23 ago 2011

La Reina de las Rancheras Rocio Durcal

  • María de los Ángeles de las Heras Ortiz,[1] (Madrid, 4 de octubre de 1944 – Torrelodones, Comunidad de Madrid, 25 de marzo de 2006) fue una actriz y cantante española, conocida artísticamente como Rocío Dúrcal. Es la solista española más vendedora de discos con más de 80 millones hasta la actualidad. Es la máxima exponente femenina de la música ranchera en el mundo, siendo bautizada "La Reina de las Rancheras
    Dúrcal nació en el barrio obrero de Cuatro Caminos de Madrid. Hija de Tomás de Las Heras y María Ortiz, siendo la primera de una familia de seis hijos. Por ser la hermana mayor y debido a los recursos económicos limitados, en más de una ocasión se desempeñó en las labores domésticas, además de ayudar en la crianza de sus hermanos menores, por lo cual faltó mucho a clases en el colegio. Desde que inició sus estudios de primaria, ya sentía deseos de hacer carrera como actriz, lo cual mantuvo en secreto durante un tiempo. Entre tanto, en los recreos de su colegio, la futura artista ya contaba con su primer público conformado por sus compañeras de clases, que la hacían cantar, a lo cual no se negaba. Después se hizo común su presencia animando las veladas escolares como cantante. Aunque sus padres apoyaban su talento, no deseaban que hiciera carrera artística. Al terminar la primaria, ya trabajaba como aprendiz en una peluquería de su barrio.
  • Comenzó su carrera artística participando en diversos festivales y concursos radiales de canto, apoyada en secreto por su abuelo paterno que creyó siempre en su talento y fue su primer admirador. A los 15 años de edad (1959), con aprobación de sus padres, participó en el espacio televisivo, hoy desaparecido, Primer aplauso que emitía el ente público Televisión Española. El tema que escogió era la canción tradicional La sombra vendo. Cerca de la estación televisora, Luis Sanz, un "cazatalentos" madrileño, quien veía el programa, quedó impactado por su talento y personalidad. Tanto fue así, que Sanz se puso en contacto con la realización del programa para pedir el nombre y la dirección de la joven concursante. La conversación entre Luis Sanz, quien era ya representante de varios artistas españoles famosos, y sus padres, fue decisiva en su futuro. Por primera vez en su vida, la futura estrella habló de sus aspiraciones artísticas y de sus deseos de ponerse en manos de Luis Sanz, quien quería lanzarla al estrellato.
  • Los padres de María de Los Ángeles estaban indecisos sobre qué debían hacer. Al cabo de una semana, dieron su aprobación al empresario. Aunque la futura artista insistía, sus padres temían el fracaso de su hija. Esto, desde luego, no ocurrió. Sanz decidió que la muchacha fuera puesta al cuidado de profesores particulares para terminar sus estudios de secundaria e iniciar los de canto, baile y actuación. Todo ello ocurrió, cuidando de que la futura Rocío Dúrcal, no perdiera su personalidad, que había encantado al empresario. Al mismo tiempo que le revela los secretos de la profesión artística, Sanz la pone en contacto en diversos eventos sociales con los artistas famosos de su época. Posteriormente se hizo muy amiga de su contemporánea, Rocío Jurado. A Raphael ya lo conocía, pues en esa época vivían en el mismo barrio y a veces coincidían en concursos de radio.
  • Como su nombre era poco adecuado para lanzarla al estrellato, Sanz ideó llamarla Rocío. En una entrevista televisada antes de su muerte Rocío contó que ese sobrenombre se lo puso su abuelo pues le recordaba el rocío matutino. Así, Sanz debe haber recogido el sobrenombre de aquella costumbre familiar. Pero, pensando que le haría falta un "apellido", él y la joven buscaron un mapa de España en el que ella señaló al azar la población de Dúrcal, en la provincia de Granada. Había nacido el sobrenombre con el cual logró su paso a la posteridad. Más tarde, fue declarada Hija Adoptiva de esta población y fue bautizada una calle en su honor. Actualmente, existe un proyecto de crear un museo sobre la artista, como proyecto compartido entre su esposo el cantante Antonio Morales "Junior" y el ayuntamiento de dicho poblado donde fue desvelada el 14 de febrero de 2009 una estatua en su honor.

22 ago 2011

Luciano Ariel Pereyra

  • Su nombre completo es Luciano Ariel Pereyra . Su primer contacto con la música fue cuando tenía 3 años, sus padres al ver que podía poseer cualidades, le regalaron para Navidad una guitarra. Al año siguiente, concursó en un programa de televisión del antiguo ATC, ahora Canal 7 Argentina. A los 9, participó en Festilindo un programa-concurso orientado al público infantil. Cuando tenía 10, cantó en el programa de Xuxa el tema de León Gieco Sólo le pido a Dios, el mismo que diez años después (2000) lo haría famoso al cantarlo frente al Papa Juan Pablo II en el Vaticano, representando a Latinoamérica en el jubileo.
  • Luciano grabó en 1998 su primer disco llamado Amaneciendo, 13 temas entre los que mezcla sonidos de zamba, carnavalito, valses, chacareras y baladas. Su primer hit se llamó Soy un inconsciente, gracias a este single, Luciano vendió 260.000 placas y fue acreedor de cuádruple platino. En el año 1999 decide conquistar la Capital Federal presentándose en el Teatro Opera.
  • En el mes de marzo del año 2000 edita su segundo disco: Recordándote, incluyendo la canción Sólo le pido a Dios y temas compuestos por él mismo. El disco permaneció durante tres semanas consecutivas en el primer puesto del ránking nacional.
  • En 2001 fue elegido para cantar el Himno Nacional Argentino durante el partido homenaje de despedida a Diego Maradona.
  • Hizo duetos con artistas como Rodrigo Bueno, Soledad Pastorutti y Alejandro Lerner. En junio del 2002 sale su tercer CD titulado Soy tuyo, orientándose hacia el bolero y el tango. Hizo una gira por Sudamérica y se presentó 6 noches en el Teatro Gran Rex.
  • Durante el 2003 participa en la película Tus ojos brillaban, un año después (2004), colabora en la comedia Los Pensionados. El 22 de junio de ese año edita Luciano, con temas compuestos por él mismo, como Perdóname. Este disco estuvo dirigido hacia el género pop.
  • En abril de 2011 salió al mercado Dispuesto a amarte, el quinto álbum musical de su carrera artística, con el tema Porque aún te amo(compuesto por Dianel Yair Montana Corona) como primer corte de difusión. Otro look y otro sonido llevan a pensar que Luciano emprende un viaje cuya intención es transitar definitivamente por los carriles del cantante pop latino.
  • En Noviembre de 2008, se estrenó su último corte de difusión, "No puedo",letra y música del propio Luciano Pereyra, con el correspondiente video, con la participación especial de la modelo: Florencia Torrente. Dispuesto a Amarte, tiene influencias muy románticas, y no es casual que esté bajo la dirección artística y musical de Rudy Pérez, productor y compositor que ha trabajado con los más grandes Artistas baladistas modernos: Cristian Castro; Chayanne; Luis Fonsi, Luis Miguel

20 ago 2011

Joe Louis Walker

  • Joe Louis Walker es una de las estrellas de blues más importante. Él es un guitarrista de gran éxito, el cantante y productor. Con los años Joe Louis Walker logró llegar a un estilo de guitarra excepcional. Uno sólo necesita escuchar su guitarra y sabe que es Joe Louis Walker. Otro punto fuerte de Joe Louis Walker es su propio y original material.He es un compositor talentoso y su blues y gospel con influencias letras pertenecen a los mejores.
    Joe Louis Walker nació en 1949 en San Francisco. Su padre y su madre estaban realmente en el blues (T-Bone Walker, BB King, Meade Lux Lewis, Amos Milburn, Pete Johnson), y bajo esta influencia de 14 años, Joe comenzó a tocar la guitarra. Cuando tenía 16 años dejó su hogar y comenzó a contestar a anuncios guitarrista en el papel. Se convirtieron en buenos amigos con el guitarrista Mike Bloomfield (Butterfiel Blues Band) que introdujo Joe a la escena del blues Área de la Bahía. Joe pronto se abría para los actos muchos azules - músicos como Earl Hooker, Freddy Rey, Mississippi Fred McDowell y Fulson Lowell, que también influyó en su estilo en la guitarra. Mucha gente piensa que Joe comenzó a tocar el blues de mediados de los 80, pero ya estaba dando conciertos en los años 60! Otros musicans influyentes cantantes de R & B Wilson Pickett, James Brown, Bobby Womack y Otis Redding.
     

  • Alrededor de 1975 Joe sintió que su estilo de vida lo llevaría en serios problemas, tarde o temprano. Decidió cambiar su vida. Música de nuevo se convirtió en su salvador y para los próximos 10 años que estaba cantando con un cuarteto de gospel, "Los corintios espirituales". El evangelio ayudó a Joe a recuperar su vida en el camino y se convirtió en una experiencia musical valioso. Esta influencia se puede escuchar en la música de Joe en la actualidad. También grabó un álbum con el Corinthians Espiritual en 1980 llamado "Dios proveerá".
  • En 1985, en una actuación en el Jazz de Nueva Orleans y Festival de la Herencia Espiritual con el Corinthians, Joe finalmente decidió volver al blues de nuevo. Regresó a San Francisco y formó su grupo de la Bosstalkers. En 1986 lanzó su primer álbum, "Cold Is The Night". Que grabaría cuatro discos más con los expedientes de Hightone antes de cambiar a la Verve / etiqueta de Gitanes (Polydor / Polygram). Con Verve ha grabado varios discos muy bien recibidos, con muchos de los mejores músicos de todo. Posteriormente ganó varios W.C. Premios útil para el artista contemporáneo Masculino del Año (1988 y 1991) y la Banda del Año (1996) con su grupo de Joe Louis Walker y el Bosstalkers. También ganó el Bammy 1995 (Bay Area Music Awards) de músico de blues del año.
  • Además de sus álbumes en solitario de Joe Louis Walker también se puede escuchar en varios álbumes de otros - el apoyo a artistas bien conocidos como BB King o James Cotton. O nos da su interpretación de canciones de los Rolling Stones, Eric Clapton o Nick Lowe (álbumes tributo). A veces también produce álbumes para otros artistas.
    Recientemente Joe Louis Walker se ha vuelto muy activo. A pesar de su contrato de siete años con el sello Verve terminó, Joe lograron lanzar cuatro discos (!) En poco más de un año para varias etiquetas. No importa si juega eléctrica acústica o guitarra slide, Joe es siempre mantener los altos estándares que todo el mundo espera de él. En el año 2003 - es el Año del Blues en los EE.UU. - Joe Louis Walker muestra en su mejor momento. Uno de los nombres más populares y más respetados en el blues.
  • "Nueva Dirección" ha sido lanzado en 2004 en la etiqueta Provogue y Joe Louis Walker continúa su viaje musical. El álbum suena fresco y fácil de Walker mantiene sus altos estándares. Joe Louis Walker volvió a producir el álbum y ha escrito todas las canciones (co-autores incluyen Jojo Russo, Ellis Blacknell Jr. y Robert Watson).
        

