Kira

• Kira (nacido el 06 de junio 1976) es cantante danesa. Ella es mejor conocida por ser el vocalista de la banda de rock Kira & The Kindred Spirits. Kira nació en la ciudad de Rødovre, y se interesó en la música clásica a través de sus tíos, quienes son músicos.
   Cuando tenía diez años, sus padres se divorciaron, lo que era difícil para ella. Acerca de este tiempo, ella se interesó en la música rock, y por eso traté de aprender a tocar la guitarra. Esto no fue bien, sin embargo, como no tenía la paciencia suficiente para él, y así comenzó a cantar instead.In 1993 se fue a Londres, donde conoció a un guitarrista llamado Eva, que siguió a los Estados Unidos. Junto con Eva y-entre otros-Laust Sonne, formó una banda llamada ...
•  ... Las especies de mariposas, que existió hasta 1999.
•  Cuando las especies de mariposas partido, dejó la víspera y viajó de vuelta a casa a Dinamarca.
•  En 2001, ella recibió una beca de la Fundación Nacional de Dinamarca, las artes Kunstfond Statens, que hizo posible que se concentre en escribir canciones, y en 2002 fundó la banda de Kira y el Kindred Spirits y grabaron su primer álbum.
•  En el transcurso del año siguiente, el grupo se hizo conocido como una banda en vivo bien, con Kira como su potencia dinámica.
•  La banda lanzó varios álbumes en los años siguientes, pero para el público en general, Kira se hizo muy conocido por cantar a dúo con Lars HUG en el Royal Rock 'N' en 2004, justo antes de la boda entre el príncipe heredero Frederik y la princesa Mary.
•  En octubre de 2007 se anunció que Kira & The Kindred Spirits se habían separado y que Kira sería una carrera en solitario, pero en colaboración con Nicolai Hansen Munch de su antigua banda

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Wooden Wand & The Briarwood Virgins

• James Jackson Toth, el compositor extraordinariamente prolífico-a menudo conocido como Wand de madera, grabados Briarwood en Alabama, y un niño, no lo demuestra.
• Este es el sur de Toth ópera rock, un amargo brebaje mezcla de country rock y el gospel, el órgano Hammond y solitario de la carretera viajes líricos.
• Canta de suspensión de la ejecución, el bourbon y la salvación en el tipo de tosca acento que hace que el "hombre" como la palabra "puede-un".
   Toth ha hecho su nombre explorar alrededor de los bordes de folk  Americana   psicodelia, jugando con lo que significa que estos géneros y el derretimiento de los límites entre ellas. Este juego es más directo, más inmediato.
• No hay artificio intelectual, ninguna barrera entre la teoría de la canción y el público, sin comillas, ...
•  ... Sólo la música y el oyente.
• Las canciones son relajado y orgánico sonido, "ser olvidado" tiene el ambiente fácil fraternal de la banda, las armonías son un poco irregulares y todos los entrañables más por ser así, las guitarras son también la forma en que me gustan, un poco desordenado y que el encanto de este disco, que está construido para el disfrute.
• "El hombre Good Time" levanta el pie del ritmo y se desplaza al territorio de la balada de guitarras a hablar de nuevo, pero nunca corriendo en la boca, lo mejor de todo es "Papelería Motel 'que incluso añade en algunos coros femeninos ya que se basa en una especie de manera Arboretum.
•  Se enrosca con la energía, pero nunca explota como podría hacerlo. Toth ha hecho lo que es probablemente su disco más agradable y accesible de su carrera.

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Bruce Guthro

• Desde el año 1998 ha sido el vocalista de la super popular banda escocesa Runrig.
• En este contexto, el repertorio se basa en rock celta, inspirada en el escocés Highlands.Both antes y durante el período en que leadsinger Runrig, Bruce ha mantenido su carrera en solitario en funcionamiento, con un repertorio más americano inspirado.
• Bruce ha grabado cinco álbumes, de los cuales 2 de ellos son liberados en el álbum de Denmark.This se registró en Irlanda, con clásicos irlandeses como "Carrickfergus", "The Parting Glass" y "Water Is Wide".
•  Además, también es un popular clásico de pocos canciones de Nova Scotia, Canadá. "Adiós Nova Scotia" es uno de ellos y casi se puede describir como anthem.Half nacional de su país de origen de todas las canciones del álbum son canciones nuevas escritas Bruce Guthro, pero ... todo
•  grabados con la orgánica celta pop sound.The legendario productor músico Donal Lunny (Paul Brady, Indigo Girls, Elvis Costello, Kate Bush, Rod Stewart y Sinead O'Connor) ha recogido una serie de los mejores músicos de Irlanda, y produjo las canciones de una melodioso tono celta pop-rock que junto con el sonido único y mágico Bruce Guthro de su "voz celta" sin duda crea un álbum memorable.

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Giovanna Pessi & Susanna Wallumrod

• No es un buen disco de jazz, es un rendimiento exquisito para violines de voz, arpa y el período se une con ligeros toques Susanna Wallumrød cantando y las líneas sugerentes, entrelazamiento y la enunciación señorial del siglo 17 Henry Purcell, la iglesia y el teatro musical, algunos originales Wallumrød, dos Leonard Cohen ¿Qué canciones y Nick Drake la voluntad.
• Se trata de una colaboración única y audaz con el arpista barroco Giovanna Pessi que tiene los ingredientes de una improbable cruzada género éxito.
•  Entrega sutil Wallumrød de letras contemporáneas, tales como "¿Quién de barbitúricos / ¿Quién en estos reinos del amor / que voy a decir está llamando" de Cohen es quién por el fuego, o su escalofriante llamada de destino de líneas en Usted sabe quién soy, han un impacto sorprendente cuando se compara con los giros constantes y rollos de arpa Pessi, Marco ...
• Con llave-violín Ambrosini nyckelharpa y la viola de gamba Jane Achtman de. Este último tiene una resonancia chelo, a veces, el arpa de la guitarra, y la fuerza silenciosa detrás de la personalidad Wallumrød dentro de una estructura formal de la música antigua-es fascinante.

