Michael Angelo Batio

• Michael fue nombrado uno de los 50 guitarristas más rápidos de todos los tiempos por la revista Guitar World, una de las 20 más grandes trituradoras de todos los tiempos por Total Guitar Magazine en el Reino Unido y nombrado uno de los 20 mejores guitarristas de Chicago de todos los tiempos por la revista de música famosos , el animador de Illinois. Todos en el mismo mes!
• Michael se presentó en "Colbert Report" de la Comedy Central es organizada por Stephen Colbert, el miércoles 23 de enero 2008! Este programa de cable muy popular es visto por millones de personas en todo el mundo. Michael fue mencionado junto con Tom Brady, Jimmy Carter y Al Gore.
• MAB se presentará en un nuevo documental Randy Rhoads que se estrenará este año. El director Peter Margolis y Fotos de Dakota será la liberación de la película. Más información a continuación.
• El número de enero de 2005 de la revista Young Magazine de Japón Guitarra lista a Michael como uno de los más grandes guitarristas de TODOS LOS TIEMPOS! La lista se divide en tres categorías. Leyendas, Maestro y Maestros. Michael Angelo Batio aparece en la sección de Maestros. Otros nombres en esta categoría son Eric Johnson, Frank Zappa, Larry Carlton, Django Reinhardt y Johnny Winter. Otros nombres incluidos en la sección de Leyendas y lista general son Edward Van Halen, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Eric Clapton, Jeff Beck y mucho más.
• El 27 de octubre de 2005 Michael publicó su aclamado "Manos sin sombras" CD. Esta es la obra más ambiciosa de Michael hasta la fecha cuenta con apariciones especiales de Mark Tremonti de Alter Bridge y el Credo, Rudy Sarzo de Ozzy, Whitesnake y Quiet Riot, Doug Marks, fundador del Método de metal, el virtuoso guitarrista Bill Peck y mucho más. Bobby Rock tocó la batería en todo el CD. El principal bajista William Kopecky es una cadena de 6 y virtuoso del bajo sin trastes.
• En octubre de 2005, la revista Guitar World puso en marcha un programa de televisión por cable en la red de Comcast Cable con el MAB tiene un segmento de 11 minutos en el show. Los 3 segmentos de video en términos de popularidad y el barco visor se Zakk Wylde, Michael Angelo Batio y Steve Vai llegando a los números 1, 2 y 3 con Dave Mustaine en el no. 4.
• Julio de la revista Guitar World 2005 de la revista aparece Michael en un artículo de la página principal 6 y una página de dos "coleccionistas elección" póster a color de su famoso Dean doble guitarra. Además de esto, hubo una página llena de anuncios guitarras Dean con Michael, así como un anuncio de Metal método también con Michael. Guitar World Magazine llamado Michael "el guitarrista más ardiente en el planeta" en este tema. Este era enorme!
• Revista Guitar One votó Miguel no. Una trituradora de todos los tiempos en su edición abril 2003. Otros notables guitarristas que hicieron los 10 fueron John Petrucci, Paul Gilbert, Buckethead, (el gran tarde) Shawn Lane y Yngwie Malmsteen.
• Guitar World Magazine, enero de 2004 de la revista, los nombres de Michael Angelo Batio "Speed ​​Kills" uno de los "75 esenciales guitarra DVD's", Guitar World y una serie de gigantes de rock llamaron a su guitarra favorita de DVD. "Speed ​​Kills", DVD instruccional de Michael está en la categoría "Master Classes" con BB King, Flea, Frank Gambale y John Petrucci. Guitar World llama "Speed ​​Kills". "La cara final de fusión de instrucción de DVD."
• Guitar World Magazine (marzo de 2004 de la revista) los nombres de Michael Angelo Batio una de las "100 mejores guitarristas de metal más grande de todos los tiempos". Tony Iommi (sábado Negro), Edward Van Halen, Jimi Hendrix y Jimmy Page se encontraban entre los 100 elegidos. Todos, desde la CNN a Yahoo en línea ha hablado y escrito sobre esto.
• Michael fue honrado por la Universidad G Martell en la Ciudad de México, México en septiembre de 2003. Llamaron a un salón de clases en su honor y puso su mano las impresiones en el cemento de mostrarlos en su "Paseo de la Fama".
• FHM Magazine, edición de noviembre 2003 bajo el título de Michael y su "quad", una guitarra de los 50 momentos más escandalosos de la historia del rock! Los Beatles, Elvis Presley, The Rolling Stones, The Who, Bob Dylan, Metallica, Axel Rose, The Eagles y muchos más también fueron nombrados a la lista. Halle Berry aparece en la portada.
• Michael ha tenido dos importantes acuerdos sello discográfico. Atlantic Records con la banda "Holanda" y Rhino / Warner Records hermanos con la banda "Nitro".
• Michael realizó una gira en Europa con el fallecido, el legendario Jimi Hendrix Experience bajista Noel Redding en el invierno de 1999.
• Junio ​​de 1994, primer CD en solitario de Michael "No Boundaries", fue lanzado mundialmente el ECAM etiqueta de Michael Música, Records Inc.. "No Boundaries" es considerado por muchos como uno de los CDs mejor guitarra instrumental eléctrico de su tipo jamás registrado.
• Michael empezó como guitarrista de sesión cuando tenía 19 años de edad. Ha grabado televisión, radio y música para el cine industrial: Burger King, Pizza Hut, Taco Bell, KFC, United Airlines, United Way, McDonald's y el equipo de Chicago Lobos de hockey entre otros.
• Michael protagonizó la película para cable "Shock'em Dead". La película juega en Showtime, Cinemax, The Movie Channel y Pay-Per-View.
• La banda "Nitro" (con Michael a la guitarra) publicó el disco "IEF" en Rhino / registros de Capital. Michael produjo el disco y "éxito" las listas de Billboard. "Nitro" hecho 3 video de MTV, MTV organizó el "Headbangers Ball" (donde Michael tocada en vivo) y una gira de shows, por todas partes.
• A los 14 MAB tocaba jazz y un 16 ganó un premio de solista de jazz sobresalientes en la guitarra.

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blind melon

• La banda se formó en 1989 en la ciudad de Los Ángeles, con miembros procedentes de diversos estados norteamericanos, como Indiana, Pennsylvania o Mississippi, y firmaron un contrato con Capitol Records en 1991. La aparición del vocalista Shannon Hoon en el vídeo musical del tema "Don't Cry" de Guns 'N Roses consiguió una cierta popularidad para el grupo reforzada por la publicación de su primer álbum, homónimo, producido por Rick Parashar, quien había trabajado anteriormente con Pearl Jam. Aunque el disco no consiguió muchas ventas al poco de salir al mercado, el single "No Rain" contribuyó en gran medida a difundir a música de Blind Melon por los Estados Unidos. El vídeo de esta canción, protagonizado por una niña disfrazada de abeja, alcanzó una inusitada y espectacular popularidad, y el disco consiguió superar los cuatro millones de copias vendidas. Este disco presenta influencias del rock de los años '70, el folk y el pop.
• Para presentar el disco, Blind Melon abrieron en conciertos de Lenny Kravitz, Neil Young, Soundgarden y los Rolling Stones, y encabezaron su propia gira que tuvo que ser suspendida al poco de comenzarse debido al abuso de drogas por parte de Shannon Hoon.
• En 1994, la banda comenzó a grabar su segundo disco de estudio, Soup, en Nueva Orleans con el productor Andy Wallace. Este álbum fue publicado en 1995 y significó un ligero avance hacia el rock alternativo, con canciones más cortas y recortando la influencia del folk y el pop. Aunque este disco fue un poco más accesible al gran público a pesar de su cambio de estilo, Soup no consiguió las ventas esperadas.
• Poco después de la edición de este álbum, la banda contribuyó a la grabación de Encomium, un disco en tributo de Led Zeppelin en el que grabaron el tema "Out on the Tiles".
• La gira de promoción del trabajo estuvo marcada por los constantes problemas de Hoon con las drogas. Éste tuvo que llevarse a su tutor en la clínica de rehabilitación en la que estaba ingresado para que le impidiese reincidir en su adicción, pero debido al constante desobedecimiento por parte del vocalista, este tutor fue despedido a los pocos días de comenzar la gira. Este hecho fue acusado por Hoon, quien el 21 de octubre de 1995, en Nueva Orleans, fue encontrado muerto en el autobús del grupo a causa de una sobredosis de cocaína, horas antes de una presentación en dicha ciudad. Sus compañeros decidieron editar un disco póstumo, titulado Nico, que contiene temas descartados, canciones inéditas y versiones de John Lennon y Steppenwolf. El título del álbum es el mismo que el nombre de la hija de Hoon, que contaba con sólo trece semanas de vida al morir su padre. Los beneficios recaudados por las ventas del disco fueron destinados a la manutención de la hija de Hoon y donados a asociaciones de ayuda a músicos con problemas de adicción al alcohol y a las drogas.
• Después de un breve intento de seguir adelante por parte de los restantes miembros de Blind Melon, la banda se separó el 4 de marzo de 1996, y sus integrantes se separaron para formar distintos proyectos.
• La muerte del cantante y el correr de los años, han hecho que Blind Melon pasara a ser una banda de culto, haciendo que el público revalorizara su música con mayor intensidad, debido a su gran legado, que trajó los sentimentos musicales caraterísticos de los años '60 y '70, pero llevados a la modernidad, y así como el movimiento Grunge, las canciones del grupo fueron toda una voz para la furiosa "Generación X".
• En 2002, Capitol Records editó un DVD titulado Classic Masters que contiene videos y entrevistas de la banda. La gran acogida que recibió este DVD hizo que los antiguos miembros editasen Live And The Woodstock 1994 en 2005 junto con un DVD que muestra una actuación de la banda en septiembre de 1995 en Chicago. El 16 de diciembre de 2006 salió a la venta un álbum tributo a Blind Melon sólo en Nueva Zelanda, aunque contiene canciones de grupos de todo el mundo. Poco antes, en abril de ese mismo año, Capitol Records editó Otro DVD en directo, Live at the Palace.
• El 15 de septiembre de 2006 se anunció una reunificación de la banda con un nuevo vocalista, Travis Warren, proveniente de Rain fur Rent. Poco después, el 9 de noviembre, se publicaron tres nuevas canciones de Blind Melon, "Make a Difference", "For My Friends", y "Harmful Belly", y en agosto de 2007 se les unió otra más, "Wishing Well", que puede ser escuchada en el sitio de la banda en MySpace. El 7 de octubre de 2007, Blind Melon realizó su primer concierto en doce años en la ciudad de Providence, Rhode Island.
• For My Friends, el nuevo álbum de Blind Melon, salió a la venta el 22 de abril de 2008 en Adrenaline Records. Anteriormente había sido publicado el primer sencillo, "Wishing Well", el 4 de marzo.
• En septiembre de ese año se publicó el libro A Devil on One Shoulder and an Angel on the Other: The Story of Shannon Hoon and Blind Melon, del periodista musical Greg Prato, basado en la carrera de la banda antes de la muerte de Shannon Hoon. En noviembre de ese año la banda anunció la salida de Warren, por razones no oficiales: mientras Warren adujo que le habían expulsado de la banda tras perder la voz a causa de la gran cantidad de conciertos que dio, el resto de miembros apuntó a la irresponsabilidad y a la falta de comunicación con el resto como los detonantes de la marcha del vocalista, añadiendo que había sido una decisión del propio cantante. A fines de 2010 y comienzos de 2011, la banda se vuelve a juntar para dar una serie de conciertos por Estados Unidos.
• En 2011, se oyen rumores de que la banda podría tocar en el Festival Lollapallooza, que se llevará a cabo en Chile, ilusionando a los fanáticos con que Blind Melon podría estar por primera vez en Latinoamerica.