  • CD Joe Louis Walker "Playin 'Dirty" (2006) fue una vez lanzado por los expedientes JSP. Esta vez Joe Louis grabó el álbum con sólo dos músicos en un estudio en París (a unos pocos overdubs añadió más tarde). La música fue grabada en un estilo antiguo y el más importante de la ranura JLW se genera y se siente ... y usted puede estar seguro de JLW conoce su blues.
  •    Después de unos tiempos difíciles en Europa JLW regresó a los EE.UU. de nuevo y continuó de gira y tocar blues con músicos como Henry Oden.
    En 2008 Joe Louis Walker firmó en Stony Plain y expedientes grabó su último álbum "Witness To The Blues". El álbum ha sido producido por nada menos que el famoso duque Robillard y características "de vacaciones de los Enamorados" a dúo con el gran blues de la famosa cantante Shemekia Copeland.Joe Louis Walker jugó en el álbum debut Shemekia de "Turn The Heat On" en 1998 y conocía de el principio que quería hacer este dúo con ella.
  • El álbum incluye varias canciones escritas por Joe Louis Walker, sino también por artistas como el JJ tarde Malone ("Es una vergüenza") y los tradicionalistas como "Rollin 'and Tumblin'", una vez realizada por Elmore James. Joe Louis Walker volvieron a registrar una maravillosa mezcla de blues moderno y tradicional, y ninguna de las pistas suena como un relleno.
     
  • Joe Louis Walker, está de nuevo o como canta "El hombre 100% más" ... Man Blues, deberíamos decir ... y me pregunto que apesar de que recibió tantos premios y ofrece buena música como una y otra vez, mucha gente todavía no sabe cuán grande es la música JLW. Echa un vistazo a última versión de Joe Louis Walker, ya que es un verdadero testimonio de los azules - uno de los más grandes artistas de blues nunca.

19 ago 2011

James Stanley McCarty

  • James Stanley McCarty, más conocido como Jim McCarty, es un músico nacido en Liverpool, Inglaterra, el 25 de julio de 1943. Fue baterista de las bandas The Yardbirds y Renaissance.
  • Se trasladó a Londres cuando tenía dos años, y mientras asistía a la Hampton Grammar School en Richmond upon Thames, conocío a Paul Samwell-Smith, con quién, el año 1963, formaría The Yardbirds, junto a Keith Relf y Chris Dreja.
  • Durante su época con The Yardbirds, colaboró con la composición de canciones como "Still I'm Sad" y "I'm Confused". En 1968 se retira del grupo, acompañado por Keith Relf, formando más tarde Renaissance.
  • También participó en otras bandas, como Shoot (como cantante) e Illusion (como guitarrista, acompañado de antiguos integrantes de Renaissance).
  • Entre 1983 y 1986 se suma a Box of Frogs, una banda conformada por varios ex integrantes de The Yardbirds, y desde 1992 está en la reformada versión de la banda junto a Chris Dreja. También ha sido miembro de The British Invasion All-Stars, y formó la Jim McCarty Band.
  • Existen dos álbumes rotulados a nombre de James McCarty; estos son Out of the Dark de 1994 y Sitting on the Top of Time de 2009, este último co-producido por Ron Korb.
  • En un artículo reciente publicado en Musicópolis les llamaba emperadores, y no es para menos. The Yardbirds han constituido uno de esos pilares sobre los que posteriormente se construyó el blues británico. En los años 60 tomaron las raíces norteamericanas del género para darles la vuelta, transformarlas y encontrar el combinado ideal a base de psicodelia o pop. Vieron cosas con antelación que otros contemporáneos ni llegaban a olerse. Ahora, y recuperados como banda activa, giran por todo el mundo para esparcir la semilla de un material glorioso que no debe quedarse únicamente en sus LPs. El guitarrista Chris Dreja y el baterista Jim McCarty nos relatan a través de la siguiente entrevista un viaje apasionante a lo largo de la escena musical del Reino Unido que les tocó vivir.
  • ¿Qué músicos te influenciaron sobremanera en tus inicios?
  • Chris: Ante todo los músicos estadounidenses de blues como Robert Johnson, Muddy Waters, Howling Wolf, Jimmy Reed, BB King, Chuck Berry o Bo Didley. Igualmente siempre me he considerado un gran seguidor del mundo del jazz, tanto del be bop como de Miles Davis, etcétera. La música que posee una emoción genuina y libertad de formas en sus elementos siempre me llamará la atención.
  • Uno de vuestros grandes logros resultó el hecho de trabajar temporalmente cual banda de acompañamiento de la leyenda del blues Sonny Boy Williamson II. ¿Qué cosas aprendió y sacó en claro el conjunto tras colaborar con él?
  • Chris: Una de las cosas que aprendimos aquellos días es que nosotros éramos una banda británica blanca y no la genuina formación de músicos negros estadounidenses a la que amábamos y tratábamos de emular. Sonny Boy era una gran estrella para la comunidad negra americana. Le solía gustar echar un trago y cambiar los arreglos musicales sobre la marcha. Tras ensayar con él todo el repertorio del concierto, Sonny podía beberse unos cuantos vasos y terminar tocando de forma diferente, para nuestro horror. Igualmente aprendimos que no sería suficiente para The Yardbirds el hecho de ser una formación que intentase copiar lo ya grabado por las bandas establecidas, por lo que era esencial para nosotros el escribir y crear nuestro propio material.
  • ¿Por qué se fragmentaron inicialmente The Yardbirds?
  • Chris: La fatiga, posiblemente el estar totalmente quemados fue lo que propició la ruptura. En aquellos días las bandas encontraban su sustento económico principal en los conciertos y nosotros éramos ante todo un espectáculo en directo. En aquel corto periodo de tiempo llegamos a tocar centenares de veces al año y giramos a lo largo del mundo, especialmente por los Estados Unidos. Pasamos por importantes cambios en la formación y avanzamos lo que pudimos aquella música que estábamos tocando. Me alegra afirmar que no terminamos odiándonos los unos a los otros, pero estaba claro que necesitábamos esa ruptura. Jimmy Page y yo podríamos haber continuado, aunque en aquel momento Jim McCarty y Keith Relf ya tenían bastante y deseaban trabajar en un estilo musical más calmado. Supongo que si la banda se hubiese tomado un año de descanso para recobrarse y luego hubiese grabado nuevo material, The Yardbirds habríamos regresado rejuvenecidos y conseguido triunfar en la década de los 70, cuando el formato del LP se volvió tan importante. En cualquier caso, es todo agua pasada que no mueve molino.
  • Existe un libro sobre vuestra banda que escribió Greg Russo: The Yardbirds: The Ultimate Rave-Up! ¿Qué pensáis sobre esta obra de estudio?
  • Chris: Está claro que ha realizado una buena investigación; además el libro está trufado de hechos, figuras y fotografías. Personalmente echo en falta esas historias, sensaciones y anécdotas que realmente puedan dibujar para el lector las personalidades, la época y los increíbles cambios sucedidos en los 60. Jim, John Platt y yo mismo escribimos hace tiempo un libro titulado Yardbirds que era, por supuesto, mucho más personal. Desafortunadamente a día de hoy está descatalogado.
  • ¿Cuál fue el primer vinilo que compraste?
  • Chris: Probablemente sería música de Duane Eddy y Jimmy Smith. ¡Oh! Y de B. Bumble And The Stingers.

  • ¿Cuáles consideras que han sido los mayores logros, tanto profesionales como musicales, de The Yardbirds?
  • Chris: El hecho de seguir nuestros instintos, escuchando las ideas de los unos y los otros, al mismo tiempo que rompíamos un gran número de reglas. Pienso que el realizar todo aquello consiguió para la banda una sustanciosa influencia musical que a día de hoy sigue presente.
  • The Yardbirds son subrayados en la actualidad por ser la banda que lanzó las carreras, en su estadio inicial, de Jimmy Page, Eric Clapton y Jeff Beck. ¿Qué piensas sobre este hecho?
  • Chris: Ahora parece increíble; aunque volviendo a aquel momento, a excepción de Jimmy Page, al que ya se le valoraba por su trabajo cual músico de sesión, todo el mundo era muy joven y desconocido. Desde el primer día, The Yardbirds nos labramos la reputación de conjunto que tocaba una música apta para que los guitarristas con habilidad pudiesen extenderse. Atraíamos a ese tipo de músico y lo seguimos haciendo.
  • ¿Qué sentimientos te quedan en relación a un álbum como Roger The Engineer? Contadme la historia que existe tras aquel LP.
  • Chris: Para mi gusto es el mejor álbum de The Yardbirds. Creado en dos semanas, incluidas las sesiones de composición y las de grabación de las canciones. Pienso que es nuestro trabajo más creativo. ‘Over Under Sideways Down’ salió de esas grabaciones, al igual que bastante material ecléctico, adelantado a su tiempo. El empuje de todos resultó fantástico. Fue un momento único para la banda y estamos todos orgullosos del disco.
  • Jim: Roger The Engineer fue un álbum divertido de grabar. Estábamos en la formación Jeff Beck, Keith Relf, Paul Samwell-Smith, Chris Dreja y yo. Nos encerramos en los Advision Studios en Bond St., Londres, durante un par de semanas. Algunos de aquellos temas, como ‘Jeff’s Boogie’ o ‘What Do You Want’, los solíamos tocar en directo sobre el escenario, pero la mayoría fueron creados en el estudio.
  • ¿Resultó ‘For Your Love’, el sencillo que os consiguió altísimas posiciones en las listas británicas y vuestro primer gran éxito en las estadounidenses, un ultraje para las creencias blues de Eric Clapton? ¿Fue la razón de su partida?
  • Chris: En aquel momento de su carrera Eric era un purista total del blues y nosotros sentíamos que lo importante para la banda era evolucionar la música y crear nuestro propio material. Me entristecí cuando nos dejó y él se sintió como el hermano mayor; aunque por otro lado, cuando se marchó nos liberó para que pudiésemos vivir nuestra propia aventura sin tenernos que atar al estereotipo de ser simplemente instrumentistas de blues blanco.
  • Jim: A Eric no le gustaba ‘For Your Love’, al igual que tampoco la manera en la que Paul Samwell-Smith tomó las riendas en el proceso de grabación. Paul sugirió usar un clavicordio y un contrabajo con arco en los arreglos, algo que para Eric distaba mucho de ser blues. Pero era difícil alcanzar el pelotazo que necesitábamos en aquellos días con un disco de blues.

