellato del pop nacional, continuó haciendo las cosas exactamente como lo había hecho desde el primer día: de manera orgánica, con una mentalidad de base.
• El 28 de octubre 1997 Trapos Bama, / RCA lanzó un funcionario de doble disco en directo de Dave Matthews Band álbum, titulado Live at Red Rocks 8.15.95. Sin ningún tipo de comercialización o promoción, Live at Red Rocks debutó en el número tres en el Billboard 200 y fue certificado platino al instante. El álbum los fans siempre con una alta calidad ya un precio razonable alternativa a la sobre-precio, mal producido, y CDs ilegales viven DMB que comenzaban a inundar el contrabando en el mercado negro. El abrumador éxito de Live at Red Rocks, en combinación con los logros de la banda está de gira tremenda, demostró que Dave Matthews Band ha pasado de ser un fenómeno de base a una de las bandas más populares en Estados Unidos.
• 1998
  El 28 de abril de 1998, RCA lanzó el álbum de Dave Matthews Band en tercer estudio, Before These Crowded Streets. La grabación de la aclamada debutó como número uno en el Billboard 200, que fue más fuerte debut de la banda hasta la fecha. DMB pasó el año siguiente y medio en la carretera, la venta de los estadios, arenas y anfiteatros en todo el país.
• 1999
  El 19 de enero de 1999, Trapos Bama / RCA lanzó Live at Luther College: una presentación acústica de Dave Matthews y Tim Reynolds. Tim Reynolds fue un guitarrista invitado en todos los álbumes de Dave Matthews Band, y estuvo de gira con la banda como músico invitado. Dave Matthews y Tim Reynolds recorrió como un dúo acústico durante el invierno del '96, '97, y '99. El segundo de una serie de Dave Matthews Band en directo relacionadas con lanzamientos, en vivo en el Luther College debutó en el número dos en el Billboard 200 y ha sido certificado disco de platino por la RIAA. Al igual que con Live at Red Rocks, el éxito de este segundo álbum en vivo se basa exclusivamente en zumbido de la palabra de boca en boca.
• La tercera entrega de la serie de álbumes en vivo en curso, Listener Supported, fue lanzado por Trapos Bama / RCA el 23 de noviembre de 1999. El álbum fue grabado en vivo en el Continental de New Jersey Airlines Arena en septiembre de 1999, y un video de la actuación, también titulado "Listener Supported", fue lanzado al mismo tiempo. El álbum doble disco fue certificado doble platino rápidamente, y el video ha vendido más de un millón de copias también.
• 2000
  La banda pasó la mayor parte del año 2000 en la gira, terminando en la banda de gira con mayor recaudación en los EE.UU. En el otoño, Dave Matthews se unió el legendario productor Glen Ballard en Los Ángeles a los acuerdos de la canción ajustar para un nuevo álbum, y la pareja terminó co-escrito 12 nuevas canciones en cuestión de días.
• 2001
  A partir de esta explosión de la química creativa fue disco de la banda cuarto trabajo de estudio, todos los días, dado a conocer 27 de febrero 2001. Matthews tocó la guitarra eléctrica por primera vez y Ballard ayudó a la banda de enfoque y ajustar sus arreglos, dando como resultado el éxito fenomenal de todos los días, lo que ha pasado desde entonces tres discos de platino.
• DMB pasó el verano de 2001 recorriendo el país y exponer totalmente vendidos a las canciones de todos los días. El 21 de agosto, "Dave Matthews Band, The Videos 1,994 a 2001", fue lanzado en DVD y VHS. Por primera vez, la colección completa de videos de Dave Matthews Band (los primeros 12) se presentó en conjunto, junto con comentarios del director y escenas detrás de cámaras.
• El 23 de octubre de 2001, la banda lanzó su cuarto lanzamiento en directo, Live In Chicago, 12/19/98, con músicos invitados como Victor Wooten, Parker Maceo, y un conjunto completo con Tim Reynolds.
• 2002
  Después de una exitosa gira por los EE.UU. en el verano de 2002, Dave Matthews Band lanzó Live At Folsom Field, Boulder, CO, de la banda en vivo quinto lanzamiento general. Este doble CD / DVD / VHS de 07.11.01 actuación de la banda, contiene por primera vez en directo versiones de canciones de todos los días cosas y Busted, tales como "Cuando acaba el mundo," "Todo va", "What You Are" "If I Had It All", "Angel", "El espacio entre", "Everyday" "Eyed Fish Grande", "cavando una zanja," y "Bartender". El DVD utiliza imágenes tomadas de 22 cámaras, fue grabado en sonido surround 5.1, y presenta la mejor calidad de audio de cualquier comunicado de DMB en vivo hasta la fecha. Un viaje corto en varias ciudades de los EE.UU. en diciembre de 2002 se destacó por dos localidades agotadas en el Madison Square Garden. El 12/21 en el MSG, para sorpresa y deleite de la audiencia, Dave Matthews Band se unieron en el escenario de James Brown.
• 2003
  La banda de gira de verano 2003 culminó con una actuación en el Central Park de Nueva York frente a una multitud estimada en más de 100.000 fans. El concierto ayudó a recaudar $ 2 millones para la educación pública y los parques de Nueva York. En noviembre de 2003 El Centro de Conciertos Park fue lanzada en DVD y CD. Capturado por 30 cámaras de video de alta definición Widescreen y grabado en estéreo y sonido 5.1, el DVD fue dirigido por Larry Jordan, que trabajó con la banda antes de su Listener Supported.
• Verano / otoño de 2003 también vio el lanzamiento de los proyectos en solitario de DMB con el lanzamiento de True Reflections Boyd y Dave algún demonio. El primer sencillo de algún demonio, titulado "Sepulturero", David ganó un Premio Grammy por "Mejor Interpretación Vocal Masculina".
• Dave Matthews inició una gira en diciembre de 2003 para promover su álbum algún demonio. Apodado "Dave Matthews y amigos" gira, Dave "Friends" incluye: Trey Anastasio, Blade Brady, Hall Tony, Paczkowski Ray y Tim Reynolds. Emmylou Harris y Spyboy fueron invitados especiales en la gira. La gira de 12 fecha en que comenzó en Pensilvania y terminó en California en enero 04.
• 2004
  Primavera de 2004 encontró DMB en casa en su estudio de Virginia ensayando para la gira de verano y empezar a moldear algunas nuevas canciones para su próximo álbum de estudio.
• 2004 Dave Matthews Band de gira de verano resultó ser otra fuente de conciertos dinamita. Las nuevas canciones como "Hello Again", "Will Sugar" y "Joy Ride", se unió a mayores favoritos en el setlist. Días después de la gira de verano terminó, DMB jugado en frente de miles de fans en un "concierto de beneficencia Área de la Bahía" en el parque Golden Gate de San Francisco.
• En los primeros días del mes de octubre, Dave Matthews Band se unieron con muchos otros músicos en el "Vote for Change" Tour. Presentado por MoveOn PAC, todas las ganancias de la gira estadounidense se benefició Viniendo Together (ACT). El "Vote for Change" Tour fue una gira por varias ciudades, varios artistas que incluye 37 shows en 33 ciudades en 12 estados durante 11 días y contó con artistas como Bruce Springsteen y la E Street Band, Ben Harper y los Innocent Criminals, Bonnie Raitt, Pearl Jam, REM y mucho más.
• DMB en vivo Trax, una serie muy esperada de estrenos en exclusiva en vivo, hizo su debut a principios del otoño. 08/12/98 Centrum, Worcester, MA fue la primera versión, y poco después, 09.12.04 Golden Gate Park, San Francisco, CA se convirtió en la segunda versión en vivo de la nueva serie.
• Dave Matthews Band regresó al estudio en el otoño de 2004 y continuó para dar forma a su próximo álbum. Mark Batson, un productor de renombre que se reunió DMB en agosto después de su show en Los Angeles, se le preguntó por DMB para llegar a Virginia, y ayudar a producir el álbum.
• 2005
  A principios de 2005, Dave Matthews Band lanzó un sitio web dedicado a su nuevo álbum de estudio. http://www.dmbnewstudioalbum.com/ ofrece a los aficionados con imágenes de vídeo y actualizaciones continuas sobre los progresos del álbum.
• En la primavera de 2005, Dave Matthews Band hizo su primer viaje "down under", jugar cuatro obras de teatro en Australia, así como el famoso Oriente Coast Blues y Festival de Raíces en Byron Bay, Australia. De vuelta en los EE.UU., DMB jugó la 36 ª Anual de Jazz de Nueva Orleans y Festival de la Herencia antes de lanzar su aclamado álbum de estudio sexto, Stand Up en mayo. El lanzamiento del álbum fue celebrado por una actuación íntima en el Roseland Ballroom de Nueva York.
• Dave Matthews Band encabezó el cuarto Festival de Música de Bonnaroo en Manchester, TN y también organizó su propio festival a finales de julio, el caso de la isla de dos días de escapada en la ciudad de Nueva York Randall Island. Escapada de DMB de la Isla incluyó actuaciones de Negro Eyed Peas, Jem, Mike Doughty, Barenaked Ladies, Ray LaMontagne y Robert Randolph & the Family Band.
• Desde el primer show de la gira de verano de 2005 en San Luis para el show de cuatro tour-ender en Red Rocks, la gira de verano fue épica y hace aún más especial por el director de iluminación desde hace mucho tiempo, establecer nueva etapa Fenton Williams y el diseño de iluminación . La cuarta noche en el Red Rocks fue introducido inmediatamente después del huracán Katrina. El concierto, que contó con los hermanos Neville en el proyecto de ley, fue un beneficio para las víctimas del huracán Katrina. Todos, desde los concesionarios de la ciudad de Denver ayudaron y hasta el último centavo en relación con el programa - más de un millón de dólares en total - fue a organizaciones benéficas de ayuda en la Costa del Golfo.
• DMB, a través de sus obras Bama fondo de la aldea de recuperación, se ha asociado con CARE en 2005 para ayudar tsunami golpeó las comunidades en el este de Sri Lanka a rehacer sus vidas juntos. El dinero donado al Fondo de Bama trabajos de recuperación del pueblo son ir a la guardería para ayudar a empoderar a las organizaciones locales en las áreas afectadas por el tsunami para liderar la recuperación económica y social de sus comunidades. Todas las donaciones realizadas a través de la DMB y sitios web en almacenes han sido encontrados 100% de Dave Matthews Band.
• DMB a cabo en Filadelfia, PA, el 02 de julio, una actuación que fue parte de una serie de conciertos gratuitos global llamado "Live 8". "Live 8" los conciertos se celebraron simultáneamente en Philadelphia, PA, Londres, Roma, Italia, París, Francia y Berlín, Alemania y eran parte de la cuenta regresiva de un a la cumbre del G8. Los conciertos fueron parte de un movimiento instando al presidente Bush y otros líderes de ocho naciones más ricas del mundo para salvar millones de vidas en la Cumbre del G8 en Escocia 7 5to al 8vo, 2005.
• 2005 fue definitivamente un año de ediciones en CD. Además de ponerse de pie, vivo Trax 3, 27/08/2000 Meadows Music Theatre, Hartford, CT y Live Trax 4, 30/04/1996 clásico anfiteatro, Richmond, VA fueron puestos en libertad en 2005 y, recientemente, Dave Matthews Band lanzó el fin de semana en las rocas y el fin de semana completo en las rocas. Fin de semana en las rocas características de los aspectos más destacados de las cuatro noches, 09.09.05 a 09.12.05, en el Red Rocks Amphitheatre y el fin de semana completo en las rocas características de las cuatro de larga duración muestra. Ambas versiones contienen un DVD con video de las actuaciones de Red Rocks.
• 2006
  Dave Matthews Band hizo un viaje a Nueva Orleans a finales de abril de 2006 para el Jazz de New Orleans y Festival de la Herencia. Poco antes de hacer el viaje a Louisiana, DMB emitió una subvención-desafío de $ 1.5 millones para ayudar a construir la Aldea músicos de Nueva Orleans Habitat '. El Village es un proyecto de Hábitat para la Humanidad que busca construir más de 300 viviendas en el Distrito Noveno Superior de la ciudad, con músicos y otros residentes de Nueva Orleans que fueron desplazados por el huracán Katrina.