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Bic Runga Belle

• Belle considera que el Kiwi  es Una cantante y  compositora lanzándose de nuevo en su arte después de cuatro años de no centrarse en la maternidad. Esta vez lejos ayudó a inspirar un renacimiento creativo y recuperar esa hambre de hacer música y gira again.
• Belle es cuarto álbum de estudio Bic Runga y a bordo, tenemos colaboraciones con Dan Hume of Evermore - quien co-escribió el proyecto primer sencillo "Hello Hello". El artista neozelandés también se alistó Kody Nielson de Nueva Zelanda la banda de rock Los polluelos Casa de la Moneda para producir todo el álbum. Los dos habían trabajado juntos en un proyecto paralelo titulado Kody y Bic, un álbum de los originales que salieron el año pasado. De hecho una de las pistas del proyecto - 'Darkness All Around Us "- será re-lanzado en Belle. Bic también con la cuerda en indie pop artista Arabia Lawrence de ...
• Trabajo en la pista épica "está preparado a esta chica para la guerra", que fue lanzado por primera vez en mi boda y la banda sonora de otros secretos.
• En Nueva Zelanda es muy apreciada. ella es una cantante y compositora con mucho talento...

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Amy Winehouse

• Hay un momento, justo al final de la leona, el último disco de Amy Winehouse, cuando se muestra una tenue luz de la conciencia de sí mismo que, por desgracia, llegó demasiado tarde para salvarla del campo de sus demonios había elegido.
  Acababa de lucha libre con "A Song For You", el Leon Russell estándar hecho famoso por Donny Hathaway, la atribulada estrella del soul suave que se suicidó en 1979. Según el productor Salaam Remi, que posteriormente se añadió órgano, arpa y cuerdas para la grabación, Winehouse fue ella misma la enseñanza del canto, la lectura de la letra y tablatura de guitarra de una pantalla de computadora mientras cantaba. Con toda honestidad, que es un poco de desayuno de un perro, sin apoyo, en el tempo, dinámica y el tono, pero cuando termina, dice: "¿Sabes qué ...
• .. Marvin Gaye es genial, pero Donny Hathaway, como, no pudo contenerse. Había algo en él, ¿sabes? "
• El subtexto implícito es que ella también tenía algo que no podía contener, algo que llevó a su creatividad, sino que también fue su talón de Aquiles ". Por un momento, aquí, parece darse cuenta de la vinculación que está atrapado, pero estas son las últimas palabras del álbum, demasiado tarde para actuar.
• Mientras Leona es una colección mucho mejor póstumo de Michael Michael Jackson, desde casi exactamente hace un año, es un pobre sustituto de la musicalidad de alto octanaje de Frank y Back to Negro, creado como lo es en las cubiertas, outtakes, demos y los pocos nuevas pistas de Remi pudo reunir, prestado un mínimo de homogeneidad por la cadena de suaves y arreglos de viento y la imposición a veces brutal de hip-hop lacónico batería. Van desde una versión alegre de la "Chica de Ipanema" empapado de Winehouse SCAT-cantando, a una demostración prometedor de una nueva canción, "como el humo", en los cuales el tributo rapero Nas a le sirve como un sustituto pobre de la propia voz de Winehouse, limita en gran medida a la muda "dee-dah-dah", subraya para putativo melodías vocales. Sin embargo, el gancho es como una flecha al corazón: "Como el humo, me quedo".
• Winehouse propio material es bastante más revelador de la confusión emocional en el que parece haber pasado gran parte de su tiempo: "Este profundo pesar que tengo que acostumbrarme a", como ella dice en "Tears Dry".
• La mejor canción del álbum, en parte porque es también la más escasa, es "Wake Up Alone", un sueño enamorado conjunto para atrapar cepillado, Rimshot y guitarra acústica, con la cantante soñadora que refleja: "Me quedo despierto, jugando fuera / por lo menos no estoy bebiendo / ¿Quieres un masaje, para que yo no tengo que pensar sobre el pensamiento. "Pero ella se despierta de nuevo solos, los más sutiles toques de cuernos en el fade-out que acompaña su voz, ya que pasa a un segundo cavernosos, haciendo eco de la distancia, un fantasma del deseo flotando fuera de su alcance.

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Los de abajo-Cybertropic Chilango Poder.. Esto va dedicado a Alvazar

• Esto, sin duda, es uno de los momentos más gloriosos en la historia de los enfrentamientos entre los estilos de la música mundial. Hay una agitación, al sur de la frontera descarada introducción de mariachi, "Rude Boy - esto se hace en México" un anuncio de cola, y luego un repentino cambio a un ritmo Ska como Los de lanzamiento de Abajo en un idioma español, latino con sabor a un tratamiento de ese viejo hit de diversión de tres en 1982, The Lunatics (se han apoderado del asilo), con uno de los muchachos de diversión original, Neville Staples, uniéndose in Este es el revival ska como se ve desde un estudio de grabación Ciudad de México, y dirigida por el equipo de producción de Neil Sparkes y Dubulah Conde, mejor conocidos como los exponentes de la música dance mundial, Temple Of Sound. Y es sólo uno de los estilos salvajemente variada y fusiones en el repertorio de Los de Abajo.
• Esta es la banda de la tercera versión internacional (y su cuarto álbum, si se añade en el conjunto de la Fuerza Latin Ska que produce de forma independiente para satisfacer aún creciente del mercado de México Ska, y que ha vendido unos 20.000 ejemplares a través de la distribución de base, sólo en la Ciudad de México por sí solo). Su álbum internacional el pasado fue Cybertropic Chilango Power, el conjunto de 2003, que - con razón - ganó ese año el Mundial de la BBC Music Award para las Américas.
• Entonces, ¿qué es diferente esta vez? Una cantidad enorme. La banda ha estado de gira por el mundo (que habían jugado en 26 países en el último recuento) y que han estado absorbiendo nuevas influencias globales sin dejar de explorar sus raíces mexicanas. Como miembro fundador y teclista Carlos Cuevas dice "nuestra música ha cambiado con los años, y ha enriquecido con más influencias - tanto por los estilos que escuchamos fuera del país, y nuestra investigación sobre la música mexicana y las formas de la creación de un contemporáneo la fusión ".
• Cualquiera que haya visto a la banda tocando en vivo en los últimos meses se sabe lo que un traje elegante, excitante y variado impresionante que se han convertido. La mayoría de las bandas se esfuerzan por repetir su estudio de sonido en el escenario, pero de Los de Abajo son jugadores tan grande, que para ellos ha sido todo lo contrario. La energía pura de sus shows en vivo, y su gama de estilos e influencias, no han sido plenamente reflejados en sus grabaciones hasta ahora. LDA V The Lunatics pone ese derecho. Es el mejor álbum que hemos hecho hasta ahora.
  Esta biografía fue proporcionada por el artista o su representante.