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Keb 'Mo

• El cantante y compositor y guitarrista de música Keb 'Mo es un eslabón viviente con el seminal blues del Delta que viajó por el río Mississippi y en toda la extensión de América - informar a todos de sus raíces musicales - antes de evolucionar en una forma de arte universalmente celebrada. Kevin Moore nació en el sur de Los Angeles de padres originarios del sur profundo, adoptó su nombre más conocido etapa cuando era un joven jugador que llegó a ser inspirados por la fuerza de este legado esencial afro-americanos. En la tradición legendaria de músicos de blues ante él como Muddy Waters - anteriormente McKinley Morganfield - y el Taj Mahal, que comenzó sus días como Henry St. Clair Fredericks, Moore se hizo conocido como Keb 'Mo'. Su aclamado auto-titulado álbum debut 1994 introdujo esa denominación ya famoso en el mundo, y su más reciente álbum de 2006 de la maleta, que lleva a nuevas alturas.
•  Mo música es también una expresión puramente post-moderna de la trayectoria artística y cultural que ha transformado el blues, y su propio punto de vista, con el tiempo. Su distintivo sonido abraza múltiples épocas y géneros, incluyendo pop rock folk, y jazz, en el que está bien versado. En total, se debe tanto al movimiento de la música contemporánea de la cantante y compositora, que abarca sus viejos amigos y colaboradores, Bonnie Raitt y Jackson Browne, como al espíritu del blues Robert Johnson padrino que habita en su obra. Para Keb 'Mo', el lazo común entre estas influencias es la narración de historias subyacentes ética, el poder de la canción para expresar la experiencia humana y el peso emocional.
•  PREMIOS
• PREMIO GRAMMY Álbum de Blues Contemporáneo "Just Like You" 1997
• Álbum de Blues Contemporáneo PREMIO GRAMMY "Slow Down" 1999
• Álbum de Blues Contemporáneo PREMIO GRAMMY "Keep It Simple", 2005
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "Maleta" 2007
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "gran sonrisa ancha" 2002
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "La Puerta" 2001
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO País Canción del Año "Espero" 2006
• Disco de Oro certificado por la RIAA para "Keb 'Mo'" 2005
•  2002 PREMIOS GIBSON ORVILLE La mejor guitarrista de blues
•  2008 FESTIVAL DE CINE DE ELEVAR-Mejor Artista de Música
•  2008 FESTIVAL DE CINE DE ELEVAR-Mejor Video Musical
•  ROCK Hollywood Walk INDUCCIÓN - 16 de junio 2007
• WC Handy Blues Premios:
• 1999 Canción del Año - pronto como se les paga
•  1994 País / Acoustic Blues Album del Año - Keb 'Mo' álbum
•  1999 y 2000 Blues Contemporáneo Artista Masculino del Año
•  1997-2002 Blues Acústico Artista del Año

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Sia Furler

• Sia Kate Isobelle Furler (18 de diciembre de 1975 en Adelaida) es una cantante pop australiana. Además de solista, hace los coros para Zero 7. Sacó su primer disco con una discográfica independiente australiana y después firmó para Sony Music. En 2010 salió a la venta su cuarto álbum de estudio, We Are Born.
• En 2003 se Sia lanzar un EP titulado Don't Bring Me Down. Este fue utilizado como la canción de cierre de la película francesa, de 36 Quai des Orfèvres. Su segundo álbum, titulado color el pequeño, fue lanzado en Australia y Europa el año siguiente. Este álbum vio downtempo Sia emplear una mezcla de instrumentos acústicos y electrónicos de respaldo en su material, que dio lugar a comparaciones con artistas como Dido y Sarah McLachlan.
• Se presentó "El Bully", que fue una colaboración con el músico estadounidense Beck Hansen. Dos canciones más fueron co-escrito y producido, pero aún no se han puesto en libertad. Color de la pequeña, sin embargo, dio lugar a los singles "Breathe Me" y "Where I Belong". La pista de este último se destinó a aparecer en la banda sonora de la película Spider-Man 2, pero debido a un conflicto sello discográfico, su inclusión fue retirada. En previsión de esta inclusión notables, el single de "Where I Belong" fue empaquetado con una cubierta con Sia vestido con un traje de Spider-Man
•  A principios de 2005, Sia se separaron con Go! Beat Records, decepcionado por la mala promoción de la empresa del álbum, y el fracaso de contraparte de la etiqueta EE.UU. para recoger el expediente. Mientras tanto, "Breathe Me" estaba empezando a recibir la notificación internacional con apariciones en la final de la serie de televisión de los EE.UU. serie de HBO Six Feet Under y la difusión de la Victoria Secret Show 2006 de la moda. La pista había sido autorizado para Astralwerks (que también produce la banda sonora de Six Feet Under), y con base en la retroalimentación positiva, la licencia completa de color el pequeño fue recogido por Astralwerks y dado una versión estadounidense a principios de 2006.
•  Sia gira por los EE.UU. durante el año 2006, la promoción del álbum y la promoción de la cruz-Six Feet Under quinta temporada en DVD. La re-editado álbum de 2006 EE.UU. cuenta con cuatro bonus tracks: "Galletas rotos" (de la Don't Bring Me Down EP), "Sea Shells" (el lado B de "Breathe Me" en el Reino Unido) y dos remixes de "Breathe Me" de Four Tet y Ulrich Schnauss.
  En 2007, Sia tuvo un año prolífico en cuanto a la liberación de la música, aunque no dio a conocer su álbum completo de terceros hasta enero de 2008. El 3 de abril de 2007, tercer LP de Sia (casi EP-ish) Lady Croissant fue lanzado en los EE.UU. Se presentó ocho canciones en vivo y un tema nuevo estudio ("Imágenes"). En noviembre de 2007, cuatro de Sia-canción EP, Day Too Soon, fue lanzado en iTunes. Se incluyen los temas "Day Too Soon", "Botones", "Lost You Girl a la cocaína", y un remix de "Day Too Soon" por Mock & Toof.
• LP cuarto Sia (tercera propiamente dicha), algunas personas tienen problemas reales, fue lanzado en enero de 2008. El primer sencillo fue "Day Too Soon". Un video de la canción "Botones" se puede encontrar en YouTube, así como muchos otros videos en vivo y en estudio. La canción "Little Negro Sandalias", del álbum fue presentado en el programa de televisión Private Practice en un episodio de la temporada, "En el que Addison encuentra un gorro de ducha".
• El 8 de enero de 2008, Sia realizó "The Girl Lost You a la cocaína" en Late Night con Conan O'Brien. La canción también ha sido remezclado por gente como Sander van Doorn, Stonebridge y O. Jens El Sander van Doorn remix fue un éxito en los Países Bajos, alcanzando el puesto Nª 11 en las listas de sencillos holandés. Sia y sus miembros de la banda vestían trajes que brillan en la oscuridad-en Jimmy Kimmel Live! en enero de 2008, la realización de "Botones" y "Breathe Me". El remix de Mylo "Breathe Me" también fue utilizado en varias ocasiones en su segmento nocturno "La crisis de Wall Street: ¿Es su dinero seguro?" durante la crisis económica de 2008-2009.
• Sia vídeo musical, "Soon We'll Be Found", apareció en la portada de los Estados Unidos de la iTunes Music Store. Los clientes se podrán descargar una versión de alta calidad del vídeo de forma gratuita. Se ha ganado en general buenas críticas de los clientes, aunque el grado medio como de 10 de noviembre de 2008 es 3.5 estrellas.
• Su portada de Ray Davies "Me voy a dormir" ha aparecido en series de televisión como casa de muñecas ("Gray Hour" episodio) y repletas hasta el techo ("Perfect Bubble" episodio).
• Christina Aguilera, gerente de AguileraFurler acercó en 2007 para grabar "Muerte por Chocolate" y Christina Aguilera en contacto con Enrollador sí misma. Enrollador de entonces colaboró ​​con su bajista Samuel Diaz y Christina Aguilera en las canciones para cuarto álbum de estudio de Christina, Bionic. Tres de las canciones se incluyeron en el álbum Bionic.