• La gira anual de verano 2006 DMB encontrado canciones raras como "Dreaming Tree" y "más orgulloso del mono" se redescubrió y nuevas canciones como "The Idea of ​​You", "Sister" y "no se puede parar" haciendo su debut. La producción de verano de 2006 visita fue sin duda uno de los mejores pero con DMB llevando la experiencia de vivir a un nuevo nivel.
• Un punto culminante en la carrera de DMB ocurrió el 7-8 jul, 2006 cuando la banda tocó back-to-back noches en el histórico Fenway Park con Sheryl Crow realiza como apoyo a las dos noches. Debido a la retroalimentación y una alta demanda de los fans, en cuestión de semanas, los conciertos de Fenway Park se ofrecieron como Live Trax volumen 6.
• Dave Matthews Band organizó la segunda edición del evento de dos días escapada a la isla de Randall Ciudad de Nueva York la isla en agosto. La escapada a la isla de 2006 incluyó las actuaciones de Gov't Mule, David Gray, Bela Fleck y los Flecktones, el Stoopid poco, Yonder String Band Montaña y hojas de té verde.
• Otros aspectos destacados de la gira de verano incluye el regreso a Chicago con George Clinton y realizar un show de dos tour-más cerca de la ciudad natal de DMB de Charlottesville, VA, en el nuevo estado de la técnica de John Paul Jones Arena.
• En octubre, Dave Matthews Band tenido el placer y el honor de gira como invitado especial de los Rolling Stones para un espectáculo en el Sun Bowl de El Paso, TX y el Qwest Center en Seattle, WA.
• 2006 fue otro año lleno de lanzamientos! Además de la liberación pico de la muestra Fenway Park, un espectáculo a partir de 1995 y 1996 fueron sacados de las bóvedas sobre la base de las peticiones de los aficionados a la versión anterior se muestra en la serie Trax en vivo.
  Vivir Trax 5: 08/23/1995 Meadow Brook Music Festival, Rochester Hills, MI
  Vivir Trax 6: 07/07 hasta 07/08/2006 Fenway Park, Boston, MA
  Vivir Trax 7: 31/12/1996 Hampton Coliseum, Hampton, VA
• En octubre, DMB lanzó su CD doble, mejor de lo que está alrededor, vol. 1, con canciones de estudio esencial en un disco y un disco de canciones en vivo escogido por los aficionados a partir de una encuesta realizada DMB a principios de año.
• Dave Matthews Band anunció su plan en junio para organizar NativeEnergy y Clean Air-Cool Planet para compensar el 100% del dióxido de carbono (CO2) de sus actividades de gira desde 1991. Al compensar la contaminación de CO2 que la gira de actividades como el transporte de equipos, la alimentación y las etapas del transporte aéreo genera, Dave Matthews Band ha adoptado un papel activo en la lucha contra el calentamiento global y ayudar a los nativos de América para restaurar la economía sostenible en equilibrio con la tierra natal de la Tierra.
• Con NativeEnergy, la banda asegura que su compensación de CO2 en realidad contribuye directamente a la construcción de nuevos, los nativos americanos y nativos de Alaska generadores de energía renovable cuyo electricidad limpia desplazará a la energía que de otro modo tendría que provenir de contaminantes centrales eléctricas de carbón, la reducción de CO2 y otros la contaminación en nombre de la banda. Además, la compra DMB es compatible con las compensaciones financieras adicionales de parques eólicos en las Grandes Llanuras, que desplazan a la electricidad en una de las redes con mayor intensidad de carbón en el país.
• Dave Matthews Band envía gracias a los que han apoyado sus esfuerzos de ayuda por el tsunami. En 2005, DMB, a través de sus obras Bama fondo de la aldea de recuperación, se ha asociado con CARE para ayudar tsunami golpeó las comunidades en el este de Sri Lanka a rehacer sus vidas juntos. El Bama Obras aldea dinero del Fondo de Recuperación planteado ATENCIÓN ayudado a proporcionar el alivio siguientes
• 2006:
  - CARE ayudó a construir viviendas de transición para más de 1.000 personas que perdieron sus hogares en el tsunami.
  - En el futuro, CARE tiene previsto construir 591 viviendas permanentes para las familias de la zona.
  - CARE ha construido letrinas, pozos y tanques de almacenamiento de agua para las comunidades que viven en refugios provisionales.
  - Más de 580 personas de 12 aldeas fueron empleados por CARE para limpiar la basura y los escombros de los caminos y tierras de cultivo.
  - CARE ayudó a cerca de 3.500 personas a recuperar sus medios de vida, proporcionando herramientas, suministros y donaciones en efectivo.
  - Otros programas de CARE apoya las escuelas y brinda apoyo psicosocial a los afectados por el tsunami, especialmente las personas que viven en refugios provisionales.
• 2007
  A principios de 2007 encontró Dave Matthews, acompañado por Tim Reynolds, jugando varias fechas en Europa, despertando el apetito de los fans europeos por mucho tiempo esperado de retorno de DMB en mayo.
• Dave y Tim seguimiento de sus conciertos europeos con tres fechas de EE.UU. en abril: el teatro Wang de Boston, Massachusetts, el Centro de Mullins en Amherst, MA, y una noche memorable en el Radio City Music Hall en Nueva York. El espectáculo Radio City fue lanzado como CD y DVD para el deleite de los fans que estaban esperando un segundo lanzamiento desde el CD de 1999 de varios discos de platino, doble: en vivo en el Luther College.
• Dave Matthews Band jugó sus primeros shows de 2007 en el MGM Grand Garden Arena en Las Vegas, NV, en marzo. Ambos conciertos fueron posteriormente liberados en su totalidad como un conjunto de 4 CD, Live Trax Volumen 9.
• Dos volúmenes adicionales Trax en vivo fueron puestos en libertad en 2007. En vivo Volumen 8 Trax, un espectáculo de 2004 de Alpine Valley, una de las paradas más transitadas para la gira de verano, fue lanzado en febrero del 07. Para conmemorar el décimo volumen de la serie en vivo Trax, el primer show fuera de los EE.UU. fue puesto en libertad: 25/05/07 Atlantico Pavilion en Lisboa, Portugal. El décimo Trax en vivo debutó mover DMB para envases más respetuosos del medio ambiente aprobado por el Consejo de Manejo Forestal.
• DMB hizo el largo viaje a Australia para varias fechas en mayo y luego tomó un breve descanso antes de realizar un concierto en julio en las afueras de Chicago. La gira de verano inició oficialmente en agosto en el Tweeter Center en Boston, MA. DMB logrado cubrir los EE.UU., el embalaje 35 fechas en una gira de dos meses que culminó en octubre con un stand de dos noches en el famoso Hollywood Bowl!
• En septiembre, la Dave Matthews Band se unió a John Mayer, Phil Vassar y NAS para realizar un concierto para la Virginia Tech en Blacksburg, Virginia. El concierto fue concebido como una forma de ayudar a los estudiantes, profesores y demás miembros de la comunidad de Virginia Tech avanzar en la raíz de los trágicos sucesos de abril que tuvo lugar en el campus de VT.
• De acuerdo con su tradición de realizar conciertos a beneficio significativo en los parques de EE.UU., Dave Matthews Band realiza un show estelar frente a 50.000 aficionados en el Piedmont Park, Atlanta, Georgia. Las ganancias de la muestra se beneficiaron Piedmont Park y con la ayuda en su mejora y conservación. The Allman Brothers Band abrió a la Dave Matthews Band, que era muy a propósito como el Allmans había actuado en Piedmont Park treinta años antes. El Piedmont Park concierto fue lanzado posteriormente en CD y DVD.
• En noviembre de 2007, Dave Matthews Band realiza su último concierto público de los años en el Izod Center en East Rutherford, NJ seguido de dos noches en la Academia Militar de EE.UU. para el AT & T World Rally más fuerte Pep. Más de cien colegios compitieron por un concierto gratuito DMB en su campus mediante el envío de invitaciones, mensajes de texto y vídeo a DMB y los cadetes de West Point fueron los afortunados ganadores!
• DMB lanzó su página de MySpace recientemente renovado en mayo y se convirtió en uno de los primeros artistas en Facebook en noviembre. DMB Mobile lanzó a finales de 2007 con el oficial de tonos de llamada DMB que se ofrecen por primera vez.
• 2008
  A principios de 2008, Dave Matthews Band comenzó a trabajar en el estudio con el productor Rob Cavallo (Green Day, My Chemical Romance, Alanis Morissette) en el nuevo álbum de estudio, aún sin título sexto. Guitarrista y viejo amigo Tim Reynolds ha estado jugando en el álbum, marcando su primera grabación con DMB desde 1998 de Before These Crowded Streets.
• A continuación se presenta una actualización de Bama DMB de Obras fondo de la aldea de recuperación y el trabajo de CARE en las zonas afectadas por el tsunami de Sri Lanka:
• DMB creó el fondo de la aldea Bama Obras de recuperación y se ha asociado con CARE a principios de 2005 en respuesta al tsunami de 2004 que causó una devastación generalizada en Sri Lanka. Las aldeas en el distrito de Trincomalee, que fueron objeto de el Fondo de Recuperación de aldea fueron afectadas posteriormente por el conflicto a gran escala entre las facciones beligerantes.
• El control gubernamental se recuperó en el verano de 2007 y el progreso se ha reanudado con un mayor impulso. Con gran parte de la población en el distrito de Tricomalee desplazados debido al conflicto que se produjo tras el tsunami, la construcción de refugios temporales se ha mantenido una prioridad. Además de la construcción de refugios, la construcción de letrinas y pozos de agua también ha seguido. De asistencia agrícola de subvención y se ha brindado capacitación, las familias han sido suministrados con los kits de herramientas agrícolas, bombas de agua subvenciones para el cultivo de arroz y ayuda con la cría de animales.
• Los beneficiarios de 10 aldeas proyecto recibió una formación práctica sobre métodos de cultivo de diferentes cultivos, el cultivo de hongos, el cultivo en estanques, las plagas de riego por goteo, fertilización y manejo del agua, la rotación de cultivos y la reposición de los nutrientes del suelo. DMB fondos han sido asignados a los hogares en tres aldeas de la puesta en marcha y / o mejorar las actividades de generación de ingresos como el negocio de telefonía móvil, el pequeño comercio, la costura, mano de obra calificada (la fabricación de ladrillos y herramientas de carpintería). CARE también coordinó dos Deportes se reúne para fomentar la armonía y la unidad entre los jóvenes de todas las comunidades étnicas dentro del distrito. Premios, artículos deportivos y otros materiales fueron entregados a los participantes.
• Un centro de información de la comunidad se encuentra actualmente en construcción en una aldea en Muthur DSD. El centro se utilizará para aumentar la concienciación de las comunidades afectadas por el conflicto y que servirá como centro de actividades comunitarias.
• En agosto de 2008, Dave Matthews Band sufrió la devastadora pérdida de su hermano y miembro de la banda fundación, LeRoi Moore, quien falleció el 19 de agosto de 2008, de las complicaciones derivadas de un accidente de junio ATV. Mientras tanto el duelo por la pérdida de LeRoi y tratar de celebrar su vida, Dave Matthews Band siguió adelante, acabando con las últimas fechas algunos tour. Después de un descanso, el resto de miembros de la banda viajaron a un estudio de Nueva Orleans para completar el trabajo en el próximo álbum de estudio, Big Whiskey y el rey Groogrux, programado para ser lanzado el 2 de junio de 2009