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AMC Trio and Ulf Wakenuis

• El álbum Esperando a un lobo es una continuación de la fructífera cooperación de un trío dinámico en Presov y un jugador reconocido guitarrista sueco.
•  Se presentan las composiciones llenas de humor melancólico y suave directo líneas melódicas derivadas de los elementos de la canción y la lírica. La música de TRIO AMC se basa en una amplia y limpia tuniness de los temas tratados inspirados por ejemplo, canciones pop o la música popular al este de Eslovaquia, también.
• TRIO AMC no es un trío único líder, pero el trío formado por tres miembros de la misma, cuya particularidades reunió a formar un trío bien equilibrado whole
• .AMC ha colaborado con muchos conocidos musicians.Since 2007 Trio AMC coopera con un virtuoso de la guitarra, miembro de Oscar Peterson Cuarteto, Ulf Wakenius, con quienes ha grabado dos...

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Roseanna Vitro

• álbum de larga duración vocalista Roseanna Vitro... Homenaje a su música ,llega a las tiendas una semana de diferencia, parece que es el momento de renovado interés en todas las cosas Newman.
•  Mientras que la liberación compositor del cantante  es un viaje en solitario a través de su propio catálogo, el álbum de Vitro presenta diez de sus piezas vestido con arreglos nuevos a medida desde pianista Mark toca Soskin...
• Vitro en el material de toda la carrera legendaria de Newman, pero se tiende a evitar que la música que destaca su sentido del humor irónico y la entrega intencionalmente cobista a favor de las narrativas de todos los tamaños y formas.
•  Algunas piezas recibir liftings radical ("Last Night I Had A Dream") que iluminan la música y cambiar la impresión general ...
   
•    Mientras que otros conservan su esencia original y simplemente ajustado para encajar en este grupo y el género de la música ("Sail Away"). violinista Sara Caswell es decir, con la excepción de Soskin y Vitro sí misma, la parte más importante de este paquete .
•  Ella artesanías líneas elegantes ("Sail Away"), chisporrotea sobre algunos ritmos brasileños ("Si no te tuviera"), se casa con gestos radicales del sonido con la tristeza y el sol ("Losing You"), ofrece el contrapunto sobrio, y ayuda a para definir el sonido de conjunto general en este disco. Espero que disfruten este disco como yo lo hago :)

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Charlene Soraia

• Charlene Soraia, de 23 años de edad, Londres, cantante  compositor (y guitarrista sorprendentemente buena) ha creado un zumbido bastante con su inquietante Wherever You Will Go, un cover de una canción de The Calling que está siendo utilizado en un té Twinings comerciales en el Reino Unido . Ella fue admitida en la Escuela de BRIT (The London School for Performing Arts & Technology) y asistió junto con el futuro Adele estrellas y Kate Nash. Una vez allí, Soraia jugado en un par de bandas, ninguno de los cuales ganó muchos adeptos. A partir de 2006 hasta el 2009, ella lanzó varios despojada de EPs en solitario, incluyendo la limonada (2006), Postales desde iO (2008), narcisos y otros idilios (2008), y una del Sol (2009).
    Moonchild es su álbum debut. El productor Paul Stacey (Oasis) se reproduce en los estados de ánimo sutiles ...
   
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•  ... De luz y oscuridad en las canciones de Soraia, jugando a su trabajo de guitarra bastante notable y llamativo y las melodías vocales, mientras que mantener las cosas en un nivel serio de fondo con alguna instrumentación ecléctica ... las armonías impredecibles, intrincado tejido en "Wishing (You) Bueno", el jazz produciendo líneas de guitarra de "Bike" y el music-hall rebote melódica de "Light Years" son sólo touchng la superficie de esta obra diversa de arte pop grave - que es difícil no caer bajo el hechizo misterioso de Moonchild

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Nikki Lane

• Cualquier mujer que cubre "Muddy Waters" no puede ser satisfecha "de su álbum debut es una chica con algo que demostrar, y Nikki Lane es una cantante y compositora que deja muy claro en el Paseo de la Vergüenza que no quieren tener de su lado malo. Nacida en Carolina del Sur y viviendo en Nashville después de paradas en Nueva York y Los Ángeles, Lane es un petardo, cuya música fusiona valiente retro-rock de la vieja escuela país, mientras que la infusión de la totalidad con una dosis de adrenalina punk, la mayoría de las canciones en el Paseo la vergüenza de se escribieron a raíz de una ruptura romántica mala, y el tono de Lane aquí oscila entre la decepción silenciado a la ira de plato destrozos, pero a pesar de que en el mercado de un nuevo romance (y que hace que el receptor de su atención en "Coming Inicio to You "de sonido ...
   
•   ... Como un hombre muy afortunado), perdón y el olvido no viene fácil para ella. La voz de Lane es grande y atrevido, aunque a veces exagera los bordes más clara de su acento sureño, y cuando ella emotes, se asegura que lleva a la última fila del balcón, figura en la producción de profundidad, con eco que recuerda los primeros álbumes de Neko Case es sin la seriedad emocional misma, y tiene un talentoso artista que todavía está aprendiendo los puntos más finos de hacer su trabajo musical en el estudio de grabación. Sin embargo, Lane tiene la confianza de sobra y una voz que hace honor a su propio valor,
• y como un escritor que se pueden comunicar las altas y bajas de amor con la inteligencia y el ingenio audaz. Teniendo en cuenta que Nikki Lane había estado escribiendo canciones para un sólo cuatro años cuando grabó el Paseo de la vergüenza, es un logro impresionante de un artista que es más que prometedor, y si podía usar un poco de cera, cuando ella le dice que puede "t estar satisfecho, puede que te encuentres trabajando hasta el valor de ofrecer para tratar de mejorar....

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Pablo Alborán.

