Vargas Blues Ban

• Javier Vargas (Madrid, 1958) es un guitarrista de blues y rock, fundador y líder de la Vargas Blues Band. Ha grabado diecisesis álbumes de estudio con la Vargas Blues Band y tres en directo, así como varios DVD de sus conciertos y varias recopilaciones, todo ello durante sus veinte años de trabajo con su banda. También ha grabado un disco tributo al rock argentino. Ha colaborado con músicos de la talla de Carlos Santana, Glenn Hughes, Raimundo Amador, Miguel Ríos, Andrés Calamaro, Prince, Devon Allman y un sinfín más
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  Hijo de emigrantes españoles en Argentina, Javier Vargas nació en Madrid poco después de que sus padres dejaran Buenos Aires. Nueve años más tarde la familia regresa a Argentina.
• Vivió en Mendoza, San Luis, Buenos Aires y en Mar del Plata, donde Javier empieza a tocar la guitarra: la primera que tuvo, regalo de su padre, era una guitarra española de cuerdas de naylon. Cuando consiguió su primera guitarra eléctrica tenía tan sólo 12 años.
• La década de los 60 termina con el traslado de la familia a Venezuela, donde Javier reside hasta que toma la decisión de viajar a los EE.UU.
• Javier se trasladó primero a Nashville -Tennessee- cuna del Country y del Rockabilly, lugar de paso obligado para las bandas de rock sureño. Dos años después se mudó a Los Angeles. Allí tocaba en clubs y colaboraba en grabaciones como guitarrista de sesión. Cada noche participaba en jam sessions con artistas americanos e ingleses y conoció a músicos de la categoría de Alvin Lee, Roy Buchanan, Cannet Heat, etc. que también influenciaron su estilo.
• En 1972, en una visita a su familia en España, le ofrecieron trabajar como guitarrista en un crucero que partía de Vigo hacia Southampton (Gran Bretaña) para recorrer el después el Caribe, con escalas en Aruba, Jamaica, Curaçao... El crucero iba lleno de jamaicanos que regresaban a su tierra, muchos de ellos músicos, con los que se organizaban Jam Sessions. Además de ser una gran experiencia por el viaje en sí mismo, el crucero suposo una toma de contacto con otras influencias musicales como el Reggae.
• En su regreso a España desde EE.UU, Javier formó parte de la banda de Miguel Rios y participó en varios de sus álbumes -Los Viejos Rockeros Nunca Mueren, Rock and Roll Boomerang, Rock and Rios... - aportando temas como Un Caballo Llamado Muerte, Generación Límite, o Nueva Ola...
• Más tarde colaboró con La Orquesta Mondragón y trabajó como músico de sesión y compositor.
• Durante toda la década, Javier pasó temporadas en Londres -tocando en clubs- , París – trabajando como músico de sesión- y Nueva York -moviéndose en los circuitos de Jazz y Blues con su colega el guitarrista Ray Gómez.
• Tras pasar por varias formaciones (RH+, Entrega Inmediata, Blues Express...) y al finalizar la década, Javier empieza a perfilar su propio proyecto.
• En 1991 da el paso más importante de su carrera y crea su propia Banda.
• All Around Blues, es el primer álbum que graba Javier Vargas como líder de la Vargas Blues Band. Colaboraron Elena Figueroa y Philip Guttman entre otros.
• En 1992 aparece Madrid-Memphis. En este segundo álbum Javier Vargas contó con la colaboración de los bluesman Carey Bell y Lousiana Red, el guitarrista flamenco Rafael Riqueni y las voces de Philip Guttman y Jeff Espinoza.
• Los dos álbumes -All Around Blues y Madrid-Memphis- de gran repercusión, consiguieron en España cifras récord de ventas para un disco de blues.
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  En febrero de 1994 sale a la calle, Blues Latino. Para este trabajo Javier Vargas contó con la colaboración de Flaco Jiménez, Chris Rea, Junior Wells y Andrés Calamaro. El álbum tuvo una extraordinaria aceptación entre una gran diversidad de público. Se publica también en Argentina y a raíz de la magnífica acogida del álbum en aquel país, la Vargas Blues Band actúa en Buenos Aires con rotundo éxito de público y crítica.
• El tema “Blues Latino” de Javier Vargas fue grabado por Carlos Santana y publicado en todo el mundo dentro de su álbum Santana Brothers. Santana intrepretó “Blues Latino” en Woodstock, 1994.
• En mayo de 1995 en los estudios Ardent de Memphis y en Austin (Texas) se graba Texas Tango. Producido por Jim Gaines, el álbum contó con las colaboraciones de Double Trouble (la banda de Stevie R. Vaughan), Larry T. Thurston (Blues Brothers) y Preston Shannon. Ha sido publicado en España, Francia, Suiza, Colombia, México y Brasil.
• En 1996 la banda presenta su directo en París, en festivales de Francia y Portugal y en el festival de Jazz de Montreux (Suiza).
• En julio del mismo año es invitado por Carlos Santana a tocar junto a él dos temas del concierto celebrado en el Zenith de París. La pasión y feeling que transmitía el dúo de guitarras enardeció al público francés. La invitación se repetiría en 1998, durante los conciertos de Santana en Madrid (Conde Duque), París (Bercy) y en 2000, en la gira “Supernatural” por España.
• Gipsy Boogie (1997), repite producción de Jim Gaines. Se grabó entre Madrid y Memphis, fue mezclado en Florida y masterizado en Nueva York. Tuvo colaboradores de la talla de Raimundo Amador, Carles Benavent, La Chonchi, el cantante cubano David Montes, Chester Thomson, Lonnie Brooks, Larry McCray, Little Jimmy King, David Allen y Larry Graham (de Sly & The Family Stone). Este álbum fue nominado en los Premios Amigo, se editó en un total de 24 países y la banda extendió sus giras a Francia, Italia, Alemania y Portugal.
• Larry Graham, actual director musical de la banda de The Artist -The New Power Generation- presentó en diciembre de 1998 a Javier Vargas y a The Artist (antes conocido como Prince), quien invitó a Javier a tocar con él en varios temas de su concierto en el Palacio de los Deportes de Madrid, Jam of the Year.
• Feedback/Bluestrology (1998), es el sexto álbum de Vargas. Editado en formato de CD doble, se grabó en Checkendon (Inglaterra), con la coproducción de Ian Taylor (productor de Gary Moore, etc.) y con la participación de sus colaboradores habituales de Memphis: Steve Potts, Dave Smith y Ernest Willianson y los vocalistas de la banda Bobby Alexander y David Montes.
• Bluestrology se editó también por separado a principios del año 2000.
• En Noviembre de 1999 la Vargas Blues Band se desplazó a los EE.UU. para grabar su primer álbum de directo, en el club “Buddy Guy´s Legends” de Chicago. Participaron como artistas invitados Larry McCray, el armonicista Sugar Blue y la cantaora flamenca Elena Andújar. El concierto se grabó en una unidad móvil bajo la supervisión de Ian Taylor. Javier también subió al escenario del Legends invitado por el guitarrista tejano Chris Duarte. En Diciembre del mismo año se completó la grabación en los estudios Kirios de Madrid, ante cientos de invitados y con notables colaboraciones: Elena Andújar, David Montes, el guitarrista flamenco Juan Gómez “Chicuelo”, el percusionista Gino Pavone, el bandeonista argentino Jorge Lema, y el cantaor “Marchena”. Una vez más Ian Taylor se hizo cargo de la grabación. En esta grabación participaron David “Lads” Sánchez en los teclados, Jota Marsán a la batería, y Fran Montero en el bajo. El disco Madrid-Chicago Live y un video-documental sobre la grabación, salieron a la venta en Mayo de 2000.
• Last Night incluye todos los temas grabados en “Legend´s” y un DVD con el concierto de Madrid y escenas grabadas en Chicago. Fue editado en 2002, y ha recibido excelentes críticas tanto en España como en Europa y EE.UU.
• En 2003 se edita el primer álbum enteramente instrumental, Chill Latin Blues, en el que cobran protagonismo la guitarra de Javier Vargas, y la fusión de sus influencias musicales.
• En 2004 comienza la grabación de “Love, Union, Peace” en los estudios Ardent de Memphis con el "Equipo A" de musicos de Tennesee: Steve Potts a la batería, David Smith al bajo, Ernest Williamson y Reese Wynans -Double Trouble- a los teclados. Como ingeniero de sonido se contó con el ya legendario John Hampton (ZZ-Top, Sound Garden, SRV Live in Mogambo, ...).
• Jack Bruce (Cream), Glenn Hughes (Deep Purple), Alex Ligertwood (Santana), Elliot Murphy, Devon Allman, Jaime Urrutia, “Chicuelo”... son algunos de los artistas que participan en el álbum.
• También se grabaron voces en Madrid, Los Ángeles, y en la Isla de la Palma.
• Javier Vargas no ha dejado de colaborar con numerosos artistas como guitarrista, productor y compositor. Su música puede escucharse también en la banda sonora de diversas peliculas. Además de haber estado de gira por España, Inglaterra, Francia, Italia, Portugal, Polonia, Macedonia,Canadá, Argentina… La Vargas Blues Band ha tocado en prestigiosos festivales europeos (Festival de Jazz de Montreaux, el alemán Pop Komm Festival , The Great British R&B Festival, el belga Anwtwerp R&B Festival…) y Canadienses (Mont-Trémblant Blues Festival), siempre con un gran éxito.
• En marzo de 2011, Javier inicia un nuevo proyecto, bajo el nombre VARGAS, BOGERT & APPICE o VBA, y se traslada a Las Vegas para grabar junto a los consagrados Carmine Appice (bateria), Tim Bogert (bajo), ambos ex Vanilla Fudge, Cactus, Jeff Beck, King Cobra, y con Paul Shortino (voz), ex Rough Cutt y Quiet Riot, un álbum con versiones de temas clásicos del rock y R&B, a los que dan magistralmente aire renovado. El album se graba en Hit Track Studios en Las Vegas, y se mezcla en Ardent Studios, en Memphis con el prestigioso ingeniero Brad Blackwood. Está previsto su lanzamiento para el mes de junio de 2011. Se publicará mundialmente por la discográfica Warner, en formato CD, y una edición especial del CD + CD Live Wire (gira europea 2010 de la Vargas Blues Band) + DVD con videos del making off del disco con Bogert, Appice y Shortino.
   