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John Coltrane

• Simplemente mencionar el nombre de John Coltrane y es muy probable que evocan un muy emotivo, la respuesta de frecuencia espiritual de incluso el aficionado de jazz más casual.
  
  Nacido 23 de septiembre 1926 en Hamlet, Carolina del Norte, John Coltrane siempre estaba rodeada de música. Su padre tocaba varios instrumentos, provocando Coltrane estudio de E-flat trompa y clarinete. Mientras que en la escuela secundaria, las influencias musicales de Coltrane pasó a la talla de Lester Young y Johnny Hodges que lo impulsaron a cambiar a saxo alto. Continuó su formación musical en Filadelfia en los estudios Granoff y la Escuela de Música de Ornstein. Fue llamado al servicio militar durante la Segunda Guerra Mundial, donde actuó en la banda de Marina de los EE.UU. en Hawai.
  
  Después de la guerra, Coltrane comenzó a tocar el saxo tenor con el Eddie "Cleanhead" Band Vinson, y más tarde fue citado diciendo, "un área más amplia de la escucha se abrió para mí. Había muchas cosas que la gente como Hawk, y Ben Smith y Tab estaban haciendo en los '40 's que yo no entendía, pero que me sentía emocionalmente. " Antes de unirse a la banda de Dizzy Gillespie, Coltrane realiza con Jimmy Heath, donde su pasión por la experimentación comenzó a tomar forma. Sin embargo, fue su trabajo con el quinteto de Miles Davis en 1958, que daría lugar a su evolución musical. "La música de Miles me dio mucha libertad", dijo una vez. Durante ese período, se hizo conocido por utilizar el método de acordes de tres a uno, y lo que se ha llamado el "hojas de sonido", un método de reproducción de varias notas al mismo tiempo.
  
  En 1960 Coltrane formó su propio cuarteto, que el pianista McCoy Tyner, el baterista Elvin Jones, y el bajista Jimmy Garrison. Eventualmente, la adición de jugadores como Eric Dolphy, y Pharoah Sanders. El cuarteto de John Coltrane creado algo de la música más innovadora y expresiva de la historia del jazz como los álbumes de éxito: "My Favorite Things", "Brass África", "Impresiones", "Giant Steps", y su monumental obra "A Love Supreme" lo que atestigua el poder, la gloria, el amor y la grandeza de Dios. Coltrane sintió que todos debemos hacer un esfuerzo consciente para lograr un cambio positivo en el mundo, y que su música era un instrumento para crear patrones de pensamiento positivo en las mentes de la gente.
  
  En 1967, la enfermedad hepática se llevó la vida de Coltrane dejando a muchos preguntándose qué pudo haber sido. Sin embargo, décadas después de su partida de su música se puede escuchar en el cine, la televisión y la radio. Los proyectos más recientes películas que han hecho referencia al arte de Coltrane en el diálogo o las composiciones musicales incluyen, "Profesor Holland", "El General Daughter", "Malcolm X", "Mo blues mejor", "Jerry McGuire", "Noche en Blanco" "La última graduación", "vendrá a ti", "ojos en la II Premio" y "cuatro niñas". Además, series de televisión tan populares como "NYPD Blue", "The Cosby Show", "día de nuestras vidas", "Crime Stories" y "ER", también se han basado en las bellas melodías de este saxofonista distinguido.
  
  En 1972, "A Love Supreme" fue certificado disco de oro por la RIAA por superar las 500.000 unidades en Japón. Este clásico del jazz y el clásico álbum "My Favorite Things" fueron disco de oro en los Estados Unidos en 2001.
  
  En 1982, la RIAA póstumamente John Coltrane un premio Grammy de "Mejor Actuación Solo Jazz" por el trabajo en su álbum, "Bye Bye Blackbird". En 1997 recibió el honor más alto de las organizaciones, el Lifetime Achievement Award.
  
  El 18 de junio 1993 la señora Alice Coltrane recibió una invitación a la Casa Blanca del ex presidente Bill Clinton y su esposa, en la apreciación de la aparición histórica de John Coltrane en el Festival de Jazz de Newport.
  
  En 1995, John Coltrane fue galardonado por el Servicio Postal de Estados Unidos con un sello postal conmemorativo. Emitidas como parte de los músicos y compositores serie, este objeto de colección permanece en la circulación.
  
  En 1999, Universal Studios y su registro de expedientes división MCA reconoce la influencia de John Coltrane en el cine por nombrar una calle en el lote de Universal Studios en su honor.
  
  En 2001, el NEA y la RIAA lanzó 360 canciones del siglo. Entre ellos se encontraba John Coltrane "My Favorite Things

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Sarah Lois Vaughan

• Sarah Lois Vaughan (marzo 27, 1924 hasta abril 3, 1990) fue una cantante de jazz estadounidense, descrito por Scott Yanow que tiene ",
   una de las voces más maravillosas del siglo 20."
• Apodado "Sailor" (por su discurso de sal), "Sassy" y "El Divino", Sarah Vaughan fue ganador de un premio Grammy.
• El Fondo Nacional de las Artes le otorgó su "más alto honor en el jazz ",
  el NEA Jazz Masters Award, en 1989.
• El padre de Sarah Vaughan, Asbury "Fool Rata" Vaughan, era un carpintero de oficio y tocaba la guitarra y el piano. Su madre, Ada Vaughan, fue lavandera y cantaba en el coro de la iglesia
• . Jake y Vaughan Ada emigraron a Newark de Virginia durante la Primera Guerra Mundial. Sarah era su único hijo natural, aunque en la década de 1960 se adoptó Donna, el hijo de una mujer que viajaba en la carretera con Sarah Vaughan .
•  Los Vaughan vivía en una casa en Brunswick Street, en Newark, Nueva Jersey, para toda la infancia de Sara.  Jake Vaughan era profundamente religioso y la familia estaba muy activo en la Nueva Iglesia Bautista Monte Sión en 186 Thomas Street. Sarah comenzó a tomar clases de piano a la edad de siete años, cantaba en el coro de la iglesia y de vez en cuando tocaba el piano para los ensayos y los servicios.
• Vaughan desarrolló un temprano amor por la música popular en los registros y la radio. En la década de 1930, Newark tenía una escena de música en vivo muy activo y Vaughan con frecuencia ve a sus grupos locales y de turismo que han jugado en la ciudad en lugares como la pista de patinaje de la calle Montgomery. 
•  En su adolescencia, comenzó a aventurarse Vaughan (ilegalmente) en Newark clubes de noche y actuando como pianista y, en ocasiones, el cantante, sobre todo en el Club de Piccadilly y la USO del aeropuerto de Newark.
• Vaughan inicialmente asistió a la Escuela Superior de Newark lado Este, después de transferir a Newark Arts High School, que había abierto en 1931 como el arte de los Estados Unidos primero "imán" la escuela secundaria.
• Sin embargo, sus aventuras nocturnas como artista comenzó a abrumar a sus actividades académicas y Vaughan abandonó la escuela secundaria durante su primer año de concentrarse más plenamente en la música. Alrededor de este tiempo, Vaughan y sus amigos también comenzaron a aventurarse a través del río Hudson en Nueva York para escuchar las grandes bandas en el Teatro Apollo de Harlem.
• Biografías de Vaughan indicado con frecuencia que fue empujado de inmediato al estrellato después de un ganar un rendimiento Amateur Night en el Teatro Apolo de Harlem. De hecho, la historia que relata el biógrafo Leslie Gourse parece ser un poco más complejo. Vaughan fue acompañada con frecuencia por un amigo, Doris Robinson, en sus viajes a Nueva York. En algún momento del otoño de 1942 (cuando Sarah tenía 18 años), Vaughan sugirió que Robinson entrar en el concurso Amateur Apolo Noche. Vaughan jugó el acompañamiento del piano de Robinson, que ganó el segundo premio. Vaughan más tarde decidió volver y competir a sí misma como cantante. Vaughan cantó "Body and Soul", y ganó, aunque la fecha exacta de su victoriosa actuación Apolo es incierto. El premio, como Vaughan, recordó más tarde a Marian McPartland, fue EE.UU. $ 10 y la promesa de la participación de una semana en el Apollo. Después de un retraso considerable, Vaughan fue contactado por el Apolo en la primavera de 1943 para abrir de Ella Fitzgerald.
•  En algún momento durante la semana de representaciones en el Apolo, Vaughan fue introducido en director de orquesta y pianista Earl Hines, aunque los detalles exactos de esa presentación están en disputa. Billy Eckstine, cantante de Hines en el momento, ha sido acreditado por Vaughan y otros con su audiencia en el Apolo y la recomendación de que ella Hines.
•  Hines también afirmó que la descubrió a sí mismo y le ofreció un trabajo en el lugar. En cualquier caso, después de una breve prueba de audición en el Apolo, Hines oficialmente reemplazó a su cantante existentes con Vaughan el 4 de abril de 1943.
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Ernesto Cortázar

