Ingenio alemán realmente increíble

• EL TREN DE SET! Dos hermanos alemanes han armado juntos este juego de trenes.  Asegúrese de hacer clic en el enlace al final y ver esto en movimiento.
• Este es el más grande del mundo.
  Cubre 1.150 metros cuadrados / 12.380 pies cuadrados
  Casi seis millas de la pista y aún no se ha completado.
  Los hermanos gemelos Federico y Gerrit Braun, de 41
  años, comenzaron a trabajar en el "Wunderland en
  miniatura" en el año 2000.

• El conjunto abarca seis regiones, incluyendo Estados Unidos, Suiza, Escandinavia, Alemania y los Alpes austríacos.

• La sección estadounidense cuenta con maquetas gigantes
  de las Montañas Rocosas, Everglades, Grand-Canyon, etc.

• ... Y el Monte Rushmore..

• La sección suiza cuenta con un mini-Matterhorn.

• La parte escandinava tiene una nave de pasajeros de 4 pies
  de largo flotando en un "fiordo".

• Se espera que esté terminada en 2014, cuando el conjunto
  de trenes que cubren más de 1.800 metros cuadrados /
  19.376 pies cuadrados y cuentan con casi 13 kilómetros de
  vía, momento en el cual los modelos detallados de las partes
  de Francia, Italia y el Reino Unido se hayan añadido..

• Se compone de 700 trenes con más de 10.000 coches y vagones.

• El tren más largo es 46 pies de largo..

• El paisaje incluye 900 señales, edificios de 2.800, 4,000
  coches - muchos de ellos con los faros iluminados.

•  ... Y 160.000 figuras diseñadas de forma individual..

• Miles de kilogramos de acero y la madera se utilizó para construir el escenario ...

• Los 250.000 luces están manipuladas con un sistema que
  imita la noche y el día de forma automática a encender y apagar.

• Todo el sistema se controla desde un centro neurálgico de
  alta tecnología.

• En total para armar el conjunto ha llevado 500.000 horas
  de trabajo y  más de 8 millones de dólares, la gran mayoría
  de los cuales proviene de la venta de entradas..

• 
   Gerrit dijo: "Nuestra idea era construir un mundo donde hombres, mujeres y niños puedan asombrarse y
  sorprenderse por igual.

• Frederik agregó: "Si los juegos de azar en Las Vegas, senderismo en los Alpes o remar en los fiordos noruegos -
  en todo Wunderland es posible." Este vídeo de 4 minutos
  vale la pena ver para estas cosas asombrosas.
  
  
  Pinche para verle en movimiento
  
  http://www.miniatur-wunderland.com/exhibit/video/4-minutes-wunderland/
   

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LOS PRODUCTORES

• Una de las bandas de onda más emocionante y nuevo y elegante en el circuito, basado en Bournemouth Los productores se encuentran entre los líderes del fenómeno de la corriente encabezada por Joe Bonamassa blues y John Mayer.
   
• Los productores son algo realmente especial, tocando los más frescos blues en vivo en Gran Bretaña. Preocupado por sentir y actitud, más que copiar servilmente "yo la mano por 'American Music, The Producers se mueve sin esfuerzo entre su propio material bien elaborado y los clásicos reforzado en serio su sello propio de la identidad característica. El tratamiento no por la pieza de museo de la música como una especie de los productores son propensos a descuidar el descontento de un sector de la jerarquía de Blues, sin embargo, al mismo tiempo son arrolladora en todo el país la construcción de un público masivo de sell-out en los clubes y las fechas El desarrollo de una reputación de "igual de impresionante que nadie puede ignorar.
• Ser invitado a jugar las ranuras prestigioso festival es siempre un signo de una banda en su camino, recibiendo invitaciones para abrir los conciertos Sin embargo a partir de luminarias como John Mayall, el Taj Mahal, Dr. John, Peter Green y Robert Cray ha llevado a los Productores convirtiendo rápidamente en una mayor atracción por derecho propio. Con siete álbumes aclamados, el aire jugar y vivir las apariencias a través de Europa, los Estados, Australia y Nueva Zelanda, los productores están jugando las fechas de titular y con razón, asumiendo una posición destacada en los premios de blues podios.
  
  LOS PRODUCTORES tan esperado nuevo CD y 'Blues de Londres discos de vinilo será el primer álbum de la banda desde su CD "Live Blues" fue lanzado en el año 2000, la brecha de 11 años! por lo tanto es la creación de un montón de entusiasmo dentro de la comunidad de blues y de la industria de la música en general. El disco cuenta con invitados Pablo Beavis (Go West, Low Riders) Andy Fairweather Low (Eric Clapton, Roger Waters) Aguas Ben y cinco veces ganador del premio Pablo Cordero blues en el piano y la armónica, respectivamente, con todo el material de auto-escritas originales que el bienestar. .
  
  Dave Saunders y Skinner Harry formó The Producers en 1990. Pasaron a ser uno de los conjuntos de blues más popular en el país en ese momento de ganar la 'Blues Band del Año premio cuatro veces, la liberación de siete álbumes en CD uno de los cuales "no hay amor en el mundo" fue nominado para el "Mejor Álbum de Blues del premio ..
  
  Que regularmente se venden lugares de todo el país y fueron de los primeros en presentar un set acústico en el que condujo a su show, teatro y reservas Centro de Arte a nivel nacional, la acústica total casi se convirtió de rigor en septiembre y todas las bandas, blues o lo contrario, seguido de Productores plomo.
•  Muchos cabezas de cartel del festival incluyendo Colne, Burnley, Blues Stanley, Dublín Templebar, Cork, Farnham, Gales del Norte Festival de Blues y muchos otros fueron jugados. Bélgica, Irlanda, Holanda y Francia acogió a los productores y visitas a la gira de un mes largo de Nueva Zelanda se llevó a cabo otra parte, la banda tocando en el Jazz Festival de Blues de Tauranga + con gran éxito.
• En el Festival de Cognac Blues en Francia se unió en el escenario de que fueran cabeza de cartel por 'sección de metales y, memorable, su "Ray Charles Raelets' shimmy y bailando delante de ellos!
• Ellos se presentaron en la sesión en el concierto de blues Pablo Jones en la BBC Radio 2 y han sido elogiados por dos Johnnie Walker y Bob Harris. Jugar en el Alexis Korner Memorial Concert en Buxton Opera House fueron descubiertos por Peter Peters Gestión Verdes En primer gran concierto y que apoyen a los Fleetwood Mac leyenda de la guitarra en su primera gira nacional por 25 años, los productores también aparece en el documental de la BBC de el concierto de Buxton.
• Dio su último concierto de Productores de Fin de Año 2001 / 2 a 6 meses después de la empresa gira de despedida por el Reino Unido hace falta decir que fue un completo vender.
• Ellos están de vuelta y ahora! Harry y Dave sigue líder de la banda hábilmente asistido por Ray Drury en órgano y piano y Biff Smith en los palos y la percusión. Nuevas canciones escritas y leales han estado Reconocer algunas fans favoritos reelaborado etapa a medida que avanzan en el pasado, pero definitivamente no olvidar la historia musical de la banda.

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Aaron Williams

• Formado como trío en mayo de 2008, Aaron Williams (voz, guitarra), Eric Shackelford (batería y voz) y Z (bajo y coros) tienen el blues profundamente enraizado en la música que les gusta jugar.
• El trío se reunió a todos mientras Aarón estaba organizando un atasco de blues en el club ya desaparecido, El Café Cuda.
• o mucho tiempo después de esta fatídica noche la banda estaba tocando por todo el pueblo natal de Madison, WI.
• Al correrse la voz continuó extendiéndose más allá de su ciudad natal, el trío comenzó una gira por todo el Medio Oeste jugando vendido muestra tan lejos como Dakota del Norte e Indiana. Mientras la banda sigue creciendo musicalmente han fusionado blues, las raíces y la música rock y el sonido original en que una creciente base de fans es el reconocimiento y la siguiente. 
• Esta despojado trío ha sido la captura de un zumbido en el Medio Oeste y el Sur con sus constantes giras (más de 190 shows en 2009) y emocionantes espectáculos en vivo. Aaron Williams y el Hoodoo han aparecido en varias emisiones nacionales, incluyendo la CNN y WGN.
•  También tuvieron el placer distinto de ser invitado por Harley Davidson para jugar Bike Week en Daytona Beach, Florida en febrero de 2009. Un favorito de Madison en los últimos tres años según lo votado por los lectores de periódicos Istmo y llevándose a casa cinco premios MAMA en 2010 incluyendo el codiciado Artista del Año ha sido un testimonio de las bandas de éxito en un período muy corto de tiempo.
•  Ellos han tenido el placer de jugar en algunos de los festivales más grandes del Medio Oeste, incluyendo, Summerfest, Festival BAM y la parte superior muchos más lugares en todo el Medio Oeste y el Sur. Han compartido escenario con artistas tan notable como los Cayos de Negro, The Roots y Allison Bernardo. Con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración "It Ain't Easy", la banda busca de avanzar y llevar su sonido a los fans más y más usuarios que buscan de verdad la música americana original. 
• Aaron, como tantos otros determinados joven jugador ha tenido un veterano músico de aprender el oficio, otros no, hay cosas que su padre Joe Andersen Cadillac. A la edad de 16 años, Aaron tomó la guitarra y se obsesionó con el instrumento. A la madura edad de 18 años ya era colarse en algunas de las zonas de atascos parte superior y era mantenerse al día con los jugadores veteranos. Finalmente encontró un hogar en la Luna de Plata,
• donde muchos grandes jugadores que aparecen en las noches de jueves a este atasco blues. Con los gustos de áncora Lucas, Michael Coleman y jugando Buddy Guy, que estaba en el lugar adecuado para aprender el oficio de un hombre delante de blues. Después de notar este niño flaco apareciendo y cantando a todo pulmón la semana tras semana blues Michael Coleman lo apodó "Youngblood" y lo llamaba a subir al escenario cada vez que la gente necesitaba un empujón. Aaron sigue créditos estos años como un paso hacia el tipo de jugador que es hoy. 
• Cadillac Joe, al notar su destreza infantil para los blues le firmó un contrato para su próximo proyecto, El Cadillac Joe Blues Band. Viaje por la región central extensamente con su padre, Aaron fue capaz de aprender el oficio y el negocio de la música.
•  "No cambiaría esos años por nada en este mundo, el gasto de todos esos kilómetros en un camión con el viejo ....
•  Se aprende mucho de las cosas, no sólo sobre la música, pero la vida." El camino los llevó a algunos de las principales ciudades del Medio Oeste de los blues y los clubes, jugando grandes festivales de música en todo los EE.UU.
• Con el volumen creciente en el Cadillac Blues Band Joe, uno de los clubes de blues arriba en el Medio Oeste, Blues Lutero en Madison, que tomó como su banda de la casa. Esto dio a Aarón un gran número de seguidores y fue capaz de jugar con algunos de los músicos de blues más importante del mundo. Shemekia Copeland, Coco Montoya, Jimmy Thackery, Carey Bell, Ed Lil ', Anthony Gomes, Ana Popovic, el Taj Mahal, Canned Heat y la lista sigue. Visto Aaron jugar Coco Montoya dijo: "Muchacho, tienes un verdadero futuro en este negocio, sigue así!" 
• Deseoso por el sonido de conducción dura, Aaron ha encontrado la armonía en la mezcla de su amor por el blues para formar un sonido original que los fans americanos están descubriendo y amando. Parte de blues, parte rock , y la música parte raíces, Aaron Williams y Hoodoo están listos para tomar su lugar como uno de los más emocionantes nuevo trío en la escena musical de hoy.