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U2

• U2 se formó en 1978 después de que Larry Mullen colocó un "se buscan músicos" anuncio del tablón de anuncios en el Templo de la Escuela de Dublín Monte. Adam Clayton había descubierto rock'n'roll como un niño de trece años, la compra de su primera guitarra acústica y luego de hablar a sus padres a comprarle una guitarra bajo. "Simplemente sonaba bien para mí. Profunda y la grasa y satisfactoria. "
• Desde el principio, U2 estuvieron marcados por su pasión. "Una banda antes de poder jugar", fue como Bono se puso en las primeras entrevistas. Borde recuerda haber leído los papeles de música del Reino Unido NME y sonidos cada semana y escuchar acerca de este "niño salvaje llamado Paul Hewson.
• Los cuatro adolescentes, que inicialmente se llamaron 'Feedback', ensayaba en la cocina de Larry en Dublín, en la voz de Bono, The Edge en guitarra, Adam Clayton y Larry que componen la sección rítmica de bajo y batería. Inspirados por el punk, pero al margen de la distante fresco por el Mar de Irlanda, se había convertido en nuestra "The Hype 'y luego' U2 'y pronto la construcción de una reputación local basada en la pasión de sus actuaciones.
  -Supongo que un punto de inflexión que han estado viendo el atasco en Top of the Pops ", recuerda 'Edge. Y darse cuenta de que en realidad no saber tocar no era un problema ... la música era más sobre la energía y tratando de decir algo y no necesariamente de gran maestría musical.
  Después de un breve período administrado por Adán, que había conocido a Paul McGuinness, pero una pronta liberación de Irlanda en 1979, el "Sub-23" EP en CBS, resultó ser un hecho aislado. Tendrían que esperar hasta el año siguiente para firmar un acuerdo a largo plazo con los expedientes de Chris Blackwell Island. "Me quedé sorprendido por la calidad y el talento y la ambición de estos cuatro músicos y, sin embargo, no pudimos conseguir un contrato discográfico. 'Recuerda McGuinness. "Todo el mundo pasó de U2 antes de que finalmente encontró un hogar en el sello Island Records.
• El primer single de U2, 11 O'Clock Tick Tock-, fue lanzado en mayo de 1980. Niño, su álbum debut, fue puesto en libertad cinco meses después - promovido por otro single, I Will Follow, octubre, un año más tarde y en mayo de 1983, tuvieron su primer número uno del Reino Unido álbum con la guerra, la culminación de un trío de álbumes producidos por Steve Lillywhite.

• Guerra ofreció singles día de Año Nuevo (el video grabado en la nieve bajo cero Suecia) y Dos corazones laten como uno, mientras que el álbum en vivo Under A Blood Red Sky lanzado en noviembre, rompió el Billboard Top 30 EE.UU.. También fue el final de un capítulo de la banda y el comienzo de un cuarto de siglo de colaboración con el estudio de Brian Eno y Daniel Lanois. The Unforgettable Fire, grabado en un salón de baile de Slane Irlanda Castillo, dio lugar a uno de los temas más emblemáticos de U2 en Pride (In The Name of Love) ... así como la experimentación mucho más. "En Estados Unidos hubo una reacción violenta cuando sacamos The Unforgettable Fire", recuerda Bono. "La gente pensaba que eran el futuro del rock and roll y se fueron, '¿Qué estás haciendo con esta maldita hippie álbum de Eno? "Debemos Eno y Lanois tanto para ver a través del corazón de U2.
  Tres años antes de que la banda había tocado el apoyo a Thin Lizzy en la feria al aire libre Slane anual. Diecisiete años después, ha establecido como el acto en directo por excelencia en el rock and roll, que sería volver a jugar presenta dos venta-, por sí mismas, posteriormente puesto en libertad en un DVD en directo, U2 Go Home ".
• De vuelta en la década de 1980, la gira de nueve meses tras el lanzamiento de 'The Unforgettable Fire "tuvo en 54 fechas de EE.UU. y dio lugar a la apariencia inolvidables de la banda en el Live Aid en julio de 1985. "En el centro de Bad siguió un paseo tratando de seleccionar algunas chicas a bailar con", recuerda Larry. "Se sentía como si él se había ido para siempre. Estábamos muy nerviosos, ya que fue cuando Bono y desapareció, se produjo un cierto pánico.
• No me di cuenta en ese momento, pero se trataba de un conjunto que podría alertar a toda una nueva audiencia para su música, pero fue dos años antes de que la banda lanzó The Joshua Tree en 1987, el título original de trabajo de que fue "La las dos Américas ". Si los constantes giras había visto los EE.UU. hipnotizar a U2, Estados Unidos estaba a punto de devolver el cumplido - los singles With or Without You y el evangelio con sabor todavía no he encontrado lo que estoy buscando, se dirigió a la parte superior de la EE.UU. escoge la carta.
• The Joshua Tree llegó a vender más de 20 millones de copias y en el 1987 los premios Grammy, ganó "Álbum del Año" de la banda y "Mejor Interpretación de Rock", el primero de lo que se ha convertido en una carrera récord de victorias Grammy. En 2007 una versión remasterizada del álbum fue lanzado para conmemorar el 20 aniversario de su versión original y en su libro, 'U2byU2' de la banda habló en detalle acerca de cómo muchas de las canciones se reunieron. En el 1987 los premios Grammy, U2 ganó Álbum del Año y Mejor Interpretación Rock de The Joshua Tree, su primer Premio Grammy gana.
• Cuando la revista Time puso a la banda en su portada con el titular "Hottest Ticket Rock", que era la cuarta vez que una banda había llegado a la portada - después de The Beatles, The Band y The Who.
• Un año más tarde, en 1988, U2 encabezó las listas británicas y solo estrenada en los cines 'Rattle & Hum "la película del concierto en vivo que la crónica de la pierna de la gira EE.UU. 1987 Árbol de Josué. Rattle and Hum álbum doble "aparece el número 1 individual, el deseo y la colaboración con BB King," When Love Comes To Town ". La banda terminó su gira 1989 Lovetown con una serie de finales de diciembre en la muestra Point Depot de Dublín cuando Bono anunció que "... este es el final de algo de U2 ... tenemos que ir lejos y ... y soñarlo todo de nuevo. "