  • Jim, ahora me gustaría que hablásemos sobre Renaissance. ¿Qué recuerdos te vienen a la memoria en relación a tus días en dicha agrupación con la que grabaste los LPs Renaissance e Illusion?
  • Jim: Keith Relf y yo formamos Renaissance con la intención de hacer algo un tanto diferente a ese poderoso blues editado con The Yardbirds, material que habíamos tocado de forma continuada durante cinco años o más. Inicialmente se convirtió en todo un éxito, siendo algo original y fresco. Desafortunadamente no poseíamos el poder suficiente para sostener la banda más de un par de años; luego el conjunto se reformó con otros miembros para continuar editando discos.
  • De forma eventual la formación clásica de Renaissance militó cual el proyecto Illusion a mediados de los 70.
  • Jim: Cuando reagrupamos el conjunto como Illusion a mediados de aquella década podríamos haber conseguido material interesante, pero el caso es que llegaba le etapa del punk y fuimos abandonados por el sello discográfico.
  • Por cierto, ¿en qué estás trabajando actualmente de forma paralela a The Yardbirds?
  • Jim: Pues precisamente he grabado hace poco en Toronto un álbum en solitario titulado Sitting On The Top Of Time.
  • El próximo mes de diciembre tocarán en Valladolid, Madrid y Bilbao, los días 9, 10 y 11, respectivamente.

Susan Tedeschi

  • Susan Tedeschi, (9 de noviembre de 1970), es una artista estadounidense de blues y soul nacida en Boston, Massachusetts.
  • Susan Tedeschi creció en la ciudad de Norwell, Massachusetts, estudiando en el 'Berklee College of Music' en el cual se graduó en composición musical y en interpretación. A los 15 años, formó un grupo musical llamado 'the Smoking Section', dedicándose a cantar música gospel en el coro del instituto y a interpretar canciones blues en locales de la ciudad de Boston.
  • En 1994, junto a Tom Hambridge y Adrienne Hayes, formó el grupo Susan Tedeschi Band; en 1995 comenzó a tocar la guitarra y se publicó el disco "Better Days", teniendo únicamente repercusión local. Las sesiones de grabaciones, a partir de 1997, fueron adquiridas por la compañía discográfica Tone-Cool Records, siendo publicado en 1998 el disco "Just Won't Burn", el cual recibió buenas críticas de las revistas especializadas en blues.
  • De 1998 a 1999, Susan Tedeschi realizó giras por todo Estados Unidos, mostrando una espectacular puesta en escena y contando con una poderosa voz. Tedeschi, más adelante, sería telonera de John Mellencamp, B. B. King, Buddy Guy, Allman Brothers Band, Taj Mahal y Bob Dylan. En el año 2000, el disco "Just Won't Burn" se convirtió el disco de oro al vender 500.000 copias en Estados Unidos, un hito no muy común en los discos de blues. Susan grabó dos canciones con dos componentes del grupo Double Trouble, Chris Layton y Tommy Shannon.

18 ago 2011

Macy Gray

  • Al inicio de 2009 y diez años de su carrera, Macy Gray se encontraba en un agente libre y al borde de la "traición." Claro, que vendió 15 millones de discos, obtuvo dos premios Grammy, dos premios MTV y con "I Try , "había uno de los sencillos más exitosos de todos los tiempos, pero después de 2007 es grande, ella se encontró sola, sin nadie que la respuesta a sí misma. Grande fue el más hábil el álbum de su carrera y que considera va aún más lejos de la verdad , arenosa, whisky voz de Macy, siguiendo en vez de conducir. En otras palabras, la venta hacia fuera.
  • "Creo que después del Big fracasó tal vez debería hacer lo que todos los demás estaban haciendo", dice. "Vayan y contratar a los mejores productores, los mejores escritores, ser realistas flaco. Pero ninguna de esas personas que me volvió a llamar. "
  • Para Gray, que fue un golpe al ego hematomas que le dejó desconcertado e irritado a las relaciones que resultó ser el clima más justo que siempre. "Yo estaba aterrorizada, no sabía qué hacer", dice. "Usted tiene toda esta gente que le dice cómo la droga se encuentra y luego simplemente desaparecen."
  • Castigado, Gray volvió a su zona de confort, trabajando en el estudio con un selecto grupo de amigos y músicos. El propietario de un estudio en Tarzana le dio un trato muy barata en el espacio y durante los meses que pasó en ella y la empujó a venir para arriba con nuevo material. Como las nuevas canciones tomaron forma, ese sentimiento de rechazo dio lugar a una firme determinación a sí misma a establecerse como uno de los cantantes dominante de la música. "Cuando yo estaba por mi cuenta, yo estaba haciendo las canciones que me gustaban", dice. "Fue mi propio dinero, no tenía que ir a jugar para alguien. Yo no era empleado de alguien. "
  • El esfuerzo resultante - acertadamente titulado The Sellout (Concord Records) - es una vuelta a la forma de gris, tal vez su mejor álbum hasta la fecha, pero que impulsa su sonido hacia adelante en vez de mirar con nostalgia hacia el pasado. Claro, hay clásico-pop-soul Macy estilos en canciones como "Últimamente", pero que se ramifica en temas como la épica rock de estadio-Stomper ", lo besó" (con un solo de guitarra de Slash ampollas amigo de mucho tiempo) o el Príncipe como slow jam funk "Stalker", que no estaría fuera de lugar en Sign O 'The Times'.
  • Según Gray, muchas de las canciones que comenzó con un cuatro-en-el-suelo de golpe de la danza, pero entonces, "comenzó todo el mundo lo hace y lo que necesitaba para permanecer fiel a lo que soy." Que aparece en el primer single del álbum , la brisa "belleza en el mundo", que comenzó como una pista de la casa de David Guetta estilo, pero lo cambió después de gris se convirtió en más de una paz alegre y amor sing-a-tiempo. "Te bombardean con la opinión y las expectativas y lo que otras personas quieren y te olvidas de lo que hace bien", dice. "Esa canción es lo que hago bien".
  • Gray también claramente ups su juego en el departamento de letras, completar el retrato de sí misma como artista. Muchas de sus canciones tienen su ingenio marca (ver las bromas calientes entre ella y el invitado Bobby Brown en el vapor "Real Love"), pero otros son más dolorosa, ya sea la profundidad confesional "On and On" o la modifica making of " todavía me duele. "" estaba deprimido ", admite. "Yo había pasado por dos o tres relaciones en ese momento así que mi vida amorosa no iba bien. El año pasado fue un tiempo real desanimado ".
  • Pero dejar a sus tres hijos adolescentes para poner las cosas en perspectiva. "Belleza" fue inspirado por su hija que un día escuchó a Macy a reír histéricamente en la habitación de al lado. "Yo estaba teniendo un día realmente malo, y oí a mi hija acaba de grietas en la habitación de al lado", recuerda. Tiene esa risa muy grande y yo ni siquiera sabía lo que ella se reía. Pensé 'por lo menos ella es feliz. "Y yo me sentía por lo menos yo no había dejado allí, porque mi hija está feliz."
  • A pesar del rechazo, la incertidumbre y la angustia, el Sellout es un triunfo total y el éxito. Es un testamento para resolver Gray y chuletas de composición que el material se siente tan honesto y auténtico, pero sin esfuerzo, sin embargo, mueve a la perfección de una pista a otra. No hay nada forzado, nada de lo que se siente fuera de lugar. Oportunamente, el disco termina con la pista de himno, "The Comeback", una declaración colofón de lo alcanzado y la esperanza de mejores cosas por venir:
  • "Hey gran mundo soy yo otra vez / yo voy camino de regreso a ser grande otra vez."
  • "Me sirvió mi corazón", dice. "Yo no tenía la intención de tener un tema, pero cuando los pongo todos juntos era una foto de mi vida en ese momento. Me estoy muriendo para que la gente le gusta. "
  • Es el regreso. Y la traición. Y demuestra que Gray no tiene ninguna intención de desaparecer

Alison Krauss

  • Triunfo más reciente de Alison Krauss ", el disco de platino-Raising Sand, su colaboración con el 2007, Robert Plant y el productor T Bone Burnett, anotó un total de seis premios Grammy ®, incluyendo Álbum del Año y Canción del Año, con lo que su insuperable un total de 26. Que hoy en día fascinante obra maestra prepara el escenario para otra maravilla: Avión de papel, el primer álbum de la artista de todos los nuevos registros en colaboración con la Estación de banda de la Unión muy hábil y reconocido desde 2004 corre solitario en ambos sentidos.
  • Los jugadores de Douglas, Jerry (Dobro, lap steel, voces), Dan Tyminski (guitarra, mandolina, voz principal), Ron Block (banjo, guitarra) y balas de Barry (bajo y voz), con Krauss en la voz principal y el violín son cinco personalidades distintas que se unen para formar algo verdaderamente único como una banda. Cada compañero tiene su propia carrera animada, pero cuando estos músicos se unen singular, que son una unidad hermética dedicado al proceso de hacer música juntos. De hecho, su relación es tan estrecha y profunda que hemos llegado a pensar el uno del otro como una familia. 
  • Producido por Krauss y Union Station, con el estudio de la leyenda Mike Shipley la ingeniería y la mezcla, Avión de papel contiene 11 canciones de la intensidad y la belleza austera, elegido con el buen gusto y la intuición infalible que han caracterizado a todo su cuerpo de trabajo, entregadas por esta organización de clase unidad con una inmediatez que va más allá de mero virtuosismo. 
  • A lo largo de su extraordinaria carrera, que abarca un cuarto de siglo, a pesar de que sólo 39, Krauss se ha mantenido a tierra y real. Profunda introspección como artista, ella es proporcionalmente saliente y espontánea en la conversación-a ambos lados de su carácter que acrediten una humanidad que abarca la vida. En su obra, Krauss ha logrado localizar constantemente el caldo de cultivo en común entre las formas tradicionales y temas de actualidad. El avión de papel, ella y la banda de alguna manera para sondear las profundidades de la psique propia Krauss "a la vez que captura el espíritu de la época, por lo que este retrato de la artista funciona como un retrato de América como un todo en un momento crucial de su historia.
  • El proceso que condujo a Paper Airplane tenía su propio conjunto particular de circunstancias, en un momento dado llevar las sesiones a un punto muerto cuando, por tan sólo segunda vez en su vida, Krauss fue golpeado por un ataque de migraña. "Ha habido registros que fueron difíciles de hacer, pero éste tomó la torta", dice con una risa triste. "En un momento, Dan dijo:" Yo realmente no sé qué hacer a menos que esté saltando arriba y abajo porque te gusta algo o lo odias. "Puedo hacer juicios basados ??en cómo algo me hace sentir, y porque no fue bien físicamente, todo lo que era una especie de gris y no sonaba bien. Así que después de que grabamos un montón de cosas, se tomó un largo descanso, ya que simplemente no estaba funcionando ".
  • Para la pieza fundamental que falta, Krauss se volvió hacia ella desde hace mucho tiempo de salida al chico, el compositor Robert Lee Castleman. Cuando ella lo llamó, Castleman se lamentó de que él estaba en un período de sequía y sintiendo sin inspiración, pero él le pidió que viniera y se sentara con él y decirle lo que estaba pasando en su vida. Cuando Krauss entró por la puerta, él le dijo que tenía una melodía. "¿Qué vas a hacer ahora?" Le preguntó ella. "Espera", respondió. "Probablemente estará aquí antes de la medianoche". Krauss permaneció el tiempo suficiente para hacer sándwiches de queso asado y decirle lo que pasaba por su mente. Unas horas más tarde, llamó Castleman. "Lo tengo", dijo. "¿Cómo se llama?", Preguntó. "'Aviones de Papel'", respondió.
     
