25 jul 2011

Dave Grusin

  • Dave Grusin es un pianista, arreglista y compositor estadounidense de jazz y jazz fusion.

  • Nacido y crecido en Littleton, Colorado, Grusin menciona a su padre, violinista clásico, como el verdadero instigador de una carrera musical que comenzó en el ámbito de la clásica, un área donde el joven músico profundizaría sus estudios en la University of Colorado. Fue en la universidad donde Grusin descubrió su interés por el jazz en la obra de artistas tan diversos como Shorty Rogers, Shelly Mann, Dave Brubeck, Count Basie, Gerry Mulligan o Chet Baker, así como tocando con grandes artistas como Art Pepper, Terry Gibbs o Anita O’Day a su paso por la institución. . En 1959 se traslada a Nueva York para ingresar en la Manhattan School of Music, y pronto se encuentra tocando para Andy Williams, en cuya banda conoce al baterista Larry Rosen, con quien establecería una fuerte amistad y quien se convertiría en su socio en el sello GRP. A mediados de la década de 1960 inicia su carrera en solitario con un par de álbumes -Subways are For Sleeping and Piano y Strings and Moonligh que reflejan las influencias que sobre el músico ejerció la obra de Art Tatum, Bill Evans o Red Garland.
  • Grusin había tocado con Terry Gibbs y Johnny Smith en su época de estudiante en Colorado, de 1959 a 1966 trabajó como pianista y director musical de la banda de Andy Williams, y es a partir de esa época que da comienzo su carrera como compositor de bandas sonoras para cine y televisión. En 1960 graba con Benny Goodman,
  • Aparte de ser muy conocido en el mundo del jazz, también tiene un gran curriculum en el campo de la música escrita para el cine, no con tantas partituras compuestas como los anteriormente citados, pero puede que con una calidad media superior. Digamos que desde que empezó se ha preocupado mucho de la calidad de cada una de sus obras, y ahora ya acabando los 90 sigue en la brecha, en plena forma.
  • Parafraseando uno de sus títulos de jazz, se podría decir que Dave Grusin es un «tipo único», mejor dicho, un «compositor único». No hay duda que hay que estar dotado de un don especial para poder componer música, pero aún más difícil es estar dotado para componer distintos tipos de música independientes entre sí. No me refiero a componer dentro de un mismo campo (en este caso la música de cine) obras con orientaciones distintas, sino componer música en distintos campos:
  • Música de cine, jazz… En ese sentido se podría decir que Grusin es varios compositores en uno. Por un lado tendríamos al Grusin compositor e intérprete de jazz, y por el otro al Grusin compositor de música de cine. Y aún más, dentro del compositor de cine encontraríamos al compositor de partituras con estilo plenamente jazzístico («Los fabulosos Baker Boys») , y al compositor de partituras íntimas y melancólicas, basadas en una melodía imborrable que nada tiene que ver con jazz («Campeón», «En el estanque dorado»…) o incluso a un compositor de partituras al más puro estilo del cine negro policiaco («La brigada del sombrero»).

24 jul 2011

Franz Ferdinand

  • Franz Ferdinand es una banda de indie rock, formada en Glasgow, Escocia en 2001 llamada así en honor al Archiduque Francisco Fernando de Austria (en alemán Franz Ferdinand). La banda está compuesta por Alex Kapranos como voz principal, guitarra solista y teclados, Bob Hardy en el bajo, Nick McCarthy en la guitarra rítmica, teclados y coros, y Paul Thomson en la batería, percusión y coros.
  • Tras el poco éxito de su primer sencillo, Darts of Pleasure, la banda alcanzó buenos puestos después de que su segundo sencillo, Take Me Out (publicado el 12 de enero de 2004), llegase al n.º 3 en los ránking del Reino Unido seguido de su álbum debut Franz Ferdinand (publicado el 9 de febrero de 2004), que debutó en el Reino Unido en el puesto número 3. La banda ganó el Mercury Music Prize 2004 y dos Brit Awards en el año 2005 por Mejor Grupo Británico y Mejor Actuación de Rock Británico. NME nombró a Franz Ferdinand como Álbum del Año. De este álbum, cuatro singles fueron top ten, el más exitoso y aclamado por la crítica Take Me Out, seguido de The Dark of the Matinée, This Fire y Michael (que llegó a # 17). El primer álbum de la banda logró vender 5 millones de copias en el mundo.
  • El segundo álbum de la banda, You Could Have It So Much Better, fue #1 en el Reino Unido, al vender 101.884 copias en su primera semana, del que se extraen las canciones Do You Want To, Walk Away y The Fallen
  • Todos los miembros de Franz Ferdinand estuvieron anteriormente en distintas bandas independientes en la década de los '90 como The Karelia, Yummy Fur, 10p Invaders y Embryo. Alex Kapranos y Paul Thomson tocaban juntos en Yummy Fur, y posteriormente se unieron para escribir canciones. Alrededor de la misma época Kapranos enseñó a su amigo, Bob Hardy, cómo tocar el bajo. Kapranos se reunió con Nick McCarthy en el año 2001 que regresaba a Escocia después de estudiar jazz en Alemania.
  • En mayo de 2003, la banda firmó con el sello discográfico independiente, Domino Records. La banda había grabado un EP Darts of Pleasure, el que pretendían lanzar ellos mismos, pero fue lanzado por Domino a finales de 2003. La cubierta del disco fue diseñada por Thomson. Llegó # 43 en el chart del Reino Unido. La banda ganó el Premio Philip Hall Radar, en la ENM de los Premios de 2004, anunciado a finales de 2003.

  • La banda se trasladó a Gula Studios en Malmö, Suecia con Tore Johansson, productor de The Cardigans para grabar su disco de debut. En enero de 2004, el sencillo Take Me Out alcanzó el tercer puesto 3 en las listas de ventas del Reino Unido. El álbum Franz Ferdinand, se lanzó a principios de 2004, debutando en la tercera posición de discos en el Reino Unido en febrero de 2004 y en el décimo segundo en Australia, en abril de 2004. El álbum sólo alcanzó los niveles más bajos del Billboard 200 Album Charts en los EE.UU. a principios de 2004, pero alcanzó el top 5 de la tabla de indie rock. Después de un par de viajes de América del Norte y la gran rotación del video "Take Me Out" en MTV, el álbum alcanzó el # 32 en Billboard 200 después, en 2004, y vendió más de un millón de copias en los Estados Unidos.
  • Franz Ferdinand en general recibió una respuesta positiva de los críticos. ENM dice que la banda fue el más reciente que sigue la línea del arte de grupos de rock como Duran Duran, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Roxy Music, Sex Pistols, Wire, Travis y Blur.
  • En la revisión del álbum en la BBC, dice: "En sólo 38 minutos de duración "Franz Ferdinand" no podía ser un álbum largo, pero es una obra maestra de funky, punky, suave fresco de la primera canción a la última. All Music Guide clasificaron el álbum con cuatro de cinco estrellas y dijo: "Franz Ferdinand termina siendo gratificante de manera diferente al anterior trabajo banda, pero es evidente que aún son uno de los grupos más excitantes de fuera del garage-rock / post-punk revival".
  • El 7 de septiembre de 2004, el álbum de 2004 fue galardonado con el Premio Mercury Music. En Australia, "Take Me Out" ganó el Triple J Hottest 100 del año 2004. Franz Ferdinand procedió a ganar un Premio Ivor Novello en 2004 y dos Brit Awards en 2005. El vanguardista video de Take Me Out ganó un MTV Video Breakthrough. La ENM llamó a "Franz Ferdinand" el mejor álbum de 2004, y también lo puso 38a en la Lista de los 100 Mejores Álbumes. La banda se presentó en los Grammy de 2005, interpretando "Take Me Out", en un Medley en vivo con Los Lonely Boys..

The Lennerockers

  • Formado en 1984, The Lennerockers, es un grupo alemán que se ha destacado por su particular manera de hacer Rockabilly.. introduciendo instrumentación que no se encuentra normalmente en una banda de Rockabilly: como son el banjo, el dobro o la mandolina, "colocando", especialmente el ritmo, con el "slap" del contrabajo en sus temas.  Estos cinco músicos, que han sobrevivido durante décadas el paso del tiempo, se autodenominan  "Rockabilly Occidental".. y hoy en dia son  una de las bandas más activas rock 'n' roll en Europa. Además han participado en  muchos eventos, compartiendo escenario con muchos artistas internacionales...Bueno este post es de Napolitano que lo a escrito para el blog ..Gracias Napo por este post ..Beset

Premio Tu corazòn... !Es mi premio!

23 jul 2011

Giuseppe Fortunino

  • Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (La Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable compositor de ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.



    Giuseppe Fortunino Francesco Verdi nació en Le Roncole el 10 de octubre de 1813; la localidad era entonces parte del ducado de Parma (que a su vez formaba parte de Francia). Allí recibió sus primeras lecciones de música. Continúa sus estudios en Busseto, bajo la tutela de Ferdinando Provesi.