• Alguien Me dedico un tema de este chico en mi cumpleaños , En verdad es maravilloso escucharle ...
• Sin duda, Pablo Alborán es el artista español del año y de los que aparecen con cuentagotas en décadas. Solo algunos, muy pocos, elegidos pueden llegar a esa conexión con su público en tan poco tiempo. Hay que tener magnetismo, carisma y buenas canciones para conseguirlo. También disciplina para seguir pisando el suelo y respeto y cercanía con los seguidores y seguidoras que han recorrido el éxito a su lado.
• El éxito de Pablo Alborán se ha cimentado a base de un trabajo sin prisas, ganando fan a fan en cada concierto, en cada ciudad pequeña, mediana o grande. En ese terreno es donde se libran las batallas y ahí ha pasado Pablo buena parte del último año, cantando pero también hablando y escuchando a personas de lugares diferentes y de diferente modo de pensar, todos unidos por sus canciones. Ahí está el secreto de su éxito.
• Pablo Alborán irrumpió en la escena musical española con una tremenda fuerza. Su álbum de debut entró directamente al nº1 en las listas de ventas físicas y digital de iTunes y el primer single, Solamente tú, también subió a lo alto del podio.
•  Antes del lanzamiento, había recorrido España cantando con su guitarra en escenarios pequeños, donde hay que ganarse el público poco a poco. “Hablo de amor y desamor sencillamente, sin ser rebuscado. Me gusta escribir de manera directa para transmitir lo que pienso.
•  Lo bonito es ir enseñando, involucrar a la gente, que haga suyas las canciones, compartir el aprendizaje…” decía entonces Pablo, que en sus canciones envuelve estos textos con una música que huele a sur, con un toque de raíz, rica melódicamente y elegante en la construcción.
• Son las canciones que están en su disco de debut, algunas compuestas hace muchos años, cuando apuntaba la vocación musical impulsada por estudios de piano clásico, canto y guitarra. “Aprendí mucho y me apasionó descubrir esa faceta clásica.
•  Quizá por eso también he escrito temas instrumentales. A los 13 o 14 años me di cuenta que quería dedicarme a esto; fue un impulso, una metamorfosis.
• No me asusté ni me paralicé porque ya cantaba mis primeras canciones. Desencuentro la compuse a los 12 años. Para el disco tenía seleccionadas 30 o 40 canciones. Me gusta aplicar a mi música cosas raras, experimentar”.
• Nacido en Málaga en 1989, Pablo Alborán elabora una música inspirada, de una solidez, riqueza y calidad originales en la escena del pop latino.
•  Cuando se escuchan canciones como Solamente tú, Desencuentro, Miedo, Vuelve conmigo, Caramelo o Volver a empezar, inmediatamente planea la idea de que estamos ante un compositor de altura, serio, sensible, intuitivo, atípico, sorprendente, original… Con su álbum de debut, producido por su descubridor Manuel Illán y en el que colaboran las cantantes españolas Diana Navarro y Estrella Morente, Pablo Alborán ha demostrado que es un artista mayor, llamado a encender el corazón de las personas desde sus primeras canciones, siempre con el público a su lado, ampliado ahora con sus primeras visitas a Latinoamérica y con la publicación del disco en Estados Unidos, México, Argentina, Colombia y Chile, entre otros países.
• Con este primer álbum, Pablo Alborán ha sido nominado a tres premios Grammy latinos 2011: Mejor Artista Revelación, Mejor Álbum Pop Vocal Masculino (Pablo Alborán) y Mejor Canción de Año (Solamente tú). Es el reconocimiento internacional del éxito de un artista que tiene la rara cualidad de superarse día a día para dejar las biografías antiguas en pocas semanas. Escuchen a Pablo Alborán.
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Roger Waters