• Ernesto Cortazar (1940-2004) fue un compositor y pianista clásica contemporánea.
• Él comenzó su carrera musical en México a la edad de 18 que componen la música de fondo para la película La Risa de la Ciudad.
• Desde entonces, ha compuesto la música de fondo de más de 500 películas .
• Él también ganó notoriedad por la cabeza de la popularidad en MP3.com - uno de los principales servicios para compartir música, popular entre los músicos independientes para la promoción de su trabajo .
• Viajó a más de 25 países para llevar a cabo
• Ernesto Cortazar II nació en la Ciudad de México en 1940 en una familia de compositores
• El padre de Ernesto, Ernesto Cortazar Sr., fue un compositor consumado respetado en su campo y fue nombrado presidente de la Sociedad de Autores y Compositores (SACM - Sociedad de Autores y Compositores de México)
• Huérfano a los 13 años, Ernesto continuó con sus intensos estudios por asistir a una academia de música
• Tocaba el piano en bares, hoteles, convenciones y, al mismo tiempo, estudió con el Maestro Gustavo César Carreón, uno de los más importantes y reconocidas de México, los artistas de la industria musical y creativos. Carreón le dio su primera oportunidad de componer una canción para la película La Risa de la Ciudad y se convirtió en un éxito en América Latina y España
• Principal composición musical de Ernesto de la película - pieza para piano titulada "River of Dreams" - ganó el premio a la Mejor Música de fondo para una película latinoamericana en el Festival de Cartagena.
• Desde entonces, Ernesto ha compuesto música para más de 500 películas .
• Ernesto viajó a más de 25 países y realiza sus composiciones originales de figuras políticas como el presidente de Argentina Carlos Menem, Nikita Khrushchev líder de la URSS y entretenidos en varios lugares de prestigio como el Kremlin (URSS) y la Casa Presidencial de México. Actuaciones de Ernesto se solicitó y disfrutado por muchas de las mayores celebridades de Hollywood como Charlton Heston, Danny DeVito, Michael Bolton, Octavio Paz, y los Rolling Stones.
• Ernesto Cortazar encontró la fama aún mayor que el artista  en el sitio web de música  en el mundo. Entre 130.000 artistas Ernesto el camino con más de 14 millones de descargas hasta sus composiciones en MP3.com 1999 a 2001, que normalmente haría un artista multi-platino por la designación de oro / platino de ventas de la industria de la música tradicional. 
•  Sus sitios fueron visitada por más de 4.000.000 espectadores.
• Ernesto vendió más de 30.000 CDs a 69 países incluyendo los EE.UU., sin compañía discográfica de gestión, o agencia.
• Él estableció una comunidad web que se traduce en Inglés, español, francés, italiano, portugués y alemán.
• En 2001, Ernesto se mudó de Los Ángeles a Tampico, México a vivir sus últimos años cerca de su familia, donde murió en 2004.
• Su legado musical se continúa por sus dos hijos, Ernesto Cortazar III y Edgar Cortázar, que son compositores de éxito en el mercado latino
• Su aprendizaje musical comienza al lado de su padre y continúa sus estudios realizando la Licenciatura de Composición en el Centro de Investigaciones y Estudios Musicales en la Ciudad de México, la cual esta afiliada a la Real Academia de Londres de Música.
• Compaginando sus estudios con el trabajo, Ernesto Cortázar III siguió trabajando al lado de su padre creando música de fondo para el Cine Mexicano. Entre las películas mas destacadas en su carrera se encuentra la coproducción Franco Mexicana : Ondina y la producción fílmica de el reconocido director de cine Alejandro Jodorowsky titulada Santa Sangre , siendo esta una de las películas mas reconocidas y premiadas a nivel internacional de dicho director y en la cual Ernesto Cortázar comparte con su padre la dirección y producción musical de la misma.
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  En el ámbito televisivo Ernesto Cortázar junto con su padre comparten créditos al realizar la música de fondo para la telenovela Madres Egoístas de el reconocido productor Juan Osorio, en dicho proyecto Ernesto tiene a su cargo la Dirección Musical llevándola a cabo en los estudios de Televisa San Angel.
• En su afán de crecimiento y de abrir nuevos horizontes Ernesto Cortázar III funda su Productora de Audio y Video con el nombre de Tazzár Studio abriendo sus puertas con la producción musical en español del álbum titulado Travel Songs de Walt Disney. La mancuerna de trabajo de Walt Disney y Ernesto Cortázar III siguió dando sus frutos con la realización de multiples producciones tales como : Lulaby (Canciones de Cuna), Arrritmética, Navidad Disney, el álbum discográfico de la serie de televisión Dinosaurios y Fiesta Dinosaurios en donde no solo se lleva a cabo la producción y dirección de voces sino que también Disney les da la oportunidad de componer diversos temas musicales , a su vez Ernesto Cortázar III produce las adaptaciones musicales para marketing de los temas de las películas: Alladin y Lion King , en esta ultima recibiendo una felicitación del compositor Elton John .
• En el ámbito de la publicidad Ernesto Cortázar III trabajo la producción y composición de música de comerciales para empresas tales como : Chrysler, Ricolino,Televisión Azteca y Nissan entre otras.
• El siguiente paso en la vida de Ernesto fue mudarse a la ciudad de Cancún y ahí se asocia con la productora de video Mastercom para el desarrollo de música de fondo de documentales locales entre los cuales destacan una parte de la serie de documentales de Discovery Channel dedicados a la Zona Maya..Uno de los proyectos que mas ha llenado a Ernesto es haber tenido la oportunidad de producirle a su padre un álbum donde este interpreta al piano sus composiciones y temas musicales favoritos titulado Ernesto Cortázar at the Ritz Carlton Cancún. Al terminar dicho proyecto Ernesto Cortázar decide mudarse a la ciudad de Los Angeles, California donde produce mas de seiscientos demos de canciones para mas de cuarenta compositores con la finalidad de promover dichas canciones en el medio artístico por medio de la Editora Pacific Music de Máximo Aguirre.
• Ernesto Cortázar III vuelve a hacer equipo con su padre, esta vez promocionando la música de este ultimo por medio de el Internet, sin saber que este iba a ser uno de los proyectos mas exitosos de su carrera. La música de Ernesto Cortázar padre cruzo las fronteras llegando a mas de setenta y seis países con la venta de sus álbum y su música fue descargada mas de catorce millones de veces en el portal MP3.com siendo así el artista con mas descargas a nivel mundial entre mas de ciento cincuenta mil artistas independientes. Dicho éxito fue reconocido por medios de comunicación tales como: La cadena de Televisión Unívisión, la revista musical Billboard y el periódico New York Times cediéndole la pagina principal de la sección de espectáculos . Viendo el éxito de promoción que realizo Ernesto con la música de su padre otros artistas de la talla de Christopher Cross y el grupo australiano Men at Work lo buscaron para que promoviera también su música. Al finalizar este proyecto Ernesto decide regresar a su país y radicar en su amado Tampico rodeado de su familia y amigos y continuar con su carrera musical.
• Durante toda su trayectoria artística Ernesto Cortázar III nunca dejo de dedicarse a la composición de canciones y llego el momento en que el y su hermano decidieron empezar a promoverlas. Entre los artistas que han grabado temas de su inspiración, se encuentran:
• Los Reyes de el Camino, Priscilla y sus Balas de Plata, Grupo Presizzo, Olga Tanón , Conjunto Primavera y Luis Miguel.
• El ano 2006 se ha convertido en un ano lleno de éxitos para Ernesto y su hermano Edgar culminando este ultimo dos de Noviembre en la entrega de los Latin Grammys en el Madison Square Garden de Nueva York donde ganaron el reconocimiento al Mejor Album del ano Tropical titulado Una Nueva Mujer de Olga Tanón, el cual incluye el tema Maldito Seductor compuesta por Ernesto y Edgar Cortázar y el Grammy Latino a la Canción Regional Mexicana del Año titulada Aun Sigues Siendo Mía interpretada por el Conjunto Primavera.
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Carles Benavent

• Carles Benavent (Barcelona, 1 de marzo de 1954) es un músico de flamenco y jazz que ha trabajado en los últimos años el llamado nuevo flamenco, especialmente desde su colaboración con Paco de Lucía, que dejó como muestra el impresionante "Live in America" (1993).
•  Bajista, aunque también dobla con la mandolina y la mandola, Benavent ha tocado con Paco de Lucía, Chick Corea y Miles Davis, y es habitual verle tocar con Jorge Pardo.A los 13 años forma el grupo 'Crac' (que hace una mezcla de blues, jazz y rock como otros muchos gupos de la época) con Salvador Font (batería) y Emili Baleriola (guitarra).
• 1971: Los miembros de 'Crac' se incorporan a Máquina!, banda que marca un hito en la música española de la época.
• 1973/74: Alterna trabajos con grupos de jazz y música brasileña.
   1975: Funda, junto a Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (bat.), Luigi Cabanach (guit.) y Lucky Guri (tec.) el grupo 'Música Urbana'. Después de dejar el grupo primero Guri y más tarde Cabanach, se incorporarían Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (flauta travesera y flautín) y Matthew L. Simon (trompeta, fliscorno y onoven; éste último es el fliscorno en mi bemol). Con este plantel grabarían en RCA el disco "Iberia", donde ya se aprecia claramente la maestría del bajista.
• 1979: Toca en diversas formaciones jazzísticas con músicos como Kitflus, el violinista Mantequilla (Salvador Font el padre), Tito Duarte y Max Sunyer, con el cual funda un trío juntamente con Salvador Niebla. Éste año se forma también un efímero grupo para actuaciones en directo: Funky-jazz 80, con Benavent, Vladimiro Bas y Kitflus entre otros músicos.
• 1980: En este año entra a formar parte del grupo de Paco de Lucía, realizando giras por Europa, América y Japón, compartiendo escenario con Jorge Pardo, Rubem Dantas y Ramón de Algeciras entre otros.
•  1981: A partir de ahora colabora en numerosas producciones discográficas flamencas: algunas de Camarón de la Isla y Paco de Lucía se cuentan entre las más conocidas.
   1982: Entra en contacto con Chick Corea, con el que graba dos álbumes y realiza dos giras por todo el mundo.
•  En los años 80 formó parte del grupo intermitente "Puente Aéreo", en el que se daban cita músicos afincados en Madrid y en Barcelona: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargós, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell, Pedro Ruy-Blas, Rubem Dantas, Salvador Font el hijo...
   1983: Graba su primer disco como solista, disco que también es editado en Alemania, Suiza y Austria. Debuta con su propia banda en el IV Festival de Jazz de Madrid, y forma grupo con Jorge Pardo, con el que graba dos discos.
• 1985: Publica su primer disco junto a Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Junto a Jorge Pardo, participa en los festivales internacionales de Estambul y Cork.
   1986: Actúa en el festival de Grenoble con Jorge Pardo. Recibe el premio especial de la crítica otorgado por RNE / RTVE y la revista Quártica Jazz.
• 1987/88: Continúa realizando giras por todo el mundo con el sexteto de Paco de Lucía, y colabora con el violinista francés Didier Lockwood, y con la banda de Bernard Lubat en Francia.
• 1989: Con el grupo Flamenco Fusión actúa en Nueva York con Michel Camilo y Paquito D'Rivera. Graba su segundo disco con Joan Albert Amargós ("Colors"), que cuenta con la colaboración de Didier Lockwood entre otros.
• 1990: Es invitado, junto a Jorge Pardo, el pianista y últimamente también acordeonista Gil Goldstein, Don Alias y Alex Acuña, a dar un concierto especial en la TV Suiza (Schweizer Fernsehen); ese concierto da lugar a actuaciones de la banda en Nueva York en octubre del mismo año y a la grabación de un disco a nombre de Gil Goldstein ("Zebra Coast") para la compañía Blue Note. A partir de entonces, Gil Goldstein colabora habitualmente en los discos de Carles Benavent.
• 1991: Es invitado a tocar en un concierto especial en homenaje a Gil Evans con Miles Davis y Quincy Jones en el Festival de Jazz de Montreux. Ese concierto también queda registrado en un álbum: "Live in Montreux".
• 1992: Se presenta en el Town Hall de Nueva York junto a Jorge Pardo, invitados por el New Music Seminar. En julio del mismo año participan en el proyecto alemán Jazzpaña con la big band de la WDR de Colonia, con arreglos y dirección de Ariff Mardin y Vince Mendoza.
   1994: Es galardonado por la Generalidad de Cataluña como mejor músico de jazz del año.
   1995: Edita su cuarto disco como solista ("Agüita que corre").
• El 4 de abril de ese año sufre un grave accidente de coche que le tendrá alejado de los escenarios durante un año.
   1996: Justo al cumplirse un año del accidente, comienza una gira por europa con Paco de Lucía y reaparece con su grupo en julio del mismo año, actuando en el Festival de Jazz de Getxo y en Barcelona, donde también graba su quinto disco ("Fénix"), en el que interviene, además de sus colaboradores habituales, Othello Molineaux, que toca el steel drum, bidón de metal de Trinidad, y algún instrumento parecido.
• 1998/99: Forma el trío 'Pardo, Benavent, Di Geraldo', (con el que sigue trabajando actualmente, se graba una de las actuaciones del trío ("El concierto de Sevilla") en diciembre de 1999.
   2000: Gira en enero por Inglaterra con el "Homenaje de cumpleaños a Don Alias" con el mismo Don Alias, Alex Acuña, Giovanni Hidalgo, Steve Barrios, Michael Brecker, Randy Brecker y Gil Goldstein.
•  2002: Edita su séptimo disco ("Aigua"), galardonado como el mejor disco de jazz del año por los 'Premios de la Música'
   2003: Forma otro trío con Jordi Bonell y Roger Blavia. Es invitado, junto a Jorge Pardo, Tino Di Geraldo y Gil Goldstein a participar en el Festival de Jazz de Vitoria, en el que tocan con Pat Metheny.
• 2004: Vuelve a trabajar con Chick Corea juntamente con Jorge Pardo, Rubem Dantas y Tommy Brechtlein: hacen giras por Europa y Estados Unidos con el nombre de Chick Corea & Touchstone. En septiembre del mismo año, actúa en Barcelona con sus "Benavent 3 Trios": uno de esos tríos es con Jordi Bonell y Roger Blavia; otro, con Gil Golstein y Jordi Rossy; y el otro, con Jorge Pardo y Tino di Geraldo... y de nuevo la colaboración especial de Othello Molineaux. Graba con Jorge y Tino un nuevo disco: "Sin Precedentes".
• 2005: Graba con Chick Corea, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Hubert Laws, Airto Moreira, Hossam Ramzy y Tim Garland el disco "The Ultimate Adventure", de la Chick Corea & "Touchstone Band, con la cual sigue haciendo giras por los Estados Unidos, Europa y América Latina.
• 2009: Colabora al nuevo disco del guitarrista italiano Flavio Sala, titulado De La Buena Onda.

