20 mar 2011

blues saraceno










  • Blues Saraceno (nacido el 17 de octubre 1971 en Hartford, Connecticut) es un guitarrista de rock estadounidense, compositor y productor musical que actualmente reside en Los Ángeles, California. Saraceno fue descubierto por la guitarra para la revista Musician práctica, a la edad de 16, que le ayudó en la liberación de las grabaciones instrumentales de manera independiente (que vendió más de 100.000 copias). de alto perfil Saraceno como virtuoso de la guitarra y músico dotado abrió las puertas a una temprana carrera como acompañante llamada primera guitarra y músico de sesión. Saraceno es más a menudo reconocidos de su tiempo de juego w / Jack Bruce y Ginger Baker (Cream), así como su breve paso por la banda Poison. éxito inicial Saraceno en la industria de la música eventualmente florecer en una carrera en la producción y composición para cine y televisión.
  • Como un niño que estaba rodeado por la música (tanto los padres tocaban instrumentos) y, a menudo esta créditos por su interés inicial en convertirse en un músico profesional. Empezó a tocar la guitarra a la edad de nueve años, pero no lo toman en serio hasta la edad de trece años, cuando una caída de un patín dio lugar a una fractura de codo. Saraceno pidió al doctor que la posición de la fundición para que pudiera sacarla de su honda y la guitarra la práctica durante su período de recuperación. A menudo ha comentado cómo su falta de experiencia musical contribuido a su sonido muy estilizado. Saraceno se mudó a Los Angeles cuando tenía diecinueve años con el fin de seguir su carrera.
  • Una semana después de cumplir los 16 años Saraceno su carrera profesional comenzó cuando su entonces director envió un demo a Michael Bolton, que decidió alistarse habilidades Blues 'de guitarra en una canción de Cher. Ese período de sesiones nocturnas que incluyen compositor Desmond Child resultó en un comunicado de Cher "Heart of Stone" de registro. La palabra se extendió rápidamente y otros productores decidieron hacer lo mismo. Una maqueta que inicialmente estaba destinado a asegurar un respaldo guitarra terminó en manos de "Guitarra para el músico práctica," la revista que había estado buscando durante todo un año para encontrar el artista adecuado para lanzar su nuevo sello discográfico. Al escuchar su cinta, Blues se le ofreció el contrato discográfico y su primer disco como solista instrumental (Never Look Back) fue lanzado a la aclamación de la crítica.
     
      
     



     
      
     El éxito de ese álbum lo llevó a una audición con Jack Bruce y Ginger Baker (Crema) en Nueva York. A pesar de que sopla el amplificador durante la audición, Saraceno se le ofreció el concierto. Después de dos exitosas giras EE.UU. Saraceno fue convirtiendo rápidamente conocido como el "niño que reemplazó a Eric Clapton". Después de un año de giras en el extranjero, Baker salió y fue reemplazado por Simon Phillips (¿Quién, Toto) y, finalmente, Gary Husband (nivel 42). Saraceno continuó lanzando dos álbumes en solitario otros (Plaid, Hairpick), así como más su reputación como guitarrista de sesión de llamada superior, de aterrizaje muchas anotaciones de alto perfil de equipo.
  • En 1994 dejó Saraceno Jack Bruce para rellenar como guitarrista y compositor de la banda Poison después que el guitarrista Richie Kotzen fue despedido. Después de una corta gira por el extranjero, tocando Saraceno fue grabada para el álbum Veneno Crack a Smile. Sin embargo, debido a un cambio de régimen en la etiqueta, el expediente fue archivado temporalmente por Capitol Records. Saraceno dejó el grupo amistosamente y fue sustituido por el guitarrista original de la banda, CC DeVille. El álbum fue liberado más tarde bajo el nombre de Crack a Smile ... Y más, e incluye quince temas grabados por Saraceno y cinco canciones tomadas de viejas grabaciones de la banda con DeVille.
  • A su salida del veneno de un encuentro casual con el vicepresidente de la publicidad para la televisión de Fox (quien era un fan de los trabajos anteriores instrumentales Blues ') lo introdujo en el mundo profesional de la televisión y el cine. Trabajo tanto en pantalla como fuera, Saraceno encontró que la oportunidad de poner su propio giro a la música, que recibe directamente distribuidos en hogares de todo el mundo, para ser a la vez desafiante y gratificante.
  • En 2000, fundó la banda de transmisión bien, que sirvió como plataforma para mostrar sus habilidades vocales de plomo y habilidades como compositor y como demuestran muchas de las técnicas de grabación que había recogido a lo largo de los años de hacer las sesiones. Transmisión en Aceptar ofrece la oportunidad de Blues a salir de debajo de apodo el héroe de la guitarra "y comenzó su aventura en el mundo de la producción récord. Aceptar la transmisión se firmó a Más allá de los registros (Blondie, Mötley Crüe) y distribuido por BMG. Después de una breve gira por EE.UU., y el apoyo mediocre de la etiqueta, el grupo se disolvió Saraceno permitiendo centrar sus esfuerzos en la Televisión y Cine de trabajo, así como la producción y las sesiones.
  • La lista de los trabajos de la sesión Saraceno se ha extendido en los últimos veinte años y es mucho más que larga y variada de esta breve biografía. artistas han ido desde Ziggy Marley (Dragonfly) a Melissa Ethridge (suerte) y se ha ganado una reputación por ser un "go-to guy" para muchos de los productores de discos más importantes de Los Ángeles y los ingenieros. Saraceno también ha producido para artistas como, Scott Caan (Oceans 11, Dallas 362), Eric Balfour (24, La matanza) de Fredalba, Lindsay Price (Beverly Hills 90210, Lipstick Jungle, Eastwick) y Anthony Michael Hall (Zona muerta).
  • Saraceno mayor éxito hasta la fecha ha llegado en el ámbito de la televisión y el cine. Esto resultó ser la plataforma perfecta para combinar no sólo su destreza musical y técnicas de producción, sino también aplicar sus habilidades de composición y la composición. créditos Blues 'televisión de trabajo incluyen CBS, NBC, ABC, FOX, Disney, Discovery, A & E, UPN, MTV, MTV 2, VH1, EE.UU., TLC, Comedy Central, Telemundo, SCI FI, SPIKE, E! y BRAVO (sección compositor Ver una lista más detallada). Él ha escrito un comentario en la forma en que no es raro tener varios anuncios ejecutando en varios países en todo el mundo, todos al mismo tiempo y utilizando la misma pieza de música

19 mar 2011

ACDC


El 10 de mayo de 2011, AC/DC publica su nuevo DVD Live At River Plate, un concierto en directo grabado en diciembre de 2009 dentro de su gira Black Ice World Tour. El DVD refleja la vuelta triunfal de AC/DC a Buenos Aires después de 13 años de ausencia, llenando el estadio del River Plate durante tres noches consecutivas con 200.000 personas que agotaron todas las entradas. Dirigido por David Mallet y producido por Rocky Oldham, AC/DC Live At River Plate contiene 19 canciones (110 minutos) y escenas extra tomadas tras el escenario.
AC/DC Live At River Plate se publica en DVD, Blu-Ray y una edición limitada para coleccionistas con camiseta incluída. Además, el DVD contiene como extra The Fan, The Roadie, The Guitar Tech & The Meat, con entrevistas con el equipo de la banda y fans durante los conciertos de Buenos Aires. AC/DC Live At River Plate ya se puede reservar en compra anticipada aquí.

AC/DC Live At River Plate captura la intensidad y la energía de la gira de AC/DC en la que presentaba su último álbum Black Ice. Fue una gira mundial de 20 meses a través de 108 ciudades de 28 países y a la que asitieron más de cinco millones de personas. El Black Ice World Tour ganó el premio Pollstar a la mejor gira en 2010. Las canciones del DVD AC/DC Live At River Plate son:
  • 1. Rock N Roll Train
  • 2. Hell Ain’t A Bad Place To Be
  • 3. Back In Black
  • 4. Big Jack
  • 5. Dirty Deeds Done Dirt Cheap
  • 6. Shot Down In Flames
  • 7. Thunderstruck
  • 8. Black Ice
  • 9. The Jack
  • 10. Hells Bells
  • 11. Shoot To Thrill
  • 12. War Machine
  • 13. Dog Eat Dog
  • 14. You Shook Me All Night Long
  • 15. T.N.T.
  • 16. Whole Lotta Rosie
  • 17. Let There Be Rock
  • 18. Highway To Hell
  • 19. For Those About To Rock (We Salute You)

UXÍA senlle










  • UXÍA, a voz do Atlántico
  • Uxía concibe escribindo palabras e músicas que saen sempre do máis profundo e íntimo do ser, da alma. Máis
  • de vinte anos de carreira artística convértena nunha das voces máis populares e valoradas da nosa lingua. As
  • súas cancións teñen sempre a presenza latente ou explícita da música tradicional, cun tratamento anovador epersoal.
  • Desde o seu debut con Foliada de Marzo en 1986, o seu traballo representa un punto de encontro para as
  • diferentes culturas, un xeito de comunicación entre pobos e xentes.
  • Integrante do grupo “Na lúa” ata 1991, Uxía emprende un camiño en solitario que responde a unha natural
  • evolución da súa carreira artística. Nese mesmo ano publica Entre cidades, e catro anos despois, Estou Vivindo no ceo, disco que afianza a súa proxección internacional.
  • En 1997 edita xunto ás cantantes Rasha e María Salgado e o guitarrista Cuchús Pimentel La sal de la vida, un disco marcado pola diversidade e polo cruce cultural. Xa en 2000 publica Danza das areas, un traballo que representa un punto de inflexión na súa traxectoria con composicións propias e sons máis contemporáneos.
  • Sempre tivo a convicción de que un pobo que cantou desde tempos inmemoriais non pode perder un instrumento tan fundamental como a propia voz. Por esa razón, promoveu a creación de grupos de cantareiras e participou en numerosas experiencias musicais con artistas da talla de Jessie Norman, Dulce Pontes, Noa, Chico Cesar...
  • Uxía recolle nas súas composicións a esencia de todas esas experiencias que a teñen levado a un contacto permanente con xentes e artistas de culturas afíns. Todo xorde e flúe como unha consecuencia natural do contacto permanente con artistas destas latitudes e da escoita atenta e continuada das súas músicas ou as músicas tradicionais que as inspiraron.
  • A súa paixón pola mestizaxe consegue unir e reunir voces, instrumentos, ritmos, sons... é un imán para o talento,e así o demostra como directora artística na creación do Festival Internacional da Lusofonía Cantos na Maré, un espectáculo concibido como punto de encontro de artistas da área lusófona no que o escenario se transforma nunha festa multicultural coas mellores voces de Portugal, Brasil, Cabo Verde, Guiné Bissau, etc
  • Agora preséntanos o seu novo disco, Eterno Navegar, no que percorre camiños de sonoridades atlánticas eritmos africanos que se mesturan coa súa melodiosa voz e o seu estilo intimista.
  • Discografía
  • “Foliada de Marzo” Edigal 1986
  • “Entre Cidades” Sons Galiza 1991
  • “Estou Vivindo no Ceo” Nubenegra 1995
  • “La Sal de la Vida” Nubenegra 1997 (con Rasha, María Salgado e X. Pimentel)
  • “Danza das Areas” Virgin 2000
  • “Eterno Navegar” Harmonía Mundi, World Village 2008