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Thomas Earl Petty

• Thomas Earl Petty (Gainesville, Florida, 20 de octubre de 1950) es un músico estadounidense
  Su segundo álbum, You're Gonna Get It! (1978) demostró que la intensidad del primer disco no era casual. Se convirtió en el primer disco de oro de la banda en Estados Unidos y contenía sencillos como "Listen To Her Heart" y "I Need To Know". No mucho después de su lanzamiento, la banda tuvo un litigio cuando ABC Records, la compañía matriz de Shelter, fue vendida a MCA Records. Petty se negó a ser simplemente transferido a otra compañía sin su consetimiento. Se atuvo a sus principios durante nueve meses que al final le llevaron a la bancarrota.
• Tras resolverse la disputa, Tom Petty & the Heartbreakers lanzaron su tercer álbum, Damn the Torpedoes (1979), que con el sencillo «Refugee» se convirtió rápidamente en triple platino en Estados Unidos. A este disco le siguió Hard Promises (1981), que no tuvo gran éxito comercial pero recibió buenas críticas.
• En su quinto álbum, Long After Dark (1982), el bajista Ron Blair fue reemplazado por Howie Epstein, con lo que se completó la formación final de The Heartbreakers. Sin embargo, Tom Petty tenía problemas para manejar el estrés y el éxito, así que decidió reducir el ritmo de trabajo.
• En su disco de regreso, Southern Accents (1985), Tom Petty & The Heartbreakers volvieron donde lo habían dejado. El disco tuvo sus problemas: Petty, en un momento de frustración del proceso de mezclas, pegó un puñetazo a la pared y rompió su mano izquierda. El álbum incluía el exitoso sencillo «Don't Come Around Here No More», producido por Dave Stewart.
• De la exitosa gira de conciertos que siguió al disco nació el álbum en directo Pack Up The Plantation-Live! (1985). Las capacidades de la banda en directo fueron puestas a prueba cuando Bob Dylan invitó a Tom Petty & the Heartbreakers a unirse a él en su gira True Confessions por los Estados Unidos, Australia, Japón (1986) y Europa (1987).
• También en 1987, el grupo lanzó Let Me Up (I've Had Enough), un disco de estudio hecho para sonar como un disco en directo con una técnica tomada de Bob Dylan. Incluye «Jammin' Me», escrita por Petty y Dylan.
• Petty también apareció en varios episodios de It's Garry Shandling's Show (1987 - 1990), haciendo de sí mismo como uno de los vecinos de Garry Shandling.
• En 1989, Petty lanzó Full Moon Fever. Aunque nominalmente era un proyecto en solitario, otros miembros de Heartbreakers y algunos músicos muy conocidos participaron en la grabación. Mike Campbell coprodujo el disco con Petty y Jeff Lynne (de la Electric Light Orchestra). Estuvo entre los diez primeros de la lista de Billboard durante más de 34 semanas y consiguió llegar al triple platino, con éxitos como «I Won't Back Down», «Free Fallin'» y «Runnin' Down A Dream».
• Antes de Full Moon Fever, Lynne y Petty habían trabajado juntos en la banda de estrellas Traveling Wilburys, que también contaba con Bob Dylan, George Harrison y Roy Orbison. Traveling Wilburys comenzaron como una broma para grabar una cara B de un sencillo de George Harrison, pero la canción «Handle With Care» tuvo tanto éxito que el grupo decidió grabar un disco completo, Traveling Wilburys Vol. 1 (1988). La repentina muerte de Roy Orbison ensombreció el éxito y poco tiempo después Del Shannon, en quien el resto de los Wilburys pensaban como reemplazo, se suicidó. Se lanzó un segundo disco de los Wilburys, llamado misteriosamente Traveling Wilburys Vol. 3 (1990), pero no estuvo a la altura de las expectativas.
• Petty se volvió a juntar con los Heartbreakers para su siguiente álbum, Into the Great Wide Open (1991). Producido de nuevo por Jeff Lynne, incluye los exitos sencillos «Learning To Fly» y «Into The Great Wide Open».
• En 1994, Petty lanzó su segundo disco en solitario, Wildflowers, que también tuvo canciones de éxito como «You Don't Know How It Feels», «You Wreck Me», «It's Good to Be King», «A Higher Place» y «Honey Bee».
• Petty ha recibido 10 nominaciones a los Premios Grammy desde 1981. Ese año recibió su primera nominación por su colaboración con Stevie Nicks, «Stop Draggin' My Heart Around», en la categoría de Mejor actuación de rock realizada por un dúo o grupo con voz. Petty consiguió un permio Grammy en 1989 en la misma categoría por su trabajo con los Traveling Wilburys. En 1994 recibió otros dos premiso Grammy: Mejor interpretación vocal masculina (por «You Don't Know How It Feels») y Álbum mejor producido (no clásica). Wildflowers también obtuvo una nominación a los Grammy como Mejor álbum de rock.
• Otros premios conseguidos por Wildflowers incluyen el Premio al mejor vídeo masculino por «You Don't Know How It Feels», otorgado en 1995 por la MTV. Tom Petty & The Heartbreakers ganaron el mismo premio en 1994 con el vídeo «Mary Jane's Last Dance». En la ceremonia de 1994, también se le otorgó a Petty el Premio a vídeo de vanguardia, citando sus contribuciones al campo a lo largo de mucho tiempo.
• Como compositor de canciones, Tom Petty recibió en mayo de 1996 el prestigioso Golden Note Award de ASCAP. En abril de 1996, Petty recibió el premio George And Ira Gershwin Award For Lifetime Musical Achievement de la UCLA. En 2002 el grupo entró en el Rock and Roll Hall of Fame.
• En 1999 Tom Petty & the Heartbreakers recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en 7018 Hollywood Blvd., un honor que reconoce tanto sus logros musicales como su entrega humanitaria con organizaciones como Greenpeace, la National Veteran's Foundation, USA Harvest, Rock And Wrap It Up y AmFAR (American Foundation for AIDS Research).
• En 2002 Petty apareció en Los Simpsons, en el episodio "What I Did In My Strummer Vacation". También ha puesto la voz al personaje Lucky in King of the Hill.
• En 2005, Tom Petty comenzó su propio programa "Buried Treasure" en XM Radio. En el programa, Petty comparte selecciones de su colección de discos personal.

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Loquillo y los Trogloditas

• Ciertamente hablar de Loquillo y los Trogloditas es hablar de un capitulo del rock and roll  español
• Tipo duro de aspecto imponente es mucho más que un cantante de rock and roll al uso.
• Su estética combina el cuero de macarra de barrio con el dandy de traje de corte impecable y sombrero de ganster. 
•  No sabe tener la boca cerrada y sus declaraciones siempre están en el ojo del huracán.
• Si estás dispuesto a escucharle no dejará títere con cabeza, ataca a los medios y la industria discográfica, aunque sea su propia compañía de discos.
• Aunque parezca mentira, existió una generación que desconocía el término “latino” dentro de su música.
•  Una generación en la que el rock’n’roll era el santo y seña de casi todos. Una generación que creció escuchando a Gatos Locos, a La Frontera, a La Guardia o a Loquillo y Trogloditas.
• En el otro lado estaban los grupos poperos del momento, con Hombres G como bandera. Eran tiempos en los que, dentro de la música española existía algo que hoy prácticamente ha desaparecido: diversidad. La uniformidad de los tiempos que corren en la “música de aquí” es cada día más preocupante: salvando las minorías que tienen grupos más o menos representativos, el gran conjunto de los nuevos autores presumen de llevar tatuado en el brazo la palabra “música latina”. Modas. Pero aquí no estamos para hablar de lo que tenemos, sino de lo que fue. Loquillo y Trogloditas fue la mejor banda de rock and roll. Y precisamente, a raíz de este directo, dejaron de serlo.
•  De discos como La Mafia del Baile o Mis problemas con las Mujeres, saltaron a una comercialidad barata con Hombres o Mientras Respiremos, para dar paso más tarde al Loquillo más extraño, más lejano a sus inicios, al Loquillo de 9 tragos o Con Elegancia. Es ahora, con discos como Cuero Español o Feo, Fuerte y Formal, cuando intenta volver por sus fueros, ignorando que, quizá, ya es demasiado tarde. Por eso este A por ellos significa un antes y un después en la carrera del Loco. Fue la ruptura definitiva con su amigo y letrista Sabino.
•  Fue la consagración de un monstruo de la música. Pero, por desgracia, fue también el final de una etapa magistral. Y es por eso que este disco significa tanto para los que amamos en R’N’R. El Loco se puso al frente de su banda y nos cantó en directo 24 temas sin desperdicio. Fue un brillante colofón a una banda en vías de extinción.
•  Quizá el problema mayor fue que la banda pasó de formar parte de un grupo más o menos minoritario de gente a convertirse en un referente del panorama nacional. Es gracioso que, tras tantos discos, tenga que ser un directo el que lance a un grupo a lo más alto. "Hice ganar mucho dinero a la compañía de discos con aquel disco; se hizo con muy pocos recursos.
• El éxito nos superó, dejó al grupo al borde de la desaparición. Comprobamos en propia carne que un grupo vende más cuando más acabado está". Son palabras de Loquillo años después de grabar el disco. Palabras que explican a la perfección el motivo del cambio.
•  Se sentían acabados y decidieron tomar otro rumbo. Rumbo equivocado señalamos muchos. Y así fue. Hoy vuelven a ser un grupo para minorías, con la diferencia de que éstas están nostálgicas, poca gente nueva tiene ganas de acercarse a la banda. Temas como “Carne para Linda” con la que se inicia el doble disco, “El rompeolas” “Cadillac Solitario” "La mataré" o “Channel Cocaina y Don Perignon” son hoy clásicos de una etapa determinada de nuestra música.
• Canciones que a muchos nos hacen volver atrás en el tiempo y recordar momentos que vivimos mientras sonaban en la radio y en los bares. Canciones que te atrapan de nuevo en la distancia y que te llenan de “morriña”.
•  Pocos grupos podrán presumir dentro de unos años de seguir sonando en la cabeza de mucha gente. Los de hoy o son clones de los productos de moda o son flores pasajeras que se marchitan antes de llegar a la siguiente primavera.
• En fin que A por ellos es más que un disco. Es el momento cumbre de la carrera del mejor grupo de R’N’R que ha pisado nunca un escenario cantando en español. Aunque, por suerte, nos quedan los Platero.
• Tal vez esta no sea una biografía apasionada, con anécdotas de carretera y chismes de salón.  Pero son los hechos de un artista honesto con una carrera que tras treinta años de historia, acaba de empezar.