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Dionne Bromfield

• Estrellas británicas de su edad - 13 en el lanzamiento de su bien recibido debut cubre conjunto, recién cumplió los 15 años con la presentación de su audaz en segundo lugar, la auto-escrito suite - deben vestirse angelical y cantar números corales que han resistido hasta siglos de investigación de mercado y volver a crearlos, lo que provocó un desgarro de los abuelos cautivó. No se supone que la canalización de Lauryn Hill o Jazmine Sullivan, la elaboración de la perfección juzgado, melodías intemporales del alma y las letras de los truenos de un suave ritmo de hip-hop.
• Si Estados Unidos tiene un linaje estricta de las superestrellas del alma inauguró la calle desde la infancia, desde los bebés a través de MJ derecho a Willow Smith, el Reino Unido no tiene ninguno. "Yo no siento ninguna presión", dice Dionne, sentada en su chaqueta impecable presiona la escuela roja, el pelo recogido hacia atrás, mochila a sus pies en su oficina de Londres Norte de gestión, "Yo sólo hago lo que hago. Me encanta este disco tanto. Me encantó la primera, pero que fue un escalón. Este es mi bebé. Se trata directamente de mí. "
• Todo el mundo ama a su alrededor Dionne. No es difícil ver por qué. Es antinatural amable y modesto. La humildad como una segunda naturaleza para ella. Cuando en un momento le dice: "Yo ni siquiera realmente tasa de mi voz", le recordamos que este es un comunicado de prensa para vender su disco y que las vueltas en U, aunque sea muy ligeramente. 'Está bien, se puede decir que es brillante entonces. Pero usted lo dice, no yo. Acabo de cantar como yo canto. "(Es genial, por cierto).
• Tiene cierto sentido que, mientras todos sus compañeros de escuela fueron los mensajes de texto a sus múltiples votos para bolshy adolescente Cher Lloyd en el Factor X de este año - "les gustaba su actitud '- Dionne fue favorablemente alentando a Rebecca' Scouse Sade 'de Ferguson tome en cantar soul clásico . "A todos nos odiaban Wagner, sin embargo," añade, recordando que mientras ella todavía no es muy 15 y puede haber discrepancias menores con los amigos por encima de su madurez musical, que todavía tiene un firme control de sus sentidos.
• Dionne Bromfield llamó la atención de los medios del mundo cuando se convirtió en la primera firma a un amigo de la familia y la leona mentor de Amy Winehouse sello discográfico.
• Las semillas habían sido sembradas tres años antes de entrar en un estudio de grabación. "Todo el mundo me dijo que podía cantar desde la edad de diez años. Mi madre siempre me decía. Pero yo era tan tímida que no les creyó. Y cuanto más que la gente me dijo, más me fui a un segundo plano y es menos probable que iba a cantar. Pero yo estaba en casa de una vez y Amy era redonda y me escuchó y me dijo: "niña, es verdad. Que pueda. "Y eso empezó algo fuera de mí. Comencé a recibir sólo poco más que confianza. "
• Sin embargo, tal era la renuencia de Dionne para entrar en el centro de atención, no dijo a ninguno de sus amigos en la escuela que ella estaba grabando su primer álbum, un inusualmente talentoso adolescente adolescentes acusados ​​colección de covers de clásicos del soul, establece en su mayoría en la roca un amante tierno de ritmo. "Pensé que pensaría que soy yo mismo, si yo les dije." Así que se mantuvo en silencio. De hecho, la mayor parte de la escuela ni siquiera sabía que ella era una artista de la grabación hasta que la vi en la televisión por la mañana, trayendo un pedazo de alma pura inocencia en el sofá esta mañana.
• Nunca hubo ninguna duda en la mente de Dionne que el segundo disco sería una colección de sus propias canciones. Depositados a principios de 2009 para tres semanas de sesiones de la escritura de LA, que no podía haber sido más feliz. "Me podría haber quedado para siempre, con honestidad. El tiempo era hermoso y la gente que trabajaba eran un sueño. Fue simplemente perfecto. "
• Tal es la edición brillante de su nuevo disco, hay canciones de esas sesiones se han utilizado, a pesar de que podría encontrar alguna utilidad en el futuro. "Me dejó un cuaderno con un montón de ideas en su casa!", Dice, del tiempo que pasa con blue-chip Beyonce y Rihanna colaborador Toby Gadd. "No creo que los va a usar. Pero nunca se sabe. "
• Su proceso de escritura comenzó tímidamente. "La primera vez me quedé en el estudio con una pieza de música que escribir, por mi cuenta? Quiero decir, ¡oh Dios mío! Me? Escribir una canción entera? Todos estos pensamientos pasan por tu cabeza, pero la primera es "¿y si nadie le gusta?" Hay que recordar simplemente que, incluso cuando estoy trabajando con un montón de gente increíble, todos comenzaron a donde empecé. Además de que soy mucho más joven que ellos, para que puedan ver que yo pueda ser intimidado.
• Con el tiempo empezó a ver esto como algo bueno. "Cuando estás trabajando con personas que son mucho más antiguas, se obtiene las dos caras de una historia. Usted obtendrá el punto de vista la perspectiva de los niños y los adultos. Esta es la única vez en mi vida cuando yo voy a ser capaz de hacer esto y estoy muy afortunados de tener la oportunidad de. Largó a Londres después de las sesiones de Los Ángeles, encontró su sonido con el ex hombre de confianza de Incognito Juan Pablo II 'Bluey' Maunick, en algún momento Duffy colaborador Steve Booker y Pablo O'Duffy, conocido por su trabajo con Dusty Springfield, Barry John y Amy Winehouse, entre otros.
• Fue aquí donde comenzó a desarrollar Dionne la voz de su autor. "Entré en el estudio con Steve y él tenía una idea para una canción. No me gusta y yo no podía pensar en una manera de decirle. Quiero decir, ¿cómo yo, una chica de 14 años, dile a este hombre grande que no me gusta la idea? Hemos trabajado en esa idea un poco y mientras lo estábamos haciendo algo hizo clic en mi cabeza que se convirtió en La cosa más dulce. Empecé a pensar en un niño de mi escuela, el año por encima de mí. No voy a mencionar nombres aquí, pero mi amigo realmente le gustaba. Ella sólo quería que él la notificación. Y ella siempre decía "Yo sólo quiero que mire a mi manera." Y tan pronto como me acordé de ella diciendo que la primera línea de la canción que se hizo. "Ella tiene un enfoque muy diplomática a la angustia de canalización para alguien tan joven. "No creo que jamás he sentido, pero lo he visto. Eso hace que sea fácil de escribir. "
• La confianza en Dionne, que comenzó a florecer en una edad precoz temprana, está empezando a ver la luz del día. "Lo único que puedo hablar es el registro, la verdad." Su madurez se extiende para escribir la letra de la balada del álbum asesino, demasiado pronto para Call It Love (su favorito). "Yo realmente, realmente me gusta este chico. Y todos se burlaban de mí, diciendo: "¡Aah, ¿lo quieres?" Soy como "¿cómo puedo amar? Ni siquiera lo conoces? Tengo 14 años! "Creo que hay una gran cantidad de personas menores de, digamos 18 años, que tiene estos sentimientos muy fuertes para la gente y ellos piensan que es el amor. Pero usted no sabe qué es el amor hasta que haya sido a través de los tiempos buenos y los malos con ellos. Y eso es lo que yo quería cantar "Su segundo álbum es absolutamente el nacimiento de Dionne Bromfield:. Artista. "Para ser honesto, no podía sentir más lejos de la primera, que me encanta y me encantó hacer. Pero esto es un nivel superior y que tenía que ser. "
• El jefe de su sello discográfico había sugerido un segundo conjunto de versiones de establecer Dionne antes de dejarla suelta corte con su propia composición de canciones. "Después de las sesiones de la escritura se había ido tan bien, se sentía como la cosa incorrecta a hacer." Entonces ella le dijo, también. Y aquí estamos are.The primera canción que destina el sonido del disco fue la explosión de tipo tornado de emociones alma grande en La cosa más dulce, uno de los muchos puntos culminantes en el expediente. "Sabíamos que teníamos mi sonido." Es un sonido que encaja perfectamente en el catálogo de una tradición británica alma nueva, de artistas como el Plan B y Paloma San Basilio que contemporised sus inclinaciones Motown, recién a la acuñación de una generación nueva, sin embargo, se remonta en alguna parte al toque de Midas comercial del pico de la era Gabrielle.
• Si todo esto es empezando a sonar un poco, bueno, viejo para un joven de 15 años, se ha ganado contemporánea hop r & b y hip-a ambos lados del Atlántico. Diggy, el hijo estimado de Run DMC hip hop de derechos de ejecución y sí un reverendo de 15 años, protegido de EE.UU. se ha convertido en uno de sus exponentes más vocal. "Usted no consigue artistas como Marvin Gaye y The Temptations más", dice Dionne, un toque abatido. "Pero era tan natural para mí cantar junto a los artistas cuando yo estaba creciendo como lo fue para mis amigos que con Britney o Sugababes La. Ese era el sonido con los que crecí, los primeros sonidos me encantó "Usted puede oír que remontarse a lo largo linaje de su segundo álbum;. Un segundo que suena un poco como tiene que ser el primero. "Yo no cambiaría lo que he hecho para el mundo. Me encantó hacer ese primer disco. Pero esto es más como una colección de mis diarios, en lugar de lo que está en mi reproductor de MP3.
• Desde la balada llena de lágrimas es el amor a la sabiduría de la calle uptempo de Un poco de amor y Muggin ', este es el tipo de canciones que ambos encajan perfectamente en el entorno contemporáneo, mientras que usted recuerda de un lugar más grande y mejor. Estos no son sólo versiones de canciones de amor, son canciones nuevas para el amor, y punto.
• Vale la pena hacer el punto, una vez más: ella tenía 14 años cuando las escribió. "Estos son mis historias", dice Dionne, una chica que probablemente no podría ser llamado con seriedad cualquier alma más apropiado sobre sus hombros, "He analizado las palabras cuando estaba escribiendo. Por lo que sólo puede sentir cuando estoy cantar. Responder emocionalmente a estas canciones es fácil. Debido a que son mías. ".

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Asia Minor Cult Legendary Turkish Progressive Rock Band