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Wynton Marsalis & Eric Clapton

• Cuando Wynton Marsalis y Eric Clapton tocaron juntos fue en Rose Theater en el Frederick P. Rose Hall, sede de Jazz at Lincoln Center para dos conciertos a sala llena dedicada al blues de la vendimia. La extraordinaria colaboración, considerada como Wynton Marsalis y Eric Clapton tocar el blues, la tesis de Música Virtuosos emparejado con los miembros de la Jazz at Lincoln Center Orquesta trajeron a la vida de un repertorio de canciones seleccionadas por Clapton y organizado por Marsalis.
   Para ayudar a alcanzarlos Ese nivel de devoción, Marsalis y Clapton se unieron en el escenario por Dan Nimmer (piano), Carlos Henriquez (bajo), Ali Jackson (batería), Marcus Printup (trompeta), Victor Goines (clarinete), Chris Crenshaw (trombón, ...
• ... Voz), Don PPV (banjo) y el tecladista desde hace mucho tiempo Clapton / músico Chris Stainton, también cuenta con aparición especial de Taj Mahal.
   La banda con agilidad Navigated una lista de temas diversos que se refirió a diferentes estilos, desde los cuatro-en-el-piso de oscilación de "Ice Cream" de Louis Armstrong y el sur de lento arrastrar de WC Handy "Joe Turner Blues" a los azules de viaje de "Joliet Bound" y saltar el boogie-woogie de "Blues Kidman." Después de abrir la muestra con un conjunto histórico en solitario, el Taj regresó para unirse a la banda en "Corrine, Corrina" y el nuevo estándar de Orleans funeral "Just a Closer Walk contigo . "
•  La canción no seleccionados para el show de Clapton era el suyo "Layla", que fue solicitado por Henríquez y el bajista dispuestos como un canto a la Media Luna Roja Resultados tremendo.

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• La canción "Cry Me A River" es una historia llena de ruido y furia - de amor ido mal. El rendimiento de Bublé encarna la esencia misma del alma de un hombre cuyo corazón ha sido destrozado. Una tienda de campaña fastidio de rechazo y de rabia.
• Y eso es sólo la primera canción!
• Se podría pensar que usted sabe que canción "Cry Me A River", porque ya se ha cubierto con desprecio astuto y sutil, por artistas tan diversos como Ella Fitzgerald a Joe Cocker. Pero la versión de Bublé lanza fuego nuevo y fresco a la canción antorcha tórrido de una manera diferente y desgarrador al mismo tiempo a menudo. "Mis canciones siempre han sido sobre el amor - el mío y de todos los demás. Pero esta vez fue un poco más extremo - y cavé profundo - modo más profundo, "dice Bublé acerca de la colección.
• De inmediato se puede sentir la real.
• Para empezar, Michael Bublé quería las puertas del estudio abierto durante las sesiones de grabación para "Crazy Love." Quería oír la batería sangrar en la sección de vientos. Él quería que sus seguidores se sientan lo que era en el estudio - a sentir que estaban sentados con él - para que tomen parte de su experiencia. Así que los ingenieros de micrófonos el piso y poner los micrófonos cielo de pie y se registró como todos los que con la emoción del momento presente - a pesar de que las canciones fueron escritas a lo largo de 80 años. Pero no todo fue tan diferente de la forma en que podría haber estado en una sesión de Louis Armstrong en los años 40 e incluso Elvis Presley finales de los 50. Las cuerdas que llegaría a llevar un extra de micro-vibraciones a lo largo de los arcos. A veces a capella - otras veces con bandas en vivo y hasta orquestas enormes - algunas sesiones hasta con los primitivos aparatos de grabación de 8 pistas que son una rareza en el sonido de la perfección cristalina de 2009. Pero no es sólo el período de tiempo que es crucial, pero la amplitud del territorio emocional de un hombre está dispuesto a vivir y compartir por venir limpio emocionalmente - en frente de un grupo de desconocidos ni menos.
• Además de descubrir una nueva forma de entregar las mercancías en vivo auténtica sensación musical es conocido por, su elección de material de muestra a un artista todavía tiene hambre de innovar y dejar su marca tanto como estilista, sino también como compositor. Él ya ha demostrado su valía que componen la exitosa "Home" es la canción para recordar a tantos soldados y sus seres queridos en estos tiempos de guerra. El homenaje nostálgico calificó como un éxito número uno en todo el mundo. Más evidencia del poder de la canción que provienen de la versión cowboy cantante Blake Sheldon país N º 1 de "Home". Y no olvidemos la actuación de Michael de su canción "Todo", que lanzó gazillion del primer baile de recién casados ​​como el Sr. y la Sra. Esa voz ha pasado de ser brisa, divertida y apasionada. Ahora es a veces tan fuerte como un jugador de hockey con un palo. A los viejos fans rápidamente se dará cuenta de que el jovenzuelo de MB antaño ha dado paso a un hombre complejo que toma el escenario en plena forma, incluso en el estudio de grabación.
• Nos guste o no, Michael Bublé se encuentra ahora en lo que el dramaturgo David Mamet, una vez conocida como "la gran mesa." El lugar cuenta con el peso y la licencia para expresar cualquier emoción artística, siempre y cuando sea auténtico. ¿Está dispuesto a tomar en tu palabra? o las letras? Ahora en la gran mesa de cantantes que puede vender en el Madison Square Garden, que tiene que convocar el calor y los nervios para navegar por los icebergs y los cruceros a vela en el océano del amor. Sin embargo, una sonrisa es aún fáciles de encontrar en el rostro de Michael. Su esencia se mantiene sólido como una roca. Al igual que Elvis es un chico chicas les encanta y muchos chicos quieren ser como. Ha sido un interruptor el corazón de un par de veces. (OK, tal vez más de unos pocos) . Y guarda sus amigos de la infancia y la familia cerca de él siempre.
• También es impresionante la gran mordida lágrimas Michael imaginación de la Fiesta Lovesong increíblemente variada de América. Va de Live at the Sands a Heartbreak Hotel en un latido cardiaco alterado. En muchas de las canciones, también, se oye que el amor de la melodía emparejado con un estribillo lírica inteligente.
• La sensación de puertas abiertas es un paso más en las dos nuevas canciones que Michael escribió como "Hold On" y el primer sencillo "No ha Met You Yet", que lleva una onda Beatles, incluso con el fábricas de amor-amor-loooove estribillo. A pesar de los Beatles como banda había roto mucho tiempo por el tiempo en que nació en la Columbia Británica en 1975, está claro que ha absorbido el Cuarteto Reina extravagantes con Mersey Beat melodías juguetonas con un mensaje optimista.
• Hubiera sido más fácil para relajarse, sino que tiene los cojones para tomar el corte del título, ya uno de los más queridos canciones del canon de nada menos peso en la música de Van Morrison cosmos. "Cuando canto 'Crazy Love' no es que yo voy a cantar mejor o el sonido mejor que Van Morrison, es que va a ser diferente de Van Morrison. Va a ser mi interpretación de la canción. Que sólo puede venir de mi experiencia de vida y lo que he vivido. O el amor o la pérdida que he sufrido ". Usted puede escuchar y decidir si vende su versión.
• "Uno de los grandes desafíos de un estilista de la canción es tomar canciones muy conocidas, como" Stardust "y" Georgia On My Mind "ya grabadas por cientos de artistas y me pregunto, ¿puedo traer algo especial a esta canción? De lo contrario ¿por qué el tiempo de todos los residuos en el estudio - sólo tiene que ir emborracharse y cantar en un bar karaoke - y lo he hecho demasiado "!
• Se oye muchas facetas de un hombre de la joven vaya optimista feliz suerte, el ex enojado plantado - un novio perfecto, - un pretendiente tal vez no tan perfecta o el hombre solo en una habitación llena de gente. Se oye cantar de aceptar la amistad duradera como un reemplazo después de una amarga composición ruptura como se narra en la historia de la pareja estrella-cruzados que se separó, pero nunca romper su relación en la Bublé escribió "Hold On". O la escena final en la desgarradora "en este momento."
• Otra puerta se abrió en un estudio diminuto escondido en las entrañas negro de Brooklyn donde Michael convocada con una edad de piedra en comparación de 8 pistas y grabó un dispositivo de Motown vibed balanceo armónico r & b melodía que fue un éxito de Dinah Washington y Benton Brook como un dúo en 1960. En esta ronda ir, cantó con el legendario Jones Sharon y los Dap Kings. "Fue completamente fuera de lo que he hecho - fuera de mi zona de confort, pero me lo pasé de maravilla", dice Bublé.
• Bublé revela un mundo animal ruidoso partido cansado en una nueva versión de la "Heartache Tonight" gran país rockero escrito por leyendas del rock robusto y un mega-éxito de los Eagles. Y luego regresa a una sentimental una vez más la esperanza "Todo lo que hago es el sueño de usted." Llegar a ambos fuera aún más en los márgenes de otras canciones para interpretar su verdad más profunda es el dolor y la felicidad reside dentro de Bublé mientras éste le da a los sabios y casi productos nostálgicos de "No eres nadie hasta que alguien te ama", mientras que al mismo tiempo tomarlo fresco, incluso más allá de Dean Martin, uno de los ídolos de Michael.
• Después de todo, la marca de canciones de amor de Bublé es una voz que evoca su pasión por la vida y un sentido afilado de la humanidad y el romance. La honestidad de sentimiento se extiende en las voces que atraviesan la noche como un eco oscuro de un corazón dolorido.
• Sin duda queda claro escuchando "Crazy Love", que no es necesario leer los titulares de un tabloide de chismes o leer tweets obsceno saber Michael ha tenido su corazón caminar por el barrio en los últimos tiempos. Pero a menudo se le puede encontrar tomando el sol del día.
• Como Michael Bublé abre las puertas a sus propias emociones para que el mundo vea en "Crazy Love", él sabe que no tiene otra opción. "No puedo mierda mis fans, él dice que va a saber que es real, porque lo sienten también -.. Y después de que ya no somos extranjeros"...