18 mar 2011

The corrs










  • The Corrs es un grupo formado por cuatro hermanos: Andrea Corr, Sharon, Caroline y Jim. Son hijos de padres músicos, por lo tanto llevan ese arte en la sangre. Se criaron en Dundalk, en el condado de Louth (Irlanda), haciendo frontera con Irlanda del Norte. Ya de muy jóvenes, tenían claro que lo que más les gustaba era hacer música, y de esa manera pensaron que hacer un grupo entre ellos cuatro era una magnífica idea. Su música es una mezcla de música tradicional irlandesa, pop y música celta, e incluso algo de rock moderno y un poco d folk.
  • El grupo The Corrs lo formaron en 1990, aunque su primer disco no lo grabaron hasta cinco años más tarde. Poco después de haber formado la banda conocieron a John Hughes (su futuro manager), quien andaba buscando músicos para participar en la película "The Commitens", de Alan Parker. Un tiempo después, Jean Kennedy Smith (embajador de los EE.UU. les escuchó tocar en un local de Dublín, y quedó grátamente sorprendido, llegando hasta el punto de ofrecerles una invitación para que tocaran en una celebración de la copa del mundo, que iba a tener lugar en Boston. Los cuatro hermanos no se lo pensaron, y aceptaron inmediatamente, ya que era una gran oportunidad para darse a conocer en América.
  • En Boston se repite la misma historia que en Dublín, solo que en esta ocasión tiene como protagonista al vicepresidente senior de Atlantic Records, Jason Flom. El vicepresidente les comunicó que fueran a hablar con David Foster, vicepresidente y productor de Atlantic. En aquellos días, David se encontraba trabajando con Forgiven, not forgotten", que fue editado en 1995. Este álbum llegó a los dos millones de copias vendidas en todo el mundo, siendo disco de oro en Canadá, Francia, Noruega y Japón; también fue ocho veces platino en Irlanda y Australia (algo inaudito en este último); y también doble platino en España, Nueva Zelanda y Dinamarca. De este modo, The Corrs ya había alcanzado la fama, y sólamente con su primer disco.
  • Su segundo disco fue "Talk On Corners", que fue editado en 1997, obteniendo una gran aceptación su single "Only When I Sleep", "Don´t Say You Love Me" y "I Never Loved You Anyway", entre otros.
  • Posteriormente, The Corrs han publicado más trabajos, entre ellos 'Unplugged', 'In Blue', 'Borrowed Heaven', 'Home', y 'Dreams: Ultimate Collection', de 2007.
  • En 2007 Andrea Corr inicia su carrera en solitario con la publicación del álbum titulado 'Ten Feet High'.
  •  

    Discografía de The Corrs


    Discografía de The Corrs: Dreams: The Ultimate Corrs CollectionDreams: The Ultimate Corrs Collection
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: In BlueIn Blue
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: HomeHome
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: Ten Feet HighTen Feet High
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: Borrowed HeavenBorrowed Heaven
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: Forgiven, Not ForgottenForgiven, Not Forgotten
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: UnpluggedUnplugged
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: Best of the CorrsBest of the Corrs
    The Corrs
    Discografía de The Corrs: Talk on CornersTalk on Corners
    The Corrs

Andrea Corr







  • Para algunos ella es un estadio internacional de llenado cantante de pop. Para otros ella es una artista mundial procedentes de una tradición netamente irlandés. Sin embargo, con "líneas de vida ', su versión de marca en solitario, Andrea Corr se afirma en primer lugar como artista de grabación informado y apasionado. Cantando una gama diversa y menos evidente de versiones, Andrea canta desde adentro hacia afuera con inteligencia calma y la emoción sincera, el cambio de esfuerzo y honestidad entre los géneros y estilos musicales.
  • "Líneas de vida 'es Andrea - vulnerables, en bruto, auténticos - cantando una cuidada selección de canciones que resuenan con ella personalmente y con pasión. El cantante de The Corrs no se puede esperar para cubrir los Velvet Underground, Ron Sexsmith o el Nilo Azul, pero este es un álbum que desafía las ideas preconcebidas artística de vomitar varias bolas curvas musical sin complejos. El enfoque principal durante todo el proceso de grabación fue en la voz de Andrea y "Líneas de vida 'es Andrea en sus más diversas, llevando su voz y se amplía su gama mucho más allá de sus grabaciones anteriores.
  • Ella dice: "Esta fue la mejor experiencia en el trabajo que he tenido. Lo hicimos en silencio. Fue una experiencia realmente auténtica. Lo hacía a puerta cerrada. Me quedé en el momento mientras lo estábamos haciendo. Cuando cantas canciones de otras personas, algo que realmente le permite ser un cantante y sólo un cantante. Todo lo que tenía que hacer era interpretar. Hay una gran libertad en eso. "
  • El álbum también beneficios de ser parte de un proceso de colaboración, ayudado por la presencia de Brian Eno y John Reynolds. Al igual que con muchas colaboraciones artísticas con éxito, este álbum comenzó su vida a través de una conexión casual. Durante la grabación de un homenaje a la leyenda del folk irlandés Ronnie Drew, un amigo común presentó a Andrea que el renombrado productor John Reynolds. Después de haber trabajado anteriormente con artistas como U2, Sinead O'Connor, Damien Dempsey y otros, John admirado durante mucho tiempo las habilidades musicales de Andrea. Él habló con ella acerca de la singularidad de su voz, como sonaba, el calor que provocó y la intimidad que se le solicite. Juan y Andrea comenzó a hablar acerca de las canciones y trabajar juntos.
  • Antes de esto, la vida de Andrea se va en otras direcciones, ya que tomarse el tiempo de grabación y gira con The Corrs en 2005. Su carrera como actor se le dio tiempo a florecer con la etapa recibido por la crítica y los roles de la pantalla. The Times irlandés llamado su actuación de Jane Eyre en el Gate Theatre de Dublín "feroz y serio". Andrea apareció en el Old Vic en el baile de Brian Friel en Lughnasa, con The Daily Telegraph describió su actuación como un "debut notable", mientras que el Times anuncia que actuó su "calcetines de lana fuera." Describe la revista Variety su actuación como "fuerte" y "apropiadamente radiante".
  • Sin embargo, desde la edad de 15 años, el más grande amor artística de Andrea ha sido la música. Durante una década y media, fue parte de la banda de rock más grande de la familia popular en el mundo, llegando a disco de platino en varios países de múltiples y venta de más de 60 millones de discos.
  • Tomó la idea de un álbum de grandes canciones de algunos de los artistas respetados en el negocio para volver a encender la pasión por el canto de Andrea. Esto no es un ad-hoc álbum de covers. Se trata de una curaduría con pasión y pedigrí musical, con cada canción tiene una fuerte resonancia personal para Andrea.
  • Andrea dice: "Antes de grabar el álbum que estaba haciendo cosas diferentes, como el aprendizaje del francés y de actuar, cuando conocí a John Reynolds. Me había convertido en una serie de aspectos poco desilusionado, no tanto con la música, pero con la industria de la música. Decidí dar un paso lejos de la música hasta que se interesó de nuevo. Pero es curioso que a veces, cuando usted deja para ir de algo, te tira de vuelta. Justo en el momento en que yo estaba pensando en alejarse de la música por un tiempo, Juan me llevó de nuevo a él y me alegro de que lo hizo. Fui a su casa y hablamos de cantar y se fue de allí de verdad. "
  • Después de reunirse con Juan, casi orgánicamente un cancionero evolucionado, trabajando en ideas con gente como Brian Eno (que trabajó como co-productor del álbum) y Gavin Friday. El enfoque de este álbum está firmemente en la voz de Andrea - volver despojado, desnudo y auténtico. Algunas de las canciones en el álbum se eligió, como el clásico de Roy Orbison Blue Bayou, que tiene una resonancia particular, personal de Andrea.
  • Ella dice: "Mis padres tenían un grupo llamado El secreto de sonido y que estaban en el camino por un tiempo. A menudo se jugó en un bar los fines de semana. Papá tocaba el teclado y cantaba mamá. Hicieron una grabación en su vida cuando entraron en estudio y una de las canciones que grabaron fue Blue Bayou. Tenía muchas ganas de hacerlo por esa razón. "
  • Además, Harry Nilsson Lifeline, tiene una fuerte resonancia personal de Andrea: "Esta es una de las piezas que afectan a la mayoría de la música que he escuchado. Yo estaba viendo la película Cowboy de medianoche con mis padres cuando yo era un niño, 12 o 13 años de edad. Después de la película, el locutor de la televisión dijo que no cambie el cargo el próximo programa fue muy especial. Lo que vino fue en una grabación rara de Harry Nilsson, actuando en la BBC en 1972. Que resonó porque era conocido como una especie de intérprete en vivo incómodo y sin embargo, durante esta actuación no tuvo miedo de burlarse de ese hecho o de sí mismo. Dentro de toda la teatralidad del espectáculo, las canciones fueron lo más significativo. Y se me quedó grabada, y en particular, los ritmos de líneas de vida su canción se quedó conmigo. "
  • Cubiertas que también incluyen la función N º 9 John Lennon canción Dream y Kirsty McColl de They Don't Know. La primera canción de Andrea grabada para el álbum fue Daniel Johnston Algunas cosas duran mucho tiempo, y también se incluye el Nilo Azul clásico de Hollywood en la lluvia.
  • El álbum se hizo detrás del resplandor de la atención de los medios, sin plazos comerciales y la presión de la industria. Este es, sin duda, la grabación más considerados y personal de Andrea hasta la fecha. Es una colección de canciones que ella se siente apasionadamente, por supuesto cantado en la forma en que quiere cantar.
  • El sonido es a la vez seguro y vulnerables, tal vez reflejo de una nueva etapa en su desarrollo como artista cantando. Las grabaciones son verdaderas, la ligera producida e íntimo. Andrea dice: "No te preocupes por este álbum comercialmente. Esta es una grabación totalmente diferente y orgánicos. Se está jugando real. Usted puede escuchar los pedales y casi imaginar a los músicos en la sala si cierras los ojos. Creo que la producción es realmente hermosa y evocadora. Me siento tal vez porque yo no escribí que no me siento la presión y que viene a través de la grabación. Suena exactamente como debe sonar. "
  • Andrea sigue: "Cuando yo era joven, solía escuchar música todo el tiempo - a primera hora de la mañana, antes de la escuela y en cuanto llegué a casa. La música es uno de los pocos lugares donde se puede viajar en tu mente, realmente se olvide usted mismo y convertirse en otra persona. La música puede hacer que un momento eterno. Le permite revisar lo que sentía con sólo poner en esa canción otra vez. De repente, estás ahí detrás .... cayendo en el amor, el corazón roto, perdido, encontrado y vuelto a perder. Líneas de vida ".