• Concierto de 4:18 22/11/2011en Buenos Aires
  El día 7 de marzo del año 2002 Roger Waters tocó en Argentina por primera y última vez.
  La apuesta era contundente. Luego de casi dos décadas de vivir peleando con su pasado, de álbumes solistas que alardeaban de nuevas ambiciones artísticas cuando en realidad ni trataban de dismular su herencia floydiana, de vacías batallas legales y mediáticas para desacreditar a sus ex-compañeros, de shows que en vano trataban de captar atención mientras David Gilmour movía multitudes y millones solo por poser el maldito nombre de Pink Floyd sobre sus espaldas... Después de todo eso, Roger Waters decidió apostar a un último ataque. Y esta vez atacó con todo: una gira mundial en la que ya no habría priuritos ni culpa a la hora de recrear los viejos clásicos de Pink Floyd que él mismo había compuesto. De esta forma In The Flesh (así se llamó la gira) apuntaría más que nada a la nostalgia, a los clásicos, a celebrar, en manos de su legítimo creador, la obra de una de las 5 o 6 bandas más importantes de la historia del rock. Con ese objetivo el setlist de los conciertos estaría centrado en los himnos más representavios de Floyd con algunas canciones solistas como excusa. Interesante. Ciertamente la tentación fue grande y el público alrededor del mundo no se hizo esperar para comprar entradas. La cosa esta vez venía en serio y estaba claro que “la otra mitad” de Pink Floyd, con Gilmour cómodamente adormecido en Londres con sus caballos y su avión ultraliviano, no podría hacer mucho para minimizar este acontecimiento.
• El tour americano/europeo fue un éxito, por lo tanto Waters, álbum en vivo mediante, decidió extender la gira a Sudamérica (Pasando por Chile, Argentina, Brasil y Venezuela) y a medidados del año 2001 me enteré que, así nomás, Roger Waters se venía para el lejano sur el siguiente año. Lo primero que se me vino a la cabeza es que tenía que ir SI O SI. Para colmo, ese octubre pasó por Buenos Aires otro gigante, Eric Clapton, y por alguna razón me tuve que conformar con ver el show en diferido por TV. Waters sería mi desquite, así que acordé con un par de buenos amigos para ir juntos al recital. Pero todavía faltaba mucho.
• Entonces llegó diciembre y la Argentina explotó en pedazos. En unos pocos días la dichosa convertibilidad terminó por desmoronarlo todo: corridas bancarias, congelación de depósitos, saqueos a supermercados, estado de sitio, calles tomadas, protestas masivas en todo el país, violencia, ira, represión y muerte. Algo se había quebrado entre la gente y el gobierno, algo se había podrido y no había marcha atrás. Aquel veinte, entre nubes de humo negro elevándose sobre el infierno de Buenos Aires cayó De la Rúa. Se sucedieron cinco presidentes en una semana. Después vinieron todos juntos el default, la devaluación, la inflación y la pesificación de los dépositos en dólares.
• Excelente panorama para un recital de rock ¿No? Rod Stewart, quien también tenía programado darse una vueltita por estos encantadores parajes dijo “SI CLARO, COMO NO” y canceló su recital. Era cuestión de días que Roger Waters siguiera el ejemplo. Pero no, Roger no solo sostuvo su presentación en Argentina sino que la organización del concierto bajó sustancialmente el precio de las entradas para adaptarse a la nueva realidad económica del país. Evidentemente es un tipo que cumple con las expectativas que genera, un tipo que está comprometido con su obra y su ideología. Claro, después de escribir un álbum como Animals o un manifiesto contra la Guerra de Malvinas como The Final Cut no iba a darle la espalda a sus desesperanzados fans latinoamericanos, aquellas Sheep cuya rebelión él mismo exaltaba en Animals.
• Los otros dos guitarristas eran viejos conocidos: Snowy White, músico de sesión de Floyd desde los días de Animals y Andy Faitweather Low, quien ya había estado con Clapton apenas unos cinco meses antes. Lo que también había era un coro de tres chicas, un elemento infaltable en los conciertos modernos de Pink Floyd al cual todavía no me acostumbro. Las performances de las canciones eran impecables, aunque, fiel a la tradición de Pink Floyd, eran muy similares a las versiones de estudio... lo cual no es malo: después de todo, reproducir con tanta profesionalidad y fidelidad semejantes piezas de música tiene su mérito. La calidad de audio era soberbia (sonido cuadrofónico y todo) solo que para mi gusto el volumen era un tanto bajo: mi única queja. El escenario era modesto; las luces apenas si hacían algún juego visual y no había NADA de esta pirotecnia millonaria tan característica de los shows de Pink Floyd, salvo una ENORME pantalla de cine detrás del escenario que presentaba todo tipo de imágenes sugestivas para acompañar la música. Me quedé con las ganas de ver al cerdo volador nomás.
• Siguiendo ahora con las canciones. Después de esos cuatro temas de The Wall se lanzó con un par de canciones de The Final Cut que yo no conocía: Get Your Filthy Hands Of My Dessert, un tema con claras referencias a las Islas Malvinas y a los amigos Galtieri y Thatcher (que fueron pertinentemente abucheados) y la devastardora Southampton Dock, con una letra que se adivinaba fuerte, emocional y trascendente. En ese momento nos cruzamos con una chica que estaba totalmente poseída por esta canción, y la cantaba gritando en éxtasis total, mirando hacia el cielo, casi desomoronándose con lágrimas en los ojos. Realmente me impactó mucho como puede alguien sumergirse en la emoción de la música a esos niveles religiosos, cómo se puede llegar a las fibras más hondas de la gente solamente escribiendo una canción.
• Pero sigamos adelante. Todo lo evocativas que fueron estas primeras canciones, para mí el VERDADERO concierto empezó cuando, al tiempo que los últimos acordes de Southampton Dock se extinguían, apareció en la pantalla gigante la imponente y siempre oscura imagen de la Battersea Power Station de Animals, anunciando que, veinticinco años despues, algo sigue oliendo mal en la granja. Y entonces esas ominosas guitarras acústicas creciendo y creciendo... y un inequívoco escalofrío recorriendo mi espalda... nada menos que Dogs señores, una de las canciones más poderosas de Pink Floyd, ahí en vivo frente a mi ojos. No podía hacer otra cosa que contemplar en éxtasis, mientras la banda hacía una rendición impecable y completa (Casi veinte minutos!) de la épica de Animals, y un Waters sangrando esas letras que aún hoy siguen siendo actuales y severas como en 1977. En el oscurisimo intermezzo de sintetizador, mientras una jauría de perros hambrientos parecía rodearnos por completo, Waters y los guitarristas se sentaron en una mesa en el escenario a jugar al póker ¡Qué original! Supuestamente representando a los perros que echan a suerte los destinos de las pobres ovejas. Si por mi hubiera sido deberían haber seguido con Pigs y Sheep... Pero lo que vino después no desentonó: escuchen bien... el álbum Wish You Were Here CASI COMPLETO, con TODAS las partes de Shine On You Crazy Diamond, el clásico Wish You Were Here y una devastadora Welcome To The Machine. Shine On fue anunciada por la imagen espectral y ausente de Syd Barret proyectada en la pantalla; la gente lo reconoció y fue saludado por una ovación. Por su parte, Welcome To The Machine fue uno de los momentos más memorables del show: no solo porque la performance fue particularmente inspirada sino porque en ese momento una INMENSA nube de tormenta se alzó por detrás del escenario lanzando todo tipo de relámpagos y rayos que aportaban un toque visual espectacular a la ya de por sí increíble banda sonora. De hecho, en un momento particular, cuando Roger cantaba por segunda vez la inolvidable línea “So welcomeeeee... ¡To The Machine!”, un espectacular relámpago sincrónizó A LA PERFECCIÓN con el final violento de la frase. Fue INDESCRIPTIBLE, pareció calculado por el genio maldito de Roger, o por una naturaleza caprichosa que parecía estar escuchando la canción. La cuestión es que en ese momento todo el estadio, anonadado por la impresionante casualidad, se aunó en una enorme ovación al relámpago. El pobre Roger, incapaz de ver la tormenta, no debió entender por qué demonios la gente reaccionó así. Jajaja.
• Luego de la última parte de Shine On You Crazy Diamond tuvimos un intermezzo de unos veinte minutos. Las luces del estadio se encendieron y una leve lluvia comenzó a caer sobre el estadio abierto; por suerte paró enseguida y nadie se molestó. La segunda mitad del show arrancó con una versión FENOMENAL de Set The Controls For The Heart Of The Sun, esa hipnótica e intimista pieza de A Saucerful Of Secrets. ¿Por qué digo que la versión fue fenomenal? Simplemente porque la tocaron ostensiblemente distinta a la toma original, con ominosas guitarras acústicas, oscuros sintetizadores, las luces casi apagadas y una película fumadísima en el fondo. Y entonces, después de Heart Of The Sun, un breve silencio sentenció el momento clave del concierto. Los primeros latidos de ese corazón humano sacudieron a un estadio que no podía confundirse: era el turno de The Dark Side Of The Moon. He dicho que Dark Side no es mi álbum favorito de Floyd, pero escuchar ese clásico latido, esos sonidos raros de Speak To Me unidos a la palpable emoción del estadio fue sencillamente inolvidable. Los clásicos Breathe, Time y Money se sucedieron impecablemente rockeando completamente la noche. La introducción de Time, particularmente, enloqueció a la audiencia con su TREMENDA acumulación y posterior liberación de tensión.
• Allí la suseción de The Dark Side Of The Moon se interrumpió para dar paso a los temas solistas de Roger. En este parentesis el concierto perdió interés: no es que los temas de Waters son malos, pero parecen meros reciclajes de los esquemas floydianos, con demasiada pompa exagerada, mucho corito femenino y pocas melodías fuertes, nada muy diferente a lo que la otra mitad de Pink Floyd hizo en los 80. Mis oídos escuchaban estas canciones por primera vez y no tenía idea de cómo se llamaban. Más tarde supe que interpretó una sola canción de su primer álbum The Pros And Cons Of Hitch-Hiking, Every Stranger’s Eyes y cinco seguidas de su última placa de estudio, Amused To Death. La que más me gustó fue la canción titular: pura atmósfera, pero realmente buena, con esos oscuros y tétricos “Doctor, doctor, what is wrong with me?”. Los demás temas fueron: The Perfect Sense Parts 1-2, The Bravery Of Being Out Of Range y It’s A Miracle. Recuerdo que durante The Perfect Sense, Waters tuvo un inusual rapto de entusiasmo enérgico: empezó a correr de un lado al otro del escenario levantando los brazos y animando a la gente a cantar y levantarse mientras la música alcanzaba su clímax. El público no se hizo rogar y respondió con masivas ovaciones que hicieron de aquel uno de los momentos más intensos de la noche.
• Y entonces sí, retomando Dark Side donde se había dejado, la banda interpretó Brain Damage / Eclipse cerrando el concierto de forma aplastante, mientras en la imagen cinematográfica de fondo aparecían políticos famosos y un eclipse de sol animado. Sin embargo aún faltaba en encore, y ahí llegó el momento mas inspirador de la velada: Una majestuosa y arrebatadora Confortably Numb despertó definitivamente la emoción del público y elevó la experiencia a alturas casi religiosas. Fue el clímax total de la noche: todos a mi alrededor, mujeres, hombres, jóvenes y viejos se hamacaban en trance cantando de memoria “There is no pain you are receiving / A distant ship smokes on the horizon”. Y yo ahí estaba, feliz de compartir con toda esa gente desconocida este momento tan especial, hermanados momentáneamente por una misma canción, una misma música, en un mismo lugar. En ese mágico instante pensé en lo solitario que me había sentido siempre con respecto a mi gusto y pasión por Pink Floyd: ahora sabía que miles de personas en mi ciudad sentían lo mismo, que se emocionaban con lo mismo y allí estábamos, unidos todos sin importar la religión, la escala social o el número de documento. El momento de Confortably Numb fue sencillamente insuperable y vaya ironía: Cuando David Gilmour compuso la música de Confortably Numb Waters casi lo manda a pelar papas, pero ahora esa misma melodía le servía como momento cumbre de su show.
• Para el segundo y último bis yo esperaba algo a todo trapo, algo que me hiciera explotar la sangre y me volara los sesos, algo como Run Like Hell o Sheep (Si elegía tocar Sheep seguro que me moría allí mismo, no lo dudo). Sin embargo, Roger (igual que Clapton unos meses antes) decidió clausurar la noche con un momento intimista y reflexivo: para ello se sentó, tomó una guitarra acústica y tocó su última composición, la desgarradora Each Small Candle, mientras el público estrellaba el estadio con una constelación gigante de encendedores llameantes. A pesar de que la canción suena como The Division Bell y muchos seguramente no la conocían, el momento fue solemene y emotivo, más que nada porque la letra de la canción fue proyectada en la pantalla para que todos pudieran seguirla. Se trata de un poema antibélico que cuenta la historia (supuestamente verídica) de un soldado sebrio que rompe filas para ayudar a una mujer albana y su hijo abandonados en el desierto. La música es mediocre, pero la letra pega como la gran puta, más que nada en la introducción, tomada al parcer de un poeta danés...
• Not the torturer will scare me
  Nor the body's final fall
  Nor the barrels of death's rifles
  Nor the shadows on the wall
  Nor the night when to the ground
  The last dim star of pain, is held
  But the blind indifference
  Of a merciless unfeeling world
• Con esas palabras terribles el concierto de Roger Waters llegó a su fin. En casi tres horas se fueron toneladas de recuerdos, emociones, música y momentos inolvidables. Seguramente no volveremos a ver un show así por estos pagos por mucho, mucho tiempo.