• Génesis del grupo fue en la reunión, en 1971, de Eril guitarrista / flautista Tekeli (b.25.4.54), el guitarrista / cantante Setrak Bakirel (b.19.11.53) y el baterista Can (pronunciado Jan) Kozlu, tres estudiantes turcos en el St. Joseph College de Estambul. Setrak y se puede músicos autodidactas muy influenciado por el rock, mientras que Eril, que había asistido a clases de flauta, fue influenciado por el jazz. Amante de Inglés rock, pero inmerso en la cultura de Oriente Medio y la música, decidieron formar un grupo, mientras que la continuación de estudios en la universidad. En 1971, ganó dos premios de composición e interpretación en un concurso musical reunir a participantes de las escuelas secundarias en toda Turquía. Con el fin de continuar con sus estudios, sin embargo, los tres decidieron emigrar en 1973. Eril y Setrak se estableció en París y puede, en Grenoble. Se han beneficiado de este movimiento en gran medida como la escena musical en Turquía era demasiado restringido para el cumplimiento de sus ambiciones artísticas.
• Compartir la misma orientación musical y la ambición, Eril y Setrak decidió llevar a cabo como dúo en 1974, bajo el nombre de Layla (en referencia a la conocida canción de Clapton, así como un personaje de la mitología Peñón). Se hizo conocido con la escena musical local en París y trabajó en la mejora de su técnica, adquisición de mejores equipos que necesitan para mejorar sus habilidades instrumentales.
• Durante los '74 vacaciones de Semana Santa, Eril y Setrak puede visitar en Grenoble y grabó algunos temas con él. Después de esta sesión puede decidió ir a París y unirse a Layla, seguido de un bajista llamado Hervé en 1975, el año de sus primeros conciertos.
  Actuaron en el centro de la juventud, la calle Borrego, Teatro Mouffetard, el Fondo de Arquitectura y como respaldo de músicos de un juego de tres noches en el Festival de París. En 1976 Hervé dejó el grupo y fue reemplazado por su compatriota Setrak del estudiante Jean-Philippe Bottier.
  La banda tomó el nombre de Asia Menor proceso, el título elegido por el grupo como una referencia de su origen y el tipo de estilo musical que quería desarrollar, inspirado en la cultura de Oriente Medio.
• A principios de 1977, Can dejó el grupo para seguir jazz orientado su carrera en Estados Unidos. Eril y Setrak contratado un baterista de 16 años, Lionel Beltrami (b. 06/11/60) a través de un pequeño anuncio que había puesto para ocupar una vacante en una banda de rock progresivo. Hizo una prueba en abril del '77, pasó y se unió a la banda. En su propuesta de la banda luego acortó su nombre a Asia Menor.
  En la audición. Lionel había sido acompañado por un amigo, teclista Robert Kempler. Lionel había jugado con él un año antes en un equipo progresiva llamada Atlántida que había dejado en la búsqueda de una actuación más difícil. Sugirió que Robert unirse a Asia Menor para enriquecer la paleta sonora del grupo, pero en el tiempo y Eril Setrak no estaban interesados ​​en la introducción de teclados en su música., Centrado como estaba en gran medida el sonido de guitarras y flautas.
• Lionel era un baterista autodidacta. Había empezado a aprender tambores y el piano a los trece años. Jugó su primer concierto como baterista de una banda llamada Phenix en diciembre de 1974, poco después, mientras que con otro grupo, Graal, que comenzó a trabajar en sus propias composiciones, influenciadas por el movimiento progresista Inglés. Un excelente baterista con una técnica sólida y un estilo propio, fue un socio ideal para el Asia Menor. Cuando se unió a la banda, su creatividad se abrió una nueva perspectiva, lo que permite a la banda para desplegar sus alas de nuevo. Lenguaje armónico y rítmico fue considerable mejora de su contribución. Poco después de que Lionel Registrado, Jean-Philippe Bottier dejó el grupo por motivos personales y Paul Levy, también reclutó a través de un anuncio, se unió en el bajo.
• El formato musical, un cuarteto con dos guitarristas refleja la elección personal de los músicos. Ellos quedaron muy satisfechos con este y no convencionales line-up, ya que tanto los hombres frente eran Eril adaptable, y Setrak tanto voces a tocar la guitarra y cantando con guitarras conducen la mayor parte de los reflectores. Teclados fueron excluidos, sino que se pensaba que eran superfluos para el papel desempeñado por los dúos de guitarra entre Eril y Setrak que dominó la música.
• El grupo comenzó a trabajar en un repertorio personal, compuesto por los dos líderes. Identidad musical Asia Menor, fue sin embargo sobre todo el trabajo de Eril. Su originalidad radica en las composiciones que combinan las escalas de Medio Oriente de la tradición anglosajona del rock progresivo, un estilo muy admirado por Eril y Setrak, aunque consideró que no era una gran influencia. La influencia del Oriente Medio más evidente se manifiesta en la forma de la melancolía y sinuosas de los temas y en el nostálgico estilo vocal Setrak Bakirel es. Compases de gran complejidad y la síncopa también son evidentes, los cuales son característicos de la música oriental mucho.
• Eril y Setrak compuesto prolíficamente y se reunió a diario para trabajar en nuevas obras, que se trabajó en el ensayo con los demás. Se hicieron sugerencias en cuanto a desarrollos temáticos, que a veces eran tan radicales que la canción se convirtió casi irreconocible, excepto como un pequeño motivo en el fondo.
• En 18 hasta 19 feb 1978 por su grabación de debut, Lionel sugiere una vez más que la banda por lo menos ampliar su sonido añadiendo algunas partes teclados a modo de ornamentación. Lionel tenía amistad con el tecladista Vicente Grime Nicolás, a quien había conocido en un concierto. Nicolás jugó en la grabación - tres números de corte en el estudio de Tai Phong en casa de ocho pistas. Esta línea de cinco hombres también jugó en la Facultad de Arquitectura, el 03/29/78.
  Durante la primera semana de mayo de 1978, el grupo consiguió un residencia de cinco días en el Drugshow en París, su actuación fue muy sobrio, lo que favorece la intensidad de la interpretación musical a través de cualquier gran despliegue de escenografía.
• Sin un disco en su haber, y, posteriormente, en gran medida desconocido para gran parte de la audiencia, Asia Menor sorprendió a todos con su música original que se sitúa con orgullo frente a las tendencias predominantes de la época, pero tuvo que esperar hasta septiembre para su próxima actuación en primer lugar, dos actuaciones en el Boule Noire, también en París.
• Ya que no tenían gerente, el grupo tuvo que ponerse en contacto los lugares mismos para asegurar lo que algunos contratos no fueron. Para distinguirse de otros grupos de París y ganar más credibilidad, que grabó un demo-tape, con la esperanza de hacerse un nombre con los medios de comunicación y promotores de conciertos y gerentes, así como la obtención de nacionales - o incluso internacional - el reconocimiento.
  Con esto en mente, se pusieron en contacto las compañías discográficas, sin resultados. A uno de CBS 'y R hombres les gustaba lo que oía y hasta se sentó en un ensayo, pero lamentablemente no pudo convencer a sus jefes para firmar el grupo.
• Después de este revés, Asia Menor, decidió producir un álbum por sí mismos, con la ayuda financiera de sus padres y amigos. La falta de apoyo profesional no desanimó a la banda;. A su manera de pensar, esto por lo menos significaba la libertad artística completa! Además tenían un conocimiento suficiente de las técnicas de estudio para estar seguros de mostrar sus composiciones su mejor ventaja, mientras que su registro.
• La banda reservado el oscuro Estudios Maia en Bondy, cerca de París, sin embargo, sólo un par de semanas antes de la grabación se debió a empezar, Paul Levy dejó por motivos personales. A medida que el grupo no pudieron contratar a otro bajista en tan poco tiempo, Eril y Setrak decidió abordar las piezas del álbum bajo ellos. Lionel le preguntó Nicolás Vicente a participar una vez más, y las sesiones se llevó a cabo entre el A6 y el 28 de octubre de 1978. La grabación fue realizada en 16 pistas, bajo la supervisión del ingeniero de sonido Serge Dudit, asistido por Guy Adams.
• Como las mezclas originales resultaron insatisfactorias, la banda decidió volver a mezclar el álbum a sus propios gustos en el estudio de la Grande Armée en París y ha logrado un mejor resultado.
  El álbum contiene nueve canciones, y cuenta con dos canciones cantadas en turco. Todas las voces son realizadas por Setrak, a excepción de los compases finales de "Mahzun Gözler", donde se hace cargo de Eril y Setrak canta los coros. Todas las pistas de la sesión se mantuvieron con la excepción de "sin límites", que finalmente encontró su camino en el segundo álbum. Otros dos números de su repertorio quedó sin publicar. Las letras sirven principalmente como apoyo a la música, lo que sugiere imágenes y emociones que se ajustan a las melodías. Cantando en Inglés parecía una opción obvia, dado el elemento de la roca Inglés en su fondo musical. Pero su editor sugirió que un par de canciones en turco incluirse, después de algunas consideraciones, el grupo convino en que su lengua materna sonaría mejor en algunas de las melodías, y aceptó la sugerencia.
• Después de las sesiones de grabación, el grupo buscó una vez más por una empresa dispuesta a distribuir el álbum, pero se encontró con la misma indiferencia que había recibido a sus esfuerzos con su demo-tape. El grupo se resignó a la emisión del disco por su propia cuenta, crear una etiqueta para la ocasión llamado WAM (Ware de Asia Menor). Setrak y Eril diseñó el manga, con diseño exclusivo de Setrak. El álbum se llamó "Cruzando la línea", el título de Eril, que simboliza la línea que divide la realidad sueño de forma, o en otro sentido, la esperanza de la banda de la grabación de su música y la realización final de ese sueño. Fue publicado el 19 de abril de 1979.
• El grupo luchó duro para despertar el interés en los medios de comunicación, pero sin la ayuda de una compañía discográfica o el agente de relaciones públicas que sólo llegó hasta ganar unas pocas líneas "espacio en el Rock 'n popular". La música de Asia Menor, con su virtuosismo instrumental y la complejidad y originalidad melódica contrasta totalmente con la moda musical de la época, es decir, punk. La prensa posteriormente dieron su confesión disco corto, y prefieren alabar los actos punk (entonces) más lucrativo.
• El álbum fue distribuido únicamente entre algunas tiendas de discos de París. A pesar de este fracaso comercial relativa, el entusiasmo del grupo y la fe en su música no había disminuido. Aunque comercialmente desfavorecidos, el álbum, sin embargo representa el éxito artístico. En ella, el oyente descubre una música original, sofisticado y técnicamente competentes, el trabajo de músicos jóvenes que habían logrado grabar un disco en la cara de los grandes disgustos.
• Sólo por eso, el registro se merece un lugar como uno de los temas progresistas más notables y únicas sin duda turcos y franceses de la época, propone una música surgida de la simbiosis de dos tradiciones musicales muy diferentes

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Raul di Blasio

• Siendo un chico de seis años se mostró de repente interesado en tocar piano, al grado de cuando sus padres le preguntaron si él quería estudiar música, él no dudó en responder afirmativamente.
• Durante un lapso de cuatro años empezó a practicar en los pianos de sus maestros, reconociendo lo difícil que era conseguir un piano decente. Mientras experimentaba y tocaba con los diferentes sonidos en el piano, Raúl silbaba con su padre, lo que le estimulaba a tocar nuevas melodías en el piano.
• Ese fue el comienzo del famoso pianista Raúl di Blasio, que aunque él afirma que ha sido formado con la técnica clásica, le gusta de igual manera tocar música popular. Di Blasio admite que a la edad de diecisiete formó parte del movimiento de rock que surgía del fenómeno de Los Beatles, pero sus padres le instaron a ir a la Universidad y hacer una verdadera carrera en su vida.
• Pero su siguiente escalón fue salir de su pueblo natal y trasladarse a Buenos Aires, donde a la edad de veinte empezó a practicar el piano por doce horas diarias, a lo que él comenta “Sentía las alas en mis dedos”.
• Él se considera a sí mismo una persona que constantemente necesita de cambios en su vida. A la edad de 27, sabiendo que algo pasaba con su personalidad –ahora con más energía e hiperactividad-, decidió mudarse a Chile, en donde decidió tocar piano con música clásica, tradicional y rock. Para aquel entonces ya componía sus propias melodías y trabajaba como pianista en un bar y aunque confesara que lo hacía para sobrevivir, estaba feliz con lo que hacía.
• Dos años después alguien le sugirió producir un disco, el cual él logró realizar con sus propios recursos. Sin embargo, esta primera producción no tuvo el éxito esperado. Afortunadamente para Di Blasio, un productor de la casa discográfica BCS-S en Chile le sugirió un segundo álbum, en el cual, aparte de música tradicional y clásica, se incluyó música latinoamericana.
• En 1984, Raúl di Blasio tomó la decisión de hacer del piano su compañera de vida.
• Conocido como "El piano de América" desde 1988, apelativo surgido tras la entrevista realizada por la periodista Mayra Vargas para Prensa Libre de Guatemala de acuerdo a declaraciones del artista a dicho diario y que él usaría como título para un disco dos años después.
• En 2001, El Consorcio le acompañó en cinco temas del material titulado Di Blasio–Gardel.