17 mar 2011

Ute Lemper



  • Ute nació en Münster, Alemania en 1963. Después de graduarse de la
     Academia de Danza de Colonia y el Seminario Max Reinhardt Escuela
     de Arte Dramático de Viena, que comenzó a actuar en Stuttgart con
    papeles en obras de Fassbinder y otros. Ella llegó a deslumbrar
     a audiencias en Europa y en todo el mundo en los roles de teatro musica
     - Velma Kelly en Chicago (Londres, Nueva York, Las Vegas),
     Lola en El Ángel Azul, Peter en Peter Pan (ambos en Berlín),
    Cats en Viena y Sally Bowles en la producción de Jérôme Savary
     París de Cabaret. Sin embargo, ella ha vuelto una y otra vez
    al pasado alemán oscura, compleja y creativa de gran alcance,
    en conciertos en solitario como Kurt Weill Recital,
     Berlin Cabaret noche, en conciertos sinfónicos,
     incluyendo El Siete Pecados Capitales y Canciones de Kurt Weill,
     en Kurt Pina Bausch Weill Revue, y en los discos de Ute Lemper canta Kurt
  • Weill (vols. I y II), La ópera de tres centavos, Los Siete Pecados Capitales,
     Songspiel Mahagonny, y Berlin Cabaret Songs
    (que comprende obras de compositores censurados o perseguidos por los nacionalsocialistas).
  •  Estética vanguardista Ute y repertorio también van mucho más
    allá de Alemania. Aunque ella dice, "No puedo hacer suficiente
     hincapié en el repertorio de mi vida estudiando viaje inspirado
     en el arte de la República de Weimar", señala que este arte también
    "refleja otros horizontes filosóficos y culturales, otras cuestiones
     de política, y otras veces". Para la plena explorar y comprender
     la historia que heredó, Ute tiene de forma natural y con un éxito
     brillante tomado el material de otras tradiciones europeas
     y de los Estados Unidos. (Para tomar sólo un ejemplo,
    la celebración irónica de Chicago de "Razzle Dazzle" es
    de una pieza con Mischa Spoliansky y Marcellus Schiffer
     canción de 1920 de cabaret feliz cínica "Se trata de una estafa.")
     Ute ha explorado la canción francesa de Edith Piaf, Jacques Prévert ,
     Joseph Kosma y Serge Gainsbourg al poeta belga Jacques Brel.
     También exploró el repertorio contemporáneo de rock alternativo
     - de Tom Waits, Elvis Costello a Nick Cave en su álbum de Kiss castigo
     - y, finalmente, creó su propio material original que se puede escuchar en la última
    album - y, finalmente, creó su propio material original que se puede escuchar en el último disco pero un día ...
     Ute conciertos en solitario también reflejan estos intereses paneuropeos e internacionales. En estos conciertos incluyen canciones de Piaf y Dietrich; Ilusiones (también materiales asociados con Piaf y Dietrich), Cancionero, que consiste en ajustes Inglés minimalista Michael Nyman de los textos del rumano Holocausto poeta Paul Celan, y la Ciudad de los extraños, con cantares de Jacques Prévert al lado de la de Broadway de Stephen Sondheim. No es de extrañar, en 1994, Ute fue nombrado Artista de la revista Billboard Crossover del Año, aunque cuando se escucha a ella, la idea de cruce se derrite, es simplemente la sensibilidad de Ute: penetrante, aventurero y sofisticado, y acusado de múltiples significados. También en la plataforma de entrega de premios Ute: Un Olivier 1998, para la producción de Londres de Chicago (que se puede escuchar en la grabación del reparto original de Londres) y el premio Molière a la Mejor Actriz para el Cabaret Savary. Ella también ganó un Premio de Teatro de América por su actuación en Chicago en Broadway, un italiano Primo premio Tenco por sus grabaciones, y otros numerosos premios internacionales de grabación.

JOE Bonamassa


  • Joe Bonamassa crece su reputación como uno de los Músicos más grandes del mundo de guitarra, que también está evolucionando en una estrella carismática de blues-rock y el cantante y compositor de profundidad estilística y la resonancia emocional. Su capacidad de conectar con el público de conciertos en vivo es de transformación, y su nuevo disco, Negro Rock, trae esa energía a su música grabada con más fuerza que nunca. El álbum en solitario décimo y octavo álbum de estudio de su carrera -, así como su quinto año consecutivo con el productor Kevin Shirley (Led Zeppelin, Negro Crowes, etc) - el disco añade una dosis vivificante de vibraciones "mundo" para mezclar virtuoso Bonamassa de ' 60 de la era de blues-rock británico (a la Beck y Clapton) y las raíces de influencia Delta sonidos.
  • El álbum fue grabado en el Negro Rock Studios en Santorini, Grecia. "Con este álbum, quisimos explorar sensación de un 'mundo', y esta fue la inspiración detrás va a grabar en Grecia y el uso de algunos de los mejores músicos griegos para añadir un poco de sabor a un par de pistas. Pero de ninguna manera es un álbum de "mundo". Queríamos habitual de Joe tonos joven y enérgico para jugar junto a las vibraciones del mundo griego bouzouki y Clarino ", dijo Shirley. Bonamassa añade: "Era el tipo de registro de Kevin y yo quería hacer. Necesitábamos a la roca de nuevo un poco como en mi primer disco. Es joven, como volver a su infancia. "A lo largo, Bonamassa es de nuevo el respaldo de los jugadores estelares Carmine Rojas (bajo), Anton Fig, Bogie Bowles (tanto en la batería) y Rick Melick (teclados).
  • 2009 fue un gran año para Bonamassa. Fue galardonado con el Artista Revelación del Año en el prestigioso del Reino Unido Roll Rock clásico de los Premios de Honor y la revista Classic Rock ha dicho: "Lo están llamando el futuro del blues, pero se equivoca - Joe Bonamassa es el presente;. tan fresco y de su tiempo que casi lo define "También fue nombrado Mejor Guitarrista de Blues Choice Awards 2009 Guitar Player Magazine Readers 'para el tercer año consecutivo. Guitar Player escritor Matt Blackett ha dicho: "Él es un alma vieja, y eso se nota en sus curvas, el vibrato, el canto de voz, y las opciones de la nota, que - que cada año que pasa -. Obtener más sobrio y refinado"
  • En mayo del '09, jugó ante una multitud fuera vendido en el Royal Albert Hall de Londres, podría decirse que la sala de conciertos más prestigiosas del mundo. Durante el show, el héroe de Bonamassa, Eric Clapton, se le unió en el escenario de una empresa en el desempeño de Clapton éxito "Más adelante en el camino.", Dijo The Independent de Londres sobre el show, "El hombre ha llegado, y no hay vuelta atrás. "Poco después, Bonamassa publicó un DVD en vivo de 2 set - Joe Bonamassa - Live From The Royal Albert Hall - que captura la noche en su totalidad. Guitarra de Edge le dio cinco estrellas y también dijo: "Es el golpe de su expresión emocional, impulsada por la energía de oscilación que se deriva de que la conexión transatlántica y conducido por su capacidad técnica devastadora, que lo eleva sobre sus compañeros y le hace un blues certificables héroe de la guitarra y la cara de su generación blues. "
  • El año pasado también coincidió con el vigésimo año Bonamassa como músico profesional, una línea de tiempo extraordinario para un joven artista solo en su 30. Un niño prodigio, Bonamassa fue afinando Stevie Ray Vaughan lame cuando tenía siete años y para cuando tenía diez años, había captado el oído de BB King. Después de la primera audiencia que juegue, el rey dijo: "El potencial de este chico es increíble. Ni siquiera ha empezado a rascar la superficie. Es uno de los tipos. "A los 12 años, Bonamassa se abría muestra el icono azul y se fue de gira con actos venerado como Buddy Guy, Foreigner, Robert Cray, Stephen Stills, Joe Cocker y Gregg Allman.
  • Bonamassa reúne con el rey de un dúo de Rock Negro. La canción que realizan juntos es una versión de la canción de Willie Nelson, escribió, "Night Life", que apareció en Blues álbum de 1967 de King es el rey. Shirley ha dicho acerca de la experiencia, "Esta es una versión alegre Stonesy-ambiente de la canción de Willie Nelson en la que BB dúo con Joe, tanto vocalmente, así como en su famosa guitarra Lucille. ¡Qué alegría y un honor trabajar con la leyenda que es posiblemente el punto de giro y músico unificador entre el blues y el rock. "
  • Otros temas que aparecen en Negro Rock incluyen Jeff Beck "Españoles Botas", una versión animada de la poética de Leonard Cohen "Bird On A Wire", de Otis Rush "tres veces un tonto", así como Bobby Parker "Su robar el corazón Away", un canción recomendada por Robert Plant, quien dijo que Led Zeppelin se ensayó en sus primeros días. Además, Blind Boy Fuller "Nena, tienes que cambiar tu mente", John Hiatt, "I Know A Place", y, de James Clark "Mira más de la pared de Yonder", así como los originales Bonamassa-escribió "Cuando llegue el fuego el mar "" Wandering la Tierra "
  • "Atenas a Atenas" y "Azul y del mal."
  • Bonamassa carrera de grabación comenzó en los años 90 con la línea de sangre, un grupo de rock-blues duro de carga también con Waylon Robby Krieger, el hijo y el hijo de Miles Davis 'Erin. Su debut en solitario de 2000, A New Day Yesterday, fue producido por el legendario Tom Dowd, la representación Bonamassa de la canción, originalmente un éxito de Jethro Tull, se llamó, "un espectáculo asombroso" por allmusic.com.
  • Su último álbum de estudio, The Ballad of John Henry - sin escasez de sus propios momentos alucinantes - debutó en el # 1 en la lista Billboard de blues y permaneció allí durante seis meses. El álbum marca un enfoque más confesionario para hacer canciones de lo que ha trabajado anteriormente. "Hacer la primera mitad del álbum," Bonamassa dice: "Yo estaba en el lugar más feliz que había estado nunca en mi vida. La segunda mitad me ha encontrado completamente el estado opuesto. He llegado a la conclusión de que la experiencia hace que para una mejor arte. Yo tenía más que decir, y es la primera vez que yo personalmente he abierto el libro en mi vida. "
  • establece anterior estudio incluyen 2007's Sloe Gin, que debutó en el # 1 en la lista Billboard de blues y recibió un guiño de 2008 por Álbum del Año de la Lista de Rock clásico de los Premios de Honor. Sloe gin carena entre pesados ​​blues eléctrico-rockeros y cortes acústico, grabado popular en un flujo que Bonamassa dice que se inspiró en parte en el clásico de Rod Stewart en 1969 como solista LP. Moderno Guitarras Magazine escribió: "Si llama Sloe gin un sampler Bonamassa gráfica no es suficiente, piensa en el álbum como un buffet musical en el que compartir entradas independientes una característica única:. Que buen gusto" The Boston Phoenix que llamó, "un elegante y el álbum musculoso guitar-hero. "
  • ". Encuentra Joe jugando con el alma, la intensidad y tonos salvajes" En 2008, lanzó el 2-CD en vivo de la nada en especial, que Guitar Player, dijo, se cuenta con 13 canciones grabadas en vivo en concierto del tour 2007 de la artista de América del Norte - en ferias como la de Westhampton Beach Escénicas de Nueva York el Centro de Arte revisados ​​para http://www.hamptons.com/ por Lon S. Cohen: "Dentro de mil años, cuando los arqueólogos excavar guitarra de Joe Bonamassa es de los estratos de la tierra, seguirá siendo fumar ... Tiene la guitarra como una escopeta, pero lo que sale de él es la poesía, el color, y una historia se cuenta en las notas. "Una revisión de un espectáculo en Alejandría, VA Birchmere señaló sentimientos similares, del escritor Paul Roy en blogcritics.org : "Me han coqueteado con la opinión de que Bonamassa puede ser el mejor guitarrista global en el planeta en estos días, y después de verlo actuar en vivo otra vez ... Ahora estoy totalmente cómodo con ese dictamen. Él es simplemente fascinante de ver. "
  • Bonamassa la vuelta al mundo jugando un promedio de 200 espectáculos al año, y su alucinante guitarra magia y presencia escénica electrizante están vendiendo cada vez más grandes lugares de todo el tiempo. Robert El Registro OC Kinsler ha escrito: "Ya sea en un club o al aire libre en un festival, algo magnético que pasa cuando Bonamassa pasos al frente del escenario, se inclina la cabeza hacia atrás y simplemente suelta."
  • En curso de gira oficial es un hecho, y mirando más allá de Negro Rock, Bonamassa continuará su colaboración grabación con el productor Kevin Shirley, que dice: "Es genial trabajar con Joe y verlo disfrutar del descubrimiento de todos estos lugares se puede ir. Es un artista que puede tocar cualquier cosa, hay tantas facetas de él. "Bonamassa añade:" Kevin tiene ideas fantásticas fuera del área. Se aprecia el blues, pero me empuja, la única persona, además de Tom Dowd que ha hecho eso ".
  • En la parte superior de la gira, la grabación y la supervisión del sello independiente de J & Aventuras R con su socio empresarial y gerente Roy Weisman, Bonamassa es un portavoz de Blues respetado la Blues Foundation en el programa de Escuelas, el voluntariado su tiempo durante las visitas para hablar con grupos de estudiantes de secundaria sobre el patrimonio de la música blues - la primera forma pura música americana. Recientemente, fue elegido por el Canal Uno, el más grande de la red dentro de la escuela de noticias, para albergar una serie de sesiones en curso denominado "Conozca sus raíces con Joe Bonamassa" en el que traza las raíces musicales de Canal Uno de la semana "Hear It Now" artista destacado.
  • Y de 2010 ya ha comenzado con una explosión - Guitar World llamado Bonamassa "The Blues Rock Titán" y su canción, "Lonesome Road Blues", es una parte de Nueva Guitar Hero V Masters Blues Track Pack. En consonancia con sus raíces de blues, pero con soltura se mueven entre el rock and roll y sonidos internacionales de 2010 no es sólo una nueva década, pero una nueva era para Bonamassa.