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Anne Florence

• Anne es una cantante de Suiza, pero escuchar canciones como Em Frente ao mar de su Donaflor nuevo CD es difícil de creer que no es brasileño. Hay incluso un poco de los grandes cantantes de Brasil en su fraseo y el tono. Donaflor comienza con la samba delicioso, Sambou tá novo. Sus armonías de heces con el bajo son fabulosos. Floriano Inácio Schneider y Claude jugar solos elegante en el piano y la guitarra.
• Los violonchelos en la hermosa balada francesa, Voyelles y Noits D'amour te pone en un estado de ánimo romántico. Jazz y música de samba se integra perfectamente en el Amor Platonico con algunas heces más grandes de Anne.
   Boa Noite es una balada agradable que se siente casi como un vals. Piano, en este caso Inacio es excelente. Sabia es una de las más bellas canciones ...
•  ... Del padre de la bossa nova, Tom Jobim. Esta excelente organización es un poco más rápido, más como una lenta samba.
•  A Rainha dos yeguas tiene una especie de nostalgia de la música y la voz de Schneider con acuerdos de Niza de cellos y violines. Ann suave y sensual voz de Pegaso tiene un elegante sentir bossa que te lleva a las playas de Río.
•  Canto Triste es otro clásico brasileño, esta vez de la leyenda de Vinicius de Moraes, magníficamente interpretada por Anne. El álbum termina con la melodía de jazz Frevo de Folhas cuarto y heces más bonita y la voz de Anne-Florence.
•  Ana es otro de los cantantes de múltiples talentos que no sólo canta en más de un idioma, en este caso, Portugués, Francés e Inglés. También es un buen compositor y escribió la letra hermosa en L'Inespere y la melodía de jazz Mi Boulevard.