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Emma Shapplin

• Nacida en París en 1974, Emma recuerda que, siendo una niña, era demasiado tímida "incluso para hacer un ruidito, así que no digamos ya para cantar", y que su familia no era especialmente musical. Pero sus pasiones musicales salieron a la luz a los once años cuando oyó a la Reina de la Noche de La flauta mágica de Mozart. Fue un momento de trascendencia, aunque para su divertida vergüenza, Emma admite que esta intoducción al mundo de la ópera y el bel canto llegó a través de un anuncio de televisión. No obstante, así se forjó una relación amorosa de por vida: "Corrí a mi habitación e intenté cantar la melodía inmediatamente. Entonces fue cuando me enamoré por primera vez de cantar", dice. "En ese momento supe que era así como quería cantar. Ésa era la música que conmovía mi alma".
• Poco convencida en un principio de cómo satisfacer su deseo de cantar, no fue hasta que tuvo 14 años cuando Emma conoció a una profesora que pudo ayudarla a hacer realidad sus sueños. "Era una anciana pequeñita, de unos 70 años, y en su día había sido una gran cantante. Se rodeaba de velas, de gatos y de su piano y a mí me encantaba toda esta atmósfera", recuerda Emma. "Entré en contacto con estas partituras por primera vez y leí el texto italiano, que parecía tener algo de misterioso y romántico". También le dijo a Emma que era una soprano coloratura. "Cantar era aún para mí como jugar con una muñeca. Ella encontró mi voz y empezó lentamente a hacerla salir".
• Emma dio clases con ella durante dos años y quedó convencida de que había encontrado su objetivo en la vida. Pero estaba también acercándose a una edad en la que sus padres estaban preocupados por las perspectivas de una carrera y por su futuro. "No pensaban que cantar pudiera ser un trabajo como Dios manda", recuerda Emma. "Mi padre era policía y pensaba que quizás yo debería seguir sus pasos. Mi madre era secretaria y pensaba que ése sería un buen trabajo para mí. Entiendo por qué querían que me concentrase en mis otros estudios. Pero para mí cantar es una afirmación de estar viva".
• Continúa rindiendo tributo a su antigua profesora, pero no ha vuelto a verla desde entonces. "Aún me siento culpable de haber puesto fin a las clases", explica. Todos los grandes cantantes te dirán que la voz es un don y el no poder utilizar ese don es algo que hizo que Emma se sintiera vacía. "No sabía lo que quería hacer. Pero tenía la sensación de que había hecho algo mal. Me sentía reprimida. Si no canto, exploto", dice.
• Su deseo de cantar no desapareció y pronto habría de resurgir de una manera radicalmente diferente cuando entró a formar parte de un grupo de heavy metal. "Algunos compañeros de clase estaban formando un grupo de rock y estaban buscando realmente un cantante masculino", recuerda Emma. "Querían alguien que pudiera gritar, así que les dije que yo podría hacerlo". Su oferta fue aceptada y durante los dos próximos años abandonó las escalas y los ejercicios operísticos y fumó dos paquetes de cigarrillos al día para que su voz se volviera más áspera y adecuada para el rock.
• Sin embargo, aunque disfrutaba con los gritos, empezó a añorar la música de la ópera. Un día un amigo de su madre llevó a la joven cantante de rock a una representación de Don Giovanni de Mozart en un teatro de ópera de París. Era la primera vez que veía una ópera sobre un escenario y quedó maravillada. "Pensé que después de oír algo tan hermoso tenía que morirme", recuerda. "Teníamos entradas de anfiteatro y recuerdo que quisé saltar y volar".
• Emma empezó otra vez a buscar un profesor y decidió matricularse en una escuela de música. Sin embargo, pensó que el estilo de enseñanza era frío y formal y pronto emprendió viaje con una amiga a Nueva York. "Mientras estuve allí canté algo de rhythm & blues, que en cierto sentido tiene una fuerza semejante a la ópera. Es muy primitivo y ha contribuido mucho al modo en que me acerco al canto en la actualidad", dice.
• Cuando regresó posteriormente a Francia, volvió a retomar las clases de canto. Pero para entonces ya había decidido que no quería dedicarse al mundo de la ópera, especialmente después de que un profesor la acusara de introducir cosas raras en su interpretación de un aria famosa. "Eso me hizo plantearme que debía encontrar mis propios modos de expresión y utilizar mi voz para inventar algo propio y personal".
• Un encuentro casual en una fiesta con el compositor y estrella del pop francés Jean-Patrick Capdvielle le dio su oportunidad. Ya se conocían de antes pero, con una audacia de la que ella sigue asombrándose, le pidió que escribiera un álbum para ella: "Pero yo no soy Verdi", le dijo él. "Y yo no soy una verdadera cantante de ópera, así que deberíamos hacer algo juntos", contestó ella.
• Su audacia claramente dejó huella en él porque, una semana más tarde, la llamó por teléfono y empezaron a trabajar juntos. "Llegó ese momento perfecto en el que era del todo evidente que la cosa iba a funcionar", dice Emma. Lo cierto es que funcionó tan bien que el álbum resultante, Carmine Meo, publicado en 1997, ha vendido ya más de dos millones de copias. El álbum se encaramó a lo más alto de las listas de discos francesas, vendiendo 100.000 copias en sus primeros tres meses y haciendo que Emma consiguiera el primero de sus numerosos discos de oro.
• El éxito llegaría poco después en el mercado internacional, ya que Carmine Meo ascendió a lo más alto de las listas en todo el mundo, a menudo rebasando a álbumes de artistas como Céline Dion y Madonna.
• Pero, mientras que la mayor parte de la música para Carmine Meo fue escrita por Capdvielle, Emma estaba decidida a escribir su propio material para su segundo álbum. Firmó con un nuevo sello, Ark 21, y empezó a buscar un nuevo colaborador musical. Miles Copeland, el director de la nueva compañía, le recomendó a Graeme Revell, un compositor cuya obra había aparecido en la banda sonora de la película El planeta rojo. Demostró ser una decisión perfecta. "En su música encontré un eco de lo que yo estaba buscando", afirma Emma.
• El nuevo álbum fue creado amorosa y meticulosamente durante mucho tiempo, de modo que no hay una sola nota o palabra que estén fuera de lugar. Lleno de introspección poética y de sorprendentes imágenes, todas las letras de las canciones fueron escritas por Emma, que contribuyó también sustancialmente a la música y los arreglos; cada canción presenta un carácter diferente creado gracias a su vívida imaginación para expresar una emoción o una idea diferentes. Ricamente evocadores, hay casi un elemento visual en los retratos sonoros de Emma: "Me gusta pensar en ella como música que puedes mirar", dice. Lo cierto es que concibió "ETTERNA" no simplemente como un álbum de música sino como parte de una experiencia audiovisual en la que el diseño gráfico, los vídeos (que idea ella misma), su propio cuerpo y su vestuario e incluso los efectos de luz en sus apariciones escénicas así como la concepción de las fotografías constituyen una parte esencial.
• También tomó la sorprendente decisión de escribir y cantar las canciones en italiano, un idioma que no elige para hablar. Y, lo que es incluso más llamativo, optó no por el idioma tal y como se habla hoy, sino por el italiano antiguo y poético del siglo XIV de escritores como Dante y Boccaccio. "Quería algo que tuviera un carácter intemporal, onírico", explica. "Cantar en un idioma cotidiano habría roto el hechizo. Quería que el disco siguiera siendo como un sueño".
• Si es un sueño, entonces éste está ahora haciéndose realidad para Emma Shapplin. "ETTERNA" es un álbum bendecido con una belleza extraña e íntimamente perfumada que parece llamado a superar incluso el éxito de Carmine Meo. Si su primer álbum se caracterizaba por los elementos de la tierra y el fuego, dice, "ETTERNA" es más aire y agua. Sus texturas son suaves y dulces, delicadas e incluso frágiles. Pero al mismo tiempo son también sombrías y lujosas, como una fuerte fragancia o un terciopelo arrugado. "Todo es una cuestión de equilibrio", dice.
• "ETTERNA" es un álbum de un perfecto equilibrio y una elegancia natural. Un álbum especial de un lugar muy especial. El álbum de los sueños de Emma Shapplin

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Enrico Rava

• Este reproductor enorme (nacido en Trieste, 1939), casi en solitario trajo jazz italiano a la atención internacional. Comenzó a tocar el trombón Dixieland en Turín, pero después de escuchar a Miles Davis, cambió los instrumentos y abrazó el estilo moderno. Otras reuniones importantes fueron con Gato Barbieri, con quien grabó bandas sonoras de películas en 1962, y con Chet Baker. Inmediatamente después, comenzó a jugar ... Más ...
  Este reproductor enorme trompeta populares (nacido en Trieste, 1939), casi en solitario trajo jazz italiano a la atención internacional. Comenzó a tocar el trombón Dixieland en Turín, pero después de escuchar a Miles Davis, cambió los instrumentos y abrazó el estilo moderno. Otras reuniones importantes fueron con Gato Barbieri, con quien grabó bandas sonoras de películas en 1962, y con Chet Baker. Inmediatamente después, comenzó a jugar con Steve Lacy, sino que también se asoció con el sudafricano Louis Moholo expatriados y Dyani Juan y grabados El Bosque y el Zoológico (ESP) viven en la Argentina. En 1967 se trasladó a Nueva York, jugando con Roswell Rudd, Marion Brown, Rashied Ali, Cecil Taylor, y Charlie Haden. En un breve regreso a Europa, Rava registró con Lee Konitz (Stereokonitz, RCA) y Manfred Schoof (European Ecos, FMP). De 1969 a 1976, estaba de vuelta en Nueva York, la grabación de Escaleras Sobre la colina con compositores de jazz "Carla Bley la Orquesta (JCOA). Después de su primer álbum como líder, Il Giorno del Giro de Italia en 80 Mondi (Negro Santa), que ha estado al frente de su cuarteto sin piano propio o quintetos. Sus números de salida registraron 100 expedientes, 30 como líder.
• ECM ha reeditado algunos de sus discos esenciales de los años 70, como El Peregrino, y las estrellas, la trama, y ​​el Cuarteto de ER, mientras que Soul Note Label Bleu y CDs publicados por su innovadora eléctrica Cinco (en realidad un sexteto, como siempre lo excluye mismo de la cuenta), que incluye dos guitarras eléctricas. Con teclado maestro Franco D'Andrea y el trompetista Paolo Fresu, Rava registró Bix y Pop (Filología) y sombras de la Chet, homenajes a Bix Beiderbecke y Armstrong, y Chet Baker, respectivamente. También son de destacar Rava, L'Opera Va y Carmen, lecturas magníficas de arias de ópera. En 2001 creó un nuevo quinteto con jóvenes talentos Gianluca Petrella, Stefano Bollani, Rosario Bonaccorso y Roberto Gatto, y estuvo de gira con los viejos amigos de Roswell Rudd y Gato Barbieri, liberando Easy Living con ellos en 2004 en ECM. Tres años más tarde, después de Bollani, que había ponchado como solista, fue reemplazado por Andrea Pozza, las palabras y los días salió. En 2007, Rava y el pianista Stefano Bollani en libertad El tercer hombre en ECM.
• Enrico Rava al sello propiedad de Manfred Eicher luego de más de dos décadas. Y el mismo no podría ser mejor. Mayormente baladístico, entre las que se destacan Cromosomi e Easy Living, donde Rava presenta todo el sonido cálido y profundo de su trompeta que recuerda el de un flugelhorn y a una agrupación en gran forma en la cual se luce el impecable piano de Stefano Bollani. Reminiscencias de Africa a partir de los tambores de Roberto Gatto en Sand y de la tradición (norte)americana en Algir Dalbughi, donde Bollani toca una base de puro boogie-woogie. Cerca de un jazz contemporáneo en Rain. Menos arriesgado que sus primeros trabajos para ese sello, lo que aquí sorprende es la facilidad para unir tradición y modernidad. En sus propias palabras para el diario La Nación: "En mi música se da una síntesis de todo lo que amo y de toda mi experiencia. Del dixieland al bebop y al free jazz pasando por mis experiencias latinoamericanas, que fueron muy importantes también. Creo que hoy un músico inteligente tiene a disposición toda la historia del jazz, y por lo tanto debe metabolizarla". ****