    "Todo lo que hice fue alentar a él y compartir lo que estaba pasando dentro de mí", recuerda Krauss de esa tarde memorable. "Pero yo no puedo tomar el crédito por su don. Yo no tenía la mano en su redacción-que era Robert. "
     
    Castleman en el blanco del ojo, lo demuestra el hecho que "Aviones de Papel" sirve como canción del título del nuevo álbum, así como su canción de apertura. ¿Qué significa esta canción expresa de nuevo cuño que fue tan bien en términos de lo que quería decir?
     
    "Representa un juicio-como un tiempo de prueba que tiene un final", explica. "Y eso es lo que todo era para mí en este disco, incluyendo la melodía Dustbowl [el Tyminski-sung" Los niños Dustbowl ", escrito por Peter Rowan]. Todo se trata de un lapso de tiempo que es un juicio. No se recuperó de que como tema, nos dimos cuenta de lo que el tema fue después. Yo estaba siguiendo lo que era atractiva, pero no era consciente de qué era lo que estaba hablando a mí. No tengo ninguna idea preconcebida, no sé hasta que me doy cuenta. "
     
    Persuasión amistosa similares por parte de Krauss dio la canción de cuna grande "despierto" de su hermano Víctor y letrista Ángel de nieve. Asimismo, instó a su amigo y viejo musical colega Sidney Cox, de la familia de Louisiana Cox, para completar la saga marinera que estaba trabajando, "Bonita y Bill Butler," sobre la travesía de sus antepasados ??a América, que la cautivó, incluso en su inconclusa del Estado. Ella sólo sabía que sería un ajuste natural con Tyminski muscular, la voz evocadora.
  • "Nadie puede tocar a Dan cuando él está en su elemento," raves Krauss. "Siempre bromea:" Yo soy un soldado enojado, o que soy un agricultor enojado. "Yo estaba secuestrada para arriba en esta canción de Sidney, y gracias a Dios, Dan le gustaba. Es bella escritura, y entregado Dan. Me ha gustado su forma de cantar para siempre, pero se fue a un lugar completamente distinto en este disco. "
  • También seleccionó un par de clásicos de Jackson Browne, "My Opening Farewell" (de su álbum homónimo de debut, 1972), que había aprendido de la versión de la cubierta de Michael Johnson, y Richard Thompson "Atenuación del día" (originalmente cantada por su entonces esposa Linda en 1975 LP de la pareja Pour Down Como la plata).
     
    "La primera vez que había oído" Regulación de la Jornada "cuando T Bone Burnett se jugó por mí hace tres años, a medida que fueron pasando por material para Raising Sand, y yo le dije, 'Oh, yo no puedo hacer that'-I No podía ir allí en ese momento. Pero cuando se estaban reuniendo canciones de este disco, me sentí como que podía. Lo gracioso es que yo había estado pensando en ello, y Robert Castleman me llamó para decirme que tenía la canción más perfecta para mí, era "Regulación de la Jornada." Y entonces, Jerry [Douglas] siguió hablando de este hermoso canción que había oído decir que nos gustaría, pero no podía recordar el nombre de ella. Cuando la banda y yo nos sentamos juntos y escuchamos "Regulación de la Jornada ', Jerry dice:' Esa es la canción! 'Pensamos que encaja con el resto de las cosas como estaban en este disco. "¿Tiene alguna.
     
    "El día que cortar la canción en el estudio, y cruzar la línea," Cuando toda mi voluntad se ha ido usted me sostiene dominio, "me caí aparte y tuve que parar. Yo dije, 'Es tan triste. "Y todo el mundo era tan dulce, pensé que iban a reír y me rasgar aparte. Había un gran silencio, mucho tiempo, y Barry dice: "Bueno, eso es lo que obtienes por havin 'a una chica en la banda."
     
    Al final, el avión fabricación de papel fue una experiencia reveladora para la banda. "Sea cual sea la fórmula que pensaba que no existe", reconoce Krauss. "Desapareció, especialmente en esta última jornada. No se puede confiar en su método, no se puede confiar en un método. La única cosa que puedes hacer es grabar las cosas que se mueven se-que tienen una relación con usted y representarse a sí mismo con sinceridad. Las cosas tienen que ser verdad que yo canto o no puedo hacerlo. Si las escribo o no, tienen que ser verdad para que lo diga, y para los chicos a jugar. La única receta es si se siente real y verdadera puede ser muy triste. Pero esa es la parte que se siente bien, porque es la verdad. No puede ser cierto para cualquier otra persona, pero es para nosotros. Esa es la receta. "
     
     "Siento que este es el mejor ambiente para mí", dice de trabajar en el contexto de la banda. Prueba de esa simple declaración, sino diciendo resuena en cada nota de este álbum musical exquisito, cargado de emociones y, sobre todo, absolutamente veraz.
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  • Ron Block ha contribuido banjo, la guitarra y la voz de Alison Krauss y Union Station a partir de 1991. También ha escrito 10 canciones akus, entre ellos "En la palma de tu mano" y "una oración viviente", que recibió un 2006 de Música Gospel premio Dove para la Canción Bluegrass Asociación del Año. Ron canciones han sido grabadas por artistas como Randy Travis, Vicente Rhonda y Michael W. Smith. Ron también ha grabado con Dolly Parton, Brad Paisley, Josh Turner y otros artistas a lo largo de su carrera musical.
  • Jerry Douglas es un jugador de renombre mundial Dobro, y ha tocado con Alison Krauss y Union Station a partir de 1998. Su técnica y su musicalidad trascendente apasionado le ha ayudado neta doce premios Grammy, tres premios CMA y numerosos Internacional de Música Bluegrass en el certamen incluyendo múltiples Dobro Jugador del Año gana. Jerry ha trabajado con todos, desde Phish a Paul Simon a Elvis Costello. Jerry también produjo 1990 Alison Krauss álbum, He Got That Old Feeling.
  • Las balas Barry ha tocado el bajo y contribuyó con su voz la armonía de Alison Krauss y Union Station a partir de 1990. Ha recibido 13 premios Grammy, un premio de la Asociación de Música Country, un Premio de la Academia de Música Country, y 11 Internacional de Música Bluegrass en el certamen, incluyendo Bajista del Año para 2008. Entre otros, Barry ha grabado y actuado con artistas como Merle Haggard, Vince Gill y The Chieftains.
  • Dan Tyminski ha jugado la guitarra y la mandolina de Alison Krauss y Union Station a partir de 1994. Desde entonces, su habilidad instrumental y sólido pulido, canto soul tenor han sido los componentes clave de akus. Tyminski ha sido nombrado "Vocalista Masculino del Año" por la Asociación Internacional de Música Bluegrass en cuatro ocasiones. Dan también es conocido por proporcionar la voz cantada por George Clooney en la película de los Hermanos Cohen, Oh Brother, Where Art Thou? Su interpretación del clásico de los Hermanos de Stanley, I Am A Man of Constant Sorrow sigue resonando con el público en todas partes