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Leonard Cohen (Montreal, 1934) el Premio Príncipe de Asturias de las Letras

• La vida tiene tan poco tiempo  que nunca podria decir que novela es la mas bonita escrita por mí..
• La poesía cantada, esas novelas de seis minutos y pico, la prosa mecida por inconfundibles melodías folk le han valido al músico Leonard Cohen (Montreal, 1934) el Premio Príncipe de Asturias de las Letras. Por sus canciones de marcado carácter literario, sí, pero también por su obra no cantada, libros como Flores para Hitler, Los hermosos vencidos, Comparemos mitologías, o la novela El juego favorito.
• Leonard Cohen, el susurro feroz
  El monje Leonard Cohen
  "Oigo música actual con gran placer, sin reconocer a nadie"
  Dos viejos amigos en Benicàssim
  Un 'extraterrestre' en el museo
  Leonard Cohen anuncia nuevo disco para 2012
  Leonard Cohen inicia triunfalmente en León su gira española
  VIDEO - AGENCIA ATLAS - 01-08-2009
  El cantautor canadiense presenta su último trabajo "Live in London". - AGENCIA ATLAS
• Con esta decisión, el jurado de los galardones hace realidad una vieja amenaza de la Academia Sueca: conceder su máxima distinción literaria a un simple cantante de rock. A lo mejor el Nobel nunca acaba por recaer en Bob Dylan, pero sí ha merecido un Príncipe de Asturias el cantautor canadiense cuyas letras (Suzanne, Last year's man, So long Marianne, Joan of Arc. Famous Blue Raincoat o I'm your man) son leídas con la reverencia debida a las grandes obras de la literatura por generaciones de oyentes.
• El jurado ha destacado el "imaginario sentimental" creado por Leonard Cohen, en el que "la poesía y la música se funden en un valor inalterable".
• Posiblemente ahora cobre todo su sentido el hecho de que la carrera de Cohen, fenomenal recitador de voz grave y ascendencia lituana, comenzase en los cenáculos literarios en aquellos años 60 en los que la generación que revisó las tradiciones del folk introdujo la sensibilidad poética de autores estadounidenses como Walt Whitman o Henry David Thoreau. Su novela de debú, El juego favorito, tomó la forma de un libro de aprendizaje.
• Después vendría el fichaje por Columbia Records, auspiciado por John Hammond. Y su estreno discográfico, Songs of Leonard Cohen, acaso uno de los mejores álbumes de la historia del rock. Se abría con Suzanne, una letra dedicada platónicamente a una bailarina canadiense que ya daba idea de unas inquietudes poéticas, algo nada común en la industria de la música: "Y cuando tratas de decirle / que careces de amor para ofrecer / te coge y te mece entre sus brazos / dejando que el río conteste / que siempre fuiste su amante".
• La pulsión estilística de Cohen nunca desapareció desde entonces, en discos como Songs from a Room (1969), Songs of Love and Hate (1971), Death of a Ladies' Man (1977, con producción de Phil Spector), I'm Your Man (1988) o su último álbum de estudio, Dear Heather(2004).
• Cohen visitó España por última vez en 2010 en una gira enmarcada en un tour monumental, espoleado por la pertinaz ruina en la que se quedó tras el último divorcio. El tour le llevó por todo el mundo desde 2009 (en realidad, eran dos giras enlazadas). Una prueba de lo que se pudo ver en aquellos conciertos está contenida en Live in London (2009). Cohen firmó un brillante capítulo en su relación con España cuando colaboró con sus composiciones para un disco de Enrique Morente, Omega (1996). El Festival Internacional de Benicàssim fue testigo del reencuentro entre ambas leyendas de la música.
• El galardón, que el año pasado recayó en el escritor libanés Amin Maalouf, reconoce a las personas cuya labor creadora o de investigación representen una contribución relevante a la cultura universal en los campos de la literatura o de la lingüística.
• De los ocho galardones que convoca la Fundación Príncipe de Asturias, el de las Letras ha sido el quinto en fallarse en la presente edición. La entrega de los premios será en otoño en el teatro ovetense Campoamor, presidida por don Felipe de Borbón. Cada premio está dotado con 50.000 euros y una escultura creada expresamente por Joan Miró.

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SMOKIE

• Los Smokie son un grupo musical de música rock británico que se hizo popular en Europa en los años 1970.
• Inicialmente se denominaron The Yen y posteriormente Essence. El grupo se formó en 1965, y estaba compuesto por Chris Norman (Redcar, Yorkshire, Reino Unido, 25 de octubre de 1950), Terry Uttley (Birkenshaw, Reino Unido, 9 de junio 1951), Alan Silson (Birkenshaw, 21 de junio 1951) y Ron Kelly (1952).
• En mayo de 1968 se rebautizaron como The Elizabethans y en otoño de ese mismo año, Kelly abandonó la banda. En agosto de 1969 realizaron dos canciones para un programa de la BBC.
• En 1973 Ron Kelly abandona la banda, es entonces cuando llega el baterista Pete Spencer (Bradford, Reino Unido, 13 de octubre 1948).
• No sería hasta 1975 que graban su primer álbum, Pass it Around, alcanzando la popularidad. Pero en 1982 con su poco exitoso álbum, Strangers in Paradise comenzaría su declive y en 1986 Chris Norman, una de las piezas clave, abandona la banda. A día de hoy, el único miembro original de la banda es Terry Uttley. Chris Norman sigue en activo en una carrera en solitario

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Nuevo Disco de Coldplay

• Chris Martín, cantante y líder de Coldplay. no se ve componiendo otro álbum, ni a corto ni a largo plazo...
• Mylo Xyloto es el quinto álbum de la banda británica y tiene prevista su salida al mercado el 24 de octubre. De momento, la banda británica ha estrenado dos singles, Every Teardrop Is A Waterfall y  Paradise.
• Lo más importante siempre es actuar como si cada álbum fuera el último..En una entrevista con el Mail On Sunday», Chris Martin explica que no se imagina trabajando en un nuevo álbum en este momento, ya que el grupo ha invertido mucho tiempo y energías en su último trabajo.
• Este podría ser nuestro último álbum. Es la destilación de tres años de trabajo y ahora mismo no puedo imaginar de dónde podría salir otro disco», señala el cantante de Coldplay.
• Si se acaba, se acabó..
  Ahora mismo tenemos a Justin Bieber y Adele como competidores y son muchísimo más jóvenes. Tenemos que tener la misma energía y esfuerzo que ellos ponen en sus trabajos, añade el músico.
•  Al mismo tiempo, Chris Martin deja claro que si Coldplay no publicara un nuevo trabajo, no sería nada traumático para él. «Si se acaba, se acabó, podría vivir con ello. Lo más importante siempre es actuar como si cada álbum fuera el último y no esperar nada más, concluye.

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sesión fotográfica

sesión fotográfica ..

 
 

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Medwyn Goodall

• Medwyn Goodall (nacido en 1961) es un compositor y músico en su mayoría relacionados con el género New Age. Nació en Yorkshire, Inglaterra. Vive con su esposa Wendy en Cornwall, Inglaterra. Según Allmusic, "comenzó a componer canciones originales Goodall en su adolescencia, ganando notoriedad local con su banda de Trax, en los años siguientes, aprendió a tocar una gran variedad de instrumentos, incluyendo mandolina, piano, batería, arpa, flauta, glockenspiel , zampoñas, vibráfono y el sintetizador, y cortar su primer álbum a los 16 años ". [1] Él es un grabador prolífico, habiendo grabado más de 75 álbumes.
•  También encabezó las listas de música del Reino Unido dos veces y vendido más de tres millones de álbumes. [2] Su primer álbum fue la emergencia (1987), publicado por la música del Nuevo Mundo. [3] Sus primeros discos fueron publicados también por la música Oreade. Medwyn Goodall inició recientemente MG Music [4], un sello discográfico especializado en música de la Nueva Era.
•  Él produjo los discos en los que se arregló, interpretó, mezclado y masterizado todas las canciones, a pesar de su álbum, Om (2006), fue producido junto con Terry Oldfield y Om2 (2010), fue producido junto con Aroshanti. Hay una lista actualizada de sus discos en la música de MG [4] y en toda la música [3] los sitios web.
•  Muchas de las últimas versiones de Goodall ha estado bajo el alias de Midori. Él explica que eligió este alias por lo que "podría registrar proyectos que fueron más étnico, oriental, o producidos por el arte de la curación" sin confundir a los fans de su música. [5] Sin embargo, también hay otros artistas musicales con o conocida por el nombre de Midori (como el combo Midori jazz-punk y el japonés violinista Midori Goto).
•  Una de las pistas de Goodall, "Espíritu Libre" de su álbum de Meditaciones y visualizaciones (2001) ha tomado muestras de la "Bosque de Verano" La música en el videojuego Spyro 2: Rage Ripto, como compuesta por Stewart
• Copeland!.