Yanni

En febrero de 2003, Yanni lanzado origen étnico, su álbum 13. El álbum marcó otro cambio en la dirección creativa y resultó ser un presagio de lo que vendrá. Yanni, una vez más explorado los sonidos sinfónicos de gran alcance que marca algunas de sus obras anteriores, pero también se incorporan más texturas exóticas. El álbum contó con una gran variedad de instrumentos diferentes, desde el didgeridoo australiano, un violín celta, y un duduk armenio a una tabla india, así como una variedad de voces humanas en forma de arias solistas, grupo de cantos y letras, incluso, una rara partida para el instrumentista. Ese mismo año también vio la publicación de su autobiografía Miramax Books, "Yanni en palabras", un best-seller de Nueva York Times. Es una mirada reflexiva a los desafíos, las lecciones, los sueños y los obstáculos en la vida de Yanni.

Poco después del lanzamiento de su libro, Yanni realizó una gira sin precedentes en América del Norte en noviembre de 2004. El recorrido se inició en el Mandalay Bay Hotel & Resort en Las Vegas, NV. El rendimiento de mando fue grabado y filmado para lo que iba a ser el primero CD en vivo de Yanni desde el Homenaje de 2006 de Yanni Live! El concierto. La gira gigantesca participaron cerca de 150 espectáculos, con una asistencia total de más de 1 millón de fans, lo que lo convierte, según la revista Billboard, entre las más grandes recaudación durante tres años consecutivos.
 
2006-2009 "Yanni Voces"
Después de un tiempo reflectve, Yanni experimentado con otra dirección. Yanni explica: "Siempre haré música instrumental, pero ahora estoy tratando de ampliar mis horizontes y abrir las puertas a un talento increíble que puede dar voz y letras de mi trabajo."

El artista intérprete o ejecutante de varios Grammy nominado está hablando de Yanni y vigilia entretenimiento, su empresa recién formada con compañeros Grammy y productor ganador de un Oscar compositor, Ric Wake. Esta empresa emocionante, no sólo seguir creando música excelente, pero también desarrollará talentosos nuevos artistas, componiendo música para películas y participar en la producción de cine y televisión. Yanni despertador Entertainment ha firmado Nathan Pacheco, Chloe, Ender Thomas y Leslie Mills.

Su gira más reciente, Voces de Yanni: Live in Concert, en el 2009 fue un gran éxito. Gira por toda América del Norte con entradas agotadas incluyendo el Radio City Music Hall y casas llenas de todo México. La gira fue nominado para el prestigioso premio Lunas del Auditorio y fue en apoyo de la liberación gráfico mexicano Yanni relleno: Yanni Voces (CD) y Voces de Yanni (CD).

Yanni Voces alcanzó el puesto # 1 en las listas de popularidad de México y # 2 en el sobre todas las Listas de Música Mexicana. Un reciente lanzamiento en DVD de Yanni Voces: Live in Concert alcanzó el número de Amazon una lista de los mejores del vendedor en la primera semana de ventas y fue un éxito de recaudación de fondos para PBS.

En su nueva dirección, Yanni, dice, "Estoy buscando a la próxima etapa de mi evolución. Después de haber dedicado tantos años a este arte, me siento en la obligación de mantener, o al menos mantenerme en desarrollo. No hay reglas. Es tan emocionante. Y vamos a sorprender a la gente. Sólo ver. Para que las cosas sucedan en la vida, tienes que tener fe y pasión. En este momento es el mejor momento de mi vida. "

En su larga trayectoria y notable, Yanni ha demostrado que han sido bendecidos con la fe y la pasión en abundancia.
  
Tiempo Presente
Hay un montón de cosas interesantes por delante de Yanni. Vuelve a http://www.yanni.com/ para la gira y nuevas versiones de música. Hay planes en las obras de internacional (incluidos los EE.UU.) apariciones en 2010 y 2011, así como nuevas composiciones de Yanni.




 

16 mar 2011

Celtas Cortos



  • La historia del grupo se remonta al año 1984, en este año parte de los miembros de Celtas Cortos coincidimos en un Celtas Cortoscolectivo de música del Instituto Delicias de Valladolid. En el año 1986 nos presentamos a un concurso organizado por una discoteca de la ciudad, tras varias eliminatorias llegamos a la final, que ganamos, el premio fueron 100.000 pts (600 €), es en este momento cuando buscamos un nombre para el colectivo y decidimos bautizarnos como Celtas Cortos nombre de un popular tabaco sin filtro de la época. Al año siguiente somos seleccionados para participar en otro concurso que organizaba la Junta de Castilla y León, el premio era el acceso al codiciado vinilo, cosa que logramos junto a otros dos grupos, por lo que que grabamos un primer disco compartido que se tituló “Así es como suena” y  que nosotros conocemos como el disco cero. Tras esto grabamos una maqueta que empezamos a mover por varias discográficas hasta que una de ellas, Twins, se interesa por nuestro trabajo. Nuestro sueño empieza a hacerse realidad y a principios de año entramos en los estudios Trak de Madrid para grabar nuestro primer disco íntegramente instrumental.
    Celtas Cortos  Después de los resultados de este disco es cuando nos planteamos introducir un elemento nuevo en la mezcla que hacíamos y así es como surge la idea de introducir algunos temas cantados que nos permitieran contar y denunciar determinadas situaciones. Entre febrero y marzo de 1990 grabamos “Gente Impresentable”. Este disco fue el pistoletazo de salida del grupo ya que durante ese año y el siguiente hicimos más de 250 conciertos. En este disco aparecen algunos de los temas míticos de Celtas Cortos como “La Senda del Tiempo” o ¿Qué voy a hacer yo?