• Ellos también, va a los estudios Hansa en Berlín con Brian Eno y Daniel Lanois y soñar con un álbum llamado Achtung Baby, que tuvo su música en una dirección totalmente nueva. Banda y equipo de producción se habían enfrentado en la dirección que debe tomar, pero fuera de esta crisis fue uno de sus discos más aclamados. Como Daniel Lanois dijo, "Si logras que los cuatro de ellos en una habitación con instrumentos en sus manos que vas a obtener resultados. Eso tiene mucho que ver con mi trabajo - apenas conseguir en la habitación y de juego ". Con The Fly, Mysterious Ways, y una U2 comenzó la década con un nuevo sonido, una nueva reputación en la pista de baile y una serie de sus más grandes éxitos.
• La gira Zoo TV posterior abrió sus puertas en Florida el 29 de febrero de 1992 y la vuelta al mundo dos veces en casi dos años antes de terminar en Japón el 10 de diciembre de 1993. Achtung Baby ha demostrado ser un álbum innovador y el diseñador de producción Willie Williams se dedicó a reinventar la gira de rock con la ayuda de una pantalla de vídeo de 130 pies yuxtaposición de 24 horas de noticias duras, canal de compras efímeras y las consignas posmodernas a la rampa encima de los niveles ironía. ("Todo lo que sabemos que está mal"). Apariciones aparece Lou Reed, Salman Rushdie (mientras que en la clandestinidad a raíz de la publicación de Los versos satánicos) y Benny Andersson y Bjorn Ulvaeus de ABBA, que llevó a cabo 'Dancing Queen' con la banda. Todavía no puedo imaginar lo que parecía? Esto es lo que parecía. Siendo el periodo previo a las elecciones presidenciales estadounidenses 1992, Bono interrumpió el set list para hacer llamadas vía satélite a la Casa Blanca de Bush. Nunca lo hizo llegar hasta entonces presidente George Bush - poco ¿alguien sabe que dentro de pocos años los presidentes y los políticos a tomar esas llamadas - sino a través del enlace satelital ZOO TV también llamó a Sarajevo desgarrado por la guerra, escuchar las voces de un ciudad bajo asedio, gracias a la inconformista periodista Bill Carter.
• En medio de la pierna europea del Zoo de la banda grabó un álbum entero, la Zooropa inquietante y experimental (1993) con la voz principal de Johnny Cash en la última canción The Wanderer. La parada del Zoo de Sydney fue remasterizada digitalmente y luego lanzada en DVD,
  'Zoo TV Live From Sydney'.
• La conexión de Sarajevo inspirada en uno de los temas sobre los pasajeros: Original Soundtracks Volumen I, el álbum más experimental de la banda habían colaborado en - como era de esperar con Brian Eno en el corazón de la mezcla. 'Miss Sarajevo' ofreció un papel protagónico de Luciano Pavarotti. Coronando este período de prosperidad, Pop (1997) envuelta su carga pesada lírica en los ritmos de baile del estado de la técnica, una complicidad creativa con DJ Howie B. "Los temas son el amor, el deseo y la fe en crisis", explicó Edge. "Lo de siempre."
  El recorrido que resulta, PopMart - que vio a la banda a ser el primer acto importante para llevar a cabo en Sarajevo después de la guerra de Bosnia - fue otro espectáculo visual imaginado por Willie Williams presentó la roca-rave de Mofo y Discoteca para una nueva generación de fans.
• Pasaron cuatro años antes de que otro álbum, pero valió la pena la espera: todo lo que no puedes dejar atrás canciones características que pasó a ganar "Grabación del Año" Premios Grammy en dos años consecutivos - 'Beautiful Day' en 2001 y 'Walk On' en 2002 - la única vez que esto ha sucedido. Lanzado en 2000, atyclb ganó siete premios Grammy y vender más de diez millones de copias en todo el mundo. "Creo que fue una muy buena idea para hacer un disco que en realidad sonaba como U2 de nuevo ..." explicó Paul McGuinness. "Se fue a la N º 1 en 32 países.
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  Fue seguido por el Elevation Tour 113-fecha, un enfoque igualmente despojada de vuelta, con el objetivo firme de las canciones. "En realidad no era minimalista", dice Edge. "Pero en comparación con cualquier cosa POP parece volver a lo básico." Fue el diseño que tomó Larry: "El uso del corazón como una pista para salir hacia el público y la forma en que se llenó el corazón de la gente, fue genial. Era casi como un concierto club dentro de un escenario. "
• ¿Cómo desmantelar una bomba atómica (2004) era "en gran medida un disco de guitarra", explica Adam. "Vértigo, Amor y Paz, City of Blinding Lights, All Because of You, todos muy arriba, canciones rocoso. Muchos de ellos son de un saque de nuevo a nuestros primeros días, así que es como cada año nos hemos reunido un poco poco más y esto es lo que estamos ahora. " Grabado con productores nuevos y viejos - Steve Lillywhite, Chris Thomas, Flood, Lee Jacknife, Brian Eno, Daniel Lanois, Hooper Nellee y Carl Glanville trabajó en el álbum - álbum de estudio undécima de U2 desde fue lanzado en noviembre de 2004, debutó en en el número 1 en 25 países y el primer sencillo Vertigo ganó tres premios Grammy, incluyendo Mejor Canción de Rock. La gira Vertigo, que siguió fue la más alta gira taquillera del año y con el álbum de U2 confirmó como "la mayor banda de rock and roll del mundo. "Durante el año 2005 U2 tocó a más de 3,2 millones de personas. En marzo de Bruce Springsteen ingresó a la banda en el Salón de la Fama del Rock'n'Roll, describiéndolos como" los guardianes de una de las arquitecturas sónicas más bellas del rock-and- mundo roll ", dijo rockero Bruce Springsteen, mientras inducción de U2. Y luego estaba el Live 8, transmitido en vivo a la mitad del planeta, y la apertura de U2 con la realización Sargento Peppers Lonely Hearts Club Band, con Paul McCartney. En la ceremonia de los Grammy 2006, U2 se llevó cinco premios, incluyendo el codiciado Álbum del Año por HTDAAB. Estas nuevas victorias traen su número total de premios Grammy y 22, más que cualquier otra banda.
• Mientras que el gasto de una grabación meses en los estudios Abbey Road en Londres de 2006, U2 ha colaborado con Green Day para grabar una versión de la canción The Saints Are Coming por los patines. La grabación fue un beneficio para Music Rising, una organización caritativa fundada por The Edge, que tiene como objetivo ayudar a reconstruir el corazón musical y la cultura de Nueva Orleans mediante la sustitución de los instrumentos que se perdieron durante el Huracán Katrina y el huracán Rita. La banda ha lanzado tres "Lo mejor de las colecciones:" Lo mejor de 1980-1990 "," The Best of 1990-2000 "y" U218 Singles "
  en 2006, que también contó con 'Windows en los cielos "la nueva canción.
• Cinco años después del lanzamiento de Cómo desmantelar una bomba atómica, en marzo de 2009 la banda lanzó No Line on the Horizon. Su 12 º álbum de estudio fue escrito y grabado en en Fez, Marruecos, Dublín, Irlanda, Nueva York y los Olympic Studios de Londres. El álbum hace un llamamiento a los talentos de la producción de antiguos colaboradores Brian Eno y Lanois Danny, con una producción adicional de Steve Lillywhite
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Susanna Hoffs

• Susanna Lee Hoffs (Los Ángeles, 17 de enero de 1959) es la vocalista y guitarra rítmica del grupo de integrantes femeninas rock The Bangles. En 1981 lanzó su primer sencillo con The Bangles, titulado "Bangles", tras lo que siguieron los LP's "Bangles" (1982), "All Over the Place" 1984, "Different light"(1986), "Everything" (1988) y "Greatest Hits" (1991).
• Ese mismo año de 1991 lanzó su primer álbum como solista, titulado "When You're a Boy" cuyo dulce y romántico single "My side of the bed" se colocó en las zonas medias de los éxitos musicales. En 1996 grabó su segundo disco en solitario, llamado sencillamente con su nombre: "Susanna Hoffs".
• Tras sacar otro disco en solitario, Bangles se reunieron en 1995 para grabar "September Gurls" tras lo que vendrían "Greatest Hits " en 2000, la canción "Get The Girl" (incluida en la banda sonora original de la película Austin Powers:la espía que me achuchó), "Eternal Flame" en 2001, y "Doll Revolution" en 2003. La bajista Michael Steel abandonó la banda en 2006 sin ser sustituida.
• Susanna está casada con el director de cine Jay Roach, realizador de películas como Austin Power, Los padres de ella, y tienen dos hijos. Su última grabación fue "Under the Covers, Vol. 1", una colaboración con el cantante y guitarrista de rock alternativo Matthew Sweet con quince temas que versionan éxitos de los 60's y los 70's que fue publicada en 2006. En la actualidad sigue tocando en directo con Bangles.
• Gracias a Internet, me he reencontrado con Susanna Hoffs, que así se llama la excepcional morenita
  20 años después, Susanna sigue tan bonita (o más) y su voz se mantiene tan pura como hace dos décadas (o, tal vez, mejor, si me apurais, juzgadlo vosotros, más abajo, los melismas de la canción “Different drum”). Una voz y una cara que se mantienen puras con el paso de los años son señales de que Susanna no se ha traicionado a sí misma en estos 20 años
  que la veinteañera todavía está viva en esta adorable cincuentenaria ¿Te puedes creer que tiene 50 tacos?. Llevo días poniendo las canciones del último album que ha sacado, de versiones de los 60-70, en compañía de un tal Matthew Sweet y es para quitarse el sombrero. (Ese disco SÍ merece la pena, os lo digo yo).