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Charles Edward Anderson Berry

• Dicen Que la Historia del rock & roll's  , describía de forma muy acertada las canciones de Chuck Berry ...Ritmo imparable, guitarra afilada, sonido sonido electrificante, historias de excepcional precisión y poder de evocación..
• Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en la ciudad de St. Louis, estado de Missouri (otras fuentes citan como su lugar de nacimiento a San José, en California), hijo de un contratista y diácono baptista llamado Henry y una profesora llamada Martha.  
• Desde su infancia se dedicó a la escucha de blues, de las melodías de Nat King Cole (uno de sus grandes ídolos) y del hillbilly, a la vez que desarrollaba un notable talento para la escritura poética. Tambien tenía tiempo para meterse en líos y acabar en un reformatorio por robo de armas.
• En un local llamado Cosmopolitan Club y tras casarse en 1948 con Themetta Suggs, fundó su primera banda, The Chuck Berry Trio (ex Sir John Trio), compuesta por Berry a la guitarra, Ebby Hardy a la batería y Johnny Johnson al piano, este último era el primer líder de la banda antes de la incorporación de Chuck.
• A comienzos de la década de los 50, las actuaciones del terceto resultaron todo un éxito entre la comunidad negra, los primeros en admirar su capacidad de trasladar los fraseos del country al R&B, creando unas composiciones de ritmo jovial y alma juvenil caracterizadas por unos infecciosos y adhesivos riffs.  
• En 1955 Chuck Berry se trasladó a la ciudad de Chicago en donde trabajó y conoció al bluesman Muddy Waters, quien lo recomendó a Leonard Chess para que escuchara una canción que Berry había compuesto. Su título era "Maybellene", una canción que en principio iba a llamarse "Ida Red".
• El éxito del sencillo, abrazado por una gran parte de la población blanca y espoleado por el mítico disc jockey Alan Freed, alcanzó el puesto número 5 en las listas estadounidenses.
  Curiosamente el apoyo promocional de Freed provocó que, en su época, el single fuese acreditado también a éste.
•  El genial Chuck Berry comenzó a escribir para Chess Records un gran número de temas que con el tiempo se convirtieron en grandes clásicos del rock.
  Todos ellos sirvieron para que gente tan decisiva para el progreso sonoro del género musical como los Beatles (que le versionaron en varias ocasiones) o Rolling Stones (que comenzaron su carrera con "Come on", una canción de Berry) se decidieran a adoptar las pautas ideadas por el gran maestro. "Roll over Beethoven", "Johnny B. Goode", "Rock and roll music", "School day", "Carol", "Sweet little sixteen", "Menphis Tennessee", "Reelin' and rockin", "Around and around", "Little Queenie" o "Too much monkey business" fueron y son algunas de las canciones más populares que grabó entre finales de los cincuenta y la primera mitad de los sesenta. 
• Junto a ello su baile del pato causó furor entre sus admiradores que rebosaban las actuaciones que el astro realizaba en tierras americanas, como por ejemplo en el Newport Jazz Festival o en sus apariciones televisivas y cinematográficas.
• Su fuerte personalidad, su carácter poco sociable y su gusto por la buena vida le ocasionaron algunos importantes problemas con la justicia.
  A comienzos de los años 60 fue arrestado por trasladar desde México a una menor de edad "para propósitos inmorales", aunque Berry siempre afirmó que lo que único que hacía esa chica de 14 años en su club Bandstand era trabajar en el guardarropa. Por esta acusación tuvo que pasar encerrado en prisión casi dos años entre 1961 y 1963.
• Tras salir de la cárcel Chuck Berry continuó cosechando triunfos con canciones como "You never can tell" o "Nadine" y fue reivindicado con tesón por los componentes de la Invasión Británica que estaban dominando las listas de todo el mundo.
• En 1966 cambió la Chess por Mercury Records pero los resultados no fueron buenos ni artística ni comercialmente y regresó de nuevo a su primer sello a finales del decenio, consiguiendo su último gran éxito en 1972 con el single "My ding-a-ling", una canción que llegó al número 1 tanto en los Estados Unidos como en Gran Bretaña. 
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• De nuevo los problemas legales le llevaron a la cárcel en 1979, cuando fue acusado por el gobierno estadounidense de evasión de impuestos.
  En los años 80 y 90 siguió girando pero sus actuaciones no estaban a la altura de su prestigio debido a una dejadez general del compositor que implicaba que no contara con una banda de acompañamiento fija sino que contrataba a músicos locales de las poblaciones a donde acudía, lo que provocaba una discordancia sonora entre Berry y sus acompañantes en escena.
  Sin embargo, el respeto a su magna obra y su incalculable influencia en el mundo del rock, hacen de cualquiera de sus apariciones en vivo todo un acontecimiento histórico para el devoto musical..

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Pablo Milanés

• Pablo Milanés (Bayamo, 24 de febrero de 1943) es un compositor, cantante, guitarrista y cantautor cubano, uno de los fundadores —junto con Silvio Rodríguez y Noel Nicola— de la Nueva Trova Cubana.
• Pablo Milanés nació en la ciudad de Bayamo (capital de la provincia de Granma), Cuba. Estudió música en el conservatorio municipal de La Habana.
• En sus comienzos estuvo muy influenciado por la música tradicional cubana y por el feeling (sentimiento en idioma Español). El feeling es un estilo musical que se inició en Cuba en los años cuarenta y suponía una nueva manera de afrontar la canción, donde el sentimiento definía la interpretación y estaba influenciado por las corrientes estadounidenses de la canción romántica y del jazz. El feeling se acompañaba de una guitarra, al estilo de los viejos trovadores pero enriquecido por armonizaciones jazzísticas. Así se establecía esta nueva forma de comunicación o "feeling" con el público.
• Como intérprete, Pablo Milanés se incorporó posteriormente al cuarteto Los Bucaneros, con quienes colaboró en sus primeros trabajos. También probó suerte como solista ocasional, diversificando de esta manera sus experiencias que más tarde le llevarían a trabajar en solitario. En 1965 Pablo Milanés publica Mis 22 años, considerada por muchos el nexo de unión entre el feeling y la Nueva Trova Cubana, incluyendo nuevos elementos musicales y vocales que serían precursores de la música cubana que vendría después. La colaboración con Los Bucaneros alcanza hasta 1966. En 1967 se incorpora al servicio militar obligatorio. Era la época de la guerra de Vietnam y Pablo Milanés comienza a tomar partido por las causas sociales, surgiendo en sus temas la preocupación por lo que le rodea. En 1968, Milanés ofrece su primer concierto con Silvio Rodríguez en la Casa de las Américas. Ésta sería la primera muestra de lo que más tarde, en 1972, surgiría como el movimiento musical popular de la Nueva Trova. En ese mismo lugar conocería a los miembros de la élite cultural y musical de otros países americanos con los que compartía sus preocupaciones sociales. Violeta Parra, Mercedes Sosa, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Simone, Vinícius de Moraes, Milton Nascimento, Víctor Jara entre otros muchos, pasaron por la Casa de las Américas en aquella época.
• Como compositor, Pablo Milanés ha tocado diversos estilos, entre ellos el son cubano y la canción protesta a finales de los sesenta. Ha pertenecido al Grupo de Experimentación Sonora y ha compuesto temas para el cine. A través del GESICAIC, tanto Pablo Milanés como otros destacados músicos cubanos, incluyendo a Silvio Rodríguez, participan en un taller creativo donde se formaba a jóvenes talentos cinematográficos cubanos enseñándoles lo mejor de la música cubana, que posteriormente quedaría plasmado en una generación de cineastas que fundían a la perfección música y cine. Esta etapa de Pablo Milanés abarca desde finales de los sesenta hasta mediados de los setenta, y va repleta de temas del artista: Yo no te pido, Los años mozos, Cuba va, Hoy la vi, Yolanda, No me pidas, Los caminos, Pobre del cantor, Hombre que vas creciendo, Yo pisaré las calles nuevamente, y otras.
• A principio de los años ochenta, Pablo Milanés forma su propio grupo, con la colaboración de varios amigos que estuvieron con él en el GESICAIC. Esta etapa se caracteriza por la riqueza de los recursos musicales utilizados y por la variedad de los géneros entremezclados, aunque sus contenidos siguen teniendo un fuerte trasfondo social. Un álbum importante en la vida de Pablo Milanés fue el titulado Querido Pablo, un disco homenaje grabado con algunos de sus grandes amigos, y en el que participan gente de la talla de Víctor Manuel y Ana Belén, Luis Eduardo Aute y Mercedes Sosa, entre muchos otros. Este disco tuvo una secuela en 2001, que llevaba el título de Pablo Querido. Veinte años después, un buen puñado de artistas se vuelven a reunir para cantar al son de Pablo Milanés. En esta ocasión, además de amigos "clásicos" de Pablo, se unen artistas de la nueva música pop, como Fher (el cantante del grupo mexicano de rock Maná), Marco Antonio Muñiz o Armando Manzanero.
• En 2005 compone una parte de la banda sonora de la película Siempre Habana dirigida por Ángel Peláez. De entre sus muchas canciones, son especialmente famosas: Yolanda, Yo me quedo, Amo a esta isla y El breve espacio en que no estás, Para vivir y Cuánto gané, cuánto perdí
• Numerosos artistas han colaborado con él, entre los que destacan: Ana Belén, Maná, Luís Represas Silvio Rodríguez, Joaquín Sabina, Caco Senante, Ismael Serrano, Joan Manuel Serrat, Los Van Van, Carlos Varela, Lilia Vera, Víctor Manuel o Javier Ruibal.