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Maurizio Colonna

• Maurizio Colonna nació en Turín en 1959, y ha sido unánimemente considerado como uno de los mejores jugadores de la guitarra clásica de nuestros días.
  Uno de los guitarristas más representativos y ecléctica de hoy y compositores, es autor de libros sobre historia de la música y la técnica de la guitarra (F. Muzzio Editore), que se pueden encontrar en las bibliotecas de las más importantes universidades europeas y americanas, y de composiciones para guitarra (publicado por Berben, Emi-Kramer, Panarecord, PlayGame-Carisch) y para guitarra y piano, compuesta junto con Luciana pianista y compositor Bigazzi (Berben). Tiene numerosos discos y bandas sonoras de películas a su nombre, como intérprete y compositor principio, producido en Roma, Turín, Milán, Los Ángeles, Pasadena y Hollywood (Panarecord, Palladium Ricordi, Sarx Ducale, PlayGame Carisch, Niccolò, Stradivarius) , acompañado por dos orquestas y solistas internacionales como Alex Acuña, ex integrante de Weather Report, Paulinho Da Costa, Abraham Laboriel y la sección de viento de Corazón, Wind & Fire.
  Junto con Luciana Bigazzi, que es jefe de redacción de la colección de canciones de Navidad (Ed. Berben), una colección de canciones navideñas de todo el mundo, propuesto por músicos bien conocidos en versiones muy personales.
  También ha grabado varios CDs y videos, tanto como solista y junto con el guitarrista australiano Frank Gambale (PlayGame-Carisch, Libera-Egea, Libera-Edel), creando un nicho importante para él en el campo de la educación y la nueva guitarra idiomas. Ha sido invitado en varias ocasiones, por él mismo y con Luciana Bigazzi, en programas de televisión difundidos por la RAI, la autoridad italiana de radiodifusión (incluso en Eurovisión, tocar el Adagio del Concierto de Aranjez para guitarra y orquesta, en el Festival de Venecia de 1981 ) y por otras cadenas de televisión, y en numerosos festivales internacionales. Ha ganado varios premios, entre ellos el Premio Especial del Ente Nazionale dello Spettacolo, en el 19 º Festival de Banda Sonora (Roma, 23 de julio de 1991) y el Salón Internacional del Premio Empresarial - Fiuggi 1991 (sección de Música) en el Festival de Fiuggi Platea Europa.
  Su papel único en la escena musical contemporánea es confirmado por una serie de actuaciones que se han convertido en verdaderos acontecimientos culturales:
  en 1995 jugó para el Presidente de Italia en la Sala del Consejo del Palacio del Quirinal en Roma, el 21 de junio del mismo año, en la Plaza del Quirinale, fue solista en el Concierto por la ONU Amico, un concierto para causas humanitarias de transmisión por Rai Due, que reunió a artistas internacionales acompañados por la Orquesta Sinfónica de AMIT de Roma, dirigido por Renato Serio, por primera vez en la historia de la Iglesia, él tocaba la guitarra clásica en la Basílica de San Giovanni in Laterano, el ejercicio de sus propia Nocturne arreglados para guitarra y orquesta, acompañado por miembros de la Orquesta Sinfónica de Santa Cecilia (concierto de Navidad en el Vaticano, 13 de diciembre, 1992).
  Fue el primer guitarrista clásico a ser un invitado del Festival de San Remo el 19 de febrero de 1996, la introducción de la guitarra espectacular jugando a millones de espectadores (realización de Panarea, un virtuoso de la pieza que compuso para guitarra solista).
  En septiembre de 1997 fue invitado a participar en las celebraciones por el 23 º Congreso Eucarístico, y actuó en el Estadio Municipal de Bolonia (transmitido en directo por Rai Uno), el 5 de enero de 2000, actuó en un dúo con Luciana Bigazzi en el Monasterio de Santa Chiara en Nápoles, en el Concierto de la Epifanía (televisado el 06 de enero 2000 en Rai Uno y Rai International), la realización de dos piezas para guitarra, piano y orquesta. Volvió al mismo evento el año siguiente, jugando en un dúo con Frank Gambale.
  En 1997, BMG-Recordi publicó un libro sobre él y su obra, en los que no autor Lorenza Cristina Sianesi sólo aborda temas musicales, pero también exploró Colonna puntos de vista sobre la música clásica contemporánea desde un punto de vista sociológico.
  Desde el año 2000 ha incrementado su composición, y también da clases de maestro especialista en prestigiosas academias italianas.
  En marzo de 2005, fue invitado de nuevo al Festival de San Remo, esta vez con el cantante Antonella Ruggiero y Frank Gambale.
  El CD "Colonna y Gambale en vivo" (Libera-Egea) fue lanzado en mayo de 2005, y fue presentado durante el Tour de Verano 2005 en los festivales internacionales conocidos. En 2006, él y Bigazzi Luciana fundó la NCM-New Classic Music, que sacó una antología de su obra, "Guardando il mare" (Distribución Egea), y produjo el CD "Lacoste-Obras para piano" (2006) y "Pasajes-Obras para piano" (2008) por Bigazzi Luciana (Distribución Egea).
  El CD de "Bon Voyage", grabado a dúo con Frank Gambale, fue lanzado en mayo de 2007 como parte de la "Colonna y Gambale" proyecto artístico (Libera / Edel), con un aspecto por el baterista-percusionista Iván Ciccarelli. El "Colonna y Gambale" proyecto fue presentado en la India, en una serie de conciertos y en la televisión, en octubre de 2007.
• Él es el testimonio oficial de los dos la marca americana de La Bella (con un conjunto de cuerdas conocido como el "Maurizio Colonna Serie Profesional"), y la guitarra española fabricante de Ramírez."Bon Voyage", enteramente grabado en estudio con excepción de tres temas en directo,
   representa un punto de inflexión para el dúo de guitarras formado por
  el italiano Maurizio Colonna y el australiano Frank Gambale,
  dos de los guitarristas más virtuosos de nuestro tiempo.
  En este nuevo trabajo, que incluye once temas, la innovación más importante
  es el objetivo de los compositores para apuntar un marco más amplio,
  no sólo ligada a la música de guitarra y la presencia de percusiones
  y batería nunca han sido usados por el dúo ..
• 
  

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TONY BANKS

• Anthony George Banks (East Heathly, Sussex, Inglaterra, 27 de marzo de 1950) es un músico, teclista y compositor británico de rock, fundador y miembro del famoso grupo Genesis.
• En septiembre de 1963 Tony ingresa a la escuela secundaria de Chartehouse. Godalming era una secundaria de estudiantes intelectuales e interesados por lo humanístico y el arte. En lo musical se forma en ambientes clásicos orquestales, lo que desarrolla su talento con el piano y los órganos.
• Es precisamente ahí que conoce a dos jóvenes estudiantes llamados Peter Gabriel y Chris Stewart. Ambos influidos por la música del momento ( The Beatles, The Rolling Stones) quienes deciden fundar una banda: "GardenWall". Esta agrupación toca en recitales de escuela y sólo le sirve a para acumular experiencia y conocer otros músicos juveniles como Anthony Phillips y Mike Rutherford provenientes de la agrupación "The Anon", en 1966.
• De la fusión de las experiencias musicales de Gabriel, Banks, Phillips y Rutherford nace la primera formación de Genesis. Banks se convertiría en uno de los músicos fundamentales de la banda con el correr de los años (de 1970 a hoy) y su versatilidad con todo tipo de teclados hizo que se consolidara (junto con sus contemporáneos ; Richard Wright de "Pink Floyd", Rick Wakeman de "Yes" y Keith Emerson de "ELP" ) como uno de los mejores teclistas del rock progresivo y del rock en general, y a pesar de que la banda tuvo un notable cambio musical, Banks supo adaptarse rápidamente al cambio demostrando ser el músico más aventajado de la banda.
• En 1979 Banks debuta como solista con el disco A Curious Feeling, obra basada en un sonido potente de rasgo sinfónico.
• Ya para 1983, el éxito de sus amigos, Phil y Peter, anima a refinar el estilo de sus trabajos solistas. Tony se orienta al mundo del pop progresivo con pleno dominio de los teclados y sintetizadores (algo bastante común para la época) el resultado es "Fugitive", una obra que no obtuvo la repercusión merecida.
• En 1985 realiza composiciones para Hollywood en la película "Lorca And The Outlaws" pero al ser una producción de bajo presupuesto no consigue algún rédito monetario. Así lanza el disco "Soundtracks" que recopila todo el material compuesto para ese film.
• Casi a la par de We Can't Dance de Genesis. Banks saca a la venta "Still" mejorando en calidad y comercialidad todo lo antes conseguido por el teclista. Cuenta con cantantes de "lujo" como Andy Tailor, Nik Kershaw, Fish y Jamey Klimed. Sin embargo no continúa con la misma suerte con próximo trabajo "Strictly Inc" que resulta un fracaso de ventas lo que lleva a una decepción profunda al músico que lo lleva a no querer editar un disco en años hasta su retorno en el ábum "Seven" que si bien no gozó de un éxito sorprendente , al menos si lo gozó desde el punto de vista musical . En el 2006 anuncia junto con Phil Collins Y Mike Rutherford el regreso de Génesis para una gira y para tal vez más proyectos.
•  Instrumentos empleados en los discos y en las actuaciones de Genesis

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Alecia Nugent

• En los cinco cortos años desde CD debut Alecia Nugent, que ha pasado de ser el brindis de Hickory Grove, Louisiana, a uno de los más célebres de bluegrass y cantantes de country a través del corazón de Estados Unidos. Su nuevo CD, Hillbilly Diosa, cumple la promesa de 2004 de Alecia Nugent y 2006 es una niña ... A Big Four Lane, con una colección de confianza de actuaciones incendiarias descarada y baladas desgarradoras, todos entregados con una precisión suave, el tono hermoso y exuberancia sin límites . Con el apoyo estelar desde el productor Carl Jackson, dueto socio Bradley Walker, JD Crowe, los miembros de Ricky Skaggs y el trueno de Kentucky, Blue Highway, The Band y The Dan Tyminski Stringdusters infame, Diosa Hillbilly es un paso importante hacia adelante de una de las grandes voces nuevas música americana: Alecia Nugent.
• Hickory Grove no está cerca de cualquier lugar, incluso de forma remota famosa. Pero una voz tan preciosa como la suya, simplemente exige ser descubierto. Como Alecia canta en la optimista "Banda Nugent Familia", su educación estaba saturado con los sonidos de bluegrass y gospel. Su padre Southland Bluegrass Band su formación en la tradición. En el momento en que ella estaba en su adolescencia, fue cantante del grupo.
• Alecia fue educado en los sonidos de The Stanley Brothers, Flatt & Scruggs, Jimmy Martin y otros maestros de bluegrass. Por su cuenta, ella desarrolló un gusto por los grandes de la música country, como George Jones, Conway Twitty, Merle Haggard, Reba McEntire y Dolly Parton. Es por eso que se puede sacar un llorón honky-tonk como "Dyin 'Hold Her Again" tan brillantemente como pueda.
• Sus vocalistas sublime armonía en esa pista se Bluegrass Vocalista Masculino del Año Bradley Walker y el productor Alecia, Carl Jackson. Carl ha estado en su sección de porristas durante años. Cuando Mississippi "bluegrass" promotor Johnny Stringer se ofreció a financiar Alecia álbum debut en 2004, se volvió a Carl en busca de ayuda. Carl había cantado con ella en un festival de hace 15 años y nunca había olvidado el sonido de su voz extraordinaria.
• Carl no cooperación de sólo escribió tres canciones para Alecia Nugent, produjo reinterpretaciones de la cantante en libras esterlinas de plata de Flatt y clásicos Stanley, su reactivación deliciosa de Jenny Lou Carson, "Corazón Celoso," prestaciones dinámicas de canciones de la pluma de Larry Cordle y Jerry Salley, entre otros, e incluso un acuerdo de bluegrass-cado de "Pero tengo que hacer", una oscura Bopper por el ex Louisiana Hayride rockabilly acto Tibby Edwards.
• respaldo Carl Jackson atrajo a acompañantes estelares como Ronnie McCoury, Aubrey Haynie y Kohrs Randy en el disco debut de Alecia, por no hablar de la armonía vocal por los gustos de Sonya Isaacs, Rebecca Lynn Howard y Rhonda Vincent. También atrajo la atención del famoso disc jockey WSM Stubbs Eddie, quien se convirtió en una dosis de refuerzo. Y luego atrajo Rounder Records.
• En 2006, publicó los álbumes más redondos Alecia Nugent avance una niña ... Un grande de cuatro carriles. Carl Jackson fue una vez más en la silla del productor. Una vez más un grupo de bluegrass A-Listers se reunieron para el proyecto - Adam Steffey, Jim Van Cleve, Cherryholmes Cia, Rob Ickes, Doyle Lawson, Dailey Jamie y Alison Krauss entre ellos. Y una vez más, el repertorio se ha elaborado con los mejores países y tunesmiths bluegrass. No es el menor de ellos fueron Dixie y Tom T. Hall, cuya ondulación, nostálgica "Lloré todo el camino a Kentucky" fue uno de los muchos puntos culminantes del álbum.
• Cuando Alecia mostró los 2.006 canciones en Nashville, ella se proclamó una "diosa hillbilly" de Nashville crítico musical Robert K. Oermann. Ese apodo de improviso se ha transformado en la canción título de su tercer disco más redondo.
• A Little Girl ... A Big Four-Lane figura un dúo con Bradley Walker llama "Cuando se llega a nosotros." Hillbilly Diosa tiene uno, también, un rompecorazones clásico sonido titulado "La escritura es toda la pared." Al igual que antes, Alecia demuestra que puede arrancarle un pasto azul zippy jugueteo con facilidad - la alegre y mujeres "Wrecking el tren" y la lengua en la mejilla "Todos Cryin 'Camino de la Ribera", por citar sólo dos ejemplos del nuevo álbum.
• Pero Hillbilly Diosa también arados un terreno nuevo. Alecia está cavando en letras con la poesía más, la complejidad y profundidad que nunca antes. Esto es particularmente cierto en baladas como "Hard Wishin '", "Already Home" y la delicadeza encantadora "Don't Tell Me." Su capacidad de contar historias también son mejores que nunca en esta colección. En "La Última Greyhound", su personaje no puede esperar a llegar en el autobús por última vez saliendo de la ciudad, entonces no puedo esperar a estar en el último regreso a casa. Incluso más viva es "Just Another Alice", la historia de un aspirante a cantante de música country de realizar en los bares de mala muerte de Broadway que puede o no ser The Next Big Thing.
• En esta colección, Alecia emerge como compositor, también. Además de su autobiografía "Banda Nugent familia", co-escrito con Dixie y Tom T. Hall, que se inspiró para escribir la irónica "Hillbilly Diosa" sintonizar título con Sonya Kelly y su incondicional seguidor de Carl Jackson.
• Alecia Nugent aporta credibilidad extraordinaria a todo lo que canta. Y una vez más, Carl Jackson le ha rodeado de instrumentistas que subrayan sus emociones a cada paso - Andy Leftwich, Tim Stafford, JD Crowe, Andy Falco, Rob Ickes y Adam Steffey entre ellos.
• Por lo tanto, se reduce a esto. ¿Estás listo para tener tu corazón roto en pedazos Itty Bitty como hillbilly esta diosa y su banda de ángeles dolor juntos en "Don't Tell Me?" ¿Está listo para dejar volar con un grito rebelde cuando termina "Cryin 'Todos los Camino de la Ribera? "¿Está usted preparado para colgar sin aliento en cada línea de" Just Another Alice? "¿Y están listos y dispuestos a la fantasía-en armonía con ella en" La escritura es toda la pared? "
• Si es así, empezar a escuchar a Hillbilly Alecia Nugent Diosa ahora mismo. Pero ojo: puede crear hábito.