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Mindi Abair

• La saxofonista / Singer / Songwriter Mindi Abair no sólo ha establecido las tendencias sonoras, sino que ha roto todos los límites, pues sigue para definir el futuro menos tradicionales del jazz. Su propia marca de pop y soul jazz cumple añade una voz refrescante y único para una generación nueva y emocionante de artistas crossover. Criado en la carretera con la banda de su padre, se graduó de Berklee College of Music y se dirigió a Los Angeles donde se convirtió en un solicitado músico. Ella firmó con Verve Records en 2002 y nunca miró hacia atrás. Su carrera como solista ha producido 10 sencillos # 1 de radio, y sus discos siempre han encabezado las listas de Billboard de jazz contemporáneo. Ella ha recibido el programa de radio sindicado internacionalmente "Chill Con Mindi Abair" por 5 años, y tiene éxito cinco grandes lanzamientos en solitario la etiqueta en su haber "Simplemente sucede que Way" (2003), "Come As You Are" (2004), "Life Less Ordinary" (2006), "Estrellas" (2008), y "In Hi Fi Stereo" (2010). Ella es un gobernador elegido por el Capítulo de Los Ángeles de NARAS, y es un embajador de Artista para la Campell Etiquetas para la Educación y la Fundación Grammy. Ella ha sido presentado en esta temporada de "American Idol" como solista con Paul McDonald y Casey Abrams, ganó Mejor Instrumentista Internacional en el 2011 los Premios Onda en Toronto, y Mejor Artista Femenina del Año en los Premios 2011 Oasis Jazz Contemporáneo. Ella es actualmente de gira por los EE.UU. y en el extranjero con su banda. La lista de artistas que ha estado de gira o grabado con son una prueba de su talento. Estos incluyen la Keb 'Mo', Hathaway Lalah, Duran Duran, Lee Ritenour, los Backstreet Boys, Mandy Moore, Adam Sandler, Marie Teena, John Tesh, Sheila E, Lyle Bobby, Jonathan Butler, Peter White y Rick Braun.
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  "Mindi Abair es el # 1 por su sonido original, melodías perfectas, las ranuras y la sensación general de la diversión." Jazziz revista
• "Cautivante ... un sonido distintivo y melodías memorables. Digámoslo de esta manera ... una Abair Apple comerciales fuera de estrellato". Jazz Times
• "Yo era un fan del momento en que vi un video de uno de sus conciertos. Su capacidad de conectar con el público y atraer a los aficionados al jazz, así como aquellos que no están tan familiarizados con ella, le hace un artista tan emocionante, y Yo estaba encantada de tenerla como invitada en mi gira ". Josh Groban
• "Saxofón Mindi Abair habla a todos de nuestras almas. Hazte un favor y echa un vistazo a la música de Mindi Abair. Estarás feliz de haberlo hecho." Keb 'Mo'
• "Mindi es único, y que será amor a primera escucha." John Taylor (Duran Duran)

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Frank Marino

• Frank Marino (Antonio Francesco Marino), nacido 20 de noviembre 1954, en Montreal, es el guitarrista y líder de la Rush canadiense Caoba banda de hard rock. A menudo comparada con Jimi Hendrix, él es reconocido como uno de los mejores y más subestimados  guitarristas de la década de 1970.
• Después de tocar la batería desde que tenía cinco años,  alrededor de los 13-14 Marino empezó a tocar la guitarra. Un mito a menudo se repite que fue visitado por una aparición de Jimi Hendrix después de un viaje de LSD mal,  un Marino mito siempre ha repudiado, y aún lo hace hoy en su página web personal.  Su forma de tocar, sin embargo, está explícitamente inspirado en Hendrix (en el Gibson se le describe como "llevar la antorcha psicodélicos de Jimi" ), y Marino se caracteriza por fuertes versiones de la cubierta de los clásicos de Hendrix como "Purple Haze".  ha sido criticado por algunos como un clon de Hendrix. Marino se afirma que no conscientemente se dispuso a imitar el estilo de Hendrix en absoluto: "El estilo de todo acaba de llegar, naturalmente, no lo elige, sino que me eligió a mí.."
• Mahogany Rush fue bastante popular en la década de 1970. Sus expedientes documentados en Billboard, y giras, tocando lugares como California Jam II (1978). Hacia el final de la década de 1970, la banda comenzó a ser considerado como el "Frank Marino y Mahogany Rush." ​​ Poco tiempo después, divide caoba punta y en la década de 1980 Marino lanzó dos álbumes en solitario por la cadena CBS. La banda se reunió y siguió para llevar a cabo a lo largo de los años 1980 y 1990. En 1993, Marino se retiró de la industria de la música.
• Marino volvió en 2001, inspirado en parte por un sitio de fans, "Siempre supe que teníamos fans, yo no sabía que encontraría a medio millón de ellos en la Web," dijo en una entrevista con Guitar Player en 2005.  Él lanzó ojo de la tormenta, y se fue de gira otra vez, tocando en más de improvisación. Frank se mantiene activo, grabando y haciendo giras con su propio nombre. Él también ha participado en grabaciones de blues con otros artistas, así, jugando en los álbumes de homenaje a Albert King y Stevie Ray Vaughan.

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Leon Russell

• Leon Russell (Lawton, Oklahoma, Estados Unidos, 2 de abril 1942), de nombre real Claude Russell Bridges es un cantante, cantautor, compositor, pianista y guitarrista estadounidense. A lo largo de su carrera artística ha trabajado junto a artistas como Jerry Lee Lewis, Phil Spector y los Rolling Stones. Su carrera en solitario abarca los géneros rock, blues y gospel.
• Russell comenzó su carrera artística a los 14 años cuando subió al escenario junto a Ronnie Hawkins y Jerry Lee Lewis en Tulsa, Oklahoma. Dos años más tarde estudió guitarra en Los Ángeles de la mano de James Burton y tocó, entre otros, en Glen Campbell.
• Como miembro del grupo de estudio de Phil Spector jugó un papel importante en muchos éxitos de los años 1960, entre ellos Byrds, Gary Lewis & the Playboys o Herb Alpert. En 1967 creó su propio estudio donde produciría su primer álbum como solista: Look Inside the Asylum Choir. Compuso para Joe Cocker el éxito Delta Lady (1969) y organizó su gira musical Mad Dogs & Englishmen. Poco después se publicó su segundo álbum en solitario, Leon Russell, con el éxito A Song for You, que fue versionado, entre otros, por Ray Charles, Simply Red y Michael Bublé (junto a Chris Botti).
• En 1971 participó en el concierto organizado por George Harrison llamado The Concert for Bangladesh. Previamente había hecho grabaciones junto a B. B. King, Eric Clapton y Bob Dylan. Su álbum en solitario, Carny, alcanzó el segundo puesto en las listas estadounidenses.
• En 1975 se casó con Mary McCreary, quien había participado en el grupo de canto "Little Sister" en Sly & the Family Stone. Juntos trabajaron en varios álbumes. Igualmente, desde 1979 Russell trabajó en varios proyectos junto a Willie Nelson.
• En noviembre de 2009 Russell compusó, junto a Elton John y Bernie Taupin, canciones para el álbum "The Union", que publicaron John y Russel el 22 de octubre de 2010 y alcanzó el tercer puesto en las listas estadounidenses de álbumes.
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Dave Grusin

• Dave Grusin es un pianista, arreglista y compositor estadounidense de jazz y jazz fusion.
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  Nacido y crecido en Littleton, Colorado, Grusin menciona a su padre, violinista clásico, como el verdadero instigador de una carrera musical que comenzó en el ámbito de la clásica, un área donde el joven músico profundizaría sus estudios en la University of Colorado. Fue en la universidad donde Grusin descubrió su interés por el jazz en la obra de artistas tan diversos como Shorty Rogers, Shelly Mann, Dave Brubeck, Count Basie, Gerry Mulligan o Chet Baker, así como tocando con grandes artistas como Art Pepper, Terry Gibbs o Anita O’Day a su paso por la institución. . En 1959 se traslada a Nueva York para ingresar en la Manhattan School of Music, y pronto se encuentra tocando para Andy Williams, en cuya banda conoce al baterista Larry Rosen, con quien establecería una fuerte amistad y quien se convertiría en su socio en el sello GRP. A mediados de la década de 1960 inicia su carrera en solitario con un par de álbumes -Subways are For Sleeping and Piano y Strings and Moonligh que reflejan las influencias que sobre el músico ejerció la obra de Art Tatum, Bill Evans o Red Garland.
• Grusin había tocado con Terry Gibbs y Johnny Smith en su época de estudiante en Colorado, de 1959 a 1966 trabajó como pianista y director musical de la banda de Andy Williams, y es a partir de esa época que da comienzo su carrera como compositor de bandas sonoras para cine y televisión. En 1960 graba con Benny Goodman,
• Aparte de ser muy conocido en el mundo del jazz, también tiene un gran curriculum en el campo de la música escrita para el cine, no con tantas partituras compuestas como los anteriormente citados, pero puede que con una calidad media superior. Digamos que desde que empezó se ha preocupado mucho de la calidad de cada una de sus obras, y ahora ya acabando los 90 sigue en la brecha, en plena forma.
• Parafraseando uno de sus títulos de jazz, se podría decir que Dave Grusin es un «tipo único», mejor dicho, un «compositor único». No hay duda que hay que estar dotado de un don especial para poder componer música, pero aún más difícil es estar dotado para componer distintos tipos de música independientes entre sí. No me refiero a componer dentro de un mismo campo (en este caso la música de cine) obras con orientaciones distintas, sino componer música en distintos campos:
• Música de cine, jazz… En ese sentido se podría decir que Grusin es varios compositores en uno. Por un lado tendríamos al Grusin compositor e intérprete de jazz, y por el otro al Grusin compositor de música de cine. Y aún más, dentro del compositor de cine encontraríamos al compositor de partituras con estilo plenamente jazzístico («Los fabulosos Baker Boys») , y al compositor de partituras íntimas y melancólicas, basadas en una melodía imborrable que nada tiene que ver con jazz («Campeón», «En el estanque dorado»…) o incluso a un compositor de partituras al más puro estilo del cine negro policiaco («La brigada del sombrero»).
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Franz Ferdinand