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The Blue Hearts

• The Blue Hearts ( Za Buru Hatsu, The Blue Hearts?) Fue una popular banda japonesa de punk rock que realiza desde la segunda mitad de la década de 1980 para la primera mitad de la década de 1990. Ellos han sido comparados con bandas como los Sex Pistols, The Clash y los Ramones. En 2004, The Blue Hearts fueron nombrados por HMV Japón como el grupo de música 19a mayor éxito e influencia japonesa.
  Sus miembros eran Hiroto Komoto (vocalista), Masatoshi Mashima (guitarrista), Junnosuke Kawaguchi (bajista) y Tetsuya Kajiwara (baterista). Shirai Mikio no era un miembro oficial de la banda, pero a menudo de gira con ellos como su tecladista. Formada en 1985, el grupo hizo su debut a principios de mayo de 1987, y publicó su primer álbum, el homónimo de "The Blue Hearts",y continuó con otros siete álbumes. A pesar de que empezó en un sello independiente, cada álbum vendió más copias que el anterior, con la venta de su último disco en millones.
• Además de contar con álbumes populares, también había muchos singles populares. Los dos más conocidos "Train-Train" y "Linda Linda", que se pueden encontrar en muchas máquinas de karaoke. Una versión de "Linda Linda" fue utilizado en los programas Sócrates 2004 dramas de amor y Gachi Baka, así como la película de 2005 Linda Linda Linda, el argumento de que se centra en una banda de chicas de secundaria "practicar las canciones de The Blue Hearts 'para el concierto de clausura del festival de la cultura de su escuela. La canción también aparece en el 2005 Nintendo DS videojuego Osu! Tatakae! Ouendan. Otras canciones, incluyendo "Train- Train", "Owaranai Uta" y "Hito ni Yasashiku", han aparecido en los juegos de arcade de Konami Drummania Freaks.
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Stevie Ray

• Stephen "Stevie" Ray Vaughan (3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros de blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix, Freddie King u Otis Rush. La revista Rolling Stone lo cita como el séptimo mejor guitarrista de todos los tiempos
• Stevie Ray Vaughan nació el 3 de octubre de 1954 en el Hospital Metodista de Dallas, Texas. A los siete años tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalan una de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo escuchó tantas veces que su padre lo terminó rompiendo de envidia puesto que él era un músico frustrado. En 2003 la revista Rolling Stone lo eligió como el 7º mejor guitarrista de la historia del rock.
• Stevie continuó tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entró a la escena del blues en Austin, Texas. En un amor de verano de 1970 formó su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 dejó la secundaria y se mudó a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".
• Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Posteriormente, en 1985 se uniría un cuarto integrante de la banda,Reese Wynans un virtuoso tecladista. Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

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Stevie" Nicks

• Stephanie Lynn "Stevie" Nicks (n. Phoenix, Arizona, 26 de mayo de 1948) es una cantante y compositora estadounidense, conocida principalmente por su trabajo con Fleetwood Mac y su carrera como solista, que ha producido más de 20 éxitos en los Top 40 de las listas discográficas. Es una de las pocas artistas de rock que ha mantenido una carrera como solista, al mismo tiempo formando parte de una banda muy exitosa. Como miembro de Fleetwood Mac ingresó a The Rock and Roll Hall of Fame en 1998De niña Nicks tuvo una familia en la que su madre le inculcó el aprecio a los cuentos de hadas y a la fantasía y su abuelo, un cantante de country de poco éxito, le enseñó a cantar cuando tenía cuatro años. A la edad de 16 años obtuvo su primera guitarra y escribió su primera canción titulada "I've Loved and I've Lost."
• Nicks conoció a su futuro compañero en la música y el romance Lindsey Buckingham, mientras asistía a la escuela Menlo Atherton.
• Años después se volvieron a encontrar y Buckingham recordó la buena voz de Nicks y junto con Javier Pacheco y Calvin Roper formaron una banda llamada Fritz que se hizo popular por sus presentaciones en vivo entre 1968 y 1972. Fueron teloneros, entre otros, de Jimi Hendrix y Janis Joplin. La banda eventualmente se separó pero Nicks y Buckingham continuaron escribiendo y grabando como dúo lanzando el álbum Buckingham Nicks en 1973. Para ese tiempo ya se habían convertido en pareja sentimental. Su tema "Edge of Seventeen" apareció en la película "School Of Rock", protagonizada por Jack Black, también en Grand Theft Auto: IV en la radioemisora Liberty Rock Radio.
•  Stevie Nicks.A pesar de su provocativa cubierta que mostraba una fotografía de la pareja desnuda, el álbum no fue exitoso. De todos modos llamó la atención del baterista Mick Fleetwood que estaba buscando un nuevo guitarrista para su banda Fleetwood Mac. Nicks era trabajadora de limpieza en ese momento. Fleetwood estaba interesado sólo en Lindsay Buckingham para reemplazar a su ex guitarrista Bob Welch, pero Buckingham dijo que sólo se uniría a la banda si también invitaban a Nicks lo cual fue acordado. El nuevo conjunto lanzó el álbum Fleetwood Mac en 1975. Nicks aportó varias canciones incluyendo "Rhiannon" y "Landslide", originalmente escritas para el segundo álbum de Buckingham Nicks. La unión entre el dúo y la veterana banda demostró ser exitoso, y un revitalizado Fleetwood Mac logró su primer #1 en la lista Billboard 200 y vendió más de 5 millones de discos
  A finales de 2004, Nicks comenzó a visitar centros médicos del Ejército y la Marina en Washington, DC. Durante su visita a los heridos en servicio, Nicks tomó la determinación de encontrar un objeto que pudiera dejarle a cada soldado que les levantara el ánimo, los motivara y les diera algo para cada día. Eventualmente decidió comprar cientos de iPod Nano y cargarlos con música, artistas y listas de reproducción seleccionadas a mano por ella, y autografiarlos. Ahora ofrece regularmente estas muestras de su aprecio, llevando a sus amigos más cercanos para compartir la experiencia.[1] En 2006, Nicks celebró una reunión para recaudar fondos para sus obras de caridad. Muchos de sus compañeros hicieron contribuciones. Nicks continúa desarrollando esta labor filantrópica.[2]
• "Yo lo llamo un iPod de los soldados. Tiene todas las cosas locas que yo escucho, las colecciones que he estado haciendo desde los años 70 para ir en el camino, cuando estoy enferma ... O el par de veces en mi vida que he estado realmente deprimida, la música es lo que siempre me saca de la cama. "
• Stevie Nicks, The Arizona Republic
  "Así que, cuando Mick [Fleetwood] y yo fuimos de habitación en habitación entregando estos pequeños iPods, nos contaron sus historias. Mick se convirtió en su alta y amorosa figura paterna, absorbiendo cada palabra que decían, manteniendo la calma (al menos en el exterior) e inspirándolos. Flotamos en una habitación a otra a través de los pasillos de los 2 hospitales durante un período de tres días. Entregamos todos nuestros iPods. Justo antes de salir para DC, Stephen Tyler y Joe Perry vaciaron sus bolsillos y nos dieron USD 10.000 para mí. En mis ojos pasaron de ser las estrellas de rock más cool a ser grandes hombres generosos, y como mi agente de prensa, Liz Rosenberg, dijo, todos los soldados que regresan heridos deben recibir un iPod. Será una parte integral de su recuperación. "