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las Hermanas Andrews

• las Hermanas Andrews sobre el ácido," anglo-italiano trío vocal de sonido de las Hermanas Puppini y el estilo están tan inmersos en la era dorada de la pantalla de plata que es sorprendente es tardado tanto tiempo en el concepto de su cuarto disco, Hollywood, a materializarse.
• Un cariñoso homenaje a las estrellas del cine glamoroso de los años 40 y 50, la selección de números de detener show-de varios musicales clásicos pueden ser bastante predecibles, pero por suerte, sus nuevos arreglos permiten los evangelistas retro-burlesco para hacer su propia marca en las actuaciones. Número de Judy Garland de la firma,
• "Get Happy", se transforma en una contradanza zapatear campechano, con sus riffs de banjo arrancada, alegre violines y percusión lolloping, de West Side Story "I Feel Pretty" se convierte en un encantador galo ...
• ... Vals, mientras que el desayuno en el "Moon River" Tiffany se da un cambio de imagen inventiva inquietante, con un theremin misteriosa que acompaña sus cadenas de barrido y silenciosa armonía fantasmal. En otra parte, los miembros del grupo mostrar sus habilidades bilingües en juguetón de Brigitte Bardot trabalenguas "Moi Je Joue" y la versión francesa de El Padrino "Speak Softly Love" ("Parle Además Bas"), canalizar el espíritu de Marilyn Monroe en una versión elegante de los caballeros las prefieren rubias "diamantes son el mejor amigo de una muchacha", y proporcionar la cantidad justa de descaro para el oscilación del infecciosos de Girl Crazy "I Got Rhythm". Hay algunos giros inesperados, como el canción (del álbum original composición única), que fácilmente podría confundirse con una antigua jazz-número de manos con su sección de metales triunfante y ruidos contrabajo, mientras que Mika "Grace Kelly" - perfectamente encajar con el tema de cine - es una adición inteligente más contemporáneo que mejor muestra sus armonías de tres partes doo wop. Los problemas con estos pastiches obvia es que a veces es difícil ver por qué los fans de estos temas muestran la vendimia no sólo se buscan los originales en su lugar.
• Pero dándoles un toque sutil, las Hermanas Puppini han creado un tributo fascinante y creativa que se destaca por sus propios méritos.

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Lulu Gainsbourg

• 25 años de edad, Lulu Gainsbourg, hijo de Serge y Bambou, acaba de lanzar su primer álbum, un tributo a su padre al ofrecer a su personal las versiones de éxitos como L'eau à la bouche, Je suis venu te dire que je m ' en vais y Javanaise La. El invitado impresionante line-up incluye Marianne Faithfull, Vanessa Paradis, Johnny Depp y M.
  Su hermana mayor, Charlotte ha estado bajo los reflectores desde su tierna edad, pero no ha habido noticias de escasa Lulu desde que apareció como un niño de dos años en el escenario del cenit con su papá Serge Gainsbourg realizar Hey Man,
• Amén, una pista acerca de su hijo, y luego en el programa de televisión Soirée Sacrée, vestido como un avatar de su famoso padre. No es un dickybird ya que, a excepción de escasos vestigios de sus idas y venidas en las revistas de celebridades.
• De repente, él está en todas partes, la promoción de su primer CD, de Gainsbourg a Lulu, un homenaje a su padre. El jugador de 25 años de edad, es un deportivo, Johnny Depp lookalike con aire indiferente: "Mi madre siempre me protegió de demasiada publicidad y no sólo iba a construir mi reputación como 'Serge junior". Para el último cuarto de siglo, Lulu ("Lucien, es grave. Yo nunca le daría un hijo mío ese nombre") ha estado tratando de escapar de su destino.
• Aunque le gustaba escuchar música, optó por enterrar a su timidez en los juegos de video ("Me gustaría llegar a la orilla!", Se ríe), y soñaba con trabajar en TI, la gestión de un club de video o convertirse en un piloto de Fórmula Uno de carreras. Pero entonces Lulú se crió, se sacudió los grilletes de la infancia e hizo una pocas realizaciones: "El hecho de que mi padre hizo la música, eso no significaba que no podía". Partió para Boston hace cinco años y entró en la Berklee School of Music de prestigio, que componen Quand je suis seul, una pista de su amigo Marc Lavoine (Volumen 10 del álbum). Que abrió los ojos. Lulu ha publicado su primer disco, una colección de canciones de su padre: "Yo estaba dispuesto a asumir mi herencia y que lleve mi nombre. Gainsbourg joven al fin había algo que mostrar por sí mismo. "
• Para liberarse, Lulu optó por hacer un regalo musical a su padre, sirviendo sus canciones vestidas de colores nuevos. Serge murió cuando tenía sólo cinco años Lulu y recuerda poco a su padre, sólo unos pocos gemas preciosas, como la intensa alegría que ambos sentían cuando estaban juntos, los viajes escolares, un notas de piano pocos, y por supuesto su música.
• Para hacer su homenaje, Lulu conjuró un elenco alucinante para asegurarse de que el nombre de su padre, que resuenan en todo el mundo y las generaciones. Nada era demasiado bueno para Serge. El joven audaz fue directamente a la parte superior y en contacto con Bob Dylan, Leonard Cohen, Stevie Wonder, Jamiroquai, Herbie Hancock y muchos más. La lista definitiva cuenta con Rufus Wainwright, Scarlett Johansson (a quien describe como "la Brigitte Bardot del siglo 21"), Marianne Faithfull, M, Vanessa Paradis y Johnny Depp ("mi hermano mayor espiritual"), Shane MacGowan ("el cantante de plomo de The Pogues, el único grupo que mi padre solía ir a ver en vivo "), Angelo Debarre, Richard Bona, Mélanie Thierry, Iggy Pop, Ayo, Sly Johnson ... bastante line-up.
• Para apoyar a las estrellas, algunos de los músicos ex Serge trabajó en el álbum y fue muy rápido para detectar las semejanzas: "En el estudio, el baterista me dijo que yo era tan perfeccionista como mi padre: un tirano amable, al igual que él", Lulu dice con orgullo. Cuando se le preguntó qué más tiene en común con su progenitor, dice: "No sé, todavía soy demasiado joven. Quizás tengo las mismas manos, pero definitivamente no es la misma nariz ganchuda "que risa. Algunos podrían sorprenderse de no encontrar Charlotte y Bambou contribuir al álbum, pero Lulu es firme, "período de la familia en este registro se reduce a mi y mi papá!"
• El resultado es una colección de dieciséis pistas de canciones elegantes y suaves. Los golpes (L'eau à la bouche, Requiem pour un con, Iniciales BB, etc), suenan diferente, como si bañado en otro punto de vista, y algunos de los monumentos se convierten en números de jazz iluminado (por ejemplo, el hombre intoxicado y Trombón Negro) . Pero no hay sorpresas revolucionarias en el registro. Lulu está claramente tratando de alejarse de su padre, sin embargo, se mantiene extrañamente en sus pasos. Ninguna de las pistas fue escrito o compuesto por Lulu, y aunque les ha arreglado bien, él no ha inventado nada nuevo. Todos vamos a estar esperando el próximo capítulo para ver, ahora que el hijo ha volado del nido, sólo el ancho será desplegando sus alas.