    Se convierte pronto en el organista de la iglesia de su pueblo. Intenta entrar en el conservatorio de la ciudad de Milán pero no lo consigue.



    Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el Va pensiero (coro de los esclavos de la ópera Nabucco) es uno de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán.



    Gracias a los éxitos conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo más personal en sus óperas y presionar a libretistas y empresarios para que arriesguen y experimenten un poco más. Es notable, en este sentido, la forma en que se engendró la ópera Macbeth, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el éxito de estas óperas es también notorio.



    Sigue un período de dificultades personales, con la muerte de su primera esposa y su hija, que contrasta con la creación de sus óperas más populares y queridas, las ya mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.



    Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este período; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; Aida, compuesta para la Ópera del Cairo; Otello y Falstaff, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no son bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que el autor siempre rechaza.



    En sus últimos años, Verdi compuso algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés e inglés, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).



    Fallece en Milán, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral. Dejó su fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para músicos jubilados que lleva su nombre: Casa Verdi en Milán, donde está enterrado. Su entierro suscita gran conmoción popular y al paso del cortejo fúnebre el público entonará espontáneamente el coro de los esclavos de Nabucco ("Va pensiero sull'ali dorate").







Ahmad Jamal

  • Ahmad Jamal, nacido Frederick Russell Jones (Pittsburgh, 2 de julio de 1930), es un pianista estadounidense de jazz.
  • Figura controvertida, es, no obstante, una de las principales influencias musicales de Miles Davis y está considerado como uno de los pianistas más relevantes de la historia del jazz[cita requerida]. Jamal es un pianista del cool y de la tradición clásica jazzística.
  • La música de Jamal es innovadora y minimalista, y manifiesta un uso consciente de los espacios y de los silencios para subrayar los tránsitos entre la relajación y la tensión, con la intención de generar dramatismo. Impresiona antes que por su técnica por su virtuosismo, caracterizado por una gran economía de medios y unas líneas melódica y armónicamente inventivas. En sus tríos, suele dejar un gran espacio de libertad a la sección rítmica.
  • Jamal comenzó a tocar el piano a los tres años, empezó su formación a los siete y a los once ya tocaba profesionalmente bajo el nombre de Fritz Jones (aunque durante la Segunda Guerra Mundial también se hacía llamar "Freddie") siendo influido por artistas como Erroll Garner, Art Tatum, Teddy Wilson, Count Basie y Nat King Cole. Tras graduarse en el instituto, realizó una gira como acompañante y se unió a la orquesta de George Hudson en 1949. Un año después, se unió al grupo de swing del Joe Kennedy, los Four Stsring, donde trabajó como pianista y arreglista.
    En 1950, Jamal formó su propio grupo, los Three Strings, con el bajista Eddie Calhoun y el guitarrista Ray Crawford. Fueron descubiertos por la compañía Columbia en 1951 y firmaron por el sello subsidiario de esta OKeh. Calhoun fue más tarde reemplazado por Richard Davis y después por Israel Crosby en 1955; durante esa época, Fritz Jones se convirtió al Islam y se cambió el nombre por el de Ahmad Jamal hacia 1952. También, en esas fechas, el grupo, eventualmente renombrado como Ahmad Jamal Trio grabó dos discos, que incluían el clásico de Jamal "Ahmad's Blues" y una versión de "Pavanne" que fueron la base posterior de los legendarios temas de Miles Davis "So What" y del "Impressions" de John Coltrane.
    En 1955 cambió de compañía, a Argo, donde el trío grabó el exitoso Chamber Music of New Jazz, que impresionó a Davis y en el que el arreglista Gil Evans se basó para crear la obra para el trompetista. En 1956, Jamal eligió para reemplazar al guitarrista Crawford a un batería, Walter Perkins; a su vez, este fue reemplazado en 1958 por Vernell Fournier, quedando constituido el grupo clásico que trabajó habitualmente en el Pershing Hotel de Chicago, dando como resultado un disco clásico en directo: Ahmad Jamal at the Pershing: But Not for Me; la versión de Jamal de "Poinciana" se convirtió en su tema por antonomasia. Como consecuencia de este éxito, Jamal abrió su propio club, Alhambra, y grabó abundantemente para Argo durante los años sesenta.
    Algunos de sus discos tuvieron un éxito considerable, por ejemplo Ahmad Jamal Trio, Vol. 4 de 1958 y Ahmad Jamal at the Penthouse de 1960. En 1962 el trío se deshizo. Con el arreglista Richard Evans, Jamal grabó otra sesión de jazz con violines, Macanudo, y a continuación formó un nuevo trío con el bajista Jamil Nasser (aka Jamil Sulieman) y el batería Chuck Lampkin. Lampkin se marchó en 1965 y fue sustituido por Fournier (en el LP Extensions) antes de que finalmente Frank Gant formase parte del trío.
    Jamal experimentó un breve resurgir de su éxito a finales de los sesenta gracias a discos como Standard Eyes de 1967 y Cry Young de 1968. Un año después cambió de compañía, ahora para Impulse!, y grabó cinco discos en cuatro años, incluyendo un directo en el Montreux Jazz Festival de 1971 y Outertimeinnerspace (1972), en los que experimentó con el piano eléctrico.
    Jamal se cambió a la compañía 20th Century en 1973. Nasser abandonó el trío a mediados de los setenta y fue reemplazado por John Hurd; además, el trío se amplió a cuarteto momentáneamente con la incorporación del guitarrista Charlie Keys para el concierto de 1976 Live at Oil Can Harry's. Night Song presentó a Jamal trabajando con un grupo más grande en 1980. Pero nuevamente formó otro trío con el bajistay el batería Payton Crossley.
    A comienzos de los ochenta, Jamal realizó una gira y grabó en tándem con el vibrafonista Gary Burton y regresó a una compañía poderosa al firmar con Atlantic en 1985. Trabajó también para Telarc a comienzos de los noventa. En 1994, fue galardonado con el American Jazz Master Fellowship por el National Endowment for the Arts.
    Jamal firmó después con el sello francés Birdology, que supuso el comienzo de un renacimiento creativo. Sus grabaciones fueron distribuidas inicialmente en los Estados Unidos por Verve y Atlantic, y más tarde por el pequeño sello Dreyfus Jazz. Su primer disco francés, The Essence of Ahmad Jamal, Pt. 1 fue recibido calurosamente en Francia, y supuso la primera vez que Jamal grabó en pequeño grupo con un saxofonista Siguió con Big Byrd: The Essence, Pt. 2 (1997) y Nature: The Essence, Pt. 3 (1998), y sobre todo con el aclamado concierto de su 70 cumpleaños en el Olympia en el año 2000. El disco de 2003 In Search of Momentum fue también muy bien recibido por la crítica.

22 jul 2011

Luis Cobos

  • Luis Cobos (nacido en Campo de Criptana, Ciudad Real) es un músico, compositor y director de orquesta español, con un gran reconocimiento nacional e internacional. Actualmente es presidente de la entidad de gestión de Artistas Intérpretes y Ejecutantes (AIE) y presidente de la Academia Latina de la Grabación "The Latin Recording Academy".
  • Estudió solfeo, teoría musical y armonía. Con tan sólo ochos años ingresó en la Filarmónica Beethoven, orquesta local en su pueblo, Campo de Criptana. Con quince años fundó en Ciudad Real la Escolanía Loyola.
  • A finales de los 60, Luis Cobos formó parte del grupo de rock Conexión, con el que editó un LP y varios sencillos para el sello Movieplay.[1]
  • Su gran oportunidad llegó en 1982, cuando grabó en los míticos estudios Abbey Road, de Londres, con The Royal Philharmonic Orchestra el álbum Zarzuela, que unía y actualizaba fragmentos del género chico.
  • El disco fue un auténtico fenómeno de masas, alcanzando la cifra de un millón de ventas y seguirían otros proyectos trabajando con pasodobles en Sol y sombra (1982) o con rancheras en Mexicano (1983).
  • Sus siguientes LP se encumbraron igualmente y de forma inmediata al primer puesto en las listas de ventas en España: Capriccio russo (1986), Tempo d'Italia (1987) y Vienna Concerto (1989). No sólo consiguió 50 discos de platino en este país[cita requerida], sino que ocupó puestos privilegiados en las listas de ventas en Reino Unido, Bélgica, Finlandia, Alemania, Argentina, Francia o Portugal[cita requerida].
  • Durante esa época, además, compagina su actividad de director de orquesta (lo que incluye a la Sinfónica de Viena, The Royal Philharmonic Orchestra de Londres, La orquesta sinfónica de Los Ángeles (USA) la Kansai Philarmonic de Japón, la Sinfónica de Moscú, la Sinfónica de RTVE o la Sinfónica de la RAI) con la de compositor. Crea temas para voces tan dispares como Plácido Domingo, José Carreras, Julio Iglesias, Ana Belén, Isabel Pantoja o Joaquín Sabina[cita requerida].
  • Tras su experimento musical de los ochenta, de horrible gusto, en el que añadía una base rítmica electrónica a obras clásicas, en la década siguiente sus grabaciones incluían prácticamente las composiciones completas: Es el caso de Suite 1700, "Amor" , Viento del Sur (con la Gran Orquesta Tropical de Puerto Rico),Oscars, "Viva México" y otros...
  • En 1998 publicó La danza de los corceles, dedicado a los caballos de la Escuela de Doma de Jerez.