• Franz Ferdinand es una banda de indie rock, formada en Glasgow, Escocia en 2001 llamada así en honor al Archiduque Francisco Fernando de Austria (en alemán Franz Ferdinand). La banda está compuesta por Alex Kapranos como voz principal, guitarra solista y teclados, Bob Hardy en el bajo, Nick McCarthy en la guitarra rítmica, teclados y coros, y Paul Thomson en la batería, percusión y coros.
• Tras el poco éxito de su primer sencillo, Darts of Pleasure, la banda alcanzó buenos puestos después de que su segundo sencillo, Take Me Out (publicado el 12 de enero de 2004), llegase al n.º 3 en los ránking del Reino Unido seguido de su álbum debut Franz Ferdinand (publicado el 9 de febrero de 2004), que debutó en el Reino Unido en el puesto número 3. La banda ganó el Mercury Music Prize 2004 y dos Brit Awards en el año 2005 por Mejor Grupo Británico y Mejor Actuación de Rock Británico. NME nombró a Franz Ferdinand como Álbum del Año. De este álbum, cuatro singles fueron top ten, el más exitoso y aclamado por la crítica Take Me Out, seguido de The Dark of the Matinée, This Fire y Michael (que llegó a # 17). El primer álbum de la banda logró vender 5 millones de copias en el mundo.
• El segundo álbum de la banda, You Could Have It So Much Better, fue #1 en el Reino Unido, al vender 101.884 copias en su primera semana, del que se extraen las canciones Do You Want To, Walk Away y The Fallen
• Todos los miembros de Franz Ferdinand estuvieron anteriormente en distintas bandas independientes en la década de los '90 como The Karelia, Yummy Fur, 10p Invaders y Embryo. Alex Kapranos y Paul Thomson tocaban juntos en Yummy Fur, y posteriormente se unieron para escribir canciones. Alrededor de la misma época Kapranos enseñó a su amigo, Bob Hardy, cómo tocar el bajo. Kapranos se reunió con Nick McCarthy en el año 2001 que regresaba a Escocia después de estudiar jazz en Alemania.
• En mayo de 2003, la banda firmó con el sello discográfico independiente, Domino Records. La banda había grabado un EP Darts of Pleasure, el que pretendían lanzar ellos mismos, pero fue lanzado por Domino a finales de 2003. La cubierta del disco fue diseñada por Thomson. Llegó # 43 en el chart del Reino Unido. La banda ganó el Premio Philip Hall Radar, en la ENM de los Premios de 2004, anunciado a finales de 2003.
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  La banda se trasladó a Gula Studios en Malmö, Suecia con Tore Johansson, productor de The Cardigans para grabar su disco de debut. En enero de 2004, el sencillo Take Me Out alcanzó el tercer puesto 3 en las listas de ventas del Reino Unido. El álbum Franz Ferdinand, se lanzó a principios de 2004, debutando en la tercera posición de discos en el Reino Unido en febrero de 2004 y en el décimo segundo en Australia, en abril de 2004. El álbum sólo alcanzó los niveles más bajos del Billboard 200 Album Charts en los EE.UU. a principios de 2004, pero alcanzó el top 5 de la tabla de indie rock. Después de un par de viajes de América del Norte y la gran rotación del video "Take Me Out" en MTV, el álbum alcanzó el # 32 en Billboard 200 después, en 2004, y vendió más de un millón de copias en los Estados Unidos.
• Franz Ferdinand en general recibió una respuesta positiva de los críticos. ENM dice que la banda fue el más reciente que sigue la línea del arte de grupos de rock como Duran Duran, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Roxy Music, Sex Pistols, Wire, Travis y Blur.
• En la revisión del álbum en la BBC, dice: "En sólo 38 minutos de duración "Franz Ferdinand" no podía ser un álbum largo, pero es una obra maestra de funky, punky, suave fresco de la primera canción a la última. All Music Guide clasificaron el álbum con cuatro de cinco estrellas y dijo: "Franz Ferdinand termina siendo gratificante de manera diferente al anterior trabajo banda, pero es evidente que aún son uno de los grupos más excitantes de fuera del garage-rock / post-punk revival".
• El 7 de septiembre de 2004, el álbum de 2004 fue galardonado con el Premio Mercury Music. En Australia, "Take Me Out" ganó el Triple J Hottest 100 del año 2004. Franz Ferdinand procedió a ganar un Premio Ivor Novello en 2004 y dos Brit Awards en 2005. El vanguardista video de Take Me Out ganó un MTV Video Breakthrough. La ENM llamó a "Franz Ferdinand" el mejor álbum de 2004, y también lo puso 38a en la Lista de los 100 Mejores Álbumes. La banda se presentó en los Grammy de 2005, interpretando "Take Me Out", en un Medley en vivo con Los Lonely Boys..
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The Lennerockers

• Formado en 1984, The Lennerockers, es un grupo alemán que se ha destacado por su particular manera de hacer Rockabilly.. introduciendo instrumentación que no se encuentra normalmente en una banda de Rockabilly: como son el banjo, el dobro o la mandolina, "colocando", especialmente el ritmo, con el "slap" del contrabajo en sus temas.  Estos cinco músicos, que han sobrevivido durante décadas el paso del tiempo, se autodenominan  "Rockabilly Occidental".. y hoy en dia son  una de las bandas más activas rock 'n' roll en Europa. Además han participado en  muchos eventos, compartiendo escenario con muchos artistas internacionales...Bueno este post es de Napolitano que lo a escrito para el blog ..Gracias Napo por este post ..Beset

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Premio Tu corazòn... !Es mi premio!

• Le han otorgado a mi blog  Tu corazòn es mi Premio, ha llegado de parte de Espartacus, del blog Revoluciòn y del blog de  Jolie, http://lagrimasdeangel-jolie.blogspot.com/.  La verda Darle las Gracias por acordarse de Nosotros..
• Ademàs de agradecerles a ambos ,debo cumplir con las siguientes normas:
  1.- Elegir otros diez blog a los que premiar
  2.- Escribir una entrada con el tema y agradecer la concesión del premio
  3.- Comunicarlo a las personas elegidas
  4.- Publicar la dirección de su blog.
• 1 Jolie            http://lagrimasdeangel-jolie.blogspot.com/
• 2 Lobbo         http://fotosconinstinto.blogspot.com/
• 3 Montsse      http://trabajillosmontse.blogspot.com/
• 4 Jdjzz            http://www.jazzcineando.blogspot.com/
• 5 Thiago         http://thiagosusis.blogspot.com/
• 6  Porkukera  http://porkulerasinfronteras.blogspot.com/
• 7 cheguaka    http://acambiodesunegropensamiento.blogspot.com/
• 8 Fantasia      http://fmfantasia.blogspot.com/
• 9 VKU          http://loseasi.blogspot.com/
• 10 A la luz de tu mirada http://alaluzdetumirada.blogspot.com/
• De corazón a corazón espero que os agrade el premio. Ya que pense en ustedes ya que son muy especiales para mí... Las normas que conlleva recibirlo son las siguientes;
• 1) Compartir el premio con otros 10 blogs.
  2) Hacer mención en un post y contestar agradeciendo la concesión del mismo.
  3) Avisar a los seleccionados.
  4) Publicar la dirección de los blogs

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Giuseppe Fortunino

• Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (La Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable compositor de ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.
  
  
  
  Giuseppe Fortunino Francesco Verdi nació en Le Roncole el 10 de octubre de 1813; la localidad era entonces parte del ducado de Parma (que a su vez formaba parte de Francia). Allí recibió sus primeras lecciones de música. Continúa sus estudios en Busseto, bajo la tutela de Ferdinando Provesi.
  
  
  
  Se convierte pronto en el organista de la iglesia de su pueblo. Intenta entrar en el conservatorio de la ciudad de Milán pero no lo consigue.
  
  
  
  Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el Va pensiero (coro de los esclavos de la ópera Nabucco) es uno de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán.
  
  
  
  Gracias a los éxitos conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo más personal en sus óperas y presionar a libretistas y empresarios para que arriesguen y experimenten un poco más. Es notable, en este sentido, la forma en que se engendró la ópera Macbeth, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el éxito de estas óperas es también notorio.
  
  
  
  Sigue un período de dificultades personales, con la muerte de su primera esposa y su hija, que contrasta con la creación de sus óperas más populares y queridas, las ya mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.
  
  
  
  Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este período; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; Aida, compuesta para la Ópera del Cairo; Otello y Falstaff, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no son bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que el autor siempre rechaza.
  
  
  
  En sus últimos años, Verdi compuso algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés e inglés, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).
  
  
  
  Fallece en Milán, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral. Dejó su fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para músicos jubilados que lleva su nombre: Casa Verdi en Milán, donde está enterrado. Su entierro suscita gran conmoción popular y al paso del cortejo fúnebre el público entonará espontáneamente el coro de los esclavos de Nabucco ("Va pensiero sull'ali dorate").
  