    El tercer disco “Cuéntame un Cuento” fue preparado bajo la presión de ensayar, grabar y tocar, por lo que fueron decisivos los quince días que pasamos en Abioncillo de Calatañazor, pueblo-escuela recuperado de la provincia de Soria, allí la concentración era total y nos permitió perfilar los temas de una manera más tranquila. Tras tantos avatares, idas y venidas, el disco se consiguió editar en Noviembre de 1991, con temas como “20 de Abril”, o el que da título al disco.
     Celtas CortosEn 1992 hay un hecho que marca una de las características a partir de ahora del sonido del grupo, a raíz de un accidente casero de Alberto , y temiendo no poder tocar el violín se engancha al trombón y así es como los vientos toman más protagonismo a partir de ahora, a parte de recuperar parte de movilidad en el brazo para poder seguir tocando el violín.  En verano volvemos a Abioncillo para preparar nuestro cuarto disco, que grabamos en el sur de Inglaterra. Así nace “Tranquilo Majete” a principios de 1993.
  •    A partir de ahora es cuando empezamos a pensar en la posibilidad de salir de nuestras fronteras y empezar a hacer giras primero por Alemania y después por Francia. En este momento es cuando se edita un disco recopilatorio titulado “Vamos” (1995), exclusivamente para Francia y Alemania que como curiosidad incluye una versión del tema “Cuéntame un cuento” cantada por Willy de Ville medio en inglés, medio en español.
    También en 1995, Jesús saca su primer disco en solitario “El Caimán Verde” Celtas Cortos Ya en 1996 grabamos “En estos días inciertos…..” disco que plantea una serie de cambios en la concepción de los temas por parte del grupo, con unas guitarras super poderosas por parte de un guitarrista , Pitti, que colabora en este disco, también se recrudecen las letras, con una gran carga social en temas como “el Emigrante”.
  • En 1997 sacamos a la venta nuestro único disco en directo hasta la fecha “ Nos vemos en los bares”,grabado los días 6 y 7 de Febrero en Valladolid, disco compuesto por 25 temas de los cuales hay dos inéditos “Blues del Rosario” y una versión del grupo italiano Nomadi, “Le strade”. Aquí contamos con la colaboración de algunos músicos amigos y admirados por nosotros, como Jota de Ixo Rai, el gran Javier Rubial, Taba de Ke no falte, la Bagad Bro Kemperle, y Rosendo. Junto a este disco sale a la venta también un video con algunos de los momentos más importantes del directo. Celtas Cortos En la primavera de 1998 nos embarcamos en un proyecto instrumental (sin Jesús) bajo el nombre de “El Alquimista Loco”, pensado para poner en directo en teatros. Los ensayos se llevaron a cabo en un pequeño pueblo cercano a Valladolid, Velliza, donde actualmente hay una plaza con el nombre del grupo. El disco de este espectáculo se grabó en Las Landas (Francia) y apareció en 1999.
    En este mismo año 1999 aparece el disco más tecnológico del grupo “Tienes la puerta abierta” grabado bajo la producción de Suso Saiz. Como hecho más curioso podríamos destacar que la gira de presentación de este disco fue antes en Francia que en España donde realizamos 34 conciertos en 40 fríos días del invierno francés.
    En 2001 sale al mercado un recopilatorio “Grandes éxitos, pequeños regalos”, con DVD con los videos realizados hasta esa fecha, un cortometraje que dirigió Carlos Soto y otros pequeños regalos.
    En 2002 Jesús anuncia su decisión de abandonar el grupo, por lo que se nos plantea el  dilema de continuar o no , la decisión fue buscar a otro cantante, puesto que ocupó Antuán de una manera ejemplar pues no era fácil sustituir a una voz tan carismática. Con esta nueva formación el 12 de Mayo de 2003 sale al mercado “C’est la vie”.
       En 2004 es cuando otro de los miembros fundadores, Carlos Soto, abandona el barco para embarcarse en un nuevo proyecto llamado Awen Magic Land (http://www.awenmagicland.com/), mientras el resto del grupo regraba en formato acústico algunos temas del principio de Celtas con la nueva voz.
    Y así llegamos a finales de 2005 donde tras su aventura en solitario nos planteamos junto a Jesús volver a tocar juntos. La unión da frutos pronto y en apenas cuatro semanas  tenemos preparados cinco temas nuevos que formarán parte del próximo disco de Celtas Cortos “20º Soplando Versos” celebrando los 20 años del grupo, con temas de siempre, DVD con actuaciones en TVE, rarezas……….
  • En 2006 es el comienzo de la gira presentación de “20 Soplando Versos” y de ka vuelta de Jesús. Esta gira se prolonga durante 2006 y 2007.
    A finales de 2007 nos metemos a ensayar los temas que formarán parte del nuevo disco de Celtas Cortos, prevista su salida para el año 2008. Este disco se grabará durante marzo y abril de 2008 en los estudios Garrate de Andoain bajo la batuta de Kaki Arkarazo.
    Finalmente el disco se publica el 2 de Septiembre de 2008 con el título "40 de Abril".

    Tras este trabajo nos embarcamos en una nueva gira de dos años que nos lleva hasta la grabación de INTROVERSIONES (2010), nuevo trabajo de la banda grabado entre Andoain (Gipuzkoa), Valdeón (León), Valladolid y Beluso volviendo a estar a los mandos técnicos Kaki Arkarazo, Goyo Yeves y la vuelta a la producción de Juan Ignacio Cuadrado, productor de los cuatro primeros discos.
    Este disco está concebido en un principio para presentarlo en teatros, aunque varios de sus temas funcionen perfectamente en un directo puro y duro del grupo.