21 jul 2011

Bonnie Raitt

  • Más que sólo una artista de mayor venta, Una guitarrista respetada, cantante expresiva  y compositora consumado, Bonnie Raitt ha convertido en una institución en la música americana. La liberación de las almas Igual, su álbum XVIII, marca otro paso valiente e hilarante en un cuerpo legendario de trabajo.
  • Nacido en una familia musical, la ganadora del Grammy, nueve veces es la hija del famoso cantante de Broadway John Raitt (Carrusel, Oklahoma!, El juego del pijama) y logra el pianista / cantante Goddard Marge. Se crió en Los Angeles en un clima de respeto por las artes, las tradiciones Quaker, y un compromiso con el activismo social. Una guitarra Stella que le dio como regalo de Navidad puesto en marcha Bonnie en su viaje creativo a la edad de ocho años. Mientras que
    creciendo, a pesar de pasión por la música desde el principio, nunca se consideró que sería jugar un papel más importante que como uno de sus muchos intereses en crecimiento.
  • Finales de los 60, inquieta en Los Angeles, se mudó al este de Cambridge, Massachusetts. Como estudiante de la Universidad de Harvard / Radcliffe con especialización en Relaciones Sociales y Estudios Africanos, asistió a clases y se sumergió en el turbulento actividades culturales y políticas de la ciudad. "No podía esperar para volver a donde había folkies y los movimientos contra la guerra y los derechos civiles", dice. "Hubo buena música y muchos escenarios políticos sucediendo en los últimos años 60 en
    Cambridge. "Además, añade, con una sonrisa", fue la proporción de chicos que chicas en Harvard cuatro a uno, así que todas esas cosas estaban jugando en mi mente. "
  • Raitt ya estaba profundamente involucrado con la música folk y el blues en ese momento. La exposición a los Blues álbum en Newport 1963 a los 14 años había encendido su interés por el blues y la guitarra slide, y entre las clases en la Universidad de Harvard ha explorado estilos de estos y otros conciertos en la cafetería local. Tres años después de entrar a la universidad, Bonnie izquierda a comprometerse de tiempo completo a la música, y poco después encontró a sí misma para sobrevivir a la apertura de los gigantes del blues. De Mississippi
    Fred McDowell, Wallace Sippie, Son House, Muddy Waters y John Lee Hooker aprendió de primera mano las lecciones de la vida, así como las técnicas de valor incalculable de rendimiento.
  • "Estoy seguro de que era un regalo increíble para mí, no sólo para ser amigo de algunas de las personas mayores de blues que jamás haya vivido, sino para aprender cómo jugar, cómo cantaba, cómo vivían sus vidas, hicieron su matrimonios, y habló con sus hijos ", dice. "Yo estaba especialmente afortunado ya que muchos de ellos ya no están con nosotros".
  • La voz se corrió rápidamente de la joven pelirroja blueswoman, su manera conmovedora, sin afectación de canto, y su visión extraordinaria en la guitarra de blues. Warner Bros. le localizó, firmado en sus brazos, y en 1971 lanzó su álbum debut, Bonnie Raitt. Sus interpretaciones de clásicos del blues de Robert Johnson y Wallace Sippie hizo una impresión poderosa crítica, pero la presencia de melodías de compositores contemporáneos interesantes, así como varios ejemplos de su propia escritura, indicó que este artista no se limita a una casilla de uno o el estilo.
  • Durante los próximos siete años ella récord de seis álbumes. Give It Up, Takin 'My Time, farolas, y' Home Plate 'fueron seguidos en 1977 por Sweet Forgiveness, que ofreció su primer éxito individual, un valiente Memphis / R & B la disposición de Del Shannon "Runaway". Tres nominaciones a los Grammy seguido en la década de 1980, cuando lanzó el resplandor, la luz verde y nueve vidas. Una compilación de los puntos destacados de estos álbumes Warner Bros. (más dos duetos en directo inéditas) fue lanzado como la colección Bonnie Raitt en 1990. Todos estos álbumes han sido recientemente Warner digitalmente remasterizado y reeditado.
  • Entre las sesiones, cuando no quemar las carreteras de gira con su banda, se dedicó a jugar los beneficios y pronuncian a favor de una serie de causas nobles, la campaña para detener la guerra en América Central, la participación en la Ciudad del Sol contra el apartheid proyecto , actuando en el histórico 1980 No armas nucleares conciertos en el Madison Square Garden, co-fundador de MUSE (Músicos Unidos por la Energía de seguridad), y trabajo para la protección del medio ambiente y de los derechos de las mujeres y los indígenas americanos.
  • Después de forjar una alianza con Capitol Records en 1989, Bonnie alcanzado nuevos niveles de reconocimiento de público y crítica. Ganó cuatro premios Grammy en 1990 y tres de su álbum de Nick de tiempo y una por su dueto con John Lee Hooker en su álbum de la brecha, el sanador. En cuestión de semanas, Nick of Time saltó a la número uno (que ahora está certificado quíntuple platino). La suerte del sorteo (1991, siete veces platino) trajo aún más éxito y lanzaron dos singles hit "Algo de que hablar" y "No puedo Make You Love Me", en las listas, y la adición de tres premios Grammy más a su conservación. El anhelo de doble disco de platino en sus corazones, lanzado en 1994, contó con el single "Love Sneakin 'Up On You" y fue honrada con un premio Grammy por Mejor Álbum de Pop. Fue seguido en 1995 por el CD doble en vivo y el camino de la película Prueba (ahora disponible en DVD).
  • Después de todos los premios y honores y décadas de prácticamente giras sin parar en su haber, Bonnie decidió tomar un descanso y disfrutar de algunas de las recompensas merecidas de la vida fuera de la carretera. El gasto en bicicleta el tiempo, ir de excursión, y haciendo yoga, disfrutar de la familia y amigos, y viajar por diversión en lugar de trabajo le trajo un gran sentido de la renovación y el propósito. Por supuesto, ella nunca había ido demasiado lejos, continuar con su activismo y como invitado en "los registros, incluyendo Ruth Brown, Charles Brown, Keb 'Mo numerosos amigos, Ladysmith Mambazo Negro, y Bruce Cockburn, así como registros de tributos para Richard Thompson, Lowell George y Pete Seeger. Cogió otro Grammy en 1996 a la Mejor Actuación Rock Instrumental por su colaboración en "Shuffle SRV" del tributo estelar a Stevie Ray Vaughan, y continuó con su "doble carrera", actuando con su padre, John, en los conciertos, así como en su álbum nominado al Grammy, Broadway Legend, lanzado en 1995.
  • En 1998, volvió al estudio con un equipo de colaboración para crear nuevas fundamentales, uno de sus proyectos más exploratorio, lo que indica su creciente deseo de "sacudir un poco las cosas." Inspirado por la música de Zimbabwe mundo-beat Mtukudzi maestro Oliver, Bonnie escribió: "Una creencia Away", el primer single, con Paul Brady y O'Brian Dillon.
  • En marzo de 2000, Bonnie fue incluido en el Rock and Roll Hall de la Fama, lo que fue seguido por darle la bienvenida en el Salón de la Fama de Hollywood Bowl, junto con su padre, en junio de 2001. Con los años, Bonnie ha aparecido como invitado en más de 100 proyectos de álbum, como una crónica en la sección de discografía de su página web oficial. Ella continúa a estirar los límites, actuando con artistas tan variados como la cantante caboverdiana Cesaria Evora, y BBKing leyendas, Tony Bennett, y Willie Nelson.
  • Después de la gira fundamentales y más viajes de inspiración, volvió al estudio con su banda para grabar camino veterano Silver Lining, lanzado en 2002. Con sorprendente interpretación de Bonnie de la canción de David Gray escribió-, el nominado al Grammy "Gnawin 'On It", y el single "No te puedo ayudar ahora," Silver Lining fue considerado por muchos críticos como uno de los los mejores discos de su carrera. Ella promovió el álbum con una gira mundial que incluyó a su Festival de la carretera verde y una asociación de promoción de eco-combustible biodiesel, el medio ambiente, y las soluciones de energía alternativa en las ferias y los beneficios a lo largo del camino. En 2003, lanzó la retrospectiva Lo mejor de Bonnie Raitt en el Congreso.
  • Raitt también se mantuvo ocupado con apariciones más, incluyendo el dueto impresionante "¿Alguna vez pasan por su mente" en la versión final de Ray Charles, Genius Loves Company, que ganó el premio Grammy por Álbum del Año, y un dueto en el Grammy ganar el amor verdadero álbum de Toots & The Maytals. Su álbum de 1989 avance, Nick of Time, fue remezclada para el sonido envolvente, y lanzado por Capitol Records en 2004, un DVD-Audio, obteniendo una nominación al Grammy en la categoría de nueva creación, Mejor Album de sonido Surround.