  
  
  
  
  
  
  

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Ahmad Jamal

• Ahmad Jamal, nacido Frederick Russell Jones (Pittsburgh, 2 de julio de 1930), es un pianista estadounidense de jazz.
• Figura controvertida, es, no obstante, una de las principales influencias musicales de Miles Davis y está considerado como uno de los pianistas más relevantes de la historia del jazz[cita requerida]. Jamal es un pianista del cool y de la tradición clásica jazzística.
• La música de Jamal es innovadora y minimalista, y manifiesta un uso consciente de los espacios y de los silencios para subrayar los tránsitos entre la relajación y la tensión, con la intención de generar dramatismo. Impresiona antes que por su técnica por su virtuosismo, caracterizado por una gran economía de medios y unas líneas melódica y armónicamente inventivas. En sus tríos, suele dejar un gran espacio de libertad a la sección rítmica.
• Jamal comenzó a tocar el piano a los tres años, empezó su formación a los siete y a los once ya tocaba profesionalmente bajo el nombre de Fritz Jones (aunque durante la Segunda Guerra Mundial también se hacía llamar "Freddie") siendo influido por artistas como Erroll Garner, Art Tatum, Teddy Wilson, Count Basie y Nat King Cole. Tras graduarse en el instituto, realizó una gira como acompañante y se unió a la orquesta de George Hudson en 1949. Un año después, se unió al grupo de swing del Joe Kennedy, los Four Stsring, donde trabajó como pianista y arreglista.
  En 1950, Jamal formó su propio grupo, los Three Strings, con el bajista Eddie Calhoun y el guitarrista Ray Crawford. Fueron descubiertos por la compañía Columbia en 1951 y firmaron por el sello subsidiario de esta OKeh. Calhoun fue más tarde reemplazado por Richard Davis y después por Israel Crosby en 1955; durante esa época, Fritz Jones se convirtió al Islam y se cambió el nombre por el de Ahmad Jamal hacia 1952. También, en esas fechas, el grupo, eventualmente renombrado como Ahmad Jamal Trio grabó dos discos, que incluían el clásico de Jamal "Ahmad's Blues" y una versión de "Pavanne" que fueron la base posterior de los legendarios temas de Miles Davis "So What" y del "Impressions" de John Coltrane.
  En 1955 cambió de compañía, a Argo, donde el trío grabó el exitoso Chamber Music of New Jazz, que impresionó a Davis y en el que el arreglista Gil Evans se basó para crear la obra para el trompetista. En 1956, Jamal eligió para reemplazar al guitarrista Crawford a un batería, Walter Perkins; a su vez, este fue reemplazado en 1958 por Vernell Fournier, quedando constituido el grupo clásico que trabajó habitualmente en el Pershing Hotel de Chicago, dando como resultado un disco clásico en directo: Ahmad Jamal at the Pershing: But Not for Me; la versión de Jamal de "Poinciana" se convirtió en su tema por antonomasia. Como consecuencia de este éxito, Jamal abrió su propio club, Alhambra, y grabó abundantemente para Argo durante los años sesenta.
  Algunos de sus discos tuvieron un éxito considerable, por ejemplo Ahmad Jamal Trio, Vol. 4 de 1958 y Ahmad Jamal at the Penthouse de 1960. En 1962 el trío se deshizo. Con el arreglista Richard Evans, Jamal grabó otra sesión de jazz con violines, Macanudo, y a continuación formó un nuevo trío con el bajista Jamil Nasser (aka Jamil Sulieman) y el batería Chuck Lampkin. Lampkin se marchó en 1965 y fue sustituido por Fournier (en el LP Extensions) antes de que finalmente Frank Gant formase parte del trío.
  Jamal experimentó un breve resurgir de su éxito a finales de los sesenta gracias a discos como Standard Eyes de 1967 y Cry Young de 1968. Un año después cambió de compañía, ahora para Impulse!, y grabó cinco discos en cuatro años, incluyendo un directo en el Montreux Jazz Festival de 1971 y Outertimeinnerspace (1972), en los que experimentó con el piano eléctrico.
  
  Jamal se cambió a la compañía 20th Century en 1973. Nasser abandonó el trío a mediados de los setenta y fue reemplazado por John Hurd; además, el trío se amplió a cuarteto momentáneamente con la incorporación del guitarrista Charlie Keys para el concierto de 1976 Live at Oil Can Harry's. Night Song presentó a Jamal trabajando con un grupo más grande en 1980. Pero nuevamente formó otro trío con el bajistay el batería Payton Crossley.
  A comienzos de los ochenta, Jamal realizó una gira y grabó en tándem con el vibrafonista Gary Burton y regresó a una compañía poderosa al firmar con Atlantic en 1985. Trabajó también para Telarc a comienzos de los noventa. En 1994, fue galardonado con el American Jazz Master Fellowship por el National Endowment for the Arts.
  
  Jamal firmó después con el sello francés Birdology, que supuso el comienzo de un renacimiento creativo. Sus grabaciones fueron distribuidas inicialmente en los Estados Unidos por Verve y Atlantic, y más tarde por el pequeño sello Dreyfus Jazz. Su primer disco francés, The Essence of Ahmad Jamal, Pt. 1 fue recibido calurosamente en Francia, y supuso la primera vez que Jamal grabó en pequeño grupo con un saxofonista Siguió con Big Byrd: The Essence, Pt. 2 (1997) y Nature: The Essence, Pt. 3 (1998), y sobre todo con el aclamado concierto de su 70 cumpleaños en el Olympia en el año 2000. El disco de 2003 In Search of Momentum fue también muy bien recibido por la crítica.

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Luis Cobos

• Luis Cobos (nacido en Campo de Criptana, Ciudad Real) es un músico, compositor y director de orquesta español, con un gran reconocimiento nacional e internacional. Actualmente es presidente de la entidad de gestión de Artistas Intérpretes y Ejecutantes (AIE) y presidente de la Academia Latina de la Grabación "The Latin Recording Academy".
• Estudió solfeo, teoría musical y armonía. Con tan sólo ochos años ingresó en la Filarmónica Beethoven, orquesta local en su pueblo, Campo de Criptana. Con quince años fundó en Ciudad Real la Escolanía Loyola.
• A finales de los 60, Luis Cobos formó parte del grupo de rock Conexión, con el que editó un LP y varios sencillos para el sello Movieplay.[1]
• Su gran oportunidad llegó en 1982, cuando grabó en los míticos estudios Abbey Road, de Londres, con The Royal Philharmonic Orchestra el álbum Zarzuela, que unía y actualizaba fragmentos del género chico.
• El disco fue un auténtico fenómeno de masas, alcanzando la cifra de un millón de ventas y seguirían otros proyectos trabajando con pasodobles en Sol y sombra (1982) o con rancheras en Mexicano (1983).
• Sus siguientes LP se encumbraron igualmente y de forma inmediata al primer puesto en las listas de ventas en España: Capriccio russo (1986), Tempo d'Italia (1987) y Vienna Concerto (1989). No sólo consiguió 50 discos de platino en este país[cita requerida], sino que ocupó puestos privilegiados en las listas de ventas en Reino Unido, Bélgica, Finlandia, Alemania, Argentina, Francia o Portugal[cita requerida].
• Durante esa época, además, compagina su actividad de director de orquesta (lo que incluye a la Sinfónica de Viena, The Royal Philharmonic Orchestra de Londres, La orquesta sinfónica de Los Ángeles (USA) la Kansai Philarmonic de Japón, la Sinfónica de Moscú, la Sinfónica de RTVE o la Sinfónica de la RAI) con la de compositor. Crea temas para voces tan dispares como Plácido Domingo, José Carreras, Julio Iglesias, Ana Belén, Isabel Pantoja o Joaquín Sabina[cita requerida].
• Tras su experimento musical de los ochenta, de horrible gusto, en el que añadía una base rítmica electrónica a obras clásicas, en la década siguiente sus grabaciones incluían prácticamente las composiciones completas: Es el caso de Suite 1700, "Amor" , Viento del Sur (con la Gran Orquesta Tropical de Puerto Rico),Oscars, "Viva México" y otros...
• En 1998 publicó La danza de los corceles, dedicado a los caballos de la Escuela de Doma de Jerez.