Joaquín Sabina




  • Nace en Úbeda (Jaén), el 12 de febrero. Se llama Joaquín R. Martínez Sabina. Cursó estudios primarios en el colegio de las monjas Carmelitas y bachillerato en los Salesianos. De signo acuario, hijo de un inspector de polícia secreta y de una ama de casa.
  •  1950
  • A los catorce años ya escribe versos y a los dieciséis comienza a leer a Fray Luis de León, Jorge Manrique y José Hierro mezclados con Proust, Joyce, Marcusse… Forma su primera banda, Merry Youngs, un grupo de adolescentes que versionaban a Elvis, Chuck Berry y Little Richard.
  •  1968
  • Matriculado en la Universidad de Granada, inicia sus estudios de Filología Románica. Participa en las fuertes algaradas estudiantiles que sacuden el país. Durante las vacaciones navideñas, su padre recibe la orden de conducirlo a Granada con el fin de que preste declaración por su supuesta militancia en grupos políticos contrarios al régimen franquista.
  •  1970
  • Colabora en los primeros números de la revista “Poesía 70″, compartiendo páginas con Luis Eduardo Aute o Carlos Cano. Se exilia a Londres tras poner un cóctel molotov en una sucursal del Banco Bilbao de Granada en protesta por el proceso de Burgos. Falsifica su pasaporte e inicia su andadura de “exiliado político” con el nuevo nombre de Mariano Zugasti. No regresará a España hasta 1.977.
  •  1974
  • Colabora en Londres con el Club Antonio Machado, uno de los centros frecuentados por emigrantes y exiliados. Reconstruye el grupo de teatro “Juan Panadero”, que pondría en escena obras tan polémicas como “La excepción de la regla” de Bertol Brecht y “El cepillo de dientes” de Jorge Díaz. Fue squatter durante un año, cuando vivió en una casa “okupada” ubicada frente a un circo londinense.
  •  1975
  • Escribe sus primeras canciones. En un bar local llamado “Mexicano-Taverna”, actúa ante George Harrison que celebra su cumpleaños. El ex-beatle ante la felicitación musical de Sabina, le entrega cinco libras de propina.
  •  1976
  • Se edita en forma de libreto de canciones “Memorias del exilio” (Editorial Nueva Voz). El propio Sabina financia la edición: 10.000 ejemplares. Actúa de telonero en Londres de Paco Ibañez, Lluís Llach, Pi de la Serra y Elisa Serna ante la colonia de exiliados. La BBC le encarga la banda sonora de la serie “The last crusade”. Fernando Morán, cónsul en Londres, le entrega a Sabina su pasaporte.
  •  1977
  • Regresa a España y se marcha a hacer el servicio militar a Mallorca. Para conseguir el pase pernocta con el que trabajar en “Ultima hora”, un diario local, decide pasar por la vicaría casándose con Lucía Inés Correa Martínez, argentina que conoció en Londres.
  •  1978
  • Se instala en madrid, con su mujer. Se edita Inventario, su primer elepé. Casi todas las canciones están seleccionadas de “Memorias del exilio”. Alterna sus actuaciones para dar a conocer su ópera prima con el trabajo como entrevistador en la revista Carta de España.
  •  1979
  • Comienza a actuar en el frágil circuito de pubs madrileños y en los mítines electorales del PSP, UGT, PCE, PSOE y CNT. Pulgarcito aparece en el programa de televisión “Popgrama”, que dirigen Carlos Tena y Diego Manrique, cantando “¡Qué demasiao!”. El tema estaba escrito por Joaquín Sabina, que gracias a la emisión consigue una cita con Tomas Muñoz, director de CBS. Sabina firma con ellos un contrato editorial. Comienzan las actuaciones en el café de La Mandrágora junto a Javier Krahe y Alberto Pérez. El caché son mil pesetas por barba. Antonio Flores graba para CBS una de sus canciones, Pongamos que hablo de Madrid. Es número 1 de los 40 principales.
  •  1980
  • Lo ficha la multinacional CBS (Sony), y graba su segundo larga duración, Malas compañias. Fernando García Tola acude a “La Mandrágora” y decide invitar a Sabina, Krahe y Pérez a su programa “Esta Noche”. La indignación ciudadana colapsa la centralita de RTVE.
  •  1981
  • El trío se presenta en el “Teatro Salamanca” de Madrid. CBS edita La Mandrágora, un álbum grabado en directo en el café madrileño. Vuelven a televisión, gracias a Raúl del Pozo que dirigía un programa titulado “Entre dos luces”. Se niegan a cantar en playback.
  •  1982
  • Alterna sus conciertos en pubs con la traducción de éxitos de la canción italiana para la escudería artística de CBS. Al tiempo empieza a componer para otros. Miguel Ríos y Ana Belén se benefician de su talento.
  •  1983
  • Sabina y Krahe deciden separarse artísticamente para evitar repetirse. Joaquín edita Ruleta rusa, su primer LP eléctrico. Llegan las primeras actuaciones acompañado por su primera banda, Ramillete de Virtudes. García Tola lo reclama para su programa de RTVE “Si yo fuera presidente”. Sabina vuelve a aparecer junto a Krahe y Pérez.
  •  1984
  • Actúa junto a Viceversa, su nuevo grupo, en las Fiestas de San Isidro ante 100.000 personas. Escribe para “Diario 16″ un artículo de bienvenida a Bob Dylan. Graba con Gloria van Aerssen, de Vainica Doble, “Con las manos en la masa”, la sintonía del programa de cocina de Elena Santonja en RTVE. Participa en el rodaje del episodio “Tolito”, que el programa de RTVE “Vivir cada día” dedica al vallecano. Para la ocasión escribe Balada de Tolito, incluída posteriormente en su trabajo Juez y Parte. Se edita “Telespañolito”, una canción escrita junto a Javier Krahe, grabada para el programa de Tola en televisión que convierte a Sabina en héroe popular. La canción fue incluida en la segunda edición de “Ruleta Rusa” por indicativo de CBS, ansiosa por comercializar el tirón.
  •  1985
  • Abandona CBS y se marcha a Ariola a cambio de la libertad artística y algo de dinero. Repite participación en la segunda parte de “Si yo fuera presidente” de su amigo Tola. Edita Juez y Parte su quinto álbum. Participa en las fiestas pro referéndum para la salida de la OTAN. Estrena “Si te he visto no me acuerdo”, una canción que glosa los tres años de gobierno socialista.
  •  1986
  • Los días 14 y 15 de febrero graba en el “Teatro Salamanca” un doble álbum,”Joaquín Sabina y Viceversa”, en directo en el que aparecen como invitados Ricardo Solfa, Gurruchaga, Aute y Krahe, del que se venden 400.000 copias. CBS aprovecha el proyecto y coloca en las tiendas un grandes éxitos sin el consentimiento del autor con canciones de “Malas compañias” y “Ruleta rusa”. La Diputación de Granada edita un libro con poemas escritos inéditos llamado De lo cantado y sus márgenes. En las municipales, aparece apoyando la candidatura socialista de su amigo personal Juan Barranco, candidato a la alcaldía de Madrid. En este año formaban Viceversa Manuel Rodríguez y Pancho Varona a la guitarra, Javier Martínez al bajo, Paco Beneyto a la batería y Tere Carrillo a los coros. Era la hora de la consolidación a todos los niveles y la preparación del decisivo álbum “Hotel, dulce hotel” reclamó toda su atención.
  •  1987
  • Consolida su éxito con la venta de 400.000 copias de Hotel, dulce hotel. Junto a sus socios Claudín y Sauquillo, regentan un pub ubicado en el madrileño barrio de Malasaña, el “Elígeme”.
  •  1988
  • Presentación en Las Ventas de su trabajo El hombre del traje gris, seguido de una multitudinaria gira por México, Argentina y Venezuela. En este trabajo se incluye la banda sonora -retocada- de la película “Sinatra”, dirigida por Paco Betríu, y protagonizada por Alfredo Landa. Joaquín aparece en un papel secundario. Sabina produce un álbum doble del trío andaluz Los Chichos.
  •  1989
  • Funda junto a Pancho Varona, Ripio, la que, a partir de entonces, será la empresa editorial donde regristrará todas sus canciones. Joaquín es padre por primera vez: de su relación con Isabel Oliart, nace una niña.
  •  1990
  • Durante la Guerra del Golfo Pérsico, escribe, junto a otros artistas e intelectuales, en el “Diario por la paz” y participa activamente en actos de protesta. Presenta el disco Mentiras piadosas.
  •  1991
  • Nace su segunda hija con Isabel Oliart.
  •  1992
  • Publica Física y Química, su noveno elepé, que alcanza en unos meses -entre España y Latinoamérica- el millón de copias vendidas. BMG-Ariola edita el video de Joaquín Sabina y Viceversa, la grabación ofrecida del concierto que ofreciera en 1.986 en el teatro Salamanca de Madrid. El 26 de Julio nace su segunda hija, Rocío, fruto de su relación con Isabel Oliart. Comienza una relación sentimental con la modelo mallorquina Cristina Zubillaga.
  •  1993
  • Produce el álbum de Krahe “Sacrificio de Dama”, publicado este mismo año. Participa, junto a otros artistas, en los actos de protesta por el cierre del madrileño teatro “Alfil”, a manos del concejal de distrito centro Angel Matanzo. En las elecciones legislativas de junio, apoya a Izquierda Unida.
  •  1994
  • Sale al mercado el disco Esta boca es mia que consigue en su primera semana ser número uno de ventas en España y en varios países hispanoamericanos. Fue pregonero de la Feria de San Miguel, en su pueblo natal, Úbeda, decicándole el pregón a su difunto padre.
  •  1996
  • Coloca el disco Yo, mi, me, contigo en el número uno de la lista de ventas de Afyve (80.000 copias vendidas en su primera semana en el mercado). Sale de gira en compañía de Los Rodriguez. 30 conciertos que se iniciaron el 18 de julio en Gijón y continuaron por diversos paises de Latinoamérica (Perú, México, Chile, Argentina y Uruguay). La gira “Sabina, viuda e hijos, en paños menores” arranca en diciembre y recorre 31 locales de España y Latinoamérica. Sabina recupera en estas actuaciones la tradición folk de los días de La Mandrágora y reinventa su repertorio personal mediante nuevos arreglos. Para ello, se acompaña sólo de tres músicos: Pancho Varona (guitarra), Antonio García de Diego (guitarra y teclados) y Olga Román (coros, percusiones y guitarra).
  •  1997
  • Gana el premio al mejor autor pop rock en la primera edición de los premios de la Música de España, creados por la Sociedad General de Autores de España (SGAE) y la Asociación de Intérpretes o Ejecutantes (AIE).
  •  1998
  • Publica Enemigos Íntimos, un disco grabado al cincuenta por ciento con el músico Fito Páez. La disparidad de opiniones y el inevitable choque de egos hace que suspendan la gira internacional que pensaban emprender. Su relación es hoy por hoy, nula. Escribe una canción para el subcomandante Marcos, respondiendo así a la petición que el rebelde zapatista le hiciera dos años atrás. Tras romper con Cristina Zubillaga, comienza a salir con una bonaerense de 23 años, Paula Seminara, relación que duró un año y medio.
  •  1999
  • Publica 19 días y 500 noches. Actúa en el 21º aniversario de la Constitución Española, contratado por el presidente de la comunidad de madrid, Alberto Ruiz-Gallardón. BMG-Ariola le triibuta un homenaje en el hotel Palace de Madrid por la venta de 4.000.000 de copias de sus discos desde su primer trabajo en dicha compañía. (Juez y Parte), hasta el último. (19 días y 500 noches). Comienza su relación sentimental con la fotógrafa peruana Jimena Coronado.
  •  2000
  • Obtiene cuatro de los cinco galardones a los que otorgaba en los Premios de la Música, en las categorías de Mejor Autor Pop, Mejor Artista Pop, Mejor Disco del Año y Mejor canción del Año por 19 días y 500 noches. Comienza la gira acústica Nos sobran los motivos, una revisión mejorada de la anterior En Paños Menores, para lo que contó con los mismos músicos que en aquélla; Pancho Varona, Antonío García de Diego y Olga Román. Concluye en el mes de septiembre, tras recorrer España de palmo a palmo durante un año, la gira electrificada 19 días y 500 noches.
  •  2001
  • Salida a la venta del recopilatorio grabado en directo Nos sobran los motivos. Rumor acerca de un libro de sonetos que saldría a mitad de año. En verano le da un leve infarto cerebral que a punto está de dejarlo postrado en una silla de ruedas. Se recuperará pocas semanas más tarde, y sin secuela alguna. Editó un video su discográfica para tranquilizarnos, en el hall de su casa.
  •  2002
  • María Jímenez saca un disco en el que canta canciones del maestro (antiguo deseo del de Úbeda). Salida del disco Dímelo en la Calle (28 de Octubre), con 12+1 canciones, entre ellas 69.G, la canción más hermosa del mundo, vámonos pal sur…etc. También sale a la venta un libro suyo, su cancionero, Con Buena Letra. Giras..conciertos..viva el la recta final del 2.002 y el 2003!!.
  •  2003
  • Joaquín Sabina escribe, escribe y sigue escribiendo. Cancela la gira del disco “Dímelo en la calle” aduciendo tener graves problemas en las cuerdas vocales. Todos nos asustamos, y un año después nos enteramos que simplemente fue una excusa. Su hermano más que amigo Pancho Varona dice que todavía ve lejos la posible vuelta a un concierto como los de antes. Sale a la venta el recopilatorio con algunos temas nuevos Diario de un peatón.
  •  2004
  • Colabora en el homenaje a Bambino, en la sintonía de un programa para Nacho Lewin, sigue escribiendo y escribiendo, y nacen rumores de futuros discos y libros. Seguimos ansiosos de Joaquín.
  •  2005
  • Joaquín Sabina publica Alivio de Luto, un esperado trabajo tras tres años de silencio. Numerosas entrevistas realizadas, y el deseo de todos los fans hecho realidad : la vuelta a las giras. Un Joaquín con fuerza, simpático, y llamando, como siempre, a las cosas por su nombre.