  • En 2003, también participó en la aclamada serie de Martin Scorsese, PBS, The Blues, interpretando dos canciones en la película de Wim Wenders, El alma de un hombre, y forma parte del elenco de estrellas de relámpago en una botella, la película de concierto en vivo en los azules, dirigido por Antoine Fuqua. También contribuyeron con canciones para dos películas de Disney, The Country Bears y Zafarrancho en el rancho. Actualmente, ella toca la guitarra en una canción en el nuevo álbum de Stevie Wonder, A Time to Love, y aparece en la próxima TV / DVD tributo, Música l0l: Al Green. Un DVD de su 1977 en el Festival de Jazz de Montreux también ha sido lanzado.
  • Todas las experiencias de Raitt la llevó a las almas bajo la misma, su primer álbum a dar el crédito "Producido por Bonnie Raitt." El álbum, grabado con su nuevo unida, la banda de gira amado y as ingeniero / co-productor, Tchad Blake, es una colección de canciones menos conocidas de compositores con los que Raitt siente una profunda afinidad, y cuyo trabajo se está dispuesto a campeón .
  • Con algunas nuevas direcciones sorprendentes y, como ella los describe, "temas espinosos, adultos," las almas ambiciosas e innovadoras Igual revela un artista extraordinario que nunca ha estado dispuesto a dormirse en sus laureles. "Tienes que hacer cosas que se extiende", dice Bonnie. "Me gustaría colgar las espuelas si no tienen algo nuevo que jugar". Sonidos que van desde la fragilidad de crudo de "No quieren que nada cambie" (escrito por Liz Rose, Chapman Stephanie, y Sharp Maia) a los bucles pantanosas electrónicos detrás de John Capek y "Deep Water" Marc Jordan dan testimonio de deseo Raitt a crecer y encontrar cosas nuevas que decir. Los temas abordados en "The Bed I Made" (también por Batteau y Sharp) o Bramblett Randall Davis y Causey "Dios estaba en el agua" es sofisticada y adulta, y complejos - materiales no convencionales para las canciones pop.
  • "Yo no se romperá," el plomo nominado al Grammy sola de las Almas Igual (escrito por Gordon Kennedy, Kirkpatrick Wayne, y Sims Tommy, el equipo detrás de Silver Lining "Yo no te puedo ayudar ahora" y Eric Clapton "Cambiar el mundo ") refleja la mentalidad Raitt durante la realización del registro. "Había un elemento de ser empujado a la pared con lo que estaba pasando en mi vida personal, mis crisis y la familia entonces no fue la elección", dice. "Así que esa canción era como un himno para mí y para todo el que quiera sentir que puede hacer frente a recibir un empujón en todo."
  • Igual almas debutó en el # 19 en el Billboard 200 en septiembre de 2005, provocando elogios de la crítica y propulsar Raitt volver a la carretera. (Ella se reanudó la Carretera Verde eco-asociación que comenzó en la gira de Silver Lining.) El 30 de septiembre de 2005, Raitt realizó un concierto especial en el Trump Taj Mahal en Atlantic City, Nueva Jersey, que se emitió el primer episodio de "VH1 Classic décadas Rock Live "en serie. Los pares de conciertos innovadores célebre serie de artistas de rock and roll con algunos de los actos de hoy más calientes de grabación que ha sido influenciado e inspirado por las leyendas.
  • Raitt ha sido seleccionado como el artista inaugural de la serie de compañero de DVD / CD lanzamientos. VH1 Classic Decades Rock Live! Presenta Bonnie Raitt y amigos Gracias a la vida, Ben Harper, Alison Krauss y Keb'Mo 'fue lanzado en agosto de 2006 andfeatures nunca antes visto el rendimiento y la entrevista, incluidos los cuatro dúos no incluidos en la emisión de VH1 Classic del concierto. Con dos horas de concierto y grabaciones entrevista, el concierto que fue filmado en alta definición y se presenta en audio 5.1, características Raitt realizar 17 canciones con su banda desde hace mucho tiempo - George Marinelli (guitarra), James "Hutch" Hutchinson (bajo), Ricky Fataar (batería) y Jon Cleary (teclados). Se incluyen éxitos tales Raitt clásicos como "Algo de que hablar," Carta de amor "" (con Mo '), "You" (con Krauss) y un bis knock-out de "Love Sneakin' Up On You" con Raitt, Jones , Harper, Krauss y 'Mo, así como aspectos más destacados de las almas bajo la misma, incluyendo "no se romperá", "Dios estaba en el agua", "No quieren que nada cambie" (con Jones) y "Mercenary innecesariamente "(a dúo con el tecladista Cleary, quien escribió la canción). El CD incluye 11 canciones, incluyendo la radio solo "dos luces en la noche" (con Ben Harper).
  • Estos últimos años también han traído algunos problemas personales. Después de una larga enfermedad, su padre falleció a principios de 2005, su madre murió de forma inesperada debido a complicaciones de apenas Alzheimer meses antes, y en 2009, el hermano de Bonnie finalmente sucumbió a su batalla con el cáncer de cerebro que valientemente lucharon con un programa de dieta macrobiótica para ocho años. Durante este tiempo, ella co-titulado con Jackson Browne y parte Keb Mo 'de la histórica "Vote For Change" tour previo a la elección presidencial de 2004, y luego otra vez a las elecciones de 2008, llevaron a cabo una serie de conciertos benéficos para recaudar fondos y recepciones para ayudar a salir a votar y animar al voto en las principales carreras demócrata del Senado. En 2007, Bonnie se unió a su musa (Músicos Unidos por la Energía Segura) amigos de Jackson Browne y Graham Nash para poner en marcha una campaña para prevenir el rescate legistlative de la industria nuclear y desarrollado un sitio web que sirve como fuente de información y redes centro de activistas de energía segura.
  • Bonnie continúa usando su influencia para afectar la forma en la música es percibida y apreciada en el mundo. En 1988, fue co-fundador de la Fundación Rhythm and Blues, que trabaja para mejorar las regalías, las condiciones financieras, y el reconocimiento de toda una generación de R & B pioneros a los que se siente tanto debemos. En 1995, se inició el Proyecto de Bonnie Raitt guitarra con el Boys and Girls Clubs of America, actualmente en ejecución en 200 clubes de todo el mundo, para alentar a jóvenes de escasos recursos a tocar música ya que los presupuestos para la enseñanza musical en las escuelas en seco.
  • Su compromiso con el poder redentor de la música se expresa en el prólogo que escribió a las raíces de América, el libro basado en la serie de PBS 2001 del mismo nombre:
  • "Estoy convencido de que esta apreciación tiene que estar ahí para que los niños negro, latino y todos pueden entender las raíces de su herencia musical propia", explica. "La consolidación del negocio de la música ha hecho difícil para fomentar estilos como el blues, todo lo cual merece ser celebrado como parte de nuestros recursos naturales más preciados."
  • Para el verano de 2009, Bonnie Raitt y Taj Mahal y dos luminarias de la moderna blues-unen sus fuerzas para su primera gira juntos. El "BonTaj Roulet" tour será una costa a costa, 30 + excursión fecha en agosto y septiembre, y contará con Bonnie y Taj en el escenario solos y juntos. Bonnie, respaldado por su grupo de siempre deslumbrante, y Taj, con las seis piezas, ganador de un Grammy Phantom Blues Band, jugarán juegos completos por separado, antes de cerrar cada noche con una colaboración, blow-out rendimiento.
  • Sin embargo, Bonnie y Taj no son sólo de realizar en cada mercado que visitan, que están dando vuelta a estas comunidades. Ellos han creado el Fondo BonTaj acción colectiva que utiliza varias iniciativas para recaudar fondos para una variedad de causas. Ticketmaster, Musictoday y Live Nation Ticketing se han comprometido a igualar las contribuciones a conciertos y artistas de  0.25 en el precio de cada billete. En conjunto, este esfuerzo va a recaudar  1 por cada boleto vendido en la gira. Al concierto se les anima a votar en lo que hace que el Fondo BonTaj la acción colectiva de apoyo en el sitio web BonTaj.com. Las ganancias se distribuyen en proporción a los votos contados en general, en beneficio de organizaciones que trabajan sobre los siguientes temas: energía segura y sostenible, protección del medio ambiente, la justicia social y los derechos humanos, y Blues / Educación Musical.
  • "Esta gira es justo lo que recetó el doctor", dice Bonnie. "Taj y yo tenemos mucho en común, pero hay tanto territorio inexplorado entre nosotros. Ha sido un rato largo que viene, y ahora es el momento adecuado."