17 ago 2011

Anastacia


 
  • Anastacia ha vuelto. Y puesto que ella nunca ha sido una mujer a hacer las cosas a medias, cuando habla de un nuevo comienzo, usted puede estar seguro de que va todo el camino. Nueva imagen, nuevo sonido, nuevo sello, una nueva gestión, recién casados ​​- pero la misma potencia de una voz que ya ha vendido más de 17 millones de discos en Europa y sólo en Australia.
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  • "Si no lo tiene un poco de miedo de él, es probablemente demasiado fuerte para mí", sonríe la pequeña dama con la gran voz. "Si me da mariposas, entonces es mi tipo de cosas." Y ahora mismo, esas mariposas revoloteando son las horas extras. "Estoy muy contento. Es bueno saber que todavía tiene la oportunidad de hacer lo que quieras hacer. Si quieres vivir tu vida, ¡hazlo!"
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  • El Anastacia que vemos hoy en día es radicalmente diferente de la que última gira en 2005. El pelo es más suave, corto, más natural. Los vidrios polarizados marca ya no son necesarios, ya que es un tratamiento con láser y se puede ver bien sin ellos. "Me encanta el hecho de que la gente no me reconoce ahora mismo. Hasta que empezamos a cantar, no va a saber quién soy yo cuando salgo al escenario, la mitad del tiempo! Ha sido divertido poner todo junto , y comienza a redescubrir lo que soy. Es emocionante sentir que estoy empezando de nuevo. "
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  • Anastacia Lyn Newkirk nació en Chicago en September1968 pero se mudó a Nueva York en su adolescencia con su madre, hermana y hermano después del matrimonio de sus padres terminó. Ser diagnosticado con la enfermedad de Crohn no se detuvo a su cuenta de la ambición de ser una bailarina, y pronto fue un habitual en Club MTV y apareciendo en videos con los raperos Salt-n-Pepa. Después de exhibir una voz gutural y soul en el talento de MTV La Corte en 1999, firmó con Epic Records y lanzó su álbum debut 'Not That Kind ", un año después. El primer single "Soy Outta Love" la estableció como una gran estrella en Europa, Asia y Australia, y Freak su siguiente álbum 'De la naturaleza de la entrega de alto octanaje misma mezcla de ritmos de baile golpes, ganchos pop masivo y apasionado interpretaciones vocales, mientras que muestra su creciente madurez como escritor.
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  • Pero entonces, en 2003, todo cambió. El bulto en su pecho se presentó mientras se preparaba para una operación de reducción. En enero se le dio un diagnóstico final de cáncer, y la historia se filtró a los medios de comunicación antes de que ella había tenido tiempo de decirle a sus amigos, dándole otra opción que hacer público en su enfermedad. En el momento en que fue traumática, dice ella, pero resultó todo lo mejor.
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  • Respondió bien al tratamiento con radiación y se le dio el visto bueno en junio de 2003. Seguir siendo libres de cáncer, ha ofrecido un ejemplo público de las ventajas de la detección temprana, y desde su enfermedad, que ha recaudado sumas de dinero seria para alentar a este a través de su Fondo de Anastacia. "Me siento muy bien ahora", confirma. "Me siento muy afortunado de que me dieron la oportunidad de caminar por el ojo de algo tan terrible. Aunque en los puntos que se arrastraba!"
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  • En retrospectiva, su enfermedad explica por qué se fue para un sonido rockero de su tercer álbum 'Anastacia' en 2004. "Sentí que tenía que luchar. Así que elegí la guitarra y los instrumentos con la actitud, ya que me estaba riendo de nuevo en la vista, espiritualmente."
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  • Hubo un momento en el que pensaba que el poder y el alcance de su voz se pueda ver afectado por el tratamiento, pero a medida que las canciones en el show de 'Heavy Rotation', que ahora tiene su energía de vuelta en su totalidad, y esa voz impresionante en plena potencia. "Mi voz se siente muy bien ahora", confirma. "Pero la música se siente diferente a la de Anastacia del álbum. Este disco es más soul. Me siento más en contacto con mi interior, mi alma interior. Me siento como que he salido de la otra parte de todo esto ahora, y encontró la verdadera paz. Me he dado cuenta de que la vida no tiene que ser controlado por mí, en todos los sentidos. Y ha sido divertido, dejar ir, darme cuenta de que no tiene que ser tan perfeccionista ".
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  • Irónicamente, ella es también un mayor control de su carrera de lo que jamás ha sido, con un nuevo equipo directivo, un nuevo sello, y las oportunidades para recoger a mano a la gente que quiere trabajar de cerca con. Las cosas están cambiando rápidamente en la industria de la música, señala, y tuvo que mirar mientras su compañía discográfica se fusionó con otra, mientras que la gente le gustaba y de confianza perdieron sus empleos. Cuando David Massey, el hombre que la había firmado con Sony, se mudó a unirse a Universal como jefe de Mercury Records en Nueva York, ella sentía que era hora de pasar también, y negoció un movimiento para el sello Universal de propiedad donde podrían permanecer bajo su protección. "Me siento muy afortunado de tener una constante de A & R persona a lo largo de mi carrera", dice ella, pero la suerte no muy entrado en él: cuando Anastacia quiere algo, va a por ello.
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  • No fue sino hasta abril de 2008, cuando se firmó oficialmente su nuevo acuerdo que comenzó a escribir el nuevo álbum. "Ha sido un álbum tan rápido que no tenía ni idea de lo que iba a sonar, lo que me iba a decir. Supuse que sería un par de canciones de amor, pero no me di cuenta que la mayoría del álbum fue va a ser tan feliz como es. Incluso las canciones que no me escribe, que he elegido, son todos positivos. No 'Left Outside Alone "y" Estoy Out Of Love ", pero canciones como' Me siento puede usted "y" Heavy Rotation ".
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  • Como siempre, Anastacia ha trabajado con un equipo de la lista A para los campos de R & B y pop. La pista del título del álbum se fue escrita por ganador del premio Grammy compositor Rodney Jerkins, y el viejo Robbie Williams escrito Guy Chambers pareja trabajó con Anastacia en varias pistas. Artista de Def Jam y talentoso escritor y productor Ne-Yo contribuyó con dos canciones ('I Can Feel usted ", que él co-escribió con Chuck Harmony, y" Never Gonna Love Again ", que él mismo produjo). También trabajó con los productores Lester Méndez (Shakira, Nelly Furtado, Dido), JR Rotem (Rihanna, Lil Kim, Leona Lewis) y los pesos pesados ​​(Missy Elliot, The Pussycat Dolls).
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  • "Llamé a 'Heavy Rotation' del álbum porque es una frase que los DJs les gusta usar mucho", explica Anstacia. "Y también para mí el significado es, la vida puede ser pesada, pero todo se da vuelta y entra en otra cosa. Parecía ser el título perfecto para donde estoy en mi vida."
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  • Uno de los mayores cambios en su vida ha sido su matrimonio el año pasado. Cuando Wayne Newton caminó por primera vez en su vida, fue en un salón de British Airways en Heathrow. Él era su nuevo guardaespaldas, no a su acompañante a Alemania, donde iba a reunirse con su novio. Cuando se dieron la mano y le dijo hola, sonríe: "Yo no sabía que yo estaba mirando a los ojos de mi futuro marido. ¿Estás bromeando? No tenía ni idea!"
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  • "Estamos muy bien los compañeros", sonríe. "Estamos muy parecidos y tenemos una gran cantidad de similitudes que nos acercan como los mejores amigos, así como marido y mujer.
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  • "Yo diría que este álbum es una pieza suave de mí, un lado más suave, incluso un lado más femenino. He venido a abrazar mi sensualidad de mujer, en fin. Me gusta el vino. Ha llevado mucho tiempo, pero mi reserva es muy popular ahora mismo estoy en el interior muy feliz, y creo que eso se refleja en la música. A veces, que viene con la edad, ya veces sólo con lo que has experimentado en tu vida. Así que los dos juntos son ¿por qué esto va a ser un registro muy emocionante para mí para promover. Es muy emocionante tener nuevas oportunidades para muchos, las nuevas oportunidades. Y yo estoy listo! estoy listo para hacer lo que sea..

16 ago 2011

Miriam Fernández

  • Para Mi está chica me recuerda amí , siempre luchando por superarme dia dia ...Espero que
  • les guste vale la pena
  • Miriam Fernández es una joven cantante con un gran talento que, tras varias apariciones en medios de comunicación, congresos y eventos de diferente naturaleza, se lanza profesionalmente al mundo de la música con San Pablo editando su primer disco: Bailando bajo la lluvia.
  • Se trata de un disco con canciones inéditas en su mayoría, que abordan una amplia gama de temáticas, siempre con una perspectiva optimista, llena de vitalidad y esperanza. Desde el canto a la maternidad (Fuerza de mujer) o a un padre ausente (Papá, campeón), hasta la transparencia (Tal como soy) o el desencanto amoroso (Ilusiones rotas), pasando por el maltrato (Gritos en silencio), el paro y la injusticia (Indiferente) o la alegría de vivir (Bailando bajo la lluvia). El disco incluye también algunos de sus temas
    más conocidos, como Canta por la vida o Un nuevo día.
  • Miriam saltó a la fama en 2008 cuando ganó la II edición del programa televisivo "Tú sí que vales" con una interpretación que cautivó a miles de espectadores. Las visitas a los videos que han inmortalizado dicho momento en Youtube han alcanzado cifras impresionantes.
  • Pero más allá de su impacto mediático, esta artista destaca por la naturalidad de sus composiciones y por la frescura de su voz. Y sobre todo, por su fi rme apuesta por la vida y la esperanza, lanzando al mundo un mensaje lleno de entusiasmo, valor y superación de los propios límites que, lejos de ser barreras, se convierten en motivos para salir adelante.