  •  Paseo por la vida de Joaquín Sabina
  • Joaquín Sabina celebró el 12 de febrero de 2005 56 años de vida. Joaquín Ramón Martínez Sabina nació en 1949 en Úbeda, donde estudió con las monjas Carmelitas y los sacerdotes Salesianos, en una época en la que escribía versos y leía a Fray Luis de León, Jorge Manrique y José Hierro mezclados con Proust, Joyce y Marcusse.
  • Con un grupo de adolescentes que imitaban a Elvis, Chuck Berry y Little Richard, el joven Joaquín formó su primera banda llamada Merry Youngs. Más tarde, se graduó de la Universidad de Granada en Filología Románica y colaboró en la revista “Poesía 70″. Pronto sus inclinaciones políticas lo pusieron en aprietos cuando, tras poner una bomba molotov en la sucursal de un banco, huyó a Londres, Inglaterra, e inició su andadura de exiliado político, bajo el nombre de Mariano Zugasti.
  • En este país comenzó a escribir sus primeras canciones, colaboró con el Club Antonio Machado, uno de los centros frecuentados por emigrantes y exiliados, y montó polémicas obras teatrales como “La excepción de la regla”, de Bertol Brecht y “El cepillo de dientes”, de Jorge Díaz.
  • En 1975 publicó el libreto de canciones “Memorias del exilio”, y comenzó a abrir conciertos para Paco Ibañez, Lluís Llach, Pi de la Serra y Elisa Serna, ante la colonia de exiliados ingleses, para más tarde producir la banda sonora de la serie “The last crusade”. Más tarde editó “Inventario”, su primer elepé, y en 1979 comenzó a cantar en el café “La Mandrágora”, junto a Javier Krahe y Alberto Pérez, lugar al que acudió Fernando García Tola y los invitó a su programa “Esta Noche”.
  • Luego de trabajar varios años para la CBS, Sabina editó “Malas compañías” y “Juez y Parte”, también participó en las fiestas pro referéndum para la salida de la OTAN y estrenó “Si te he visto no me acuerdo”. Pronto consolidó su éxito con la venta de 400 mil copias de “Hotel, dulce hotel” e inició una gira por México, Argentina y Venezuela, para presentar “El hombre del traje gris”, que incluyó la banda sonora de la película “Sinatra”, de Francesc Betríu.
  • Antes de presentar el álbum “Mentiras piadosas”, durante la Guerra del Golfo Pérsico, Sabina escribió, junto a otros artistas e intelectuales en el “Diario por la paz”; también participó en actos de protesta. En los 80 produjo los álbumes “Física y Química”, “Sacrificio de Dama”, “Esta boca es mia” y “Yo, mi, me, contigo”, material que vendió 80 mil copias en su primera semana en el mercado, para más tarde realizar 30 conciertos en compañía de Los Rodríguez.
  • Durante la gira “Sabina, viuda e hijos, en paños menores”, el español recuperó la tradición folk de los días de “La Mandrágora” y más tarde ganó el galardón al mejor autor pop rock en la primera edición de los Premios de la Música de España.
  • En 1999 publicó “19 días y 500 noches”, disco del cual se vendieron más de medio millón de copias en España y que le hizo ganar cuatro de los Premios de la Música de la SGAE 2000, además del de “Ondas 2000″ a la mejor canción. En 2002 aparecieron “Con buena letra”, recopilación de sus letras e ilustraciones y el disco “Dímelo en la calle”, considerado por la crítica como uno de los álbumes más importantes de ese año, y que se dio a conocer con el disco “69 punto G”.
  • Con varios años de trayectoria a cuestas, la creatividad del cantautor le permitió editar “Diario de un Peatón”, álbum con un fondo tecno, cuya letra está basada en dos sonetos suyos, y que además incluyó “A vuelta de correo”, tema inédito, y una pista multimedia con el video de “69 punto G”.
  • Se reeditó en 2003 “Malas Compañías”, “Ruleta Rusa” y el mítico “La Mandragora”, en el pack “Parece que fue ayer”, los primeros trabajos del músico español; después salió a la venta “Motivos de un sentimiento”, el disco del Himno del Centenario del Atlético de Madrid.
  • El siguiente fue un año muy ocupado para el cantautor, pues participó como invitado en numerosas producciones, como “Qué grande es esto del amor!” del grupo Café Quijano, “Neruda en el corazón”, “Ciudad naufragio”, y en “…Y todo es vanidad”, homenaje a Javier Krahe, entre otras.
  • También se estrenó como crítico en la columna semanal “Esta boca es mía”, para la revista “Interviú”, y en cine participó en la película “Isi & Disi”, dirigida por Chema de la Peña, con la canción “La Rubia de la Cuarta Fila”
  • Ese mismo año, creó con unos socios el restaurante “La Cantina de la Mordida”, en Madrid, España, participó en el Festival Mexicano de la Palabra y editó otro material recopilatorio, “Todos hablan de ti”.
  •  Curiosidades de Joaquín Sabina
  •  Tiene 2 hijas, Carmela (1989) y Rocío (1991). Por otro lado, su padre, comisario de policía, le detuvo a los 19 años por pertenecer al Partido Comunista.
  •  En 1974, el ex beatle George Harrison le dio una propina de 5 libras cuando Sabina tocó para él en su cumpleaños, y el propio Bob Dylan le prohibió tocar la versión paródica que hizo del tema In the beginning, que él llamó Con su bikini.
  •  El director de la discográfica CBS le ofreció su primer contrato con la referencia de una canción suya que sonaba entonces por TVE, “¡Qué demasiao!”: la cantaba Pulgarcito en el “Popgrama” de Carlos Tena.
  •  La canción Pongamos que hablo de Madrid fue grabada por Antonio Flores antes que por Sabina, y alcanzó el número 1 en los 40 Principales.
  •  En 1997 le recibió Fidel Castro, con quien conversó durante cinco horas.

Mägo de Oz



  • Español: Mägo de Oz es un grupo español de música heavy metal con influencia celta formado en mayo de 1989 por el batería Txus. El nombre resulta de añadir el llamado umlaut del heavy metal a "El Mago de Oz", novela infantil del estadounidense Lyman Frank Baum. La banda se fundó en mayo de 1989 por Txus, quien poco a poco fue reclutando al resto de los miembros de la banda, hasta lograr una primera formación estable que duraría desde 1992 hasta 1995.
    Sus componentes fueron:

  • Txus: batería.
    Mohamed: violín.
    Charlie: guitarra solista.
    Chema: guitarra.
    Salva: bajo.
    Juanma: voz.

  • Grabaron varias maquetas: "Y qué más Da" (1989), "Canción de Cuna para un Bohemio", y una tercera maqueta en 1992. Su música estaba abierta a gran cantidad de estilos e influencias, pero basando todo su potencial musical en el folk rock y la música celta, consiguiendo un estilo original, como demuestran las críticas recibidas en prensa y medios especializados. En 1992 el grupo fue finalista en el Concurso Villa de Madrid, pero Chema, el guitarrista decidió dejar el grupo. En su lugar entró Carlitos. Tras dos grabaciones y la expulsión de Charlie y la reentrada de Chema en su lugar, lanzaron su primer CD en 1994, producido por Txus y Alberto Plaza bajo el nombre de "Mägo de Oz". Este disco tuvo escaso éxito y apenas dio a conocer al grupo. En ese momento Mägo de Oz tuvo una de sus épocas más difíciles con el abandono (ya definitivo) de Chema y Juanma. En 1996 se formó la composición que ha perdurado casi hasta la actualidad. Entra José en sustitución de Juanma, y Frank en sustitución de Chema.
  • Txus: batería.
    Mohamed: violín.
    Carlitos: guitarra solista.
    Frank: guitarra rítmica.
    Salva: bajo.
    José: voz.

  • El mismo año, empezaron a grabar el CD "Jesús de Chamberí", producido por Alberto Plaza y Mägo de Oz. El CD fue editado en 1996 con el sello discográfico Locomotive Music. La gira que apoyó este segundo disco tomó el nombre de "Via Crucis Tour" y obtuvo gran éxito en todo el país. En 1997 decidieron volver a grabar cinco temas de lo que fue su primer disco con una mejora notable de sonido y con los dos nuevos componentes (Jose y Frank), producción esta vez realizada por G. Sider. Mención especial hay que hacer a la presentación del disco en la Sala Canciller de Madrid. Este disco le abrió las puertas de importantes festivales y tuvo mayor éxito que Jesús de Chamberí. Fieles al estilo de Opera Rock, y esta vez ambientado en los paisajes y la temática de la inmortal obra de Miguel de Cervantes, El Quijote, nace su tercer CD "La Leyenda de la Mancha"(1998). Este es un disco repleto de riffs de guitarra, melodías celtas, canciones y una cuidada producción. La gira de este disco llamada "The Riiiichal Tour" tiene varios puntos álgidos, el primero en La Riviera (sala de conciertos de Madrid). La gira de este disco es la más extensa que Mägo de Oz haya tenido nunca (115 conciertos).
  • Tras el éxito de La Leyenda de La Mancha y con motivo del 10º aniversario de su fundación, deciden sacar un home-video que recogiera la trayectoria del grupo. Este fue Resacosix en Hispania. A finales de 1999 decidieron embarcarse en un ambicioso proyecto: un disco doble. Este fue su cuarto LP y se llamó Finisterra. Para este disco se incorporaron al grupo Sergio "Kiskilla" a los teclados y Fernando a los vientos. Este disco ha sido el más folk del grupo, aunque sin perder bases heavy. La gira de este disco también fue muy ambiciosa, con luces, pirotécnia e hinchables. Decidieron sacar un disco con temas en directo, que recogiera la gira; este disco fue Fölktergeist, y con motivo de este nuevo disco se embarcaron en otra gira mucho más ambiciosa (más pirotecnia, mejor escenografía) y que grabaron en DVD. Es en este momento cuando Salva decidió abandonar el grupo sustituyéndole un joven bajista: Sergio.
  • En 2003 se embarcan en el proyecto de realizar tres álbumes que compondrán la trilogía de Gaia: el primero con título "Gaia", que fue lanzado ese mismo año al mercado. Con la temática de Cortés y la conquista de los españoles a los aztecas, de este disco se desprendieron los sencillos "La Costa del Silencio" y "La Rosa de los Vientos". Mägo de Oz ha realizado varios conciertos en Sudamérica. Sin embargo, este disco no gustó a muchos de sus fans, pues relegaba a las guitarras y tiraba más al Hard Rock que al Heavy Metal.
  • Para el 2004, la banda regresa al estudio a grabar lo que sería su sexta placa discográfica: "Belfast", en honor a la ciudad irlandesa del mismo nombre, pues ha sido lugar de conflictos religiosos. Este disco, lanzado después de "Gaia" pero antes del verdadero sucesor del mencionado, es una recopilación de algunos temas de producciones anteriores; por ejemplo, Alma (del disco "Gaia") tiene arreglos orquestales, se incluye, además, una versión metal de "La Rosa de Los Vientos", entre otras. También estuvo a cargo de Locomotive Music.
  • En este momento se producen importantes cambios en Mägo de Oz: entra un tercer guitarrista: Jorge Salán, y meses depués sale Sergio, el bajista.
  • En el año 2005 salieron dos discos de Mägo de Oz. El primero fue Madrid - Las Ventas, disco grabado en directo en la plaza de toros madrileña de Las Ventas; fue un disco con mucha polémica ya que lo publicó Locomotive Music sin tener en cuenta al grupo, que entonces ya había sido contratado por otra discográfica. El segundo disco, puesto a la venta el 14 de Noviembre de 2005, fue Gaia II - La Voz Dormida, editado ya con su nueva discográfica Dro Atlantic; este disco es la segunda parte de la trilogía "Gaia" y su primer single fue "La Posada de los Muertos". Para Gaia II entró en el grupo un nuevo bajista llamado Pedro (Peri).