20 jul 2011

Sanctus Real

  • Sanctus Real se caracteriza por presentar al público más cerca de Dios a través de la música desde 2002, y su última canción "Lead Me" no es una excepción. La canción es un reflejo de los problemas personales del vocalista Matt Hammitt con equilibrar las demandas de un artista musical con el papel de ser un líder espiritual de su familia.
  • "Mi esposa me sentó y me miró a los ojos de lágrimas, y dijo:" Te necesito para ser un mejor líder '", explica Matt. "A veces podemos tener la intención de ser grandes hombres de Dios, los esposos grandes, grandes padres, pero eso no quiere decir nada hasta que se pone en acción."
  • El viaje de Sanctus Real, sin embargo, comenzó hace casi una década, mientras que Matt estaba en la secundaria y se reunió con el guitarrista Chris Rohman en su segundo año en la escuela cristiana de Toledo en Ohio. Después de dirigir el culto de jóvenes en conjunto, con el tiempo empezó a colaborar en sus propios productos, y una asociación nació.
  • No mucho tiempo después el baterista Mark Graalman y el bajista Steve Goodrum unieron a la diversión, y la banda comenzó la grabación de música juntos en un garaje cercano. Dado que los fondos fueron difíciles de conseguir para la fabricación de discos, Matt y Steve fueron obligados a trabajar telemarketing conciertos por día para pagar las sesiones.
  • Después de firmar con Sparrow Records, la banda lanzó su álbum debut, Say It Loud en 2002. Fue seguido por primer funcionario de la banda # 1 hit, una versión de "Beautiful Day" de U2 en el proyecto de compilación, En el Nombre del Amor: Artistas Unidos para África (2004). A partir de ese momento, la banda siempre ha lanzado nuevos registros como un reloj cada dos años, y han desplegado importantes tales como las canciones de "The Face of Love", "lo que estás haciendo", "Forgiven", y la última "Lead Me. " Nuevo enfoque de Sanctus Real a la fe de inspiración rock 'n' roll con letras abiertas, auténticos han hecho una de las bandas favoritas de la música cristiana.
  • "Todas las canciones que escribo son acerca de las partes más profundas de nuestro ser y las cosas y que estamos pensando y lo que estamos viviendo", cuenta Matt. "Empezamos a pensar en todas las diferentes piezas de nuestras vidas, y vino a nosotros de que estas canciones son piezas de nuestro corazón-el verdadero cosas que están pasando y las cosas que queremos comunicar a la gente a medida que mejora la comunicación en nuestros corazones. "
  • Matt y la vida de su esposa Sarah se cambió en septiembre de 2010 con el nacimiento de su tercer hijo, Bowen. Temprano en el embarazo, se encontró que Bowen había un defecto del corazón, y fue operado poco después del nacimiento. Bowen se encuentra todavía en el hospital recuperándose y está siendo asistida con aparatos de respiración.

Casting Crowns

  • Nueva canción de Casting Crowns, "Glorious Day (Vivir que me amaba)," sirve como un recordatorio del sacrificio que Jesús hizo, y su propósito detrás de todo esto. La canción es en realidad una "reinvención" de un himno que el cantante Mark Hall creció escuchando, entilted "One Day".
  • Mientras que la música ha sido siempre una parte de la larga carrera de Mark como pastor de jóvenes, no hay nadie más desconcertados por el éxito de su banda que él marca. Nunca podría haber esperado escribir y tocar canciones para reventar, el público de más de, digamos, 15 o 16 años.
  • Impresionó la voz y el mensaje cristiano directo de canciones como "Si somos el Cuerpo" y "Who I Am", Mark Miller, de Sawyer Brown y también artista Steven Curtis Chapman finalmente convenció a Mark Hall que había que seguir la música a tiempo completo. Mientras que Hall estaba definitivamente abierto a la idea, su única preocupación era que él todavía iba a llegar a ser un pastor de jóvenes, algo que ha continuado haciendo durante la grabación y gira con Casting Crowns.
  • Ahora, con una congregación más grande de lo imaginado, el actual "Artista del Año" en el Evangelio de este año los Premios de Música de la paloma Asociación, Casting Crowns, que también incluye a Juan DeVevo (guitarra, voz), Melodee DeVevo (voz y violín), Héctor Cervantes (voz, guitarra), Chris Huffman (bajo), Megan Garrett (teclas, voz, acordeón) y Bryan Scoggin (batería), ha producido cinco álbumes de estudio que desafían a los cristianos a vivir una fe que es cualquier cosa menos status quo.
  • Con su último proyecto, hasta que el mundo entero escucha, se han explorado nuevos horizontes musicales, así como con una más Rockin 'banda de sonido de la canción. Por encima de todo, sin embargo, para Mark Hall, lo más importante es el mensaje, que todo el mundo tiene que tener una relación personal con Jesús. "Quiero sacudir a la gente y ayudarles a ver que Jesús no es una religión, y Dios no es un libro", dice Marcos en la biografía oficial de la banda. "No se puede rezar a un libro, y no se puede sacar fuerza de una idea o una norma."
  • La banda llegó a producir un álbum en vivo basado en el proyecto, que incluye la "Hasta que el mundo entero escucha" vídeo de la música, la enseñanza de videos de Mark Hall, y la historia de la hija adoptiva de Hall, la esperanza. Además de la canción que da título y "Glorious Day", todas las canciones en el álbum muestra la profundidad increíble como "To Know You". La canción se basa en Romanos 8:29: "Porque Dios sabía de antemano a su pueblo, y él los escogió para ser como su Hijo, para que su Hijo sea el primogénito entre muchos hermanos y hermanas", y explica que Dios meta más grande es conformarse a vivir como Jesús.
  • Además de su ministerio de la iglesia, Casting Crowns también ha hecho una diferencia del escenario que actúa como un socio de largo plazo de la Visión de la organización sin fines de lucro del mundo.

19 jul 2011

Chris Tomlin

  • Durante casi una década, Chris Tomlin ha estado proporcionando servicios de la banda sonora de culto del domingo por la mañana en todo el mundo.
  • Las últimas canciones "Levanto Mis Manos", "I Will Follow" y "nuestro Dios" en su CD y si nuestro Dios es para nosotros unirse a una vasta colección de música de adoración como "Forever", "Famous One", "Cuán grande es nuestro Dios "," indescriptible "y" Sing, Sing, Sing "que se han conectado con el público de todas las edades. Sus canciones han sido cantadas en varios idiomas-a otros que aún ni siquiera sorpresas Chris, porque todo lo que siempre se han interesado por es "tener una experiencia compartida de acudir ante Dios y adorarle."
  • Un nativo de Texas, la música de Chris de la elección, mientras crecía era país. Pero cuando el padre de Chris le regaló su primera guitarra cuando estaba enfermo con mononucleosis, pronto no sólo era honky-tonk que estaba jugando. A los 14 años, Chris había escrito su primera canción de adoración.
  • Pero la búsqueda de música para ganarse la vida no era precisamente ir a Chris el plan de vida después de graduarse de la escuela secundaria. Confiamos en que Dios tenía un plan en mente para su vida, pero todavía no muy seguro de lo que era específicamente, Chris matriculados en la universidad pensando que en última instancia, había una carrera en terapia física.
  • Por supuesto, Dios tenía otros planes para Chris.
  • Después de ganar un título en psicología, Chris se hizo amigo de Luis Giglio, fundador de la Pasión, diseñado para crear un despertar en los campus universitarios. Respondiendo a la invitación de Félix de ser parte del evento Pasión culto en primer lugar, un encuentro histórico de miles de estudiantes universitarios en Austin, Texas, Chris finalmente encontró a llamar a su vida en el culto principal.
  • Además de escribir y grabar su propia cantos de alabanza, Chris ha continuado siendo parte del movimiento de la pasión desde que el primer evento en 1997, por no hablar de su ahora un año de edad, planta de la iglesia, la iglesia de la ciudad de Pasión, en Atlanta.
  • Como el cumplimiento de lo que ha sido para Chris para llevar al público en la adoración, simplemente sirve como otro artista de culto no ha sido suficiente. Chris siempre ha sido un apasionado de ayudar a los líderes de adoración a prosperar en sus respectivas iglesias.
  • Así que al final de 2006, Chris puso en marcha en un recurso en línea llamado frecuencia. Que describe el sitio como "un lugar para servir a Dios ya su pueblo en la adoración", que más tarde se asoció con Larry Tardy y amplió el esfuerzo. Ahora conocida como el Culto de frecuencia, la página web incluye gráficos de acordes para canciones de adoración popular, videos instructivos y tableros de mensajes para los líderes de adoración para conectar con-y aprender de los demás.
  • Durante la gira con TobyMac en el "Tonight Hola" gira en el otoño de 2010, Chris anunció su compromiso con su novia, Lauren. Actualmente, puedes encontrarlo en su "y si nuestro Dios es para nosotros" gira esta primavera.