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Charlie Hunter

• Charlie Hunter (nacido el 23 de mayo 1967) es un guitarrista estadounidense, compositor y director de orquesta.
•  Primera venida a la fama en la década de 1990, Hunter ha grabado 17 álbumes. Hunter interpreta a la medida de siete y ocho cuerdas guitarras, en la que al mismo tiempo juega líneas de bajo, guitarra rítmica, y solos. Crítica Sean Westergaard  describe la técnica de la guitarra de Hunter como "alucinante ... él es un improvisador ágil con una oreja de un gran sonido, y siempre tiene excelentes jugadores a su lado con el fin de hacer buena música, no para presumir."
• Charkie Hunter es uno de los mejores exponentes del jazz contemporáneo. Discípulo del virtuoso de la guitarra Joe Satriani, ha desarrollado una interesante carrera.
• SinopsisEs reconocido por utilizar una guitarra de 8 cuerdas que le permite ejecutar sonidos de guitarra rítmica y bajo simultáneamente. Cuenta con cerca de veinte discos editados y ha colaborado con reconocidos músicos como Les Claypool, líder del grupo Primus. Además ha tocado con Michael Franti, Dave Ellis, Jay Lane, Scott Amendola, Calder Spanier, Kenny Brooks, Leon Parker y Adam Cruz.
• Algunos de sus proyectos propios, donde plasma su virtuosismo y buen gusto por la música jazz fusión son: Charlie Hunter Trío, Quartet y Quintet, Charlie Hunter & Leon Parker, Charlie Hunter & Pound for Pound, entre otros.

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Hablemos de Gotthard

• La carrera de Gotthard comenzó oficialmente en 1992, año del lanzamiento de su primer disco en el que ya apuntaban maneras y mostraban sus credenciales. Un año despues llegó 'Dial hard', un disco algo más duro y comprometedor. Conquistada centroeuropa, en países como Alemania o Dinamarca, 'G' (1995) les catapultó a la fama. Luego vendrían sus acústicos, una forma de presentar las canciones que han adorado desde siempre.
• Era el año 1999 cuando llegó 'Open' y la decepción de muchos fans por agarrar fórmulas más comerciales. Baladas al piano como 'Heaven' asentaron al grupo gracias a un nuevo trabajo: 'Homerun'. Un cambio de mentalidad. En 2003 hubo una regresión al pasado y una apuesta a los sonidos más crudos en 'Human zoo'.
  'Lipservice' supuso una evolución y la llegada a los sonidos más rockeros. Y al reconocimiento. En 2007, con 'Domino effect' ya podían levantar el puño como una banda clásica. 'Need to belive', a finales del pasado año, ha sido su último trabajo discográfico. Ahora, temas como 'Lift you up', 'Anytime anywhere' o Have a little faith' serán recordados por sus seguidores.
• Gotthard Dice :
• Queremos seguir!
•  Después del trágico accidente de nuestro amigo y cantante Steve Lee, quien murió el 5 de octubre de 2010 en los EE.UU., nos retiraron hasta después del año nuevo y se tomó un descanso. Ahora estamos de nuevo con los planes para el futuro y una tarea difícil de cumplir.
•  Leo Leoni: "... después de los días muy emocional después de la muerte de Steve, que era importante para nosotros en primer lugar tratar de sobrellevar el dolor, le dan un lugar para descansar y nos encontramos de nuevo.
   Y así nos sentamos en el año nuevo y trató de mirar a la nueva situación "con seriedad" ... era obvio para todos nosotros muy rápidamente de que teníamos que ir a - GOTTHARD no es un trabajo para nosotros - GOTTHARD ES NUESTRA LA VIDA! "
•  Hena Habegger: "... por supuesto, sólo puede seguir si tenemos la suerte de encontrar a la persona correcta. No sólo estamos en busca de una voz que puede traer nuestras canciones vuelto a la vida ... estamos buscando mucho más para un cantante que también humanamente encaja con nosotros -.! con la Familia GOTTHARD "
•  Freddy Scherer: "... para todos nosotros es un gran reto y no será fácil en absoluto. Pero tenemos buena fe y que hacemos lo que hacemos mejor - hacer música "
•  Marc Lynn: ".... Un gran agradecimiento a todos los fans. Su preocupación, cartas, correos electrónicos y entradas en el libro de visitas que nos han dado el poder de apoyo para hacer frente a lo que ha sucedido mejor y para reunir el valor para el futuro. "
•  Muchas gracias
•  Gotthard

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Walter Trout

• Walter Trout se llama Common Ground, sino por la visión de futuro cantante de raíces, compositor y guitarrista que es más que un título.
• Es donde la música convincente Trout reside - en un territorio que une los mundos del blues, el rock y el aventurerismo sonoro puro, donde la inspiración y la técnica se unen para crear un lenguaje único, conmovedor. En cierto sentido, el título también se describe la geografía personal de la trucha. A pesar de que vive en California, pasa gran parte de su vida en la carretera puente los EE.UU. y Europa, donde es tan bien conocido y respetado que la BBC del Reino Unido de Radio Uno coloca el maestro Stratocaster en el número seis en su lista de los Top 20 guitarristas de todos los tiempos. El legendario disc jockey de la BBC, Bob Harris en su libro "Los años Susurrando" llama la trucha: "El mundo es más grande guitarrista de rock." (P. 186)
• Pero la pista del título de una nueva versión trucha es también una oración. "Si hay un lugar donde la verdad todavía se pueden encontrar", canta: "Señor, nos llevan a los puntos en común."
• "Estoy impresionado por la polarización y la crueldad en el mundo de hoy", explica la trucha. . Va más allá de mi comprensión que escribió la letra de esa canción como un intento de llegar a un acuerdo con eso, y como un deseo que de alguna manera - con independencia de nuestras creencias y nacionalidades y la política - se puede encontrar un lugar donde la verdad y la compasión pueden nos llevan más allá de nuestras diferencias ".
• alza de guitarra caliente Trucha coincide con la ternura franca de la letra de la Zona Común de una actuación que suena verdaderamente inspirada, especialmente en solitario finales de la canción donde la trucha tiene sus seis cuerdas hablar con la elocuencia de un predicador tienda de reactivación de viaje.
• "Yo soy un hombre espiritual," Trucha ofrece. "Creo en un poder superior como una fuerza en el mundo y que la reproducción de música puede ser una experiencia religiosa música te da la oportunidad de hablar directamente al corazón de las personas -.. Que va más allá de las palabras Y sé que hay momentos en los que ' m tocando la guitarra cuando entro en un estado donde no estoy consciente de lo que estoy jugando. Es como una señal que viene a través de mí. "
• Trucha disfrutaron de un tipo más terrenal de la inspiración, mientras que la toma de tierra común, gracias a su equipo de apoyo de tambor de gran Kenny Aronoff (John Mellencamp, John Fogerty, Elton John, etc), el bajista Hutch Hutchinson y el pianista Jon Cleary (tanto de la banda de Bonnie Raitt ), y el famoso productor John Porter, cuyos créditos van desde Brit-pop leyendas de los Smith a John Lee Hooker y BB King a Santana.
• Porter y Hutchinson son amigos desde hace mucho tiempo, los Cleary y Aronoff más reciente, pero la trucha y sus jugadores desarrollado una química banda unida la grabación de su CD anterior, El Outsider 2008 que reavivó el momento en que entró en el House of Blues Estudio en Encino, California, para comenzar grabación de Common Ground. "Me gustaría jugar cada canción para los chicos en la guitarra acústica, y entonces todo el mundo lanzaría en las ideas y que había cortado las vías, mientras que el nivel de emoción era alta", explica la trucha.
• El punto álgido de su creatividad salta en números como "Su Other Man", con sus solos de guitarra fundido, y la autobiográfica "Libro Abierto". Ambas canciones mezcla de texturas acústicas y eléctricas - uno de los puntos fuertes de los acuerdos de Common Ground, junto con los giros poéticos de sus melodías, la miel y el sabor del polvo de elegancia a medida interpretaciones vocales de trucha, y los giros ingeniosos de su sensibilidad compositiva global, que golpeó una marca muy alta.
• "Siempre me siento como mi último disco es lo mejor", permite a la trucha. "Pero eso es porque siento que siempre estoy mejorando. Cuanto más aprenda acerca de la reproducción de música, más que entender que usted tiene mucho más para aprender. Con la música, el viaje es la alegría. El destino, creo, puede nunca se llega. "
• Para la trucha el viaje comenzó en 1965 cuando su hermano trajo el primer disco de la Paul Butterfield Blues Band en la casa de su familia de Nueva Jersey. "En la contraportada se dijo:" Escuchar el álbum voz alta, "así que lo puesto para arriba y que, literalmente, tuvo que sentarse y permanecer allí con nuestras mandíbulas en el suelo."
• Las guitarras gemelas de Mike Bloomfield y Elvin Bishop, y la armónica de Butterfield gigante y voz, su magia. Y la dirección de la vida de la trucha se determinó. Por supuesto, ayudó a que sus padres fueron informados musicalmente, la crianza de sus hijos en una dieta de sonidos que incluyen Hank Williams, John Lee Hooker, BB King, John Coltrane, Bo Diddley, Ray Charles y mucho más.
• Trucha tocado en bandas locales después de conseguir su primera guitarra, pero realmente se llena de tristeza después de mudarse a Los Ángeles en 1973. Allí apoyó leyendas como John Lee Hooker, Big Mama Thornton, Tasby Finis, Pee Wee Crayton, Fulsom Lowell, Percy Mayfield y Joe Tex, asimilando una gran variedad de azules.
• En 1981 se unió a la trucha de los restantes miembros de la formación 60 de blues-rock del grupo Canned Heat. Pero el verdadero punto de inflexión en su carrera fue su mandato de cinco años con el blues británico John Mayall Bluesbreakers gigante de.
• El afable Mayall - que tiene una reputación bien merecida para la primavera de embarque de las carreras de grandes guitarristas que se remonta a la década de 1960 el aprendizaje de Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor en su grupo - Trucha redactado en 1984 y vinculado con lo compañeros de seis cuerdas virtuoso del Coco Montoya. Su ataque hermanados y el liderazgo de Mayall's Bluesbreakers siempre que un renacimiento que tuvo el grupo y sus miembros hasta el vértice del blues internacional gira circuito.
• "Sin duda, trabajar con John fue la experiencia más importante que había que viene como un acompañante," trucha se refiere. "Él es realmente un gran director de orquesta, en la tradición de Count Basie y Duke Ellington. Él sabe cómo dirigir un grupo con normas estrictas, pero al mismo tiempo, cómo hacer que relajarse y jugar lo mejor posible en el escenario cada noche. Sabe cómo poner a la gente adecuada y la manera de ser generoso, y luego está su capacidad como compositor e intérprete. Aprendí mucho de Juan cuando estaba en su banda. "
• 
  Envalentonado y alentado por Mayall, trucha comenzó su carrera en solitario en 1989. Él fue adoptado de inmediato por el público europeo y lanzó su primer álbum, La vida en la selva de ese mismo año. A pesar de su prolífica programación de grabación, el primer lanzamiento de trucha en EE.UU. fue en 1998 por la crítica anunció Walter Trout, que de inmediato lo estableció como un elemento básico de la escena del blues americanos.
• Y el resto es, literalmente, el blues y la historia del rock todavía en ciernes.
• "En cierto sentido, casi he creado mi propio género", dice la trucha. "He asimilado tantos estilos y tantas influencias de la gran aventura de la música americana. Me encanta Jeff Beck, tanto como me encanta, BB King. Creo en contar historias y la honestidad y la búsqueda de la verdad. Y no tengo ningún interés en sofocar mi creatividad. Si tengo una canción en mi cabeza o yo estoy jugando un solitario y se pone un poco fuera de la caja o fuera del camino trillado, me voy a dejar que fluya y salir, o me lleve donde me lleva. Mi búsqueda en todo esto es que me encantaría ser capaz de hacerlo todo. "

