Rockapella

• Con alegría, no son sus Rockapella infancia. Más bien se han convertido en una de las más sofisticadas y duraderas en el mundo pop grupos vocales. Con el gran éxito de la rotura violenta de televisión "Glee" y un grupo a capella que reina en la esquina de frío en las universidades, es claro que el hambre de emocionante interpretación vocal en directo. Un único concierto abre una ventana a prácticamente toda la historia de la música vocal de la época Mills Brothers a través de jazz y el rock a hip hop actual.
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  El pequeño milagro que mantiene a la multitud a volver año tras año y constantemente atrae a nuevos fans es sorprendente Rockapella completo de la banda de sonido. Un sonido que parece ser imposible viniendo de tan sólo cinco chicos con micrófonos. No hay instrumentos, no hay pistas, no hay espejos - y sus manos que no deje sus muñecas. "Estamos haciendo todo lo poco tanta música como coro 'Glee' todo - pero con sólo cinco chicos", dice humanos Rockapella de Beat-Box Jeff Thacher.
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  "Hacemos que sea rock y que sea interesante", explica Leonard Scott, del grupo principal compositor, arreglista y arquitecto de la evolución de su sonido dinámico. EE.UU. Hoy en día, resumió el atractivo perdurable de esta manera: "El mejor instrumento musical de todo es la voz humana - si usted ha visto Rockapella sabes que es la verdad."
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  El Rockapella formación actual cuenta con Leonard Scott (desde 1991, Tenor Alto), Jeff Thatcher (1993, percusionista vocal), George Baldi III (2002, bajo), John K. Brown (2004, Tenor) y Steven Dorian (2010, Tenor). Esta formación marca una regeneración de Rockapella cuyo talento cubren una amplia gama de entretenimiento y están muy orientadas a la excelencia musical. "A la gente le cuesta creer que somos sólo nosotros haciendo todos los que la música. Sigue siendo los mismos elementos que hacen que la música de banda moderna: percusión, bajo, melodía y armonía ", dice Scott.
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  Bang bastante bien lo dice - que es el título explosivo de su nuevo disco [sus 20!] Que muestra 13 caliente de pistola canciones originales, con al menos una composición de cada uno de los miembros - junto con una cobertura adicional de "Vampire Weekend A- Punk. "con una explosión, el quinteto de Rockapellas ofrecer armonías apretado, vibras soul y arreglos más parecido a Stevie Wonder o el final perfeccionista emocionante de" American Idol ", que simplemente besando estilo 'primos de inexperto Boppers banda de chicos, Woppers Doo o incluso Barbershoppers. , Dice George, "Con la explosión, ha Rockapella tipo de altura de las circunstancias cuando se trata de competir con el R & B, jazz o cualquier cosa en ese reino que es, en realidad se está reproduciendo en la radio."
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  Hasta el momento no han sido una docena de hombres que han pertenecido a Rockapella desde sus inicios. Los cambios en el tiempo, naturalmente, han provocado un fortalecimiento de talento con nuevas posibilidades de entretenimiento. "A medida que cada individuo ha pasado o se retiró, el grupo ha mejorado técnicamente y más a la perfección", explica el miembro de más alto nivel Scott. "Cada vez que perdemos a un hombre que es agridulce porque se olvida de que algo especial que añade a la receta. Pero entonces usted es capaz de ir y encontrar exactamente lo que usted piensa que mejor llena ese espacio con talento quizás adicionales y una personalidad fresca en la mezcla. "Con sus movimientos de baile suave y meliflua armonía Motown son probablemente lo más cerca que pueda entrar en el del siglo 21 al carisma de The Temptations.
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  Rockapella tuvo la previsión en 1993 para actualizar con los poderosos de tiempo completo además del baterista Jeff boca, que por arte de magia se puede convocar a un mundo de sonidos de percusión de la trampa de golpes de tambor a los platillos de la balanza de pagos brillante carne-Beaty de un bombo. Usted realmente tiene que ser testigo para apreciar su cacofonía misterioso mágico. "La gente a menudo me pregunta si le duele", comenta Jeff, quien es egresado de la Berklee School of Music y es también un productor para otros artistas. "No exactamente, pero parecen bastante el fin justifica los medios." Como uno de los pioneros de la forma, fue el inventor del uso de la especial acústica pick-ups que pudiera capturar la garganta sonidos guturales, junto con la de bronce instrumento al estilo de "escupir" efectos sonoros captados por los micrófonos de mano que son la marca de los modernos "beatboxing".