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The Yardbirds

• The Yardbirds es un Supergrupo de blues rock británico de mediados de la década de 1960s. Son una de las bandas de la llamada Invasión Británica. Su estilo estuvo enfocado en una versión inglesa de lo que estaban haciendo los músicos de blues norteamericanos. La banda trabajó en colaboración con músicos de blues como Sonny Boy Williamson II. Aparte de la influencia que tuvo en la época, una de las razones por las que más se recuerda esta agrupación es porque de sus filas salieron 3 de los guitarristas más importantes dentro del rock en ese momento, ellos fueron: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Clapton fue el primero de estos guitarristas que formó parte de la banda. Pero siendo en aquellos tiempos un purista del blues, cuando The Yardbirds decidió orientarse a un formato más pop en la música, Clapton los abandona. Posteriormente, llegará a formar parte de John Mayall's Bluesbreakers por un tiempo, y luego Cream.
• Cuando The Yardbirds se disuelve, Jimmy Page formaba parte de la agrupación, y decide reunir a una nueva banda que en principio serían los "New Yardbirds". Con el tiempo esta nueva banda se llamaría Led Zeppelin. Por otro lado, Keith Relf, cantante de los Yardbirds (antes de la "nueva versión" de Jimmy Page), formaría la agrupación de folk-rock y rock progresivo llamada Renaissance y posteriormente Armaggeddon

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Robin Trower

• Trower se crió en la localidad costera de Southend-on-Sea, Essex. En 1962, Trower formó un grupo que se convirtió en el Paramounts, más tarde como compañeros de Southend High School secundaria de los alumnos Gary Brooker. El Paramounts disolvió en 1966 para dedicarse a proyectos individuales. Durante este tiempo, Trower creó un local de tres piezas de la banda llamado 'The Jam' (no confundir con el grupo más tarde con Paul Weller). Trower se unió a la banda de nuevo Brooker Procol Harum, tras el éxito de su single debut "A Whiter Shade of Pale" en 1967, permaneciendo con ellos hasta 1971 y que aparecen en primera Procol Harum cinco álbumes.
• Antes de lanzar su propia banda del mismo nombre, se unió a la cantante Frankie Miller, el bajista James Dewar, y el ex baterista de Jethro Tull Clive Bunker para formar la efímera combinación de Judas.
• Este equipo no registraron y pronto se separaron.
• Trower mantuvo como Dewar su bajista, quien tomó la voz principal, así, y el baterista reclutado Reg Isidoro (luego reemplazado por Bill Lordan) para formar la banda de Robin Trower en 1973 .
• Quizás el álbum más famoso Trower es Puente de los Suspiros (1974). Este álbum, junto con sus discos en solitario y la tercera, fue producido por su ex compañero de banda Procol Harum, organista Matthew Fisher. A pesar de las diferencias, a principios de Trower trabajo de power trío se destaca por las influencias Hendrixesque .
• En la década de 1980, Trower se unió con el ex bajista Jack Bruce crema y su anterior Lordan tambores e Isidoro, de dos álbumes, BLT (Bruce, Lordan, Trower) y la Tregua (Trower, Bruce, Isidoro) .
•  Trower en el Festival de Blues de Liri, Italia, en el álbum de 2005Trower, que vive fuera del tiempo (2003), presenta el regreso de los compañeros veteranos David de bronce en el bajo, Pattison vocalista Davey (anteriormente con Gamma banda de Ronnie Montrose) y Thompson Pete a la batería-la misma formación que a mediados de 1980 Pasión álbumes y toma lo que necesites
  Con la misma Trower compañeros dio un concierto en su cumpleaños número 60 en Bonn, Alemania. El concierto fue grabado por el canal de televisión WDR alemana. Que fue lanzado en DVD y posteriormente en CD en toda Europa y más tarde los EE.UU. bajo el título Vivir Out Of Time: Live. Trower gira por los Estados Unidos y Canadá en el verano y el otoño de 2006.
• En 2007 publicó un Trower tercera grabación con Jack Bruce, Siete Lunas, con Gary Husband en la batería.
• Una gira mundial de 2008 comenzó en el pie. Pierce, Florida, el 16 de enero de 2008. Unirse a Davey Pattison y Pete Thompson fue Glenn Letsch (anteriormente de Gamma) tocando el bajo. Gira europea comenzó en abril. El 29 de marzo de 2008 muestran, en el Teatro Real de Música de roble en Royal Oak, Michigan fue lanzado como un álbum doble en V12 Records.

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Muddy Waters

• McKinley MorganField (4 de abril de 1915 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.
• Nacido en Rolling Fork, Misisipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambió de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.
• La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.
• Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.
• Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.
• Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.
• Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez de una banda amplificada haciendo Hard-Rock allí (Uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su crítica, ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1948: "Rollin' Stone", también conocida como "Catfish Blues".[1] El gran hit de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" está basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love", que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready."
• Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," y el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster).
• Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.
• Se cree fue el músico que dio origen al Rock and Roll.

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THE GIL EVANS ORCHESTRA

• Ian Gilmore Ernest Green (o Ian Gilmore Rodrigo Verde) nació 13 de mayo 1912, en Toronto, Canadá, el hijo de Margaret Julia MacChonechy y un padre que nunca conoció. Tomó el nombre de su padrastro, y se convirtió así en Gil Evans. Su padrastro era un minero, mientras que su madre se hizo cargo de los hijos de familias ricas, y comidas preparadas para el camping. En movimiento siempre que el trabajo les llevaría, que pasó de un yacimiento minero de América del Norte a la siguiente, como Saskatchewan, Columbia Británica, y tales estados del Noroeste de EE.UU. como Idaho, Montana y Washington. Su hijo fue puesto en pensiones, pasando de una familia a otra, hasta que finalmente se instaló definitivamente en California, alrededor de 1922. Gil fue a la escuela en Berkeley, y de ahí, comenzó su formación musical real. El padre de uno de sus amigos era un fanático del jazz y lo inició en esta música. En 1927, llevó a los dos adolescentes a ver a Duke Ellington en el teatro Orpheum de San Francisco.
• Fue una revelación para el Gil Evans, quien decidió dedicar su vida a esta música. Ese mismo año, compró su primer disco, "No más que tú", de Louis Armstrong y Earl Hines. Al mismo tiempo, comenzó a transcribir, a partir de las grabaciones, la música de estos arreglistas de jazz como Red Nichols, Duke Ellington, y Don Redman. En 1933, formó su primer grupo en Stockton, que tenía seis músicos en un primer momento, pero aumentó a nueve en 1934. El grupo tocó arreglos de Don Redman, Fletcher Henderson y Duke Ellington, todas transcritas de las grabaciones. En 1935, la orquesta estaba en el mismo proyecto de ley en el Salón Palomar como Benny Goodman triunfal, luego fue contratado para tocar en el salón Rendez-Vous, en Balboa Beach, en el sur de California, donde permaneció hasta 1938. Gil Evans fue el encargado de escribir y llevar a cabo, y, de vez en cuando, Stan Kenton ocupó la cátedra de piano.
   
• En 1938, Alex Holden, quien trabajó para la MCA en ese momento, se ofreció la orquesta de Gil Evans, la oportunidad de acompañar a la cantante Skinnay Ennis. Gil aceptó, manteniendo su posición como arreglista. Ennis encontró trabajo para el grupo en el show cómico Bob Hope de radio conocida por la NBC en Hollywood. El director, entonces llamó a otro arreglista para trabajar con el grupo, Claude Thornhill, quien anotó un gran éxito en 1937 con su arreglo de "Loch Lomond" de la cantante Maxine Sullivan. Él y Gil Evans se convirtió en compañeros y amigos, pero los dos arreglistas decidió dejar este trabajo en particular en 1941. Thornhill había ya armó su propia orquesta en Nueva York en 1939. Este grupo había comenzado a salir de gira y se encontró, en el verano de 1940, en el salón Rendez-Vous, en Balboa Beach. En 1941, Thornhill decidió regresar a Nueva York, y el 20 de marzo, la orquesta comenzó una residencia de tres meses en el Casino de Glen Island. Gil Evans se unió a él como arreglista junto a Bill Borden, y el 17 de noviembre, por primera vez en su carrera, una de sus disposiciones se registró. Desafortunadamente, los EE.UU. también había ido a la guerra durante este tiempo, y la gran cantidad de proyectos de órdenes obligado Thornhill a disolver su orquesta.
• Gil Evans en Nueva York en 1948 
• Gil Evans también entró en el ejército, permaneció en Estados Unidos, y se convirtió en ciudadano de los EE.UU.. Se le asignó a las bandas de ejército diferentes en el que juega a menudo el bombo, sobre todo en Augusta, Georgia, donde conoció a Lester Young. Fue durante su servicio militar que Gil Evans descubrió la incipiente música bebop, a la que se sintió atraído de inmediato. Fue dado de alta, y se mudó a Nueva York en 1946, instalándose en una pequeña habitación amueblada en la calle 55 que estaba destinado a convertirse más tarde, un hito mítico. Luego renovó su colaboración con Claude Thornhill cuando éste reformó su orquesta. Evans se mantuvo como uno de los arreglistas de la orquesta Thornhill hasta 1948, y en este contexto experimentado con muchos aspectos de su creatividad en ciernes.
• Por ahora, su cuarto en la calle 55 se había convertido en un lugar de encuentro casi permanente, en donde muchos músicos estaban ocupados en crear un universo musical, músicos como Gerry Mulligan, Lambert Dave, Carisi John, George Russell, Miles Davis y Charlie Parker. Un proyecto fue concebido en ese entonces por Gil Evans y Gerry Mulligan, el de una orquesta de tamaño medio que combina la textura del sonido de la orquesta Thornhill con los nuevos descubrimientos de bebop. En un primer momento, Charlie Parker se propuso como líder de este grupo, pero al final, Miles Davis fue elegido. En 1948, un noneto se formó, y estaba reservado en el Royal Roost en la calle 47. La banda se disolvió después de este compromiso, sin embargo, pero se las arregló para grabar doce lados en 1949 y 1950 (dos de ellos organizados por Gil Evans) que más tarde serían recopilados en 1953 bajo el título The Birth of the Cool, un disco que se ahora se considera un punto de inflexión en la historia de la escritura de jazz.
• Alrededor de 1949, Gil se casó con Lilian Grace (se divorciaron más tarde), y hasta 1956, pasó por un periodo de producción musical limitado. Pasó el tiempo a estudiar música a fondo, y de vez en cuando escribía para los cantantes, la radio y la televisión, pero funcionó sólo esporádicamente en el campo del jazz, con artistas como Pearl Bailey y Billy Butterfield en 1950, y Charlie Parker en 1953. Luego, en 1956, su carrera realmente comenzó a despegar. En primer lugar, Gil colaboró ​​con Helen Merrill (en el sueño el álbum de usted), y luego con Miles Davis, que acababa de firmar con Columbia y optó por Gil Evans para su primera grabación con un gran conjunto. El álbum en cuestión, Miles Ahead, fue lanzado en 1957, y varias otras colaboraciones siguieron, incluyendo Porgy And Bess en 1958, bocetos de España en 1960, y Quiet Nights en 1962, que pasó a convertirse en clásicos del jazz orquestal. Durante este mismo período, Gil Evans también grabó varios discos bajo su propio nombre, con grupos algo más pequeños en su mayor parte. Estos incluyen Gil Evans y Diez (1957), Nueva botella, el vino viejo (1958) que cuenta con Cannonball Adderley, grandes estándares de jazz (1959) y Out Of The Cool (1960). En 1960, la orquesta recibió una residencia de seis semanas en la Jazz Gallery, un club de Nueva York. Gil grabó de nuevo desde 1962 a 1965, en especial los discos el individualismo de Gil Evans, las formas de guitarra con Kenny Burrell, y mirar hacia el arco iris con Astrud Gilberto.
• Gil Evans en París en 1987 
• En 1962, conoció a Anita Cooper. Se casaron en 1963 y tuvo dos hijos, Noah (nacido en 1964) y Miles (nacido en 1965). Durante cuatro años, Gil no producen cualquier tipo de música en todo, y se concentró en cambio en el aumento de su familia. Comenzó a grabar de nuevo en 1969, con conjuntos de tamaño mediano (por lo general doce-quince músicos) en el que los instrumentos eléctricos empezaron a jugar un papel muy importante. La instrumentación también cambia, con el número de instrumentos de viento se reduzca en favor de la sección rítmica, que fue aumentada ahora por las guitarras, percusión, y varios otros instrumentos. La colaboración proyectada con Jimi Hendrix fue truncado por la muerte prematura del guitarrista, sino un álbum de arreglos de jazz de las composiciones de Hendrix interpretada por la Orquesta de Gil Evans fue puesto en libertad, sin embargo, en 1974. La orquesta comenzó a viajar fuera de los EE.UU., especialmente en Europa. En 1975, Gil Evans registrado Llega un momento, lo que resultaría ser su último álbum de estudio desde hace bastante tiempo. Todas las grabaciones posteriores de la orquesta eran discos en directo, sobre todo las realizadas en Nueva York, álbumes como sacerdotisa (1977) y Live At The Public Theater (1980), así como los registrados en Londres, como Live At The Royal Festival Hall (1978).
• En 1980, Gil Evans grabó una serie de dúos con el saxofonista Lee Konitz (Héroes y Anti-Heroes), y, a partir de 1984, la orquesta fue contratado para jugar todos los lunes por la noche en el Sweet Basil, un club de Nueva York. El Monday Night Orchestra, como se conoce, jugó allí hasta la muerte de Gil, y grabó varios discos, incluyendo Live At Sweet Basil (1984), y Bud y Bird (1986). En 1985 y 1986, Gil Evans escribió la música para varias bandas sonoras de películas, sobre todo principiantes Julian Temple y Martin Scorsese en El color del dinero. El año 1987 fue especialmente prolífico, marcada por numerosas grabaciones, así como varias giras por Europa, incluyendo un concierto de Sting estrella del pop. En diciembre de ese año, grabó otro disco de duetos, Paris Blues, esta vez en colaboración con su antiguo cómplice, el saxofonista soprano Steve Lacy.
• Gil Evans murió de neumonía el 20 de marzo de 1988 en Cuernavaca, México, donde Charles Mingus antes que él también había venido a morir en 1979.