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Warren Haynes

•  Warren Haynes álbum en solitario, Man In Motion (Concord Records), es una colección atemporal de las canciones que crepitan con vitalidad moderno y recurrir a sus más profundas raíces como artista.
• Las bombas disco fresca la sangre en el corazón del alma y del blues, alimentada por proeza hercúlea Haynes como cantante tanto en una central eléctrica y el guitarrista - una reputación que ha ganado en calidad de miembro de tres de los mayores grupos viven en la historia del rock: The Allman Brothers Band, Los muerto y su propia Gov't Mule.
• En cierto sentido, el hombre de voz basada en In Motion es un álbum que ha sido dolorosa para que desde la primera vez soñó con ser músico.
• "Antes de empezar a tocar la guitarra, yo quería ser cantante, desde la edad de cinco o seis", regala leyenda 'n' roll. "Y lo que yo quería cantar fue la música soul. Mis hermanos y yo teníamos un puñado de álbumes. Primero fueron los 'Lo mejor de las colecciones de Sam & Dave, Wilson Pickett, James Brown, The Temptations, Aretha Franklin ... y, finalmente, los discos de los tres reyes del blues, Freddie King, BB King y Albert King. De hecho, estaba escuchando BB y Freddie que me hizo darme cuenta que podía ser un gran cantante y un gran guitarrista. Así que decidí modelo después de ellos ".
• Para el hombre en movimiento, Haynes se basa en su voz dinámica de grava y la miel y la sintaxis impresionante de seis cuerdas para crear melodías que enmarcan el pasado con el presente fusión, soportando los temas del amor, el deseo y la pérdida de energía con erizada sin duda contemporánea.
• Canciones como edificante Rey Haynes Albert influencia cadena doblador de "Rise El río va" - un himno de esperanza para estos tiempos tumultuosos - y la narración conmovedora "un amigo que le" anillo con la misma autenticidad pelos en la lengua como William Bell Stax- joya discográfica "Cada día es un día de fiesta", cubierta exclusiva del disco.
• "En el alma y el blues, la voz es realmente la pieza central", explica Haynes. "Y no se trata de la ironía o el humo y los espejos. Se trata de contar historias reales acerca de la gente común de una manera honesta. Honestidad en la música lo es todo lo demás."
• A pesar de hombre en un enfoque nítido de movimiento en su canto, no hay escasez de números como "enfermedad de mi sombra", que se extiende al terreno del universo de la guitarra Haynes, mezcla de rock, soul, R & B y el jazz en su mezcla introspectivo.
• Los fans de gruñir Haynes, la firma distintiva enfoque de seis cuerdas en Gov't Mule y los Allman Brothers se dará cuenta de un sutil - aunque no menos aventurero - paleta de tonos de guitarra sobre el hombre en movimiento.
• "Yo iba para un tipo de sonido pre-rock", explica Haynes. «Estos canciones basadas en el soul y el blues requieren realmente más limpio tonos para rendir homenaje a la época que los inspiraron y conseguir realmente el corazón emocional de la cuestión. Usé la wah-wah y otros efectos pocas, pero hay una gran cantidad de BB King, Albert King y Freddie Rey influencia en este álbum desde un punto de vista de la guitarra. "
• Aunque Haynes empleado su firma Gibson modelo Les Paul Standard de guitarra para algunos números, un puñado de instrumentos de época Gibson semi-hueca - ES-335 y ES-345 modelos de su amplia colección - representan la mayor parte de las pistas, además de un archtop hueca D 'Angelico que inspiró su ruptura jazz en "Harto de mi sombra."
• Como de costumbre, sus solos improvisados ​​Haynes, tocando en vivo en una cinta de dos pulgadas, junto con la banda central de virtuosos compañeros que se reunieron en Pedernales de Willie Nelson Estudio cerca de Austin, en los últimos años: Gobierno CD Mula también se registraron.
• -Yo quería grabar este disco al igual que los discos clásicos que me ha influido ", señala. "La banda tocó juntos en todas las canciones y evitar superposiciones. Es importante para atrapar la energía y la emoción de la música que se hizo en vivo por un grupo de grandes músicos."
• Su elenco de jugadores de clase mundial incluye un trío de capos de Nueva Orleans R & B: bajo la leyenda George Porter Jr. de los medidores, el cantante tecladista-Ivan Neville y el baterista Raymond Webber, quien ayudó a hombre Haynes uñas En R Motion & blues-B, y surcos empapados de alma. Rostros veteranos Rolling Stones y el pianista Ian McLagan, folk-blues sensación Ruthie Foster y el tenor saxofonista Ron Holloway se unió a ellos. Foster y Neville son perfectas hojas vocales de Haynes propia mezcla de azúcar y la grava, y como un trío que evocan armonías que sacarlo de sonido de la Stax y Hi registros jugadas alma de Memphis.
• "Para este tipo de música", Haynes añade, "que la química es esencial. Fui muy afortunado. Puse mi lista de deseos de los músicos juntos y estaban todos disponibles y entusiasmados con el proyecto." Pero es un trabajo muy duro Haynes - su constante movimiento - en lugar de la buena fortuna que ha tenido este dínamo creativo al cenit de su carrera.
• Después de todo, ha sido 18 años desde la última vez que entró al estudio para grabar un álbum en solitario, pero Haynes no es más flojo. Él ha estado muy ocupado. Muy ocupado. Como todo cantante de rock MVP y guitarrista, el nativo corpulento de Asheville, Carolina del Norte ha estado en constante movimiento y en el centro de atención durante los últimos dos decenios.
• Durante ese tiempo Haynes ha mantenido su permanencia en Gov't Mule, The Allman Brothers Band y los muertos, y aunque apenas recuperar el aliento entre sus giras y sesiones de estudio, que también realiza o cortar canciones con una gran variedad de músicos incluyendo a Phil Lesh y amigos, James Hetfield, Bob Dylan, John Lee Hooker, Eric Clapton, Bonnie Raitt, Dave Matthews, Kid Rock y, más recientemente con su viejo héroe, BB King.
• No es de extrañar que Haynes ha tomado tanto tiempo para volver al estudio para hacer el seguimiento de su primer disco solista de 1993 "Cuentos de locura ordinaria. Y no es para su nuevo disco se llama El hombre en movimiento.
• Haynes describe la canción como "una foto de alguien que está en evolución y en constante cambio, y ciertamente puede relacionarse con eso. Creo que los músicos son estudiantes para la vida, así que es importante para mí, a buscar siempre nuevas experiencias y tirarme curva bolas, para seguir siendo inspirados y desafiados, y para crecer. Y mientras yo he estado pensando en volver a otro álbum de estudio en solitario durante mucho tiempo ahora, he tenido otras cosas exigiendo mi atención. "
• Además de sus tres discos en solitario (incluidos 2.004 de acústica Live at Bonnaroo), siete discos con los Allman Brothers y el estudio de Gov't Mule de 16 y versiones en vivo, Haynes ha acumulado montones de elogios por sus esfuerzos.
• Van desde gana Grammy y nominaciones a su ranking en el número 23 en la lista de Rolling Stone de "Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos." Haynes ha jugado Teatro histórica ciudad de Nueva York Beacon cerca de 300 veces, más que cualquier otro artista. Gov't Mule ha vendido más de dos millones de descargas de canciones desde su propio sitio web MuleTracks. Y una amplia gama de estrellas como Garth Brooks, Gregg Allman, Phil Lesh, Little Milton, John Mayall, George Jones, Derek Trucks, Susan Tedeschi y Buckwheat Zydeco han grabado sus canciones, además de las 25 canciones que ha escrito para la Allman Brothers Band .
• Si hay una cosa tal como el karma, tal vez eso es un factor en el éxito de Haynes, ya que también es uno de los principales de Hábitat para la Humanidad, una organización que construye viviendas para los desfavorecidos. Cada año organiza su anual "Navidad Jam" beneficio para el Hábitat ahora en su 23 aniversario, en su ciudad natal de Asheville, Carolina del Norte. Por supuesto, Haynes no se duerme en sus laureles por un momento. Él va a estar de gira detrás de hombre en movimiento en la primavera y el verano, mientras que Gov't Mule está en pausa, y luego reagruparse con su mula-compañeros para escribir y ensayar canciones para su noveno álbum de estudio.
• "Hay otros proyectos que quiero hacer, también", relata. "Estoy interesado en la grabación de un cantante y compositor álbum orientado con más instrumentos acústicos, un CD instrumental de jazz y un disco de blues recto-para arriba. Pero el hombre como en el movimiento, los discos tendrán que esperar hasta que llegue el momento."