Steven Curtis Chapman

  • Un pionero de composición de Paducah, Kentucky, Steven Curtis Chapman es uno de los artistas más prolíficos de la música cristiana con más de 20 álbumes en su haber.
  • Si eso no fuera suficiente para ganarse el derecho a presumir cantante / compositor, que tiene una vitrina de trofeos llena de honores, con 56 Premios Dove, cinco premios Grammy y ventas de más de 10 millones de álbumes. Sin embargo, como cualquiera que haya pasado un tiempo con Steven ya sabe, eso es todo carne sólo es bueno para los comunicados de prensa. En el mundo de Steven es lo que realmente importa es su relación con Dios y su familia, que siempre son un elemento básico en las historias que él cuenta de la etapa y los amores de su vida.
  • Crecer en una familia muy unida, en Kentucky, Steven creció tocando la guitarra y el canto. Dada su gran amor por la música, lo que realmente fue una sorpresa cuando Steven cambió su pre-med importante en Kentucky por una oportunidad de seguir la música en Nashville.
  • Después de escribir una canción que fue grabada por The Imperials, Steven finalmente firmó un acuerdo de composición de canciones y canciones escritas para otros artistas antes de lanzar su primer álbum, de primera mano en 1987. Otro de los proyectos, las conversaciones de la vida real, seguiría un año más tarde, y Steven oficialmente tenía su avance en la escena musical.
  • No fue hasta el back-to-back álbumes más en esta vida y por el bien de la convocatoria que Steven realmente se convirtió en un nombre familiar. No sólo varias decenas sencillos # 1, pero Steven ganó su primer Premio Grammy.
  • Con los años, Steven ha seguido para llegar a nueva inspiración para un proyecto tras otro, y canciones como "La Gran Aventura", "Dive", "Live Out Loud" y "Oremos", han sido la banda sonora de muchos creyentes " viajes.
  • Un firme defensor de la conciencia de adopción, Steven y su esposa Mary Beth tres hijas adoptadas en China, Shaohannah, Joy Stevie y Sue María. En 2008, María murió trágicamente cuando fue atropellada accidentalmente en la calzada más de la familia. Steven canaliza el dolor y su última esperanza en Dios, en su 17o álbum de estudio, belleza aumentará, lo que aparece "El cielo es la cara", una canción escrita en memoria de su hija. Describe las canciones como su "personal salmos", fue Steven capaz de compartir su historia y de su familia de la esperanza en medio de la tristeza en los medios de comunicación convencionales, como "Larry King Live", "Fox News" y "pueblo".
  • Su "familia" tema continúa con su más reciente álbum de seguro en los brazos, como Steven trabajó con sus compañeros cristianos artista Matt Redman para producir el álbum primer solo "cerca de su corazón." El lanzamiento del álbum fue acompañado de una gira con su esposa Mary Beth titulado "Una noche con los Chapman," donde mostró su nuevo libro La elección para ver. El libro analiza el viaje de los Chapman en los últimos años, y el papel de su fe y esperanza en Dios de dar a luz.

18 jul 2011

Colin James

  • Desde las praderas de Saskatchewan a compartir el escenario con los guitarristas sin duda mayor y más influyente de todos los tiempos, Colin James todavía recuerda las palabras de consejo que le dio la tarde, gran Vaughan, Stevie Ray.
  • Para todos los guitarristas jóvenes que crecen en un pequeño pueblo, la historia de Colin James es su historia - uno de la unidad, la pasión, la ambición y una fuerte sensación de que su destino estaba más allá de los límites seguros de hogar.
  • Mirando hacia atrás en una carrera que ya abarca dos décadas, Colin ha pasado por algo más que unas cuantas puertas para llegar al nivel de éxito que disfruta hoy en día. Él sigue grabando la música que le gusta (que acaba de lanzar su CD 12, "Rooftops y satélites") ha vendido varios discos de platino muchas veces, y sus giras de conciertos siguen vendiendo a costa a costa.
  • Entonces, ¿cómo este niño pradera encontrar su camino?
  • Durante sus primeros años Colin fue presentado a todo tipo de música por sus padres, que le encantaba ir a los cafés y festivales de música. No pasó mucho tiempo antes de que él tomó una guitarra y por su temprana adolescencia se había conectado con grupos que fueron considerablemente mayores de los 15 años. Fueron sin embargo, los que se toman en serio su música y vivió para los conciertos de la noche.
  • A la edad de quince años se dio cuenta que se estaba volviendo más y más retirado de su propio grupo. Mientras que la mayoría consideraría esto un paso positivo en la dirección correcta, tenía el efecto contrario de Colin. De música de raíz tradicional, tuvo un breve emigraron al punk, pero pronto se dio cuenta de que esto no iba a ser su destino y después de un breve coqueteo con el idioma, que llegó a la realización más rápida que tenía que salir de la ciudad y empezar de nuevo.
  • De Regina se trasladó a Winnipeg y para los próximos años, jugó las fiestas antes de regresar a Regina, que forman su primera banda, The Men Hoodoo y enganche de la ranura de apertura de George Thorogood y John Lee Hooker.
  • Los azules, al parecer, llevaba en la sangre - que estudió a los grandes - Ry Cooder, Otis Rush, Albert King, Junior Wells y Buddy Guy y Stevie Ray Vaughan por mencionar sólo unos pocos - la única cosa que Colin sabía a ciencia cierta era esta era su música.
  • Se necesitaría un par de críticas favorables antes de Colin era conseguir lo que sería su carrera más importante la definición de momento - la apertura de su héroe, Stevie Ray Vaughan y su banda El problema doble. Stevie se Colin bajo su ala, y después de varios shows a lo largo de 18 meses, el chico de Regina con ningún gerente, una guitarra y una banda diferente para cada espectáculo - se convirtió en un muy solicitado talento.
  • Los sellos discográficos comenzaron a llamar.
  • En 1988, Colin firmado con Virgin America, que un año más tarde lanzó su debut homónimo álbum en todo el mundo que tuvo dos singles, "cosa Voodoo" y "Five Long Years". Grabado con el legendario productor Tom Dowd y terminó con Danny Kortchmar, el álbum ganó un premio Juno Colin como "Artista Más Prometedor" y dio lugar a la apertura de espacios para Steve Winwood y Keith Richards en la "Toma tan difícil" tour.
  • En 1990, Colin todos los álbumes importantes estudiante de segundo año "parada repentina" lo llevaría a alturas aún mayores. Con Joe Hardy (ZZ Top) en la silla del productor, el álbum incluye artistas invitados Bobby Whitlock, los Memphis Horns y Bonnie Raitt. El single "Just Came Back" llamó la atención de las emisoras de rock estadounidense, el aterrizaje en la posición # 3 y el disco recibió buenas críticas muy favorables en la revista Rolling Stone. Colin llevó a la apertura de la carretera de ZZ Top, hizo una aparición en Late Night with David Letterman y giras en el extranjero donde se realizan entradas agotadas en Suecia, Alemania y Francia. La canción ganó un premio Juno "Single del Año" y Colin tomó el "Vocalista Masculino" de adjudicación.
  • Tres años pasarían antes de que pudiera lanzar su tercer disco, flexionando la creatividad y la entrega de un álbum de rock and roll y castañas jump blues, creando así Colin James y la banda de Little Big. El disco aclamado por la crítica llevó a una aparición de ese año en Late Night con Conan O'Brien y Colin fue elegido para abrir una serie de fechas de sus conciertos de Rolling Stones. El comunicado fue recibido también con críticas favorables en la revista Rolling Stone, Billboard Magazine y The New York Times.
  • En 1995 Colin soltar su última grabación para la Virgen - "lo mejor de" una de varias nuevas canciones como "Stay", que fue a la cima de las listas de radio de rock en Canadá.
  • "Malos Hábitos en 1995 se convirtió en la primera grabación el cantante de blues para Warner Music Canadá. De regreso a su primer amor - una mezcla de blues moderno y lo tradicional, el álbum ganó Colin otra Juno "Vocalista Masculino del Año".
  • Su próximo lanzamiento - "Siderúrgica Nacional" sería una labor de amor, el vínculo con su viejo amigo y famoso guitarrista de blues Colin Linden para grabar un disco de canciones predominantemente acústicas. Los dos se reunieron en la adolescencia Colins, cuando el joven prodigio compartido escenario en el circuito de Canadá popular festival. El álbum iba a ganar ellos el Juno a la Mejor Álbum de Blues.
  • Esto fue seguido en 1998 por "The Little Big Band II", que ganaría Colin y Joe Hardy un premio Juno de "Productor del Año." Dos años más tarde, después de asociarse con Craig cantante / compositor / músico Northey (las probabilidades) , Colin batido de "fusible". Un quebrantamiento grave de las emisiones en los últimos años, "Fuse" tenía un sonido más duro y le dio una oportunidad para Colin se extienden de manera creativa.
  • En 2003 llegó "Traveler", un CD de material en gran medida original, principalmente grabados "en vivo en el piso" con la marca del productor / ingeniero Howard (Lucinda Williams), y unos años más tarde, una vez más pareja con Colin Linden para "Limelight" , una mezcla de soul, ritmos y raíces con un quién es quién de los jugadores. En la batería fue Jim Keltner (Dylan, Stones, Eric Clapton, Ry Cooder), en el bajo McBride, Reggie (Aretha Franklin, Van Morrison, James Brown, Stevie Wonder) y también en el bajo Hutch Hutchinson (Bonnie Raitt, Neville Brothers, Elton John , Al Green y BB King.) "Limelight", sería el primer álbum de Colin para grabaciones de MapleMusic y le ganó un disco de oro por las ventas en Canadá.
  • En 2005, Colin fue elegido para dar un rendimiento de comandos de Su Majestad, la Reina Isabel II durante su visita a su provincia natal de Saskatchewan.
  • 2006 verá la reaparición de la banda de Little Big y el tercer álbum de este género. Una vez más un elenco de músicos señaló, jump blues y el hard rock y el blues castañas resultaría ser una combinación ganadora. Colin iba a recibir tres azules Toronto Sociedad Arce blues Premios -. "Artista del Año", "Electric Ley del Año" y "Grabación del Año" La Navidad siguiente, tomaría el concepto de Little Big Band de nuevo en el estudio para un álbum de Navidad, una vez más antes de regresar a sus raíces y la versión 2009 de "Tejados y satélites".
  • Ya cuatro singles de profundidad, "hombre tiene que ser una piedra", "Lost Again", "Wavelength" y "Johnny Coolman," Colin sigue cruzando el país y jugar a los cuartos se agotaron.
  • Durante los años que se trabajó con un quién es quién en la escena musical, Bonnie Raitt, Albert Collins, Staples Pops, Robert Cray, Luther Allison, Albert King, Keith Richards, Lenny Kravitz, ZZ Top, Mavis Staples, cuarto lleno de Blues, Bobby King y Terry Evans, John Hammond Jr., The Chieftains, Carlos Santana, Little Feat, Johnny Hallyday, y Buddy Guy. Además de escribir su propio material, su música ha sido grabada por la talla de Maria Muldaur, Johnny Halliday y Lucinda Williams.
  • Un excelente profesional y un excelente guitarrista, Colin es una de músico, músico. La confianza que viene con la madurez se puede escuchar en su voz y ver en su puesta en escena electrizante. Él hace lo que es natural - siempre tiene - que no conoce otra forma y hay otra vida.