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  Otro elemento de unión en Rockapella es que todos los cantantes son veteranos de la Disney talento de desarrollo empresarial. "Disney es un caldo de cultivo para un buen desempeño - es como el Club de Hamburgo era de los Beatles", dice Steven, nuevo miembro del grupo, que actuó en el Festival de Disney El Rey León. "Usted tiene que traer su mejor juego por lo menos 3 o 4 veces al día dentro de las 6 horas diarias, cinco días a la semana en Disney. No se puede cansar. Usted tiene que cuidar de su voz. Tienes que estar en forma para que pueda llegar allí y sobrevivir y ser consistente. "[Gracias, Walt!]
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  Naturalmente, Rockapella es un apodo que describe su ingeniosa mezcla de la roca y una a capella. El grupo es el más conocido en los EE.UU. como a los artistas innovadores, cuyo ingenio inteligente, numerito y melodías fueron los propulsores a reacción de los 295 episodios de viajes de la PBS para niños Smash TV "Dónde en el mundo está Carmen Sandiego?" Los 10 millones de niños (y padres) que sintonizaron semanalmente durante su apogeo, 1,991 a 1996 han creado una base de la familia ventilador de gran alcance para el grupo. Canción de la serie el tema sigue siendo válido canción más descargada del grupo. "Es casi como nuestro himno nacional", se ríe John Brown.
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  El grupo versátil ha sido por todo el mapa de entretenimiento que aparecen al principio de la PBS "Do It A Cappella", presentado especial por Spike Lee. También han hizo una aparición con Whoopi Goldberg en su TV especiales. "Estos chicos golpear la mierda fuera de mí, sino que son increíbles", Whoops. La Rocka-resume también incluye jingles para Folgers café y la alegría de almendra, promociones personalizadas para el "Today Show", y una aparición en "The Tonight Show" con Jay Leno.
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  El grupo también ha tendido a veces en los últimos tiempos en el mundo instrumental, aceptando una invitación para actuar con la Orquesta Boston Pops. "Fue algo nuevo para nosotros", dice Scott, que ayudó a crear un régimen especial para los conciertos de AMBOS Rockapella y Pops el. "Es muy emocionante tener ese muro de sonido que viene de atrás. Además me dio la oportunidad de satisfacer mi necesidad de disponer de nuevos instrumentos y disfrutar de mi fascinación por Glenn Miller estilo de arreglos de big band que me encantó su crecimiento. "
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  Rockapella ha hecho viajado a lo largo del sistema solar ya que sus raíces sonoras colegiado temprano, cuando un entusiasta de un cuarteto a capella de la Universidad de Brown graduados comenzó a cantar en las esquinas de Doo Wop ciudad de Nueva York de la calle en 1986. Durante las décadas Rockapella se ha convertido en una compañía de alto rendimiento energético concierto en el que viaja por el mundo dando por lo menos 80 conciertos al año. "No se trata sólo de las notas y el canto muy bonito", comenta Juan, quien es un veterano de los espectáculos de Broadway - y es un bailarín de claqué significa para arrancar. "Se trata de un todo: la presencia que emiten, los bits de comedia, el tiempo y la interacción, tanto durante como después del espectáculo." Añade George, "Conciertos nos dan la oportunidad de ser creativo y espontáneo, ya que algo nuevo puede nos pasan durante el día en que podamos poner en el show. "
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  Por el atractivo universal de la música vocal, Rockapella atrae a un siguiente ávido internacional que los lleva regularmente a lugares tan exóticos como Japón, Hong Kong, Singapur, Seúl, Suiza y Alemania. El grupo a menudo se lleva a cabo una o dos canciones en la lengua nativa del país que están visitando. Su fama es particularmente luminosa en Japón, donde Scott comenzó su carrera musical actuando en Disneyland Tokio y disfrutó de una carrera en solitario que finalmente llevó al primer contrato de grabación de Rockapella. "Lo que hacemos es realmente trans-cultural, que, somos embajadores", dice Scott, quien se ha convertido en bilingüe en alemán y japonés para conectar mejor con el público. "Cuando usted hace ese esfuerzo adicional para conectar con la gente con su lengua y mostrar una conciencia de sus propias costumbres y la música popular, son tuyos para siempre."