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Emmylou Harris

•  Emmylou Harris  en la última década, ganó la admiración tanto por su composición con elocuencia sencilla como por su canto expresivo incomparable. El Hard Bargain, su tercer disco de Nonesuch, que cuenta con 11 canciones originales y tres de ellas co-escritas con el compositor al Grammy y ganador de un Oscar, Will Jennings, que afectan a las autobiográfica, mientras que llegar a lo universal. Ella recuerda el momento en pisos que pasó con su mentor, Gram Parsons ("The Road") y compone un dulce recuerdo de la difunta McGarrigle cantante y compositora Kate ("Darlin 'Kate") y el tiempo que pasaron juntos, hasta el final . Harris localiza patetismo y un nuevo significado en los acontecimientos históricos y personales. En "Mi nombre es Emmett Till", cuenta un violento, el titular de la toma de la historia de la era de los derechos civiles en una desgarradoramente simple de voz narrativa, contada desde la perspectiva de la víctima asesinada, en "El Mundo Goodnight Vieja", que la moda una canción de cuna agridulce su nieto recién nacido, lo que contrasta de un adulto en todo el mundo cansancio de los ojos muy abiertos asombro de un bebé. "Gran Perro Negro", con su loping caniniformes ritmos, también es una historia verdadera, de una mezcla de labrador negro llamado Bella. Harris, quien dirige un refugio para perros llamada Retiro de Bonaparte en su propiedad, rescatado a Bella de la libra Área Metropolitana de Nashville y siempre un gusto especial final de su historia: "Ella va en el autobús de gira conmigo ahora, junto con otro de mis rescates. Creo que de todos los años en el camino perdí sin un perro. Hacen que sea mucho más agradable. Estoy recuperando el tiempo perdido ahora, eso es seguro. "
• Pocos en el pop o la música country han logrado honestidad o revelado tal madurez en su escritura. Cuarenta años después de su carrera, Harris comparte la sabiduría ganada con tanto esfuerzo que, con suerte, si no inevitable, viene con envejecer, aunque ella nunca ha dejado de mirar hacia adelante. La sinceridad de las palabras de Harris es acompañado por una producción simple, elegante prestados de Jay Joyce (Patty Griffin, Jack Ingram, Cage the Elephant), con quien previamente había grabado un tema para el drama romántico, Noches de tormenta. Mientras Harris aclamado 2008 Todo lo que pretende que se se registró de forma intermitente durante un lapso de tres años y contó con un reparto estelar de músicos amigos, como Dolly Parton, Vince Gill, y McGarrigles, el Hard Bargain se redujo a apenas cuatro últimas semanas verano en un estudio de Nashville, con sólo Harris, Joyce y el multi-instrumentista Reaves Giles. Joyce consigue resultados grandes de este combo sorprendentemente pequeño: Harris jugó guitarras acústicas y overdubbed todas las armonías, Joyce capas brillantes piezas de la guitarra eléctrica; Reaves-el empleo de piano, órgano, sintetizadores y además de tocar la percusión, conjuró atmosféricos magnífica, a menudo dando a estos pistas, como Harris dice, "una cualidad flotante, de ensueño."
• "Es un sonido tan bellamente realizado", dice Harris. "No hemos tenido la necesidad de que nadie da la versatilidad de Giles y Jay son. Nos convertimos en nuestra pequeña familia en el estudio. Cortamos muy simple, con sólo un clic y tal vez lo que quería jugar y me de una guitarra acústica, pasando por esa voz y sentir que, hasta el fondo de la cuestión. Después de que nos de una pista, estaban todas las pinceladas preciosas que fueron capaces de añadir a ello más adelante. Particularmente me encanta la parte de guitarra Jay puesto en 'Mi nombre es Emmett Till. "Es una pieza sencilla, pero me rompe el corazón cada vez que lo oigo. Es como un grito desde el cielo o algo así. Jay trabaja muy rápido, pero se pone mucho pensar en lo que hace. He sido muy afortunado de trabajar con productores tan grandes en los últimos años y ahora supongo que era el momento para aumentar la estabilidad. "
• En "The Road", con sus capas de reverberación rociaron las guitarras eléctricas y la armonía llena de coros, Harris direcciones, más directa de lo que haya hecho en el canto, la definitiva, la vida que alteran período en que trabajó con el country-rock Parsons pionero. Ella y Joyce acordado este número despertar debe abrir el disco, y el tema de hacer las paces con el pasado, establece el tono para la mayor parte de lo que sigue. Explica Harris, "creo que se llega a un cierto punto en su vida donde usted la mirada hacia el pasado y es una especie de celebración o una carta de agradecimiento por el hecho de que se cruzan con la gente que cambia para siempre. Ciertamente Gram hizo, me hizo bajar a pie en sus zapatos y tratar de llevar a cabo por él. Así que realmente sólo dijo que la historia de la forma en que lo veo en mi mente, el breve tiempo que hemos tenido y cómo no podía imaginar que Gram no estar ahí para siempre. La vida sigue y se abre ante ti, pero esas personas y los acontecimientos que cambiará para siempre siempre con usted. Fue un evento muy importante que determina la trayectoria de mi vida y, más que nada, de mi trabajo. "
• A lo largo del disco, Harris contrasta las comodidades de un largo tiempo de compañerismo con los rigores, y sólo tal vez las recompensas de una vida más solitaria. El título de "El barco en el brazo" fue tomado de un dibujo Terry Allen que la esposa de Guy Clark había dado a Harris una copia, y las letras fueron inspiradas por la historia de los propios padres de Harris, cuyo matrimonio se puso a prueba cuando su padre Marino fue desaparecido en combate durante la Guerra de Corea: "Me inventé una historia sobre una joven pareja que se separa y se reunió finalmente. Es un guiño a la experiencia que tuve cuando era niño, aunque no puedo imaginar lo que mi madre y mi padre eran realmente pasando. Acabo de ver este extraordinario amor. No sé lo que pasó para que sea aún más fuerte, pero eran increíblemente en el amor durante 50 años. Que ha tenido una gran influencia en mí, y esta canción fue una manera indirecta de decir un poco de su historia-a pesar de que mi padre nunca ha hecho un tatuaje. "Ella se ríe. "La imagen era demasiado irresistible."
• "Lonely Girl" y nadie ", que ofrecen muy diferente toma la vida de soltero, ambos comenzaron como melodías sin palabras, mientras que Harris fue esbozar canciones en su casa de Nashville meses antes de que ella entró en el estudio. "Lonely Girl", sobre la mujer aún anhelo de otra persona, incluso al final de su vida ", empezó conmigo en que todo noodling afinación abierta. En cierto modo de sí mismo escribió. Tener la melodía me llevó hasta el extremo "Del mismo modo," Nadie ", cuyo. Sujeto se encuentra a sí misma dispuesta a cara, y abrazar el mundo por su cuenta-surgió de un coro Harris había soñado:" Una vez más, los coros son mis amigo. Tuve la máquina donde poner las armonías en y me gustó la forma en que se despliegan como una sección de viento. "
• Con su oído impecable para una gran canción, Harris encontró a dos covers para completar el álbum, musical y temáticamente. La pista del título escasamente organizado, una canción Harris había sido la codicia por un tiempo, viene de Canadá Sexsmith cantautor Ron y describe a un amante, amigo, o incluso un ángel de la guarda que en repetidas ocasiones que alguien tira desde el borde de desintegrarse. , Dice Harris, "Estoy agradecida de haber descubierto la canción. Estaba allí para la depilación. Jay realmente me encantó demasiado y luego terminó llamando a la negociación disco duro, ya que sólo parecía atar todo junto. La gente en su vida, y la alegría de la vida, siempre le llevará de vuelta no importa qué, y creo que se hizo eco en cada canción de una manera. Me puede estirar un poco las cosas, pero si tuviera que hacerlo, "Hard Bargain" se suma este ciclo de canción en particular. "
• Propios de Joyce luminoso "de la Cruz Yourself" sirve como un álbum de esperanza, más etéreo, con un tono sutilmente espiritual en sus letras de repuesto; ". Canción que el perfecto 'puntos suspensivos' sabe, debe continuar" Harris llama
• Y eso es tal vez el mensaje principal de Hard Bargain: La música, como la vida, va a continuar.