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Bonnie Raitt

• Más que sólo una artista de mayor venta, Una guitarrista respetada, cantante expresiva  y compositora consumado, Bonnie Raitt ha convertido en una institución en la música americana. La liberación de las almas Igual, su álbum XVIII, marca otro paso valiente e hilarante en un cuerpo legendario de trabajo.
• Nacido en una familia musical, la ganadora del Grammy, nueve veces es la hija del famoso cantante de Broadway John Raitt (Carrusel, Oklahoma!, El juego del pijama) y logra el pianista / cantante Goddard Marge. Se crió en Los Angeles en un clima de respeto por las artes, las tradiciones Quaker, y un compromiso con el activismo social. Una guitarra Stella que le dio como regalo de Navidad puesto en marcha Bonnie en su viaje creativo a la edad de ocho años. Mientras que
  creciendo, a pesar de pasión por la música desde el principio, nunca se consideró que sería jugar un papel más importante que como uno de sus muchos intereses en crecimiento.
• Finales de los 60, inquieta en Los Angeles, se mudó al este de Cambridge, Massachusetts. Como estudiante de la Universidad de Harvard / Radcliffe con especialización en Relaciones Sociales y Estudios Africanos, asistió a clases y se sumergió en el turbulento actividades culturales y políticas de la ciudad. "No podía esperar para volver a donde había folkies y los movimientos contra la guerra y los derechos civiles", dice. "Hubo buena música y muchos escenarios políticos sucediendo en los últimos años 60 en
  Cambridge. "Además, añade, con una sonrisa", fue la proporción de chicos que chicas en Harvard cuatro a uno, así que todas esas cosas estaban jugando en mi mente. "
• Raitt ya estaba profundamente involucrado con la música folk y el blues en ese momento. La exposición a los Blues álbum en Newport 1963 a los 14 años había encendido su interés por el blues y la guitarra slide, y entre las clases en la Universidad de Harvard ha explorado estilos de estos y otros conciertos en la cafetería local. Tres años después de entrar a la universidad, Bonnie izquierda a comprometerse de tiempo completo a la música, y poco después encontró a sí misma para sobrevivir a la apertura de los gigantes del blues. De Mississippi
  Fred McDowell, Wallace Sippie, Son House, Muddy Waters y John Lee Hooker aprendió de primera mano las lecciones de la vida, así como las técnicas de valor incalculable de rendimiento.
• "Estoy seguro de que era un regalo increíble para mí, no sólo para ser amigo de algunas de las personas mayores de blues que jamás haya vivido, sino para aprender cómo jugar, cómo cantaba, cómo vivían sus vidas, hicieron su matrimonios, y habló con sus hijos ", dice. "Yo estaba especialmente afortunado ya que muchos de ellos ya no están con nosotros".
• La voz se corrió rápidamente de la joven pelirroja blueswoman, su manera conmovedora, sin afectación de canto, y su visión extraordinaria en la guitarra de blues. Warner Bros. le localizó, firmado en sus brazos, y en 1971 lanzó su álbum debut, Bonnie Raitt. Sus interpretaciones de clásicos del blues de Robert Johnson y Wallace Sippie hizo una impresión poderosa crítica, pero la presencia de melodías de compositores contemporáneos interesantes, así como varios ejemplos de su propia escritura, indicó que este artista no se limita a una casilla de uno o el estilo.
• Durante los próximos siete años ella récord de seis álbumes. Give It Up, Takin 'My Time, farolas, y' Home Plate 'fueron seguidos en 1977 por Sweet Forgiveness, que ofreció su primer éxito individual, un valiente Memphis / R & B la disposición de Del Shannon "Runaway". Tres nominaciones a los Grammy seguido en la década de 1980, cuando lanzó el resplandor, la luz verde y nueve vidas. Una compilación de los puntos destacados de estos álbumes Warner Bros. (más dos duetos en directo inéditas) fue lanzado como la colección Bonnie Raitt en 1990. Todos estos álbumes han sido recientemente Warner digitalmente remasterizado y reeditado.
• Entre las sesiones, cuando no quemar las carreteras de gira con su banda, se dedicó a jugar los beneficios y pronuncian a favor de una serie de causas nobles, la campaña para detener la guerra en América Central, la participación en la Ciudad del Sol contra el apartheid proyecto , actuando en el histórico 1980 No armas nucleares conciertos en el Madison Square Garden, co-fundador de MUSE (Músicos Unidos por la Energía de seguridad), y trabajo para la protección del medio ambiente y de los derechos de las mujeres y los indígenas americanos.
• Después de forjar una alianza con Capitol Records en 1989, Bonnie alcanzado nuevos niveles de reconocimiento de público y crítica. Ganó cuatro premios Grammy en 1990 y tres de su álbum de Nick de tiempo y una por su dueto con John Lee Hooker en su álbum de la brecha, el sanador. En cuestión de semanas, Nick of Time saltó a la número uno (que ahora está certificado quíntuple platino). La suerte del sorteo (1991, siete veces platino) trajo aún más éxito y lanzaron dos singles hit "Algo de que hablar" y "No puedo Make You Love Me", en las listas, y la adición de tres premios Grammy más a su conservación. El anhelo de doble disco de platino en sus corazones, lanzado en 1994, contó con el single "Love Sneakin 'Up On You" y fue honrada con un premio Grammy por Mejor Álbum de Pop. Fue seguido en 1995 por el CD doble en vivo y el camino de la película Prueba (ahora disponible en DVD).
• Después de todos los premios y honores y décadas de prácticamente giras sin parar en su haber, Bonnie decidió tomar un descanso y disfrutar de algunas de las recompensas merecidas de la vida fuera de la carretera. El gasto en bicicleta el tiempo, ir de excursión, y haciendo yoga, disfrutar de la familia y amigos, y viajar por diversión en lugar de trabajo le trajo un gran sentido de la renovación y el propósito. Por supuesto, ella nunca había ido demasiado lejos, continuar con su activismo y como invitado en "los registros, incluyendo Ruth Brown, Charles Brown, Keb 'Mo numerosos amigos, Ladysmith Mambazo Negro, y Bruce Cockburn, así como registros de tributos para Richard Thompson, Lowell George y Pete Seeger. Cogió otro Grammy en 1996 a la Mejor Actuación Rock Instrumental por su colaboración en "Shuffle SRV" del tributo estelar a Stevie Ray Vaughan, y continuó con su "doble carrera", actuando con su padre, John, en los conciertos, así como en su álbum nominado al Grammy, Broadway Legend, lanzado en 1995.
• En 1998, volvió al estudio con un equipo de colaboración para crear nuevas fundamentales, uno de sus proyectos más exploratorio, lo que indica su creciente deseo de "sacudir un poco las cosas." Inspirado por la música de Zimbabwe mundo-beat Mtukudzi maestro Oliver, Bonnie escribió: "Una creencia Away", el primer single, con Paul Brady y O'Brian Dillon.
• En marzo de 2000, Bonnie fue incluido en el Rock and Roll Hall de la Fama, lo que fue seguido por darle la bienvenida en el Salón de la Fama de Hollywood Bowl, junto con su padre, en junio de 2001. Con los años, Bonnie ha aparecido como invitado en más de 100 proyectos de álbum, como una crónica en la sección de discografía de su página web oficial. Ella continúa a estirar los límites, actuando con artistas tan variados como la cantante caboverdiana Cesaria Evora, y BBKing leyendas, Tony Bennett, y Willie Nelson.
• Después de la gira fundamentales y más viajes de inspiración, volvió al estudio con su banda para grabar camino veterano Silver Lining, lanzado en 2002. Con sorprendente interpretación de Bonnie de la canción de David Gray escribió-, el nominado al Grammy "Gnawin 'On It", y el single "No te puedo ayudar ahora," Silver Lining fue considerado por muchos críticos como uno de los los mejores discos de su carrera. Ella promovió el álbum con una gira mundial que incluyó a su Festival de la carretera verde y una asociación de promoción de eco-combustible biodiesel, el medio ambiente, y las soluciones de energía alternativa en las ferias y los beneficios a lo largo del camino. En 2003, lanzó la retrospectiva Lo mejor de Bonnie Raitt en el Congreso.
• Raitt también se mantuvo ocupado con apariciones más, incluyendo el dueto impresionante "¿Alguna vez pasan por su mente" en la versión final de Ray Charles, Genius Loves Company, que ganó el premio Grammy por Álbum del Año, y un dueto en el Grammy ganar el amor verdadero álbum de Toots & The Maytals. Su álbum de 1989 avance, Nick of Time, fue remezclada para el sonido envolvente, y lanzado por Capitol Records en 2004, un DVD-Audio, obteniendo una nominación al Grammy en la categoría de nueva creación, Mejor Album de sonido Surround.
• En 2003, también participó en la aclamada serie de Martin Scorsese, PBS, The Blues, interpretando dos canciones en la película de Wim Wenders, El alma de un hombre, y forma parte del elenco de estrellas de relámpago en una botella, la película de concierto en vivo en los azules, dirigido por Antoine Fuqua. También contribuyeron con canciones para dos películas de Disney, The Country Bears y Zafarrancho en el rancho. Actualmente, ella toca la guitarra en una canción en el nuevo álbum de Stevie Wonder, A Time to Love, y aparece en la próxima TV / DVD tributo, Música l0l: Al Green. Un DVD de su 1977 en el Festival de Jazz de Montreux también ha sido lanzado.
• Todas las experiencias de Raitt la llevó a las almas bajo la misma, su primer álbum a dar el crédito "Producido por Bonnie Raitt." El álbum, grabado con su nuevo unida, la banda de gira amado y as ingeniero / co-productor, Tchad Blake, es una colección de canciones menos conocidas de compositores con los que Raitt siente una profunda afinidad, y cuyo trabajo se está dispuesto a campeón .
• Con algunas nuevas direcciones sorprendentes y, como ella los describe, "temas espinosos, adultos," las almas ambiciosas e innovadoras Igual revela un artista extraordinario que nunca ha estado dispuesto a dormirse en sus laureles. "Tienes que hacer cosas que se extiende", dice Bonnie. "Me gustaría colgar las espuelas si no tienen algo nuevo que jugar". Sonidos que van desde la fragilidad de crudo de "No quieren que nada cambie" (escrito por Liz Rose, Chapman Stephanie, y Sharp Maia) a los bucles pantanosas electrónicos detrás de John Capek y "Deep Water" Marc Jordan dan testimonio de deseo Raitt a crecer y encontrar cosas nuevas que decir. Los temas abordados en "The Bed I Made" (también por Batteau y Sharp) o Bramblett Randall Davis y Causey "Dios estaba en el agua" es sofisticada y adulta, y complejos - materiales no convencionales para las canciones pop.
• "Yo no se romperá," el plomo nominado al Grammy sola de las Almas Igual (escrito por Gordon Kennedy, Kirkpatrick Wayne, y Sims Tommy, el equipo detrás de Silver Lining "Yo no te puedo ayudar ahora" y Eric Clapton "Cambiar el mundo ") refleja la mentalidad Raitt durante la realización del registro. "Había un elemento de ser empujado a la pared con lo que estaba pasando en mi vida personal, mis crisis y la familia entonces no fue la elección", dice. "Así que esa canción era como un himno para mí y para todo el que quiera sentir que puede hacer frente a recibir un empujón en todo."
• Igual almas debutó en el # 19 en el Billboard 200 en septiembre de 2005, provocando elogios de la crítica y propulsar Raitt volver a la carretera. (Ella se reanudó la Carretera Verde eco-asociación que comenzó en la gira de Silver Lining.) El 30 de septiembre de 2005, Raitt realizó un concierto especial en el Trump Taj Mahal en Atlantic City, Nueva Jersey, que se emitió el primer episodio de "VH1 Classic décadas Rock Live "en serie. Los pares de conciertos innovadores célebre serie de artistas de rock and roll con algunos de los actos de hoy más calientes de grabación que ha sido influenciado e inspirado por las leyendas.
• Raitt ha sido seleccionado como el artista inaugural de la serie de compañero de DVD / CD lanzamientos. VH1 Classic Decades Rock Live! Presenta Bonnie Raitt y amigos Gracias a la vida, Ben Harper, Alison Krauss y Keb'Mo 'fue lanzado en agosto de 2006 andfeatures nunca antes visto el rendimiento y la entrevista, incluidos los cuatro dúos no incluidos en la emisión de VH1 Classic del concierto. Con dos horas de concierto y grabaciones entrevista, el concierto que fue filmado en alta definición y se presenta en audio 5.1, características Raitt realizar 17 canciones con su banda desde hace mucho tiempo - George Marinelli (guitarra), James "Hutch" Hutchinson (bajo), Ricky Fataar (batería) y Jon Cleary (teclados). Se incluyen éxitos tales Raitt clásicos como "Algo de que hablar," Carta de amor "" (con Mo '), "You" (con Krauss) y un bis knock-out de "Love Sneakin' Up On You" con Raitt, Jones , Harper, Krauss y 'Mo, así como aspectos más destacados de las almas bajo la misma, incluyendo "no se romperá", "Dios estaba en el agua", "No quieren que nada cambie" (con Jones) y "Mercenary innecesariamente "(a dúo con el tecladista Cleary, quien escribió la canción). El CD incluye 11 canciones, incluyendo la radio solo "dos luces en la noche" (con Ben Harper).
• Estos últimos años también han traído algunos problemas personales. Después de una larga enfermedad, su padre falleció a principios de 2005, su madre murió de forma inesperada debido a complicaciones de apenas Alzheimer meses antes, y en 2009, el hermano de Bonnie finalmente sucumbió a su batalla con el cáncer de cerebro que valientemente lucharon con un programa de dieta macrobiótica para ocho años. Durante este tiempo, ella co-titulado con Jackson Browne y parte Keb Mo 'de la histórica "Vote For Change" tour previo a la elección presidencial de 2004, y luego otra vez a las elecciones de 2008, llevaron a cabo una serie de conciertos benéficos para recaudar fondos y recepciones para ayudar a salir a votar y animar al voto en las principales carreras demócrata del Senado. En 2007, Bonnie se unió a su musa (Músicos Unidos por la Energía Segura) amigos de Jackson Browne y Graham Nash para poner en marcha una campaña para prevenir el rescate legistlative de la industria nuclear y desarrollado un sitio web que sirve como fuente de información y redes centro de activistas de energía segura.
• Bonnie continúa usando su influencia para afectar la forma en la música es percibida y apreciada en el mundo. En 1988, fue co-fundador de la Fundación Rhythm and Blues, que trabaja para mejorar las regalías, las condiciones financieras, y el reconocimiento de toda una generación de R & B pioneros a los que se siente tanto debemos. En 1995, se inició el Proyecto de Bonnie Raitt guitarra con el Boys and Girls Clubs of America, actualmente en ejecución en 200 clubes de todo el mundo, para alentar a jóvenes de escasos recursos a tocar música ya que los presupuestos para la enseñanza musical en las escuelas en seco.
• Su compromiso con el poder redentor de la música se expresa en el prólogo que escribió a las raíces de América, el libro basado en la serie de PBS 2001 del mismo nombre:
• "Estoy convencido de que esta apreciación tiene que estar ahí para que los niños negro, latino y todos pueden entender las raíces de su herencia musical propia", explica. "La consolidación del negocio de la música ha hecho difícil para fomentar estilos como el blues, todo lo cual merece ser celebrado como parte de nuestros recursos naturales más preciados."
• Para el verano de 2009, Bonnie Raitt y Taj Mahal y dos luminarias de la moderna blues-unen sus fuerzas para su primera gira juntos. El "BonTaj Roulet" tour será una costa a costa, 30 + excursión fecha en agosto y septiembre, y contará con Bonnie y Taj en el escenario solos y juntos. Bonnie, respaldado por su grupo de siempre deslumbrante, y Taj, con las seis piezas, ganador de un Grammy Phantom Blues Band, jugarán juegos completos por separado, antes de cerrar cada noche con una colaboración, blow-out rendimiento.
• Sin embargo, Bonnie y Taj no son sólo de realizar en cada mercado que visitan, que están dando vuelta a estas comunidades. Ellos han creado el Fondo BonTaj acción colectiva que utiliza varias iniciativas para recaudar fondos para una variedad de causas. Ticketmaster, Musictoday y Live Nation Ticketing se han comprometido a igualar las contribuciones a conciertos y artistas de  0.25 en el precio de cada billete. En conjunto, este esfuerzo va a recaudar  1 por cada boleto vendido en la gira. Al concierto se les anima a votar en lo que hace que el Fondo BonTaj la acción colectiva de apoyo en el sitio web BonTaj.com. Las ganancias se distribuyen en proporción a los votos contados en general, en beneficio de organizaciones que trabajan sobre los siguientes temas: energía segura y sostenible, protección del medio ambiente, la justicia social y los derechos humanos, y Blues / Educación Musical.
• "Esta gira es justo lo que recetó el doctor", dice Bonnie. "Taj y yo tenemos mucho en común, pero hay tanto territorio inexplorado entre nosotros. Ha sido un rato largo que viene, y ahora es el momento adecuado."
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Sanctus Real