16 jul 2011

Billy Boy Arnold

  • Billy Boy Arnold está de vuelta. Con su debut en 1992 Alligator Records, Back Where I Belong (AL 4815), Arnold se restableció firmemente como uno de los principales practicantes del clásico blues de Chicago. Su forma de tocar la armónica lamentos y voces soul son el complemento perfecto para su callejero canciones. La combinación de Delta con influencias de blues con una sofisticación más urbano no sólo define el sonido de Arnold, pero fue también una contribución significativa en los primeros días, de formación de rock and roll. Sus primeros trabajos con Bo Diddley y sus singles de gran influencia en la década de 1950 (incluido Me gustaría que y yo Aint Got You), le trajo un poco de atención local, pero nunca recibió el reconocimiento que justamente se merecía. Ahora, con su nueva versión, Cadillac Eldorado (AL 4836), muestra que no sólo está de vuelta a donde pertenece, que ha vuelto para quedarse.
  • 13 Cadillac Eldorado de canciones, entre ellas nueve originales Arnold, su función de "wah wah" estilo de armónica, voz suave y letras de colores. El álbum comienza con una reinvención de bordes duros de golpear VeeJay Arnold, I Aint Got You. Se mueve sin esfuerzo de las advertencias de No te quedes fuera toda la noche para el buen consejo de mi mamá me dijo que la jactancia de hombre de buen gusto considerable a la voz suave y sofisticado en el que debería haber sido de mí y el camino despejado. Junto con una banda de acompañamiento dura (con compañero artista de grabación Alligator Steady Rollin 'Bob Margolin en la guitarra), Arnold está en el asiento del conductor, y él montado en su Cadillac Eldorado derecho al estrellato blues. Billy Boy Arnold nació en Chicago el 16 de septiembre de 1935. A diferencia de los artistas de blues muchos de los que emigraron a Chicago desde el Sur, Arnold es uno de la primera generación de músicos de blues en realidad nació y se crió en la ciudad. Él se enamoró de la melancolía a una edad temprana y fue trasladado en especial por los registros de los primeros Sonny Boy Williamson. En 1948, el joven Billy se enteró de que Williamson vivía cerca, y se dispuso a encontrarlo. "Para mí, se trataba de un deseo-me quema quería ser como Sonny Boy", recuerda Billy. Williamson se enamoró de la joven fan y le reveló su estilo de marca de "asfixia" el arpa a Billy. Poco después de su tercera visita juntos, Williamson encontró la muerte prematura. Sin embargo, las pocas visitas fueron suficientes para que Billy decidido a convertirse en un músico de blues. En los años siguientes, Arnold se hizo amigo de muchos de los leyendas del blues local, y empezó a aprender todo lo que pudo sobre el blues. Blind John Davis, Big Bill Broonzy, Memphis Minnie, Muddy Waters, Johnny Jones, Johnny Shines, Otis Rush, Little Walter, y Earl Hooker jugaron un papel importante en la educación musical de Arnold.
  • En 1952, el Billy adolescente consiguió su primer contrato discográfico con el sello frío de Chicago. No fue sino hasta su primer disco salió (yo no tengo ningún dinero b / w Hello Stranger) bajo el nombre "Billy Boy Arnold", que se dio cuenta de que tenía un apodo. "Yo no le gustó al principio", recuerda Billy Boy. "Yo tenía 17 años y parecía 15 años, pero le dijo a la gente que tenía 19 años, por lo que no quiere ser conocido como un niño. Quería ser un hombre." Aunque la grabación fue sin duda inmaduros, el nombre se quedó, y Billy Boy Arnold estaba en camino.
  • Siendo todavía un adolescente, Arnold se conectó con una calle joven músico / electrónica aficionado llamado Ellis McDaniel (Bo Diddley) que formó un amplificador de Billy Boy de una caja de naranjas. Billy Boy finalmente habló Diddley en una audición para Chess Records. En 1955, con Billy Boy jugando su firma "detener el tiempo", la armónica, Diddley anotó el primero de sus muchos éxitos de Ajedrez con Bo Diddley / Soy un hombre. El futuro se veía muy brillante, pero Billy Boy no quería ser un músico. Él quería hacer discos bajo su propio nombre.
  • Después de un malentendido con Leonard Chess (Bo Diddley dijo a Arnold que Leonard no le gusta), Arnold cruzó la calle a las oficinas de los Registros VeeJay, donde se firmó rápidamente. Grabó Me gustaría que (se dice que la sesión de blues de primera para ofrecer un bajo eléctrico), y rápidamente se convirtió en un éxito regional. Él estaba jugando en el Lado Sur de Chicago con estrellas como Little Walter y Junior Wells, y emisiones de radio locales para su canción era pesada. Incluso el gran Muddy Waters tomó cariño a la joven cantante de blues. "Usted hizo un buen registro", dijo Waters de I Wish You Would. "Tú sigue haciendo esos buenos registros". Y eso es precisamente lo que hizo Billy Boy: I Aint Got You, que se encuentra bien, ella es mía y siguió el motivo del prisionero. Aunque sólo tiene 20 años, Billy Boy Arnold había llegado.
  • Arnold siguió jugando los clubes de Chicago y 45s registros a lo largo de la década de 1950. Su álbum de debut de 1963 de azules más desde el lado sur para el sello Prestige, sigue siendo un clásico. Sin embargo, los conciertos comenzaron a secarse, y la dificultad de criar una familia y mantener una banda dirigida Arnold para perseguir una carrera como conductor de autobuses de Chicago y director de novillos y más tarde como oficial de libertad condicional para el Estado de Illinois. A mediados de la década de 1960, la primera generación de bandas de blues británicos fueron tomando nota de Arnold talento sus singles VeeJay se convirtió en objetos de colección valorada "entre los músicos. The Yardbirds y los animales tenían cada uno la golpea con canciones de Billy Boy. Más tarde, The Blasters y David Bowie, ambos cubiertos por su material. Todo este interés llevó Billy Boy grabando y tocando en Europa (y el juego de la fiesta concierto ocasional EE.UU.) durante los años 1970, 1980 y 1990.
  • Con el lanzamiento de Back Where I Belong en 1992, Billy Boy Arnold disfrutó de la mayor de los éxitos de su carrera. "Billy Boy Arnold entrega de las mercancías", exclamó el diario Los Angeles Daily News. "Altamente recomendado", coincidió Jazz Times. "Triunfante", agregó el Billboard. Características y críticas corrió en revistas y periódicos de costa a costa y en Europa, incluyendo la revista Rolling Stone, Audio, CD de revisión, Living Blues, Blues y Rhythm, The Chicago Tribune y The Washington Post. Todos estuvieron de acuerdo. Billy Boy Arnold había creado un álbum de canciones que no sólo iguala la fuerza de sus primeros éxitos, pero en realidad les superó en su madurez y su ejecución.
  • La fuerza de Back Where I Belong Arnold trajo de vuelta a la vista del público. Desde el lanzamiento del álbum, que ha jugado los clubes y festivales más importantes en los Estados Unidos y Europa, incluyendo Fest Inglaterra Blues de Burnley, Breminale Alemania blues Fest, el Montreal Jazz Fest, Notodden Noruega blues Fest; Roca Toledo, Ritmo y Festival de blues, el blues de Chicago Fest, el festival de Poconos blues y el blues de Long Island Fest. El rendimiento después de la actuación, Arnold ha deleitado a los viejos fans e hizo decenas de otros nuevos. Con entusiasmo, todo el mundo esperaba que el próximo movimiento de Arnold.
  • Con Cadillac Eldorado, la espera ha terminado, y los fans de Arnold no te decepcionará. Su singular a tocar la armónica y voz suave - por no hablar de su talento de composición - lo colocan a la vanguardia de artistas de blues clásico de Chicago. Por fin de vuelta a donde pertenece, este bluesman está dispuesto a asumir su música a más personas que nunca antes. Así que siéntate y disfruta del viaje y dejar la conducción de Billy Boy Arnold.