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Anni Piper

• Voz sensual intérprete australiano Anni Piper han atraído un interés considerable en el extranjero y la vio firmar con los expedientes EE.UU. etiqueta de hoja de Blues en 2008. El catálogo 'Hoja Blues' incluye comunicados por muchos artistas exitosos de América incluyendo el Magness galardonado Janiva. Debut de Anni EE.UU., titulado 'Dos de la Compañía "fue lanzado en enero de 2009 y alcanzó el # 1 en las listas de música y las raíces de Australia 21 # en la tabla de" Living Blues "los EE.UU..
•       El último CD de Anni 'Chasin' cola 'fue lanzado en febrero de 2010 en el Festival de Blues de Australia, NSW. "Chasin 'cola' ha sido recientemente lanzado por los expedientes de hojas azules en todo el resto del mundo con excelentes críticas. Para este álbum, Anni tiene un nuevo line-up y un sonido más duro, influenciado por el blues / ídolos del rock que había tenido en su juventud.
•       Anni Piper comenzó a tocar la guitarra eléctrica a los 12 años de edad, pero se convirtió en un músico dedicado cuando le dieron su primer bajo a los 14 años. Rápidamente descubrió una afinidad con el instrumento, prefiriendo establecer un surco en vez de gritar un solo. La habilidad musical de Anni y fuerte enfoque llevó a completar un Bachillerato en Artes (Música Contemporánea) en la Universidad de Southern Cross, Lismore NSW, a tan sólo 19 años de edad.
•       Anni recuerda con claridad la primera vez que oyó el blues de nuevo en sus días de escuela. "Fue Paul Butterfield Blues Band tocando" Nacido en Chicago -. Sabía de inmediato esta era la dirección que se dirigía ", dice.
•       A principios de 2004 Anni tomó la decisión de grabar "Jailbait" (BMM287.2), su CD debut. El álbum fue un éxito inmediato, ganando la categoría de "Mejor Nuevo Talento" en los Premios 2005 de Australia Blues, además de una nominación a "Mejor voz femenina". Anni también logró el primer lugar en la competencia "aire fresco" en el 2004 ABC Radio.
        Estos no fueron los elogios sólo para "Jailbait y Anni se convirtió en un top 5 finalistas en la categoría de blues de la competencia 2004 MusicOz, y logró el 2do lugar en la categoría de blues del 2005 del Concurso Nacional de Australia, composición de canciones.
•        El segundo álbum de Anni 'Texas Hold' Em "(BMM324.2) se registró a principios de 2007. Fue la grabación de un gran "más crudo", y representa el sonido en vivo de Anni en el momento más eficaz que su primer álbum. Ya reconocido como un bajista y cantante, este álbum demostró que Anni se había convertido en un compositor de distinción, sus canciones tienen una sensibilidad de blues, mientras que dejar de abordar los temas de la actualidad.
   
        Los logros recientes incluyen propuestas como una de las cinco finalistas en los Premios 2010 Musicoz en el Blues / categoría de raíces, y finalista en los Premios 2009 de Desarrollo Profesional del APRA.
        Anni fue finalista por "Mejor Vocal Femenino" en la Música de Australia 2008 Blues (Cadena) Premios y recibió una nominación para el premio "Rudy Brandsma" en el 2007 del Concurso Nacional de Australia, composición de canciones.
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•      Para promover su música Anni tours Australia extensamente, visitando NSW, VIC, SA, WA, TAS y Queensland. Apariciones en festivales incluyen el Festival de Folk de Woodford (QLD), Optus Muster Nacional de Música (Gympie, Queensland), Jazz & Blues Festival Wangaratta, Blues Bruthen y Festival de las Artes (CIV), Queenscliff Music Festival (CIV), y el Festival de Blues de Australia ( Goulburn, NSW).
•       De vídeo de Anni musical de "El cazador de sueños" ha aparecido en populares programas de televisión australiana "Rage" (ABC TV) y "Música Landed" (SC10) y que ha llevado a cabo en "El show de Susana" (WIN TV) para promocionar su música. Sus grabaciones han recibido Airplay extensa en Australia, Europa, EE.UU. y el resto del mundo.

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Within Temptation Ruud Jolie

• Por lo que sabemos es un proyecto de Within Temptation Ruud Jolie guitarrista. Ha grabado una gran cantidad de canciones y álbumes con otros artistas, pero el impulso de escribir y grabar su propio material siempre ha estado presente.
•  Así que durante los últimos 4 años ha estado trabajando en esta música, tanto cuando estaba en el camino con varias bandas (Within Temptation, Agua de Annique, Damian Wilson Band, soltera Unidos, etc) y en su propio estudio. Se considera muy afortunado de poder trabajar con algunos de los más grandes músicos y la gente pueda imaginar en este proyecto.
•  El disco por lo que sabemos, escrito y producido por Ruud sí mismo, contiene 12 canciones originales que van desde la acústica muy atmosférico y soñadora a las pistas de metales pesados ​​y fuertes progresiva.
  Ya podemos escuchar los samples del primer álbum en estudio del proyecto For All We Know, de Ruud Jolie, guitarrista de Within Temptation, y donde escuchamos la linda voz de nuestra musa e inspiración Sharon den Adel. Además, a todos los músicos invitados los pueden ver aquí.
• El álbum For All We Know ha sido escrito y producido por Ruud Jolie, contiene 12 composiciones originales que van desde lo atmosférico, acústico, heavy, o metal progresivo. Y por lo poco que se escuchar no puedo decir nada todavía, espero tener la oportunidad de escucharlo completo. Tiene el tracklist, el video y el audio con los samples a continuación.

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Mark Stuart

• Mark Stuart Spiro es un productor americano compositor, músico . Ha colaborado en canciones con numerosas bandas de rock estadounidenses como REO Speedwagon, Mr. Big, Heart, Cheap Trick, Kansas, Winger, Giant, Bad Inglés, John Waite y Julian Lennon .
•  Spiro nació y creció en Seattle, Washington. En su carrera, pasó un tiempo en Alemania trabajando con Jack White y otros productores, y lanzó su primer álbum en solitario, In Stereo. Spiro se mudó a Los Angeles donde trabajó como compositor, y ha colaborado con numerosos artistas.
•  Spiro colaboró ​​en ocho canciones en el álbum debut de Gigantes, incluyendo el mayor éxito de la banda, "Te veré en mis sueños."  Spiro y Michael Thompson formó la banda "Pray For Rain". Spiro se firmó un contrato como solista con Interscope, y Michael Thompson pasó a la publicación del álbum de Michael Thompson Band.
•  Spiro no dio a conocer un álbum con Interscope. Segundo álbum en solitario de Spiro, cuidado de mi alma fue lanzado en 1994, en Australia, Japón y Escandinavia.
•  En 1996 publicó Spiro Ahora es, pues, entonces es ahora en los expedientes de Westcoast. El álbum ganó el Premio del Reino Unido fronteras para mejor cantante / compositor del álbum. Los álbumes siguientes, la devoción y la materia que están hechos los sueños fueron puestos en libertad en el sello alemán MTM Music. Última versión de Spiro, el rey de los cuervos, fue publicado por Music Atenzia.
• MARK SPIRO es un escritor y productor representados en más de 100 millones de unidades vendidas récords mundiales de ancho.
• Él es más conocido por ser uno de los escritores principales Roca EE.UU., con canciones de corte por Mr Big, Heart, Cheap Trick, Kansas, Winger, Giant, Bad Inglés, John Waite y Julian Lennon (en la que, entre otras co-escribió más grande de Lennon éxito "agua salada").
• Nació y creció en Seattle wherw, en una etapa temprana comenzó a escribir y tocar música. Mark sabía que su meta en la vida y después de trabajar duro que acabamos de pasar varios años en Alemania trabajando con Jack White y otros productores en un montón de alemanes pop / disco producciones. Fue también en Alemania que Mark grabó y lanzó su primer álbum solista "In Stereo". Tras su paso por Alemania, el mismo Marcos con sede en Los Ángeles, donde, durante mediados de los años 80, comenzó a construir su reputación como un compositor increíble, y se convirtió en la gran demanda de todos los de las grandes discográficas para proyectos que necesitan fuera de los escritores o colaborador de la artista.
•  Como un artista que empezó a hablar con el guitarrista Dan Huff estudio de formar una banda, pero debido a diversas razones, Dan y Mark se separaron antes de que la banda se convirtió en gigante. Había sin embargo, no hay resentimientos, como lo demuestra Spiro tener unos 8 créditos de la canción en el álbum debut de éxito por los Gigantes.
•  Junto con otro jugador de la sesión de guitarra con mucho talento, Michael Thompson, Mark formado "Pray For Rain", un proyecto de banda que ganó un montón de interés de las grandes discográficas. Sin embargo, debido a la política y diversas cuestiones que finalmente resultó que Mark Spiro se firmó un contrato como solista con Interscope y Michael Thompson fue a hacer lo suyo y el lanzamiento del álbum de Michael Thompson Band. Por desgracia para Marcos, la situación Interscope se convirtió en un dolor de corazón al igual que muchos otros, como Jean Beauvoirs corona de espinas.
•  Mark nunca tuvo la oportunidad de lanzar su álbum antes de que se cayó debido a la política de grandes discográficas y los juegos en el interior. Marcas segundo álbum en solitario, "cuidado de mi alma" fue lanzado en Japón, Australia y Escandinavia en 1994, y fue una acústica muy artístico y sofisticado basado en disco de pop con la marca especial de Marcos, en el departamento de voz y escritura. 1996 vio el lanzamiento de "Ahora es, pues, entonces es ahora" en los expedientes de Westcoast que fue un récord perfecto de rock melódico que recibió el aplauso unánime de la prensa de rock europeos por ser uno de los lanzamientos más fino absoluto de ese año.
• Que terminó ganando el premio Fronteras del Reino Unido revistas de mejor cantante , compositor del álbum. Siguiente marca de Spiro dos álbumes, "Devotion" y "la materia que están hechos los sueños" fueron puestos en libertad en el sello alemán MTM Music. Ahora está de vuelta con su último disco "King Of Crows" con su nueva música Atenzia .

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