Gene Kelly

  • Gene Kelly nació en uno de los barrios de trabajadores de Pittsburgh (Pennsylvania), en el seno de una familia obrera. Su padre era vendedor de fonógrafos y su madre, Harriet, fue la encargada de hacer que Gene y sus hermanos se interesaran por el mundo de la danza. Fue ella quien propulsó la formación del grupo "The Five Kellys", compuesto por los cinco hermanos. Tras deshacerse el grupo, él y su hermano Fred continuaron bailando y preparando enérgicas coreografías bajo el nombre de "The Kelly Brothers".
  • Durante la depresión económica de 1929 que sacude los Estados Unidos y mientras acababa sus estudios universitarios (se licenció en Económicas en 1933), Kelly comenzó a trabajar en diversos oficios para ayudar a sacar adelante a su familia. Finalmente, y como negocio familiar, inauguran una primera academia de baile en Pittsburgh y después una segunda en Johnstown, en las que Kelly trabaja como codirector y profesor de baile. Cuando las academias empiezan a funcionar, él cree llegado el momento de viajar a Nueva York e intentar encontrar trabajo como coreógrafo
  • Carrera cinematográfica
    Gene Kelly en Heredarás el viento, 1960.Así, en sus comienzos y con la firme decisión de convertirse en una figura del baile, Gene viaja a Nueva York y en poco tiempo, consigue un gran éxito en Broadway protagonizando el musical "Pal Joey" (1940), en el que conoció al por entonces chico de coro Stanley Donen. Kelly reconoció en él importantes cualidades técnicas y le ofreció trabajar para él como ayudante.
  • Con esta obra llamó la atención del famoso productor David O. Selznick y del director de la MGM Louis B. Mayer. Selznick le ofrece un contrato para trabajar en Hollywood en donde se instala un año más tarde junto a su mujer Betsy Blair.
  • Desafortunadamente, Selznick no estaba interesado en producir musicales y pensó que Kelly podría convertirse en un gran actor dramático, dejando de lado su carrera de bailarín. Sin embargo, Gene no estaba muy entusiasmado con la idea, por lo que recibió con agrado una oferta de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para protagonizar junto a Judy Garland la encantadora "Por mí y por mi chica", dirigidos por el coreógrafo y director Bubsy Berkeley ("La calle 42"). La película en la que se ponía de manifiesto una química entre los dos protagonistas que mantendrían ya para siempre, recibió muy buenas críticas, e hizo que Gene se convirtiera en el centro de la atención de Hollywood.
  • Tras "Por mí y por mi chica", realizó una serie de películas con la MGM, y en 1944, protagoniza "Las modelos" (Cover Girl, de Charles Vidor) (producida por la Columbia y protagonizada también por Rita Hayworth). En esta película Kelly coreografía, con la ayuda de Stanley Donen, uno de los números de baile más revolucionarios de la historia del musical americano, el 'Alter Ego", un complejo duelo entre el personaje de Kelly y su conciencia que resulta ser un gran éxito y que convierte al actor en una enorme fuente de ingresos para la empresa.
  • Las cosas le iban bien hasta que Pearl Harbor fue bombardeada y Gene decide alistarse y luchar por su país. Aunque en un principio no se lo permitieron, entre 1944 y 1946 combatió en la Segunda Guerra Mundial.
  • A su vuelta del frente revitalizó su popularidad en películas como "Levando anclas" (1945, George Sidney) en su primer film mítico junto a Frank Sinatra, que incluye un célebre número musical junto al personaje de animación Jerry (de "Tom y Jerry"); "Ziegfield follies" de Vincente Minnelli, de nuevo con Judy Garland y coincidiendo también con Fred Astaire y Lucille Ball; "El pirata" (The Pirate 1948, de Vincente Minnelli, clásico del cine musical no estrenado en España hasta 1974, en el que compartía cartel con Judy Garland de nuevo) y "Los tres mosqueteros" (The three Musketeers, 1948 de la mano de George Sidney). En esta última, todo un éxito en su momento, estuvo acompañado por June Allyson, Lana Turner y Van Heflin. Cuando se estrenó "Un día en Nueva York" (On the town) Gene alcanza una fama que nunca antes había conocido. Éste fue su debut como director junto a Donen. La película la protagoniza junto a Frank Sinatra y Vera Ellen. Fue tal el éxito alcanzado, que la película ha marcado historia en el cine musical. Por primera vez una película musical es rodada en escenarios exteriores reales, convirtiéndose la ciudad en la verdadera protagonista del filme.El estudio se dio cuenta del potencial artístico y creativo de Kelly y decidió darle mayor libertad a la hora de poner en práctica sus ideas. Esa libertad fue la que hizo posible que se realizaran los dos musicales más recordados de todos los tiempos.
  • "Un americano en París" (An american in Paris, 1951 de Vincente Minnelli) fue la película que elevó a Kelly al rango de superestrella. Fue uno de los mayores éxitos del año, llegando a conseguir seis Premios Óscar de la Academia, entre los que destacan el de "Mejor película", y uno honorífico por la versatilidad de Gene como actor, cantante, bailarín, director, coreógrafo y, más concretamente, por su aportación al género del musical.
  • Al año siguiente, en 1952, Kelly volvió a hacer historia dirigiendo, coreografiando y protagonizando "Cantando bajo la lluvia" (Singin' in the rain), al lado de Donald O'Connor y Debbie Reynolds. Aunque en la actualidad está considerada como el mejor musical de todos los tiempos y una de las mejores películas de la historia, en aquellos años se vio eclipsada por el éxito de su predecesora. En 1954 continuó su fructífera colaboración con Vincente Minnelli en un film no muy apreciado en su día pero que se ha ido revalorizando con el tiempo, "Brigadoon". "It's always fair weather" (1955), especie de continuación en un tono de melodrama nostálgico y amargo de la citada Un día en Nueva York, también resultó ser muy alabada por la prensa y por el público. En 1956 rodó en Inglaterra uno de sus proyectos personales más ambiciosos: "Invitación a la danza".
  • Tras esta gran oleada de éxitos, la carrera de Kelly empezó a declinar y a perder el esplendor conseguido. Apartado ya del musical, en 1960 realizó una de sus mejores interpretaciones en medio de un impresionante duelo interpretativo entre los legendarios Spencer Tracy y Fredric March en el film "La herencia del viento" de Stanley Kramer (uno de los grandes interrogantes sobre la carrera de Kelly es hasta donde hubiera llegado como actor dramático de no haber tenido como prioridad el mundo de la danza). Tanto su vida profesional como la personal se encontraban en un momento muy difícil. En 1957 su matrimonio de quince años con Betsy Blair ("Marty", "Calle Mayor") había terminado debido a la necesidad de crecimiento personal de Betsy. En 1960 Kelly se casó con Jeanne Coyne, quien desde hacía muchos años había sido su asistente y ayudante coreográfica y que años atrás había mantenido un breve matrimonio con su amigo Stanley Donen. De esta relación nacerían dos hijos, Tim y Bridget. (Tenía ya una hija de su primer matrimonio, Kerry).
  • En 1967,Gene Kelly participó en la clásica producción animada "Jack y las habichuelas mágicas". Esta maravillosa realización, mezcla de animaciones y personajes reales, cuenta las aventuras de Jeremy (Gene Kelly) junto a Jack (Bobby Rhia), quienes suben por el tronco de una habichuela gigante hasta el palacio de un ogro. La dulce Serena está cautiva allí y Jeremy deberá rescatarla.
  • Después de unos años de aparente olvido, recuperó la fama al dirigir a Barbra Streisand y Louis Armstrong en "Hello, Dolly!" (1969), así como a James Stewart y Henry Fonda en "El club Social de Cheyenne" (The Cheyenne Social Club, 1970). Sin embargo, cuando Gene estaba empezando a conseguir mejores películas y mejores papeles, sufrió un duro golpe en su vida personal al diagnosticársele a su mujer leucemia, enfermedad de la que fallecería en 1973. Viudo y con dos hijos pequeños, decidió dedicarse a ellos y, a partir de ese momento, rechazó todos aquellos proyectos que pudieran tenerle lejos de Los Ángeles (California) durante un largo período. "Erase una vez Hollywood" (1974), "Hollywood, Hollywood" (1976), y "That's Entertainment III" (1994), la tercera de estas exitosísimas películas antológicas sobre el cine musical y la comedia de los años dorados del cine norteamericano, fueron seguramente sus últimos films reseñables.
  • Durante la siguiente década, Gene realizó algunas intervenciones en televisión aceptando ocasionalmente algún trabajo como director. En 1980, realizó su última aparición en un musical pero, desafortunadamente "Xanadu" resultó todo un fracaso, aunque eso no impidió que la banda sonora, en la que él interpretaba y bailaba "Whenever you're away from me" a dúo con Olivia Newton-John, fuera un gran éxito de ventas. Xanadu fue la última aparición cinematográfica de Gene Kelly como actor. En 1985, recibió, entre otros muchos premios, el del "American Film Institute" en homenaje a toda su carrera profesional.
  • Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996 por complicaciones de dos apoplejías sufridas en julio de 1994 y en febrero de 1995.
  • Su nombre está escrito con letras de oro junto a los de Fred Astaire, Judy Garland, Stanley Donen o Vincente Minnelli, dentro de los anales de la historia del cine musical. Su enorme personalidad, la inteligencia de sus coreografías, la agilidad y el entusiasmo con que dotó a sus personajes y el endiablado ritmo de algunos de sus bailes le catapultaron a la fama dentro del período más dorado del género. Maravilloso bailarín y coreógrafo, magnífico actor y director y un encantador vocalista, la contribución de Kelly al musical es de una importancia incalculable y su obra ha ido creciendo a los ojos de las nuevas generaciones..


15 ago 2011

Jeff Scott Soto

  • Jeff Scott Soto es un cantante de hard rock estadounidense
    Aunque de ascendencia puertoriqueña, Jeff Scott Soto nació en Brooklyn, Nueva York, el 4 de noviembre de 1965.
  • A principios de los años '80 comenzó su andadura musical participando en varias bandas a nivel underground, y en 1984 dio el paso definitivo de su carrera entrando como cantante en el primer disco en solitario del guitarrista sueco Yngwie Malmsteen; aunque sólo grabó dos temas, pues el resto era instrumental. En 1985 grabó un segundo disco, Marching Out, enteramente cantado, y después de una gira abandonó el proyecto (más tarde volvería a colaborar con Yngwie Malmsteen en un gira y cantando algunas versiones para el disco Inspiration).
  • A partir de este momento y hasta la actualidad, la carrera de Jeff Scott Soto ha estado marcada por su continúo peregrinaje musical, tanto en multitud de bandas como de músico de sesión. De entre todos los proyectos en los que ha estado, cabe destacar Axel Rudi Pell, con quien trabajó cinco años como vocalista, Talismán, uno de sus proyectos más personales que comenzó en 1990 y que después de diferentes altibajos anunció su separación en 2007, y su propia carrera en solitario, con la que ha editado tres discos en estudio y dos en directo (uno de ellos, en la Queen International Fan Club Conventione, interpretando un concierto entero de temas de Queen, una de sus grandes influencias).
  • Colaboró en la película "Rock Star" poniendo la voz del actor principal emulando al grupo ficticio Steel Dragon. Su maestría a las cuerdas vocales se podría ver reflejada en la canción "Stand Up And Shout".
  • En 2005 grabó World Play, primer y único álbum del proyecto Soul Sirkus, junto a Marco Mendoza, Virgil Donati y Neal Schon, guitarrista de Journey, una de las bandas favoritas de Jeff Scott Soto y con quienes estuvo girando durante 2007 como sustituto de Steve Augeri, siendo despedido en junio de la banda.
  • A partir del momento de su inesperada salida de Journey, Jeff se centró en seguir con su carrera en solitario, editando en el año 2008 una nueva grabación bajo el nombre de Beautiful Mess, posteriormente realizaría coros en el nuevo disco de la agrupación norteamericana de hard rock Dokken y realizaría una gira por territorio americano con la Trans-Siberian Orchestra.
  • En el 2009, Jeff ha estado trabajando conjuntamente con Marcel Jacob en un nuevo proyecto llamado WET, patrocinado por el sello discográfico italiano Frontiers Records con miembros de dos bandas suecas Work Of Art y Eclispe. Adicionalmente está grabando material que formaría parte de un nuevo disco con Talisman.
  • Actualmente, Jeff Scott Soto es considerado como uno de los mejores y más respetados cantantes del panorama del rock duro y heavy metal.