• Sanctus Real se caracteriza por presentar al público más cerca de Dios a través de la música desde 2002, y su última canción "Lead Me" no es una excepción. La canción es un reflejo de los problemas personales del vocalista Matt Hammitt con equilibrar las demandas de un artista musical con el papel de ser un líder espiritual de su familia.
• "Mi esposa me sentó y me miró a los ojos de lágrimas, y dijo:" Te necesito para ser un mejor líder '", explica Matt. "A veces podemos tener la intención de ser grandes hombres de Dios, los esposos grandes, grandes padres, pero eso no quiere decir nada hasta que se pone en acción."
• El viaje de Sanctus Real, sin embargo, comenzó hace casi una década, mientras que Matt estaba en la secundaria y se reunió con el guitarrista Chris Rohman en su segundo año en la escuela cristiana de Toledo en Ohio. Después de dirigir el culto de jóvenes en conjunto, con el tiempo empezó a colaborar en sus propios productos, y una asociación nació.
• No mucho tiempo después el baterista Mark Graalman y el bajista Steve Goodrum unieron a la diversión, y la banda comenzó la grabación de música juntos en un garaje cercano. Dado que los fondos fueron difíciles de conseguir para la fabricación de discos, Matt y Steve fueron obligados a trabajar telemarketing conciertos por día para pagar las sesiones.
• Después de firmar con Sparrow Records, la banda lanzó su álbum debut, Say It Loud en 2002. Fue seguido por primer funcionario de la banda # 1 hit, una versión de "Beautiful Day" de U2 en el proyecto de compilación, En el Nombre del Amor: Artistas Unidos para África (2004). A partir de ese momento, la banda siempre ha lanzado nuevos registros como un reloj cada dos años, y han desplegado importantes tales como las canciones de "The Face of Love", "lo que estás haciendo", "Forgiven", y la última "Lead Me. " Nuevo enfoque de Sanctus Real a la fe de inspiración rock 'n' roll con letras abiertas, auténticos han hecho una de las bandas favoritas de la música cristiana.
• "Todas las canciones que escribo son acerca de las partes más profundas de nuestro ser y las cosas y que estamos pensando y lo que estamos viviendo", cuenta Matt. "Empezamos a pensar en todas las diferentes piezas de nuestras vidas, y vino a nosotros de que estas canciones son piezas de nuestro corazón-el verdadero cosas que están pasando y las cosas que queremos comunicar a la gente a medida que mejora la comunicación en nuestros corazones. "
• Matt y la vida de su esposa Sarah se cambió en septiembre de 2010 con el nacimiento de su tercer hijo, Bowen. Temprano en el embarazo, se encontró que Bowen había un defecto del corazón, y fue operado poco después del nacimiento. Bowen se encuentra todavía en el hospital recuperándose y está siendo asistida con aparatos de respiración.
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