Sharrie Williams



  • .Las raíces de Sharrie Williams no solo nacen del gospel profundo, sino también del soul, el blues, el jazz y las influencias de vocalistas míticas como Etta James, Aretha Franklin, Tina Turner o Billie Holiday. Con tan solo tres discos en el mercado (uno de ellos en directo), Sharrie Williams demuestra que es pura fuerza en el escenario.
    Sharrie Williams empezó a cantar con tan solo 12 años, y pronto se convirtió en una de las voces solistas más destacadas del coro Greater Williams Temple Inspirational Voices de Michigan. Además de cantar también con The Voices of Joy y The Sisters of Love, grabó un álbum con la formación Williams Temple bajo la dirección del maestro Hubert Williams y con la legendaria vocalista de Gospel de Detroit, Mattie Moss Clark, como productora.
  • En el año 1992 empezó a interpretar blues, siendo la principal vocalista del grupo The Blues Controversy de Michigan. En cada actuación, Williams, con su poderosa voz e inimitable estilo, encandilaba a un público que no la dejaba abandonar nunca el escenario.
  • En 1997, la cantante recibió la invitación de cantar en el club The Wise Guys, acompañada por una banda fija del local. La experiencia fue tan positiva que de ahí nació su actual formación: Sharrie Williams & The Wiseguys.
  • Durante el año siguiente, la banda se lanzó a su primera visita a Europa y actuó en Alemania. En 2004, su gira por el viejo continente ya se había extendido a países como Holanda, Francia, España, Suecia, Suiza y Gran Bretaña.
  • En 2004, Williams lanzó al mercado su primer álbum con la discográfica alemana Crosscut Records, Hard Drivin’ Woman, un disco que la llevó a actuar en escenarios tan importantes como el Festival de Blues de Chicago y el Pocono Blues Festival. En 2007, la artista cambió de compañía y firmó un nuevo contracto con la casa canadiense Electro-Fi Records. Por otro lado, Sharrie ha colaborado con artistas de la talla de Larry McCray y Ron Prince.
    Sharrie define así su oficio: “¡Me encanta lo que hago! Puede actuar ante cinco personas y sentirme como si lo hiciera ante 60.000”
  • Información general
    Género: Blues / Soul
  • Ubicación US
  • Última sesión: 24/05/2008
  • Sitio Web http://www.sharriewilliams.com/
  • Discográfica CrossCut Records
  • Discográfica Indie

15 mar 2011

El ROCK N’ ROLL



El Rock and roll, es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros del folklore estadounidense, como el rhythm and blues, el swing, el hillbilly o el country entre otros, y popularizado desde la década de 1950.[]
 El vocablo “rock” utilizado en la música deriva del término rock and roll y hoy día conserva dos significados según la Real Academia Española: en primer lugar, un género musical característico y popularizado en los años 50 (que se corresponde con la definición de rock and roll[] ) y, en segundo lugar, cada uno de los diversos géneros musicales derivados a partir del rock and roll, que sería la definición del género contemporáneo música rock. Sin embargo, independientemente de estas definiciones, en la práctica existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a su música rock and roll.
En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando un estilo propio y diverso que se materializaría en el gospel y en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, precursor del rock and roll, si no el mismo ritmo con nombre diferente.


En 1951, el locutor de radio Alan Freed, a través de un amigo que era dueño de una pequeña tienda de discos en Cleveland, se entera del aumento en las ventas de discos de rhythm and blues, género musical netamente interpretado por artistas negros, pero que comenzaba a llamar la atención de los jóvenes blancos por el sonido potente. Esto le motivó a que el 11 de julio de ese mismo año sacara al aire el primer programa de rhythm and blues para una audiencia blanca. El programa se llamó primeramente “Moondog”.
El programa tuvo un gran éxito y no se hicieron esperar las críticas racistas típicas de los 50 por lo que Alan empezó a llamar Rock N’ Roll a los discos de Rhythm & Blues tratando de calmar la polémica, ya que el Rhythm & Blues era un tema tabú entre la población blanca y casi no había Rhythm & Blues” sonando en la radio desde que se creara el género a finales de los años 40. Hasta la llegada de Alan Freed el Rhythm & Blues se conocía principalmente en los barrios negros, incluso, en 1948 hubo una prohibición hacia las discográficas de hacer grabaciones de Rhythm & Blues, viéndose obligados los músicos negros a grabar clandestinamente entre los años 48 y 50.
Visto lo visto y teniendo en cuenta que el formato de los discos cambió en ese momento del 78 rpm al 45 rpm, Alan Freed tuvo que renombrar su programa de radio porque tenía miedo a lo que pudiera pasar. Así el programa pasó a llamarse “Moondog Rock & Roll Party” y el éxito del mismo siguió en ascenso. Sin embargo, la presión racista ejercida sobre él lo lleva a pensar en terminar el programa, por lo que decidió realizar lo que se conoció como el primer concierto de Rock & Roll. En marzo de 1952 tiene lugar el “Freed’s Moondog Coronation Ball”. El mismo tuvo lugar en el “Cleveland Arena”, con capacidad para 10.000 espectadores. El cartel ofrecía lo mejor del “Rock N’ Roll” que no dejaba de ser lo mejor del Rhythm & Blues del momento: Paul Hucklebuck Willians, Verete Dillard, The Dominoes y Tiny Grimes. Casi un 70% de los asistentes eran jóvenes blancos mientras que se calculan otras 10.000 personas negras dejadas afuera. Mientras Paul Hucklebuck Willians hace su presentación, la gente que se había quedado afuera, derriba las puertas y se armó la gran trifulca, acabando con el concierto.
Así tomó forma el término de este nuevo género que cambiaría el mundo musical. En 1954 Alan Freed se traslada con su show a la emisora WINS en New York dando inicio a la emisión de su programa a nivel nacional, presentando al mundo entero el “Rock N’ Roll”.
Ese mismo año, Bill Haley & His Comets grabarían el disco Crazy man crazy y su tema Rock around the clock sería todo un gran éxito. Para muchos críticos musicales este tema sería considerado como el inicio definitivo del Rock N’ Roll.
Otros, sin embargo, consideran como creadores del Rock N’ Roll a Little Richard o a Elvis  Presley y eligen también como fecha del comienzo a 1954, año en el que Elvis editó su primer disco. Entre los músicos destacados de la época se pueden citar también a Jerry Lee Lewis, Bo Diddley, Chuck Berry, Fats Domino, Buddy Holly o Gene Vincent, entre otros.
A pesar de todo, la vida del Rock N’ Roll fue corta y para 1957 muchos pensaban que el rock’n'roll estaba muerto, que todo había sido una efímera moda como muchas otras. El roquero salvaje, lascivo e insolente fue reemplazado rápidamente por una generación de “ídolos juveniles” educados, bien vestidos y románticos que dominaron las ondas sonoras hasta 1965. En el mejor de los casos, el Rock N’ Roll fue fusionado con la música country para producir una forma de música más “tradicional” y blanca para los jóvenes, como fue el caso de los Everly Brothers.
Elvis y los demás rocanroleros también fueron tendiendo hacia las baladas y su música se fue apartando de los orígenes.

14 mar 2011

Danza Invisible





En sus comienzos ganaron el premio como mejor grupo en el concurso de rock Alcazaba, organizado por el ayuntamiento de Jerez de la Frontera, lo que les permitió grabar su primer sencillo con la canción “Mis ojos hacia ti”. El primer elepé, Contacto Interior, contiene su sonido primigenio, con temas como “Tiempo de amor”, y “Ecos”. Para cerrar la etapa con Ariola, el álbum Maratón, que incluiría algunos de sus mejores temas como “El ángel caído” y “El club del alcohol”.
En 1986, firmaron con DRO, y editaron Música de Contrabando, entre cuyas canciones destacan, “Agua sin sueño”, “El joven nostálgico” y “Sin aliento”. Su primer disco doble en vivo se publicó en 1987, titulado Directo, grabado en la Sala Universal de Madrid.
En 1988 lanzaron el álbum A Tu Alcance, el cual contiene varios de sus temas más conocidos; “Sabor de amor”, “Reina del Caribe” o la versión de Van Morrison “A este lado de la carretera”.
En 1993 editaron el álbum Clima Raro.
Al Compás De La Banda fue su segundo álbum en directo, cargado con más material de la segunda etapa y como resultado de la grabación de dos conciertos, uno en Madrid, y el otro en Málaga.
En el año 1996 grabaron Por Ahora, con la colaboración de músicos como Trevor Murrell a la batería, los Kick Horns, en la sección de vientos, y Mark Cotgrove, Snowboy en la percusión.
De 1998 destaca su álbum En Equilibro, disco que incluye temas versionados de otros artistas, como “Libro abierto” y “Por tu ausencia”.
Su último disco de estudio Tía Lucía ha sido editado en marzo de 2010
Discografía oficial

Sueños (1982)
Contacto interior (1983)
Lo mejor de Danza Invisible (1983)
Maratón (1985)
Música de contrabando (1986)
Directo (1987)
A tu alcance (1988)
1984-1989 (1989)
Catalina (1990)
Bazar (1991)
Clima raro (1993)
Al compás de la banda (1995)
Por ahora (1996)
En equilibrio (1998)
Grandes éxitos (2000)
Al amanecer (2001)
Efectos personales (2001)
Pura danza (2003)
Tía Lucía (2010)

Twitter Delicious Facebook Digg Stumbleupon Favorites More

 
Design by Free WordPress Themes | Bloggerized by Lasantha - Premium Blogger Themes | Enterprise Project Management