15 jul 2011

Serge Blenner

  • Serge Blenner es un compositor independiente. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que no va a "intentar cualquier cosa" para atraer la atención del público. En su lugar, trabaja en el desarrollo de su estilo personal tanto de la composición y orquestación.
  • A pesar de Serge Blenner ha compuesto y puesto en libertad a un número impresionante de discos (17 en 28 años, para ser exactos), como un verdadero artista que nunca ha estado preocupado por el éxito comercial y popularidad. Es por eso que, a pesar de su considerable base de seguidores leales y los clientes (que viven en lugares tan lejanos como Sydney, Tokio y Minneapolis), casi nadie sabe nada sobre la vida y obra de Serge Blenner en el país que ha elegido para llamar a casa, Alemania. Esto puede ser porque la música Blenner no es tan fácil sin clasificar ningún género en particular. En realidad no es ambiental, chill out normal - es estimulante Música filosófico de la Nueva Era, como máximo. Después de todo, la vida no es en una casilla especialmente cómoda, sin importar lo popular que puede ser.
  •  Además, su música se crió con él. Cuando él comenzó a producir música clásica en los equipos electrónicos más de 20 años (uno de los primeros en hacerlo en Europa, por cierto), sus experimentos contemporáneos fueron difíciles para los oídos de algunas personas. Cuando, en 1984, IBM publicó un libro espléndido, junto con una recopilación de vinilo de los principales del mundo "computer-músicos", Serge fue incluido como el musical de enfant terrible, para su satisfacción. Sin embargo, en los últimos años, su música se ha convertido en más suave, más atmosférico y mucho más melódico ... ya no quieren llenar el espacio entre nuestros oídos
    con agitación de percusión, que ahora prefiere actuar como un estimulante y catalizador de los sentimientos personales y las imágenes.
  • Añadir a esto el hecho de que Serge Blenner siempre ha invertido todos los ingresos de las ventas de sus CD y discos cada vez más en la adquisición de equipo de estudio profesional. Es más, por su obra sinfónica, que utiliza costosos software / biblioteca de sonidos que, básicamente, los lugares de la habilidad de las orquestas del mundo sinfonía superior a su disposición como una base: en lugar de la síntesis de ellos, se pone la riqueza de tonos de instrumentos musicales reales que sólo virtuosos saben cómo convencer de su equipo. Los resultados se pueden escuchar en su más reciente CD de Musique de Chambre de piezas tales como el equilibrio, Les Perles, y Simbiosis: orgiásticamente cadenas amplia puritana filigrana y sonatas para piano revolotean a través del cerebelo como si fuera en medio de una sala de conciertos. Este es precisamente el talento de segunda Blenner: dedicar la misma atención a la orquestación de una pieza en cuanto a su composición.
  • Las musas de Serge Blenner son la filosofía, la naturaleza y la vida misma. Todo lo que cruza su campo con ojos de águila intelecto de los riesgos de la visión que se convirtió en la música. Pensamientos toman forma de temas y fragmentos en secuencias, que colecciona y guarda hasta que una pieza está terminada en su cabeza lo suficiente para transformarlo en algo que se puede escuchar. Esta peculiaridad puede ser difícil de tomar por sus amigos, que realmente se empieza por componer una nueva pieza para el final mentalmente, sin nadie a su alrededor que tengan la menor idea - en clued por pequeños ajustes experimentales, por ejemplo - de lo que se avecina.
    Un sueño profesional ... Sí, Serge Blenner tiene uno, también. Él ama bien hecho, sofisticado (documental) películas. Y, quién sabe, tal vez las piezas para películas como balance, Les Perles, simbiosis o La Source ya existen en las cabezas de algunos cineastas.

Bellos cisnes

  • Aqui les presento un bello cisne ..
  • Aqui otro muy guapo y simpatico ;PPP
  • Y Para mí este el mas guapo ..Tiene estilo jajajajjajajaaj ..
  • Todo viniendo de clase de Paz y me encontre estas bellezas en el rio de los gafos ...Viva las bellezas de los animales :)

14 jul 2011

Leonard Cohen

  • Leonard Norman Cohen, poeta, novelista y cantante canadiense, nació el 21 de septiembre de 1934 en Montreal. El 1 de junio de 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras
  • Leonard Cohen nació en Montreal, Canadá, en 1934, aunque desciende de familia judía. Antes que músico, Leonard Cohen fue poeta y escritor, teniendo una gran importancia en su vida personal y artística la obra de Federico garcía Lorca.
  • A los dieciseis años, Leonard Cohen ingresa en la universidad de McGill, en Montreal, para estudiar Literatura Inglesa, y en el tercer año de carrera, Leonard Cohen abandona el hogar familiar para irse a vivir por su cuenta. Tras acabar la carrera, en 1956 y con 21 años, publica su primer libro de poemas dedicado a su padre. El título del libro es "Let Us to Compare Mythologies" (Vamos a Comparar Mitologías).
  • La carrera musical de Leonard Cohen comienza con la década de los sesenta, cuando, acompañado de su guitarra, comienza a describir los sentimientos humanos, gracias a sus letras y a su característica voz ronca. Su primer éxito le llegó de la mano del tema "Suzanne", interpretado por la voz de Judy Collins.
  • En 1968 Leonard Cohen publica "Songs of Leonard Cohen", seguido en años posteriores por "Songs from a Room" y "Songs of Love and Hate", fueron compuestos y escritos en su totalidad por la hábil pluma de Cohen, ayudado tan solo por su voz y su guitarra. Estos discos tuvieron una gran acogida en ciertos círculos sociales y musicales, ya que las canciones de Cohen, a diferencia de muchos otros artistas folk, se alejaban de la canción protesta, dirigiéndose más hacia el lado existencial, humanista y romántico de la vida.
  • Leonard Cohen es calificado como el músico de la tristeza y la depresión. Su voz, grave y monótona, unida a unas letras que hablan, principalmente, de las relaciones de pareja, la religión o el fascismo irradian tristeza. Pero, por otro lado, también transmiten romanticismo y un cierto toque de cinismo y sarcasmo.
  • En la década de los setenta, Leonard Cohen pasó con más pena que gloria, cosechando algunos fracasos comerciales y creativos en los trabajos que compuso. En la década de los ochenta, Leonard Cohen resurge en cierto modo, con discos como "Various Positions", de 1984 y "I’m your man", en 1988, en los que vemos a un Cohen más maduro y con un estilo un poco más rockero.
  • En 1992 Leonard Cohen publica "The Future", seguido poco después por un álbum en directo titulado "Leonard Cohen: Live". Tras una peculiar relación con la actriz Rebecca de Mornay, Leonard decide dedicar su vida a la religión Zen, llegando a ser ordenado como monje. Pera tras un largo período de calma en su vida, reaparece en 2001 con un nuevo trabajo de estudio, titulado "Ten New Songs".
  • En 2009, Leonard Cohen publica "Live In London" un recorrido por las grandes canciones que han jalonado los 40 años de carrera del mítico cantante y autor canadiense. El álbum fue grabado en directo en el concierto que ofreció el 17 de julio de 2008 en el O2 Arena de Londres y que significó su regreso a los escenarios después de 15 años sin pisarlos.

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