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El Mariachi Vargas

• Esto Va Para Mis Amigos los Mexicanos ...Como ellos dirian Viva Mexico ..
• El Mariachi Vargas de Tecalitlán es una agrupación de música mexicana creada en 1898 por el maestro Gaspar Vargas López (1880-1969), y que se encuentra bajo la producción artística del maestro Rubén Fuentes; al mismo tiempo, la dirección musical del grupo está a cargo de Don José "Pepe" Martínez. La agrupación está conformada por un arpa, una vihuela, una guitarra, un guitarrón, tres trompetas y seis violines, y en el mundo son concidos con el título de El Mejor Mariachi del Mundo, nombre que el propio maestro Fuentes, como director artístico de RCA, sugirió para el grupo
  Desde los orígenes de la música de mariachi (hacia 1630), se han recogido las costumbres y tradiciones de los campesinos a través de historias y relatos, descritos en las canciones interpretadas por los mariachis; esto siguendo un proceso influenciado por la evolución de la sociedad mexicana, de su cultura y sus hábitos, del cual ha hecho parte el Mariachi Vargas desde finales del siglo XIX (1898), siendo el principal heredero de casi 400 años de música y tradición mexicana. Por eso, y sin duda, el Mariachi Vargas de Tecalitlán es el más representativo de la historia del mariachi,pues ha sido el grupo que ha influido de manera más constante y decisiva en la conformación del estilo musical del mariachi, depurando el aspecto agreste de la música de la comarca a la cual pertenecía Tecalitlán (con don Gaspar), unido con el modo fino y estilizado de la música letrada de la élite regional (con don Rubén Fuentes), pasando por la influencia de un músico de origen campesino que buscó la trascendencia a través de los medios masivos de comunicación (Silvestre Vargas), convirtiendo así al Mariachi Vargas en el eje central de la música de mariachi por su calidad y preparación musical, así como por la trascendencia que éste ha alcanzado musicalmente no solo en la república mexicana, sino también en todo el mundo.
• La historia del mariachi se divide en cinco etapas (o generaciones), siendo la primera generación desde 1898 hasta 1930, la segunda desde 1931 hasta 1949, la tercera desde 1950 hasta 1974, la cuarta desde 1975 hasta 1999, y la quinta desde 2000 hasta la fecha.
• Primera generación (1898-1930)
  Integrantes del Mariachi Vargas en 1932.Al sur de Jalisco, en una pequeña ciudad llamada Tecalitlán nació el Mariachi Vargas. La agrupación empezó como un conjunto local y pueblerino de músicos de tiempo parcial. Fundada por Don Gaspar Vargas López (Campesino y analfabeta) en 1898, y cuya formación durante esos años fue dada por: la guitarra de golpe (o mariachera) interpretado precisamente por Don Gaspar, el arpa de madera por Manuel Mendoza, y dos violines interpretados por Lino Quintero y Refugio Hernández. Sus primeros repertorios (que consistían en sones, jarabes, canciones, corridos, valses y polkas) hacían parte de la tradición campesina de la región.
• La agrupación ya llevaba mucho tiempo y repertorios en ensayo, pero (según la tradición oral) para que una agrupación tuviera el privilegio de tocar en las fiestas locales de aquel tiempo, o lo tomaran en cuenta, tenían que pasar por el visto bueno de las autoridades locales. De este modo se maneja como fecha de fundación del Mariachi Vargas el 15 de septiembre de 1898, cuando fueron contratados para tocar en la celebración local de las fiestas patrias por el presidente municipal de Tecalitlán, Trinidad de la Mora, dándoles así su aprobación oficial. El mariachi tenía mucha sonoridad, sin embargo, sus músicos se vestían pobremente. No poseían conocimientos de notas ni técnica musical y mucho menos se daban cuenta de la admiracion que ellos producían a sus oyentes con los sones que interpretaban. Tocaban en fiestas y verbenas de los pueblos, siendo su música lírica, alegre, festiva y original, estando siempre rodeados de multitudes, quienes escuchaban sus interpretaciones con mucho entusiasmo.
• El mariachi llevaba serenatas, tocando en las plazas e iba a participar de las fiestas locales de pueblos vecinos (Cuando muy lejos Colima). Ése era el viacrucis por el que pasaban los mariachis en aquel tiempo, puesto que en aquel entonces las bandas y las orquestas eran consideradas como lo mejor, siendo el mariachi considerado despectivamente por la aristocracia de entonces como música sólo del pueblo. Muchos de los mariachis que existían en aquellos tiempos fueron desapareciendo pronto debido a la falta de estímulo y por los maltratos -provenientes de las clases más acomodadas- de los que eran víctimas; sin embargo, el éxito que fue obteniendo el Mariachi de Gaspar Vargas (como se le conocía antes, llamándose ahora el Mariachi Vargas de Tecalitlán) corrió por los alrededores, llegando primero a los pueblos vecinos a Tecalitlán y luego expandipendose por los estados de Jalisco y Colima.
• En esos tiempos, los estilos de mariachi se diferenciaban por regiones, y había una fuerte controversia sobre el estilo de Tecalitlán y el de Cocula. El Mariachi de Cocula utilizó el guitarrón y la vihuela en lugar del arpa y la guitarra de golpe (usados por el mariachi en Tecalitlán), además de los dos violines. Con estos instrumentos fue establecido el Sonido Tecalitlán, que se distinguió del sonido Cocula. El mejor mariachi de Tecalitlán era el de Gaspar Vargas. Ellos tocaban de todo, sin faltar, aquellos sones que tocaban magistralmente. El estilo de tocar de Gaspar Vargas trascendió fuera de la comarca y, además, el arpa, tocada por Manuel Mendoza causó admiración de todo el pueblo, de tal manera que no no había nadie quien lo superara.
• Don Silvestre Vargas (Hijo de don Gaspar Vargas) cuenta que su padre ayudaba a cualquier persona o ser viviente que pasaba por necesidad, y en 1913 incorpora como músico eventual a un hombre que era diestro con el cornetín (instrumento similar a la trompeta) quien, como era músico de banda, tocaba muy fuerte, tapaba el sonido de los demás instrumentos, y por tal motivo no fue muy bien aceptado por el público.
• Don Silvestre le pedía a su papá que lo educara en el toque del violín. En 1914 Silvestre ensayaba las canciones mexicanas más en boga en su primer violín, uno de carrizo, y después lograron comprar un violín reglamentario. Finalmente, en 1921, Silvestre Vargas Vázquez (1901-1985) ingresa como violinista al mariachi de su padre, aún músico de tiempo parcial, puesto que su oficio principal era la de campesino. El hijo de don Gaspar Vargas comentaba: nuestra vida era tranquila y feliz, dedicados a alegrar las fiestas de la comarca. Para entonces nuestra fama ya cundía por todo el estado. "Nadie como los de Tecalitlán", decían los entendidos cuando se hablaba de mariachis
  Segunda generación (1931-1949)En esta etapa, se da la transición de músicos de medio tiempo hacia músicos de tiempo completo, dedicados a las giras y asociados luego a los medios de comunicación masiva. Pronto instalaron su residencia en la ciudad de México, aunque sus integrantes regresaban regularmente a su zona de origen. Sin embargo, gracias al apoyo del presidente Cárdenas, el trabajo no faltaba. Acompaña a cantantes afamados o incluye por su cuenta a un cantante solista. Entre sus miembros se cuentan cada vez más músicos no oriundos de Tecalitlán; aún Gaspar Vargas, el fundador, aparece como guitarrista, aunque se retira del conjunto en 1953. Es una etapa compleja en que se sucede una serie de cambios que guían progresivamente al Mariachi Vargas desde el campo del mariachi tradicional al ámbito del mariachi moderno.
• Hacia los años 1928 a 1930 el Mariachi Vargas ya tocaba en ciudades próximas a Tecalitlán (Tuxpan, Tamazula, Ciudad Guzmán y Colima). Tenían mucho trabajo y así pasaron esos dos o tres años. En 1930 trabajaron en la Ciudad de México, representando al estado de Colima, en una fiesta que el presidente Pascual Ortiz Rubio ofreció al Gral. Plutarco Elías Calles a su regreso de un viaje por Europa, donde hubo la representación de lo más típico y más regional de cada lugar de la república. En 1931, un empresario de Tijuana los contrató y Manuel Mendoza no quiso ir porque ya estaba de edad avanzada. Es por eso que se invitó a Francisco Álvarez, un arpero de Tamazula; igualmente, Silvestre Vargas toma la dirección del mariachi y, como primer paso en su reorganización, decide aampliarlo invitando a dos elementos más. En 1933 triunfaron en un concurso de Guadalajara (más tarde ganaron otro en Ciudad de México) y se quedaron dos meses. Después, en la campaña electoral de Lázaro Cárdenas, recorrieron con él todos los ranchos de Jalisco.
• En 1934, el conjunto se asentó definitivamente en la capital mexicana y, con el apoyo del presidente Lázaro Cárdenas, obtuvo trabajo estable en la Jefatura de Policía del Distrito Federal, bajo las órdenes de Miguel Lerdo de Tejada y empezaron a animar las fiestas y reuniones de los amigos del Presidente, y desde 1937 empezaron a grabar sus primeros discos y a participar en el cine nacional. Así es mi tierra fue su primera película y, a la fecha, han participado en más de 200 películas.
• En 1941, ante la insistencia de Emilio Azcárraga Milmo de la XEW, en un intento por modernizar el sonido del mariachi, integran a Miguel Martínez primero como prueba y después definitivamente. Debido a la aceptación de su interpretación, por parte del público, queda como trompetista definitivo del grupo y es, a partir de entonces, cuando la trompeta se fija como un instrumento definitivo del mariachi. En una entrevista, Miguel Martínez destacó: Yo toco con el corazón... El mariachi es una música que debes sentir, dentro de tu pecho, debes sentir la música para poder tocarla bien. Tienes que tocar (la trompeta) con el ritmo y sentimiento de la vihuela y el guitarrón, cuidando su fraseo y al mismo tiempo uniendo el sonido de tu trompeta con el violín. Hasta hoy, se considera a Miguel Martínez como el creador del estilo mariachero de trompeta y el mejor ejecutante de ese instrumento.
• En 1944, don Rubén Fuentes (músico de buena cuna, hijo del concertista de violín Agustín Fuentes) se unió al mariachi como violinista. Pronto aprendió de Silvestre Vargas la tradición de los sones mariacheros y de Manuel Esperón el estilo de la composición nacionalista para películas y discos. Dos años después, de común acuerdo con Silvestre Vargas, tomó la dirección musical del grupo e inició la adecuación de los sones a partir de la técnica de solfeo. Exigió a los demás músicos que se prepararan musicalmente (de hecho, el trompetista Miguel Martínez inició su aprendizaje en la técnica musical). Varios de los integrantes del grupo se vieron forzados a retirarse, porque se negaron a la idea restauradora de Fuentes. Al final de esta etapa, y gracias a la visión de Rubén Fuentes, la imagen y sonido del grupo cambió, se demandó mayor presencia y conocimiento y el mariachi se preparó para superar el concepto subestimado que la clase alta tenía de ellos.

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David Arkenstone

• David Arkenstone es un músico estadounidense de la Nueva Era. Su música es principalmente instrumental, con vocalizaciones ocasionales. Nació en Chicago, Illinois el 1 de julio de 1952. Tiene tres hijos Quillón, Dashiell y Valinor, con su primera esposa, Julie. Su segunda esposa fue Diane Arkenstone, también músico ...
• Después de mudarse de Chicago a California a la edad de diez años, se vio involucrado en varias bandas de instituto tocando guitarras y teclados, jugando al béisbol en su tiempo libre. Estudió música en la universidad y comenzó una banda de rock progresivo llamado a sí mismo, pero pronto descubrió la música de Kitaro y fue fuertemente influenciado por él. Arkenstone fue influenciado por escritores como JRR Tolkien y Ian Fleming, y creció escuchando a bandas como Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple y Yes, así como escuchar música clásica.
• Arkenstone lanzó como solista y encontró su propio sonido en la música New Age. Arkenstone dice que ha sido en gran medida con la ayuda de la tecnología: "La tecnología ha producido algunos maravillosos instrumentos para hacer música El ordenador me permite orquestar completamente mis piezas de música y sintonizar them.His realmente bien es básicamente instrumental Sus álbumes, a menudo con temas de fantasía, a menudo..
•  vienen empaquetados con la literatura y el arte. Trabajó con novela de fantasía escritor Mercedes Lackey en algunos de sus álbumes. Arkenstone y su ex esposa, Diane, crearon su propio sello discográfico llamado Neo Pacifica. Además de publicar su propia música en la etiqueta , se han incluido otras bandas como Tierra Trybe, Enaid, y el conjunto de marqués.
• También ha compuesto música para televisión, canales como History Channel, Discovery Channel y NBC Sports incluyen su música. También ha escrito música para trailers y algunas de sus obras fueron utilizadas como bandas sonoras de películas. Su música también cuenta con juegos de ordenador, tales como World of Warcraft, Lands of Lore 2 y 3, Blade Runner, la Tierra y más allá, y el emperador: Battle for Dune, sino que también cuenta con 20 años de Narada Piano. Además, escribió la partitura original para el PRISM cine independiente.
• Arkenstone obtuvo tres nominaciones al Grammy por su trabajo: Tras las huellas del viento en 1992, Ciudadano del Mundo en 2000, y el Atlantis en 2004.
  Arkenstone ha aprendido a jugar una gran variedad de instrumentos musicales como el bouzouki, mandolina, guitarra, bajo, arpa, chelo, flauta, teclados electrónicos, piano, saz turco, pennywhistle, melódica y zampoñas. También toca la batería y percusión, y ha realizado algunas vocalizaciones en sus álbumes.
• Arkenstone también está involucrado en la banda de la troika, su sonido es similar a su trabajo en solitario. Los miembros de la banda como para permanecer en el anonimato, a pesar de las composiciones se acreditan a Arkenstone.
• Su tema "El viaje comienza / Paseo de Kyla" se utilizó para la Copa Mundial de Francia '98 transmisiones introducción de la televisión mexicana TV Azteca de la red.
  Recientemente firmó con los expedientes de Domo y re-lanzó el álbum Echoes de luz y sombra en el 2010.
• Arkenstone era un miembro del equipo que desarrolló la composición de música para el mundo de Activision Blizzard de expansión Cataclysm videojuego World of Warcraft. Junto con la Piedra del Arca, el equipo está formado por Derek Duke, Glenn Stafford, y Neal Acree