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Cyrille Aimée & Friends

•  Cyrille ha demostrado constantemente a sí misma como un talento imparable e innegable en la era moderna del jazz. Su experiencia de gran riqueza cultural le ha suministrado con el motor de la República Dominicana el ritmo y el swing increíble de los gitanos franceses. Tomando estas habilidades naturales con ella en todo el mundo, que ha recibido excelentes críticas y un público fiel en cada país que gracias a su voz. Fue finalista en el concurso Thelonious Monk Vocal prestigiosos de 2010, actuando en frente de un jurado de Al Jarreau, ...
• ... Kurt Elling, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater. En 2007, Cyrille ganó el primer premio y el público en el Concurso Festival de Jazz de Montreux. Cyrille discografía e historia musical es una lista impresionante para cualquier músico de jazz o de otra manera. A la temprana edad de 26 años, ya ha lanzado tres discos a nivel internacional, entre ellos "Cyrille Aimée y La Banda del Surrealismo" y "Smile" con el brasileño Diego Figueiredo guitarrista.
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Julie London

• Julie London (26 de septiembre de 1926 - 18 de octubre de 2000) fue una cantante y actriz estadounidense. Mejor conocida por su sensual voz, como cantante alcanzó su cima en la década de los 50, con su principal hit, "Cry me a River", compuesto y producido por su marido, Bobby Troup; mientras que su carrera como actriz duró más de 35 años, terminando con el rol de la enfermera Dixie McCall, en la serie de televisión Emergency! (1972–1979).
• Una sensual y llena de humo de voz maestra de subestimación, Julie London gozar de gran popularidad durante la época de frío de la década de 1950. Londres no tenía el rango de Ella Fitzgerald o Sarah Vaughan, pero a menudo se utiliza la moderación, la suavidad, la sutileza y el aprovechamiento al máximo. Una actriz como cantante, Londres juega con pesos pesados ​​como Gregory Peck y Rock Hudson en varias películas, y se casó con Jack Webb de la fama Dragnet durante siete años antes de casarse con el compositor Bobby Troup ("Route 66").
•  Londres, realizó su más grande éxito, "Cry Me a River", en la película de Jayne Mansfield The Girl no lo puedo evitar. Después de grabar su último álbum, Yummy, Yummy, Yummy, en 1969, se continuó actuando - jugando un enfermero en el drama de la NBC de emergencia médica de 1974-1978. A pesar de su "sex symbol" de imagen - Londres era conocida por su sexy cubre LP, lo que los objetos de colección - que fue sorprendentemente tímida, y el mundo del espectáculo a la izquierda del todo en los últimos años 70.
•  A mediados de los años 90 Londres sufrió un derrame cerebral, lo que llevó a la mitad de la década de mala salud y en última instancia contribuyeron a su muerte el 18 de octubre de 2000.
• Escuchen este tema es maravilloso ... Julie London - When I Fall In Love

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RioRoma

•    Sin duda esta balada causa merito para la balada del año... es cierto no hay duda... tiene todo el sentido ...no lo beseis simplemente... Este Tema es única....Solo para románticos...
• Poco menos de un mes de lanzar su primer material discográfico al mercado, el grupo pop Río Roma ya suena en la radio del país gracias al sencillo 'Al fin te encontré', en el que de una manera original asegura cantarle al amor..  Río Roma se conforma por los hermanos José Luis y Raúl Ortega, quienes comentan en entrevista que después de varios años de componer música para otros artistas, decidieron probar suerte al interpretar sus propias creaciones.
• José Luis señala que el álbum fue grabado en la ciudad de Nashville, Tennessee, porque querían lograr un sonido diferente, y en dicho lugar cuentan con un estilo particular para producir. “Se grabó todo en conjunto, contamos con músicos de primer nivel y eso le dio un estilo diferente a la producción que quedó plasmado en el disco”.
• El cantautor explica que como ingeniero de sonido tuvieron a Memo Gil, quien ha trabajado para diversos proyectos musicales; desde Maná hasta Pandora, y los dotó de mayor dinamismo.
• Por su parte, Raúl indica que lo que buscan como proyecto es ofrecer una nueva forma de cantarle al amor, a través de un lenguaje sencillo y directo, que gracias a su oficio y experiencia de varios años, es capaz de plasmar en 11 canciones escritas a lo largo de la última década. “Lo que a nosotros nos interesa es cantarle al amor pero de una manera distinta, tenemos nuestra propia manera de hacerlo y eso es algo que a la gente le ha gustado”.
• De entre los temas que conforman la primera placa, Raúl destaca piezas como No lo beses, Por eso te amo y Amor amor, las cuales asegura son “baladas autobiográficas, en una cuidada producción, pero sobre todo son historias de amor que todo el mundo ha vivido”.
• Momento de cambio
• José Luis y Raúl Ortega comenzaron su carrera como compositores de cantantes como Alejandro Fernández, Camila, Alejandra Guzmán, Ha*Ash, Pandora, Edith Márquez, La Arrolladora Banda Limón y K-Paz de la Sierra, aunque ahora aseguran estar completamente enfocados en Río Roma. “Lo que nos interesa en este momento es el impulsar nuestro grupo”, asegura Raúl, quien al tiempo agrega: “Lo que ahora componemos es con prioridad en este proyecto. Hace cuatro años que no teníamos el grupo hacíamos temas para otra gente, pero las cosas ahora han cambiado”.
• Por cierto
• De acuerdo con los integrantes de Río Roma, el nombre lo escogieron porque además de sonar fuerte es un palíndromo, ya que al revés significa Oír Amor, coincidencia que se ve reflejada en la lírica de sus canciones.
• ''Estamos muy contentos y orgullosos con nuestro primer material discográfico''
  Raúl Ortega, integrante de Río Roma.
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Sophie Milman

•  Bueno estó es un regalo que me hacen  Por ser  hoy  15  , Mi cumpleaños
• Gracias por mi regalo  Sophie Milman..
  Después de emigrar de Rusia a comienzos de la década de 1990, su familia se instaló en Israel cuando ella tenía siete años. Milman es de ascendecia judía, y pasó la mayor parte de su infancia en Israel, donde escuchó abundante música de jazz, aficionándose a ella y decidiéndose por este estilo musical. A los dieciséis años, se mudó a Canadá con su familia
  Sophie Milman vendió con su primer disco casi 100.000 copias por todo el mundo, alcanzando el Top 5 en Canadá y el Top 15 en los Estados Unidos. Ha dado conciertos en Canadá, EEUU, México , Japón y en varios países de Europa. 
  
                                                                                                                                                       

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