14 ago 2011

Susana Seivane

  • Nacida en Barcelona en el año 1976, Susana es la heredera de una de las familias con más prestigio dentro del mundo de los gaiteros y artesanos de gaitas en Galicia, la familia Seivane. Comenzó su andadura musical al cumplir tres años de edad. De la mano de su padre Álvaro Seivane, e influenciada por maestros gaiteros como su abuelo, Xosé Manuel Seivane, Ricardo Portela y Moxenas, ha conseguido el respeto y admiración del mundo de la gaita y de la música tradicional en Galicia. Ese estilo genuino está hoy presente en la forma de tocar de Susana, una mujer que sintetiza el estilo "enxebre" de viejos gaiteros. Combina este valioso legado con influencia de otras músicas; para ello se rodea de un elenco de jóvenes músicos que aportan gran frescura y originalidad a su espectáculo.
  • En 1999 edita su primer disco "Susana Seivane" (BOA MUSIC), producido por Rodrigo Romaní, uno de los miembros fundadores de Milladoiro. Éste trabajo basado en temas tradicionales y composiciones de artistas gallegos, le lleva por los mejores escenarios de Folk Nacional e Internacional, logrando grandes éxitos y elogiosas críticas. Su primer disco se edita en Europa, Estados Unidos y Canadá.
  • Con su segundo trabajo "Alma de Buxo" (BOA MUSIC Ed. 2001) producido por ella misma, bajo el asesoramiento artístico de Rodrigo Romaní, se consolida como artista gallega de referencia en el panorama Folk. En éste colaboran artistas de la talla de Uxia Senlle, Kepa Junquera o Rodrigo Romaní entre otros. Merece especial mención la colaboración de su abuelo Xosé Seivane. Como novedad, en éste trabajo introduce instrumentos como batería o bajo eléctrico y enriquece el disco con composiciones propias.
  • En este mismo año resultó una de las cinco finalistas de los Indie Awards 2001, los prestigiosos premios que cada año otorga la Asociación de Música Independiente de E.E.U.U. (AFIM), en la categoría de mejor artista de Músicas Contemporáneas del Mundo.
  • En 2003, Susana ha participado en la grabación del album del Bagad Kemper (banda de gaitas de reconocido prestigio en Bretaña-Francia), Sud-Ar Su, colaborando igualmente en los directos de esta banda.
  • En 2004 publica su tercer trabajo "Mares de Tempo" (BOA MUSIC), en el cual, sin abandonar la tradición y las raíces de la música gallega, ha querido introducir un nuevo instrumento: su voz. Este tercer trabajo, lleno de colaboraciones de excelentes y reconocidos músicos de Galicia, se acompaña de un DVD que permite contemplar a Susana Seivane en los mejores momentos de su trayectoria, tanto en el escenario como fuera de este.
  • Mares de Tempo es un título extraído de la obra del poeta gallego Celso Emilio Ferreiro: Longa noite de pedra. Se trata de una reflexión sobre el tiempo que pasa y la pérdida de este en cosas banales.

davide salvado

  • Un Requeseiro de la montaña de Asturias, dijo que su voz era "árnica puro" y Davide Salvado gustó la comparación con una hierba medicinal para curar ejerce contra los golpes, torceduras y algunos problemas respiratorios. Y, como una delicada planta que se encuentra en peligro de extinción debido a la contaminación en muchas áreas de Europa y tan tóxico que en dosis altas puede ser letal, el cantante decidió llamar a la Arnica Marin pura su álbum de debut, ayer presentó ante el transeúnte en el barrio del Calvario de Vigo.
  • Voz y percusión junto a José Manuel Budiño y miembro de la Banda Infantil, un grupo de miembros de grupo ecléctico que mezcla sonidos electrónicos y artista tradicional y el actor, para superar una década en el escenario, el Salvado llegó el momento de entregar su proyecto más íntimo. Por lo que se puede contar con el músico Eliseo Parra VALLISOLETANAS a los acuerdos, cuya sensibilidad a favor de los ritmos tradicionales se identifican, Salvado escolmou 11 de sus canciones favoritas en gallego, portugués y español, además de un poema de Lucía Aldao y grabado con cadenas , percusión y voz.
  • "Mi gusto personal me llevara a la edad, la herencia, las raíces de la música, el nexo común de todos los sonidos que me gustan, de los cantos populares gallegos, con otra opción que mi intimidad sin pretensiones", explica la cantante, formado en la esquina y la danza tradicional "escuela de la vida" con un familiar en el Centro Galego de Música Popular, aCentral Folque.
    Aparte de ayer fueron sorprendidos en la calle para encontrar un vocalista con un estilo inesperado para un intérprete de boleros, el público de su ciudad natal y más Coruña han tenido la oportunidad de disfrutar de su vida. "Me encanta todo sobre ellos, como los ancianos, que la mina se verá más sorprendente, y terminan haciendo comentarios muy positivos."
  • Arnica es otra vida pura. "Los arreglos son diferentes y creo que la puesta en escena con toda la intención de que cada show es diferente y no aparece el disco". El 18 de junio estará en La Sala de Vigo MORENETE enero Pampín con el acordeonista y el saxofonista Pablo Dalaman.

John Michael Montgomery

  • John Michael Montgomery se ha vuelto una extraña habilidad para relacionarse con los fans en una de las carreras con más historia de la música country. Detrás de la cadena de éxitos, la sala llena de premios y los elogios de la crítica y fans que han definido su fenomenal éxito se encuentra una conexión que va más allá de su innegable talento y su habilidad comprobada para recoger éxitos. Desde los días en "La vida es un baile" lo convirtió en un artista desconocido en una estrella nacional, barítono Juan Miguel ha llevado a que lo más importante de los activos - la credibilidad. Pocos artistas de cualquier género cantan con más corazón que este artista nacido en Kentucky guapo.
  • Es evidente en canciones de amor que han ayudado a establecer el estándar para toda una generación. Canciones como "Juro", "I Love The Way You Love Me" y "Puedo amar de esa manera", todavía resuenan en el paisaje - icono del pop y el país debutante Jessica Simpson citó a "I Love The Way You Love Me", como una influencia en una entrevista reciente. Es evidente en el 2004 golpeó "Cartas desde el Hogar", uno de los tributos más conmovedores de la conexión entre los soldados y sus familias jamás registrada, y en "The Little Girl", una historia de redención que sondea tanto el terrible y dignificar a los . Es evidente incluso en la pura diversión que siempre ha encontrado su camino en el repertorio de John Michael - canciones como "Be My Baby Tonight" y "vendidos (El Incidente Condado de Grundy subasta)", donde la seriedad voz de John Michael toma fantasía musical a otro nivel.
  • John Michael orígenes se encuentran en los inicios falsamente modesto. Él nació en Danville, Kentucky, a los padres que imparte un amor para toda la vida de la música.
    "Cuando la mayoría de la gente tiene sillas y sofás en sus salones", se ríe John Michael, "teníamos amplificadores y kits de batería."
  • La banda de la familia juega los fines de semana en toda la zona, y de Juan Miguel y su hermano Eddie ansiosamente absorbido todo sobre él.
  • "Hasta cierto punto," dice, "mi papá siempre tenía una habilidad natural para dibujar los aficionados y entretener a la gente;. No me importa si estaba en el porche, la sala de estar, o sobre un escenario creo que la transición a mi hermano y yo ser capaz de hacer eso en el escenario. "
    John Michael se hizo cargo de las tareas voz líder después sus padres se divorciaron, y él realizó durante un tiempo en una banda llamada Los primeros tymz con Eddie y su amigo Troy Gentry. Nashville cazatalentos empezaron a escuchar y luego ver de John Michael realizar y por los principios de los 90 que tenía un contrato discográfico.
  • Los mayores éxitos, seguido de manera constante, con canciones como "Cuerda de la Luna", "Si tienes amor", "Tierra de Nadie", "Cowboy Love", "As Long As I Live", "Friends" y "Cómo fue a saber "establecer como uno de los actos de élite de la época. Recibió el premio CMA Horizonte y fue elegida la mejor nuevo vocalista de la ACM, lo que desencadenó una larga serie de premios que incluyen único de la CMA y Canción del Año, Artista Top Country de Billboard, y una nominación al Grammy. Gira pesada significaba que mantuvo el contacto cercano con los fans que había comenzado en los clubes de vuelta a casa.
  • "Llegas a conocer a sus fans y lo que les gusta más y más a través de los años", dice, "y que tipo de gravitar hacia uno al otro."
  • De hecho, siempre ha tenido una relación extraordinariamente estrecha con sus fans, y se han quedado con él en las buenas y malas.
  • Preguntó lo que él piensa le dio la ventaja en una carrera que requiere de millones, pero le da fama a unos pocos, hace una pausa, y luego piensa en regresar a la herencia de sus padres.
  • "Creo que era buenos genes y buena sangre", dice con una sonrisa. Pocos los que conocen la profundidad y amplitud de su legado histórico de crecimiento estaría en desacuerdo.