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Laura Branigan

• Laura Branigan (Nueva York, 3 de julio de 1957 - 26 de agosto de 2004) fue una cantante y actriz estadounidense popular en los años ochenta.
• Se hizo popular con una versión de la canción Gloria del italiano Umberto Tozzi, por la que recibió su primera nominación al Grammy. Self Control fue su mejor álbum [cita requerida]y el tema principal del mismo título se convirtió en un hit número uno de manera internacional. Otros de sus éxitos son Solitaire, The Lucky One, Spanish Eddie, y The Power of Love.
• Era de ascendencia irlandesa e italiana.
• Laura estudió en el American Academy of Dramatic Arts en la ciudad de Nueva York y trabajaba como camarera alternando sus estudios. Eventualmente trabajo como corista de Leonard Cohen, durante una gira en Europa. En 1979 fue contratada por Ahmet Ertegün de Atlantic Records pero el sello discográfico estaba inseguro de cómo categorizar a Laura, dado que la cantante tenía una fuerte voz con un rango de 4 octavas.
• En marzo de 1982 se publicó Branigan. El álbum, que contenía la canción Gloria (originalmente grabada por Umberto Tozzi en 1979), inmediatamente se convirtió en un éxito internacional. La radio estadounidense no estaba inicialmente receptiva a Gloria ya que la combinación del sonido americano con el europeo suponía una inminente segunda «invasión británica». Aceptada por locales dance, especialmente por locales homosexuales, la canción fue poco a poco ganando posición hasta convertirse en uno de los grandes éxitos de la década. Disco de Oro y Platino fue el nivel de ventas alcanzado; la interpretación vocal de Gloria le ganó una nominación al Grammy, una de las cuatro que recibiría.
• En el verano de 1983, Branigan realizó su segundo álbum, Branigan 2, cuando el estilo Synth Pop europeo estaba en su apogeo, y Branigan manejó muy adecuadamente la versión en inglés del tema francés Solitaire, que colocó en las posiciones altas de las listas de venta. La cimentó en un lugar de la historia de la música pop y confirmó que no era una «artista de un sólo éxito». Este álbum marca también el debut de dos personalidades consideradas ya en la actualidad leyendas: Michael Bolton, co-letrista en la canción How Am I Supposed to Live Without You y Diane Warren, quien hizo la adaptación al inglés de la canción Solitaire.
• El año 1984 fue el de más altura en lo que a su fama se refirió, dado que la producción avasalladora y el estilo susurrante en Self Control, canción homónima del cantante italiano Raf, le mereció ser considerado un éxito mundial. Su tercer álbum tomó por asalto al mundo entero. Al igual que Gloria, fue producido por el alemán Jack Wéxitoe. La canción vino a ser su más grande éxito internacional, colocándose en los primeros diez de las listas de venta en numerosos países, habiendo logrado una condición de himno en la radio y las pistas de baile a través del mundo, particularmente en Alemania donde permaneció durante 7 semanas en el primer lugar. Otros éxitos de este álbum son: la melodía electropop The Lucky One que le hizo merecedora de un premio del Festival Musical de Tokio, la balada continental Ti amo (otro éxito de Umberto Tozzi) y Satisfaction. Aquel año su actuación en vivo fue grabada dos veces: una vez para una serie de conciertos para radio, y la segunda para un concierto en vídeo.
• Para el cuarto álbum de Laura, Hold Me (1985), Self Control había barrido ya territorios que no habían conocido su material discográfico inicial. Desde Sudamérica hasta Oceanía, la canción principal Spanish Eddie fue su sexto éxito en dos años y medio, colocándose dentro de las primeras 40 pero fallando en su intento de superar la posición 20. Hold me repitió dentro de las 40 posiciones y el lanzamiento de la balada rock: I Found Someone (co-estrita por Michael Bolton) ganó una posición en las listas AC (Adult Contemporary Singles) pero permaneció en posiciones secundarias de las listas de popularidad, a pesar de haber estado respaldada por un vídeo musical.
• En 1987 Touch marco un cambio en la carrera de Laura. Con nueva dirección y recurriendo a nuevos productores, tomó un rol más activo en su trabajo y en el estudio. Este álbum vio su retorno a la pistas de baile. Junto con el trío de compositores Stock, Aitken & Waterman produjo Shattered Glass, uno de sus mejores éxitos en la modalidad Hi-NRG. El álbum también incluye su versión del éxito de Jennifer Rush The power of Love, canción que se colocó entre las veinte mayores vendedoras de álbumes durante la temporada navideña de 1987. El tercer sencillo del álbum, Cry Wolf, fue considerado más productivo, quedando en el top 30 AC.
• Participó también en un episodio de la serie Automan y también apareció en un capítulo del "Auto increíble".

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Maria Muldaur

• Con sus  39 Años   como solista, Amor Constante, Maria Muldaur ha abandonado su práctica reciente de realizar grabaciones de blues acústico en homenaje a artistas de blues temprano, y viajó a Nueva Orleans para organizar una banda eléctrica (tecladista Dave Torkanowsky, el guitarrista Shane Theriot, el bajista Johnny Allen , y el baterista Kenny Blevins) en una colección mixta de gente nueva y vieja, blues, gospel y canciones, el resultado es uno de los mejores álbumes de su carrera. Puesto en libertad dos semanas después de cumpleaños número 68 de la cantante, el amor constante está anclado por dos canciones escritas por el blues, folk Brown cantante / compositor Greg, el título de la canción y "Blues Ruta Go", el primero goza de una disposición de cuerno (cortesía del saxofonista Jimmy Carpenter) que tiene algo de la sensación de languidez de su éxito "Midnight at the Oasis", y el segundo disfrutando de una banda de jarro sentir que se remonta a sus días con Jim Kweskin. Una mini-serie de melodías evangelio comienza con el tradicional "I Made It Done en mi mente", organizado por Muldaur como shuffle, y continúa con "andar por fe", una canción por el fallecido Stephen Bruton, ha celebrado recientemente su contribuciones a la película Corazón loco, que tiene un acuerdo sugestivos de Little Feat, antes de concluir con la conmovedora "Como el águila que excita en su nido." El entrenamiento de blues "Rain Down Tears" y Rick Vito más desafiante de "I Am Not Alone" (con guitarra slide por el compositor) característica hija Jenni Muldaur en armonía vocal. Adecuadamente, se siente lo es todo en esta sesión, y eso nunca es más evidente que en la pista un avión en una sesión independiente de California, una versión de Percy Mayfield "Por favor, envíenme Someone to Love". No es malo, sólo diferente, con un sonido más limpio y un tono más moderado, como si prestado de un álbum de Bonnie Raitt. La mayoría de Amor constante es steamier ....

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Cristian Valdés Castro

• Cristian Valdés Castro (nacido el 8 de diciembre de 1974 en Ciudad de México) es un cantante mexicano. Es hijo de los actores Verónica Castro y Manuel Valdés, "El Loco", (hermano del también cómico Germán Valdés "Tin Tán" y de Ramón Valdés, este último, su sobrino).
• Hijo natural de la actriz Verónica Sáinz Castro con Manuel Gómez Valdés Castillo, siendo su nombre real Cristian Sáinz Castro. Se inició en el ambiente artístico al lado de su madre en la telenovela El derecho de nacer. Continuó con la obra Mame con Silvia Pinal y dos telenovelas: "Mi segunda madre" y "Las Secretas Intenciones". Durante su infancia se insertó en el ambiente artístico a muy temprana edad, realizando obras musicales, teatrales, participando en telenovelas (en algunas ha sido protagonista) y programas de radio. Se puede decir que su carrera artística inició a los 6 años, puesto que a esa edad además de participar en la telenovela "El derecho de Nacer", tambien grabó su primer disco titulado "Cristian y sus pollitas". Nunca ha aceptado que lo cataloguen como niño prodigio, y segun sus propias palabras, él prefiere pensar que se divirtió mucho.
• Cristian Castro reconoce que el colombiano Kike Santander, un amigo de la familia desde su niñez incentivó junto a su madre su pasión por la música desde aquel famoso "Gallito Feliz". Santander ha compuesto muchas de las canciones que han formado parte de los discos de Cristian Castro. A los dieciocho años graba su primer disco Agua Nueva (1992). Éste disco fue un gran éxito en ventas y difusión radial.
• En 1998 participó en la banda sonora de la versión en español de la película de Disney, Mulan, con 2 canciones (Tu Corazón y Hombres fuertes de acción serán hoy).
• En septiembre de 2011, Cristian Castro creó un video divertido con mun2 que presentó su vida secreta como Metalero
• Cristian Castro prepara el lanzamiento de 'La Nave del Olvido', el primer sencillo que se desprende de 'Viva El Príncipe', su tan esperado tributo a José José, el Príncipe de la Canción.
• 'La Nave del Olvido', uno de los más grandes éxitos de la música latina en los años 70 en la voz inmortal de José José, fue producido en esta nueva versión por el legendario productor español, Rafael Perez Botija, productor y compositor de una gran parte de los más importantes éxitos de José José.
• La canción guarda el manejo, la intención y la narrativa de los arreglos originales con un toque contemporáneo digno de esta era y nos lleva a revivir esos años de grandes éxitos románticos del más grande de México... El Príncipe de la Canción, solo que en la voz del gran romántico de esta época: Cristian Castro.
• "Con 'La Nave del Olvido' forjé mis sueños, cuando la escuché por primera vez, me  prometí algún día ser cantante y cantar baladas. José José es mi padre musical y mi gran inspiración…” comento Cristian Castro.

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