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Rita Chiarelli

• Rita Chiarelli es un cantante de blues de Canadá.
   Ella ha sido apodada "la diosa del blues canadiense"
   Shelagh CBC Radio One de Rogers. Nacido y criado en Hamilton,
   Ontario, Chiarelli comenzó a tocar en la banda de Ronnie Hawkins
   en la década de 1980.
• Posteriormente, pasó varios años en Italia.
   Cuando regresó a Canadá, que atrajo rápidamente la atención del
   director de cine Bruce McDonald, que incluyó su
  "Ustedes han visto mis zapatos?" en la banda sonora de
  su película de 1989 Roadkill.
• Chiarelli y Colin Linden
   posteriormente grabó un cover de Bob Dylan, "Highway 61 Revisited"
  de McDonald's para el año 1991 la película Carretera 61,
   y Chiarelli lanzó su álbum debut del año siguiente en los
  expedientes de Stony Plain. Sus álbumes empezando por habitaciones
   en la medianoche fueron nominados para el premio Juno como Mejor Álbum de Blues
• Rita Chiarelli ha sido recientemente galardonado con el prestigioso 'Blues con el Premio Feeling' por su trayectoria en la 14 ª Anual de Blues de Gala de los Premios de arce en Toronto. Los premios celebran los mejores de Blues de Canadá. El beneficiario anterior de varios premios Blues de arce y un múltiplo candidato Juno, Chiarelli, quien ha sido apodado la "diosa de azules canadienses, estaba encantada de ser reconocida por su impacto a largo y exitoso en la escena del blues de Canadá.
• "Me siento muy honrado de recibir este premio y ser reconocido por los logros de mi carrera." En la actualidad goza de gran éxito con su CD, 'Sweet Paradise', Chiarelli agregó: "Después de todos estos años todavía estoy emocionado de estar haciendo lo que hago. Siempre estoy tratando de pensar fuera de la caja. Es importante para mí para continuar para tratar los proyectos de algo nuevo y desafiante como la ejecución de mi música con la Bahía Thunder y Sinfonías Windsor o hacer una película con los reclusos en la prisión del Estado de Louisiana.
• "En otras palabras," dice Chiarelli con una sonrisa, "yo no he hecho todavía."
• Chiarelli la aclamada 'La música de la Casa Grande "(con el aclamado director Bruce McDonald), los documentos de su peregrinación a la cuna del blues ... el Estado de Louisiana prisión de máxima seguridad de alias' Prisión Angola y su actuación con los internos musicales servir a la vida oraciones.
• "Es realmente una película sobre la esperanza y la redención", dijo Chiarelli. La película ha sido éxito viajando por el circuito de festivales de cine y fue seleccionado como el Mejor Documental canadiense en el 2010 Festival de Cine de Edmonton. Los planes para su proyección en el Canadá y la distribución internacional se encuentran actualmente en las obras.
• "La música de la Casa Grande" ha sido seleccionado para ser examinados como parte del próximo festival de cine Junos 40o aniversario tendrá lugar este mes de marzo en el Teatro TIFF álbum en Toronto. Chiarelli presentará la película y llevar a cabo su nueva canción "These Four Walls" en la proyección. La canción será incluida en la banda sonora a cabo por la película en marzo.
• Nacido y criado en Hamilton, Chiarelli comenzó a tocar en la banda de Ronnie Hawkins en la década de 1980. Hawkins ha sido citado diciendo que "una vez en la vida que escuche una voz tan azul que hace que los ángeles lloran ... esa voz es Rita Chiarelli." Más allá de la escena blues, Chiarelli crea su propio sonido único que es una mezcla de influencias musicales.

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Robben Ford

• Robben Ford es uno de los principales guitarristas eléctricos de hoy, sobre todo conocido por su Blues jugando tan bien como su capacidad para estar cómodo en una variedad de contextos musicales. Un nominado al Grammy en cinco ocasiones, ha tocado con artistas tan diversos como Joni Mitchell, Jimmy Witherspoon, Miles Davis, George Harrison, Phil Lesh, Bonnie Raitt, Claus Ogerman, Michael McDonald, Bob Dylan, John Mayall, Greg Allman y muchos otros . (Ver Discografía)
• Nacido en 1951 en Woodlake, California, y creció en Ukiah, Robben fue el tercero de cuatro hijos en una familia musical. Su padre Carlos era un cantante de música country y occidental y el guitarrista antes de entrar en el ejército y se casó con Kathryn, quien tocaba el piano y tenía una hermosa voz para cantar. primer instrumento elegido Robben fue el saxofón, que empezó a tocar a los diez años y siguió el juego a los veinte años. Él comenzó a enseñar guitarra a los trece años después de escuchar los dos guitarristas de The Paul Butterfield Blues Band, Michael Bloomfield y Elvin Bishop. A finales de la década de 1960, Ford frecuentado los Auditorios Fillmore y Winterland en San Francisco para ver a Jimi Hendrix, Eric Clapton, Cream, Led Zeppelin, Albert King, BB King y todos los progenitores de blues. "Fue un momento increíble para la guitarra eléctrica", recuerda Robben.
• En su interés por el jazz, Robben, dice, "me enamoré con el saxo de papeles de Paul Desmond y The Dave Brubeck Quartet, y en poco tiempo se encuentran Ornette Coleman, Archie Shepp, Yusef Lateef, Roland Kirk, John Coltrane, Wayne Shorter, y, por supuesto, Miles Davis ". Estas influencias se han quedado con Robben, jugando un papel importante en su particular mezcla de jazz y blues que lo definen como un guitarrista y le permiten jugar en una amplia variedad de configuraciones.
• Después de la secundaria, Robben y sus hermanos Patricio (baterista de blues) y Marcos (un jugador de la armónica blues) formaron The Charles Ford Blues Band (nombre de su padre), y grabó para el sello Arhoolie. Robben (en el saxo y la guitarra) y Patrick se fue de gira por los EE.UU. con el armonicista de Chicago Charlie Musselwhite, de nuevo la grabación para Arhoolie.
• primer intento de Robben en la formación de su cuarteto de jazz propia fue recogido por el legendario cantante de blues Jimmy Witherspoon, que reunió a Robben a Los Ángeles Él gira por los EE.UU. y Europa con Witherspoon y fue visto por Tom Scott y los miembros de El Expreso Los Ángeles, que estaban a punto de comenzar una gira promocional con Joni Mitchell, por su grabación de "Court and Spark". Robben fue invitado a tocar la guitarra en la gira y se toca con dos grabaciones con Mitchell y el Express de Los Ángeles. "Los dos años que pasé con Joni fueron los más formativos de mi vida musical. Joni fue simplemente brillante y muy accesible, y los miembros de El Expreso LA hicimos buenos amigos y profesores. Fue genial."
• Beatle George Harrison invitó a Robben a unirse a él en su "Dark Horse" gira por los EE.UU. y Canadá, elevando su perfil musical aún más. Poco después de la temporada de dos meses con Harrison, Robben se mudó a Colorado para tomar un merecido descanso de la música y estudiar con maestro budista Chögyam Trungpa. En 1977, fue abordado por Elektra Records, que produjo su primera grabación en solitario "The Inside Story" con un grupo de músicos que se convirtió en The Yellowjackets.
• Elektra cerraron sus puertas a principios de 1980, llevando a un momento de incertidumbre. Robben se mudó a San Francisco para estar cerca de su familia y su historia musical temprana. Pronto su carrera tomaría otro giro al alza, grabaciones y giras con Michael McDonald, asegurando un contrato discográfico con Warner Brothers Records, y conocer a su pronto-a-ser esposa, la actriz Anne Kerry. Después de mudarse a Nueva York con Ana, fue llamado para jugar con el icono musical de Miles Davis. "El productor Tommy LiPuma jugado Miles mi trabajo con los Yellowjackets, luego tres días más tarde, Miles me llamó personalmente para unirse a su banda. Sorprendente!" Robben se lamentó tener que salir de Miles después de sólo seis meses debido a los compromisos de grabación con Warner Brothers, pero se le dijo de Miles que si alguna vez quería volver ", acaba de regresar."
• 1988 Robben despacho a Warner Brothers, "Hable con su hija" trajo su primera nominación al Grammy (Mejor Grabación Contemporánea Blues) y empezó a recorrer el mundo con su propio nombre. Aún con sede en Nueva York, respaldados por David Sandborn en el programa televisivo "Night Music", en el que Sandborn ofreció una variedad de actos musicales. Robben estuvo de gira con Sandborn en 1990, luego regresó al sur de California poco después de estar más cerca de su propia banda.
• Después de salir de la Warner Brothers, Robben firmó con Stretch / GRP Records, donde finalmente encontró un hogar real para su creatividad, la grabación de tres CD con su banda "La Línea Azul" (Tom Brechtlein en la batería y Roscoe Beck en el bajo). Después de una muy fructífera ocho años, Robben se disolvió el grupo y grabó dos discos más para el sello que se había convertido entonces estiramiento / Azul Pulgar: "Tiger Walk" (? Una grabación instrumental producida en Nueva York con Keith Richard s sección rítmica) y " Supernatural ", su trabajo más logrado hasta ese momento como compositor.
• En 2000, Robben fue invitado a una gira con Phil Lesh and Friends en un compañero de cartel con Bob Dylan, reuniendo a él con Billy Paine y Paul Barrere de Little Feat, así como el baterista John Molo. "Esta experiencia me dio un nuevo respeto por Jerry García como músico y compositor de las canciones y el contexto musical fueron puro placer -. Música de la guitarra de verdad!
• Cuando su contrato expiró a estirar el pulgar / azul, Robben firmado con Concord Records, la mayor empresa de registro de propiedad independiente en el momento. En 2002, lanzó "Blue Moon" y en 2003 "Keep on Runnin", una grabación completa de los 60? Blues s / sensación de R & B con el que creció. Su tercer lanzamiento de la Concordia fue titulado "La Verdad". "Siento que este es el mejor trabajo que he hecho en términos de una grabación en solitario. Es mi obra más se dio cuenta de como compositor, y yo siento que estoy llegando a un terreno más alto como guitarrista." Verdad "representa el blues como son hoy en día, algunas de las canciones son sociopolítica en esencia, pero no sin humor, y la creación musical es fresca ".
• cuarto lanzamiento de Robben de la Concordia, Alma en diez "es un" viva "la grabación realizada en San Francisco." La gente había estado pidiendo una grabación en vivo desde hace años y que tenía la banda derecha, la música, y el lugar de llevarlo a cabo. "El CD También incluye dos temas de estudio que cuentan con Larry Goldings en el órgano B3 y Button Juan en el bajo.
• Más recientemente (2010) Robben lanzó "Renegade Creación", con un grupo de músicos amigos que han jugado en diferentes combinaciones y contextos en los últimos años y ha decidido centrarse en un proyecto conjunto de grabación para el sello de Mike Varney metralla. Esta es una banda de rock, en primer lugar de Robben, y los resultados que la gente habla: "Me atrevo a decir que todo aquel que lo escucha, le encanta!" Los otros miembros son el guitarrista Mike Landau, el bajista Jimmy Haslip y el batería Gary Novak.
• Robben ha estado de gira por el mundo de vez en cuando con el legendario guitarrista Larry Carlton, los dos productores de "Live in Tokio", y un "unplugged" de DVD de París. La colaboración parece ser el actual giro postal
  - Proyectos con John Scofield, Michael McDonald, y giras y grabaciones con su compañero de Miles Davis, ex saxofonista Bill Evans, así como Randy Brecker y los Rolling Stones el bajista Darryl Jones.
• 
  Robben también colabora con su esposa Anne en varios proyectos musicales, entre ellos su reciente CD "Weill", que Robben producidos en su propio sello Iliria.

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