John Michael Talbot

  • Era principios de los setenta, la altura del amor-ins, los hippies y los albores de la era del disco en decadencia. Dieciocho años de edad, John Michael Talbot estaba llevando a cabo en los EE.UU. con el grupo de rock Mason Proffit. Su grupo fue uno de los precursores del rock nacional y había compartido el escenario con algunos de los principales actos del día, incluyendo The Byrds, Poco, Pink Floyd y The Grateful Dead.
  • En una noche particular, se estaban abriendo a la reina del rock mismo, Janis Joplin. Talbot la observaba tras bambalinas mientras derribado botellas de Southern Comfort como si fuera refresco vista pop.The se apoderó de él profundamente, y cuando el concierto terminó entró de nuevo en el escenario vacío. Mirando hacia el piso de la arena, se sorprendió al ver, la mentira antes que él un mar de botellas, latas de cerveza y llena de parafernalia de drogas en lo que él podía ver.
  • "De repente", recuerda, "la vida de estrella de rock parecía vacía y triste. No era en absoluto lo que yo quería que mi vida defender". Fue una experiencia profética para el joven que le hizo la pregunta de su vida entera al empezar a preguntar, "¿No hay algo más?"
  • Hasta ese momento se había codeado con las estrellas de rock que admirado y emulado. Compartió escenarios y vestuarios con ellos, lo que le dio una visión desde dentro de la escena del rock. Después de conocer a algunos de sus héroes y ver cómo realmente vivieron sus vidas, Talbot llegó a una conclusión ineludible. "Hubo algunos escenarios reales trágica se juega", dice, "y me hizo dejar de frío y pensar un poco en serio."
  • Esa manera de pensar llevó a una revelación después de las actuaciones en la Feria Popular Ozark Mountain en Eureka Springs, Arkansas en 1973. Fue un momento profundo que le llevó a reconsiderar su elección que había hecho. Como resultado, Talbot izquierda Mason Proffit y comenzó un viaje espiritual que fue en muchas direcciones diferentes antes de encontrar lo que estaba buscando.
  • Pasó casi cuatro años orando y buscando respuestas. Él leyó los textos sagrados y filosóficos, la exploración de todo, desde las religiones indígenas americanas con el hinduismo, judaísmo, el budismo y el cristianismo. Él trabajó en una granja en Indiana venta de verduras durante el día y estudiar las religiones del mundo en la noche, hasta que finalmente, en un momento singular, todo quedó claro para él.
  • "No voy a llamarlo una experiencia visionaria", Talbot mantiene, "pero vi una figura de Cristo. Yo sabía que era Jesús, y Él hizo todo personalizado para mí."
  • Su conversión al principio lo llevó en el fundamentalismo y, finalmente, para el Movimiento de Jesús. Cursó estudios de todas las denominaciones cristianas y se encontró que el catolicismo habla a su corazón. "No era sólo un anhelo vago", recuerda. "Vi a una vida en Cristo en armonía y en paz."
  • "Le pedí a Dios lo que tenía que hacer", explica, "y Dios dijo:" Escucha tu música y voy a abrir y cerrar las puertas ". Mantenerse fiel a ese llamado, Talbot empezó a utilizar sus talentos musicales para expresar su fe al unirse a la escena emergente de música cristiana. Ha grabado para Warner Brothers Records, la entrega de un álbum titulado "Reborn", y más tarde grabó dos discos adicionales para Sparrow Records, "John Michael Talbot" y "La Nueva Tierra".
  • "Como músico secular recuerdo tratando de hacer las cosas espirituales sin saberlo realmente. Ahora bien, como un músico cristiano", explica, "he perfeccionado mi oficio, escribiendo música que sale de la oración y se convierte en sagrado."
  • Talbot cree que la música sacra es sacramental y, desde la perspectiva de las artes, refleja a la vez y guía a los fieles. Que la música, basada en la fe, puede llevar al oyente a un andar más íntimo con Dios, en realidad ellos, teniendo en el corazón del Señor. "Se pone de manifiesto la misteriosa y habla de lo indecible, sacando a la luz lo que está más allá de la razón humana. Además," él dice, "el papel de la música y la oración cumple una función profética. No es que los músicos son profetas", señala, pero ellos tienen la obligación de conducir. "
  • Reconociendo que la obligación, Talbot ha producido más de cuarenta grabaciones en los últimos años, con ventas en torno a cuatro millones de álbumes. Sus canciones fueron la primera de un artista católico a cruzar las fronteras bien definidas y obtener la aceptación por los oyentes protestantes. Debido a su popularidad expansiva, fue el receptor de varios premios de prestigio. En 1982 ganó el Premio Dove para Album Adoración del Año, "Luz Eterna" con su amigo y antiguo productor, Phil Perkins. Cuatro años más tarde, se convirtió en uno de los nueve artistas para recibir el Premio del Presidente al Mérito de la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias y, en 1988 fue nombrado el artista No.1 cristiana por la revista Billboard.
  • Talbot no es el tipo de persona que se basaría en un merecido laureles. También es autor de catorce libros, escrito numerosos artículos en revistas y realiza un máximo de cincuenta conciertos al año. "Cuando uno tiene algo bueno que decir," Talbot indica, "no debe tener miedo de compartir." De hecho, Talbot ha compartido sus reflexiones y la música no sólo con los asistentes al concierto, sino también con luminarias tales como cristianos el Papa Juan Pablo II y la Madre Teresa.
  • Ninguno de los éxitos musicales de Talbot, sin embargo, se acercan a lo que muchos consideran su mayor logro. Inspirada en la vida de San Francisco de Asís, que vendió todas sus pertenencias y se unió a una orden franciscana seglar en 1978. Él construyó una ermita en el bosque y de moda el hábito de un monje de mantas del ejército utilizado. "Al principio, pensaba vivir una vida de meditación en silencio como un ermitaño", recuerda, "pero como he estudiado la historia de la iglesia, vi que la comunidad ha sido siempre una parte de ella." Como resultado de ello, fundó una casa de oración llamada "La Pequeña Porción" para compartir con otros su amor por Jesús.
  • Los visitantes del monasterio franciscano empezó a reconocer John Michael Talbot como un hombre de Dios y se reunieron con él para orar, meditar y buscar el Espíritu Santo. Él les dio la bienvenida y dirigió la oración con canciones que él había organizado a las antiguas escrituras y textos sagrados. Él creó las celebraciones musicales de su amor por la música de la iglesia temprana y la música de las épocas medieval y renacentista.
  • A medida que el número de visitantes siguieron aumentando, consejero espiritual de Talbot, el padre. Martin Wolter, sugirió que comenzar su propia comunidad y comenzar un ministerio de música. En 1982 se trasladó a Eureka Springs, Arkansas y fundó "La parte pequeña ermita". "Yo había vendido todo", dice riendo, "pero nadie iba a comprar las veinticinco hectáreas de terreno que compré en el Ozarks mientras estaba de gira con Mason Proffit. Parecía que Dios tenía un propósito especial para él."
  • Ese propósito se convirtió en una comunidad construida sobre el patrimonio monástico. "Es una forma aplicada de la vida para que todo se centra en estar con Dios", explica Talbot. "Nuestro impulso es una de la contemplación, la vida espiritual que algunos han calificado de" ambiente monástico ".
  • Hoy esta comunidad, "Los Hermanos y Hermanas de la Caridad", tiene alrededor de cuarenta miembros que viven en el monasterio y algunos más 500 miembros nacionales en sus hogares en todo el mundo propio. Es la única comunidad en América del Norte con el estado canónico de la Iglesia Católica y una de las diez comunidades en el mundo para abarcar los célibes, las personas solteras, parejas casadas y familias. Todos toman los consejos evangélicos de castidad, pobreza y obediencia, adecuada a su estado de vida.
  • Aunque la comunidad es en gran parte a sí mismo, cada vez más de sus propios alimentos, es la carrera de Talbot música que actúa como uno de sus principales benefactores. Fuentes de ingresos adicionales se incluyen las donaciones, las ventas de alimentos y una red de distribución registro Talbot ha puesto en marcha para otros artistas católicos.
  • En cuanto a su música, ha evolucionado bastante desde sus estilos de rock temprano. Talbot tiene ahora un más reflexivo, el estilo de meditación que combina su cristalina voz de tenor con su guitarra clásica magnífica. Él es mejor conocido por la creación de álbumes diseñados para la adoración y la meditación tranquila.
  • Para apoyar su fecunda obra, Talbot formado un sello discográfico en 1992 y lo nombró lo que la gente ha estado llamando durante años, "Trovador para el Señor". Bajo su bandera Talbot ha publicado varios de sus propios álbumes y trabajos con otros artistas cristianos. "La música que escribo no es el evangelio, cristiano contemporáneo o grandioso. Es sagrado, que afecta a todas las categorías, pero no es realmente una parte de ellos. Es un lugar único", explica, "y le da con un sello independiente me la atención que necesito. "
  • Que se centran, según Talbot, puede ser mejor descrito por una metáfora, que él ha utilizado en un trabajo anterior llamado "maestro de la música". "Creo que de Cristo como el director de una orquesta", dice. "Los fieles son los siguientes jugadores Su dirección y las notas en las listas. Los grandes jugadores son capaces de tomar las notas y hacer música hermosa. Sin embargo, toda la orquesta también debe estar en la misma página y tocar las notas mismas. Si alguien decide improvisar, en lugar de seguir a lo largo de la sinfonía será caótica ".
  • Hoy Talbot objetivo es frenar el caos y difundir la palabra a tantas personas como sea posible a través de su música, libros, videos, retiros, y los conciertos. "La gente está asustada y confundida, porque la sociedad se está degenerando a un ritmo alarmante", proclama, "y tengo la sensación de hambre de espiritualidad, porque nuestros valores están desmoronando y, si Dios nos ayuda, incluso nuestras iglesias y comunidades están cayendo a pedazos."
  • Durante estos tiempos, Talbot cree que hay una poderosa necesidad de llegar ahora mismo, para todas las edades y para mostrarles que hay una manera mejor. Él cree que los músicos cristianos tienen la responsabilidad de defender la fe y la moral del cristianismo. Que deben demostrar cómo la música puede ser inspirado por Dios y que, "La música debe emocionar a la gente acerca de su fe, no sólo por ser atractivo, pero también por atraer a los fieles a su mensaje."
  • Más allá de una simple fe en Jesucristo y el poder del Espíritu Santo, anima a Talbot disciplinas prácticas tales como lecturas espirituales, vigilias, ayunos y el trabajo manual para ayudar a superar las debilidades personales. También lleva en sí una preocupación radical por lo que está sucediendo en el mundo de hoy.
  • En la tradición de San Francisco, que regularmente visitan a las personas en sus hogares, ofreciendo a ayudar en todo lo que pueda. Organiza "La oración itinerante-Walks", coincidiendo con sus conciertos, donde, y los Hermanos y Hermanas de la Caridad, sin dinero, comida o alojamiento por sí mismos, se van de pueblo en pueblo ministrar a los necesitados. A escala mundial, Little porción Hermitage es uno de los principales de Mercy Corps International, una organización que, sólo en 1999 otorgó más de $ 93 millones en ayuda humanitaria de emergencia a las personas de 24 países en desarrollo como Afganistán, la ex Yugoslavia y países de África . Talbot se ha viajado con Mercy Corps para el Medio Oriente, América Central y las Filipinas.
  • Como tal, está claro que simplemente llamar a John Michael Talbot un artista cristiano exitoso sería un eufemismo. A pesar de que utiliza su arte para comunicar sus creencias y el amor de Dios, él también se siente la responsabilidad de aquellos que no puedan tener conocimiento de Cristo y sus enseñanzas. "El mundo es una comunidad", explica Talbot, "y es totalmente interdependiente. Todo el mundo se ve afectado por lo que otros hacen, y hay una maravillosa serie de cosas que podemos hacer por Dios, por Cristo y por su iglesia."
  • A tal fin, Talbot se esfuerza por mantener su comunidad enfocada y viable en el ritmo rápido del nuevo milenio. "Es una experiencia de vida alternativos", dice, "pero no estamos fanáticos de él. Tratamos de utilizar los procedimientos y políticas que sean equilibrados y saludables y que reconocen los derechos de la persona. Esto puede parecer radical para algunos, pero tenemos los controles y equilibrios de la Iglesia Católica para mantenernos en el buen camino que nos equivocamos. "
  • Entonces, ¿cómo John Michael Talbot logra mantener todo junto? Él sonríe y créditos al Señor por su éxito. "Jesús dijo:" Yo he venido para que tengan vida y la tengan en abundancia. " Él no pierde nada. Él va a redimir a todos nosotros si se lo permitimos ".

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