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Jimmy Thackery

• Si Jimmy Thackery titulares de un festival en Dakota del Sur o atascos durante horas en uno de los numerosos bares de blues que salpican el paisaje musical, siempre va a desatar una andanada intensa de Rockin 'guitarra de blues garantizado para salir de las multitudes emocionalmente agotado. Su dinámica de doble filo guitarra le permiten disparar misiles marcador, doblar una nota para que se ajuste en un bar de limbo, correr riffs Dive Bomber, y encontrar un espacio en el temblor de una nota de picadura. "Puse todos mis sentidos en espera y encuentra la zona y seguir lo que hay dentro. Hay una electricidad de tu mente a tu corazón a los dedos. Usted acaba de tratar de recordar la respiración."
• Él es uno de los pocos guitarristas de blues que aprendió de primera mano de los maestros del blues, no de un registro de blues o DVD. Aunque la mayoría de los asociados Jimmy con sus 15 años como el co-fundador de los Nighthawks, terminó su tiempo con ellos en 1987. Desde entonces, Jimmy ha estado en el camino como solista durante 15 años haciendo cerca de 300 espectáculos al año demuestra cada noche que él sigue siendo el centro neurálgico de guitarra en el blues.
• Thackery ha vivido la vida de un guerrero verdadero camino, que ha aprendido las lecciones de la vida artística y se filtra a ellos en su forma de tocar la guitarra y escribir canciones. Para llegar a donde está hoy, Jimmy ha recorrido un camino de la vida llena de una serie de vueltas y revueltas. Se reunió toda la gente adecuada y han tenido una influencia permanente en él.
• Ya era hora de Thackery en el escenario con Muddy Waters que se marca en lo profundo de su alma musical. "Muddy fue uno de esos tipos que constantemente alentadores. Nunca le dijo qué hacer, pero siempre le dije lo que estaba haciendo mal. Nunca pelos en la lengua al respecto.
  "La primera vez en el escenario con Muddy, yo estaba en tal temor de lo que yo seguí mis ojos y los oídos abiertos y acaba de recoger en todo lo que hizo. Fue la dinámica que había que llegó a ser tan arraigada en nosotros. Lo hemos escuchado en los registros y se puso de pie en el escenario y ver cómo funcionaba. "
• Thackery dejó el Nighthawks en 1987 porque quería la oportunidad de escribir y poner nuevo material en los conjuntos. Primero formó una de seis piezas de R & B de banda, los asesinos, una banda de estrellas de R & B, funk de la zona de Washington DC, y grabó tres discos con ellos. Luego, en 1992, Thackery formó su banda de tres piezas llamadas de los controladores para poner de relieve su guitarra y explosivos a la carretera blues.
• "La década de 1990 fueron un tiempo fabuloso. Estábamos trabajando nuestras colillas de hacer" cerca de 300 espectáculos al año. La ironía es que fue una de las razones por las que había dejado el Noctámbulos, yo estaba cansado de trabajar tanto y no tener una vida fuera de la música. Cuando estás por tu cuenta, es mejor que estar a la altura. Así que me encontré de nuevo en el nicho de la noche 300. Lo que hizo que la satisfacción es que era mi barco y yo era el capitán de la misma. Estábamos haciendo el material que estaba escribiendo. Que estábamos haciendo los arreglos que se me ocurrió. "Cada vez que toca en directo Thackery, una guitarra de pie sostiene a cuatro guitarras y Thackery dará a conocer al público, voy a utilizar todos ellos esta noche!"
• Sus grabaciones no son diferentes. En ese momento, ha grabado ocho discos de Blind Pig.
• Su primer disco, Motel Empty Arms, fue lanzado en 1992. "Que uno todavía parece ser el favorito de mucha gente. Fui en Registros Kingsnake y recitó algunos covers y originales. A medio camino, Bob Greenlee llamado Jerry Del Orientación en Blind Pig acerca de las sesiones." A partir de ese periodo de sesiones, Thackery comenzó su año con Blind Pig.
• En 1993 le siguió Sideways In Paradise, una casa abajo, relajado dúo acústico con John Mooney. Luego, en 1994 Jimmy registrado Trouble Man, con Memphis productor Jim Gaines. Que comenzó sus cinco asociación de registro. Wild Night Out, una grabación de 1995 en vivo, disco Para sobrevivir en el 1996, cambiar de marcha en 1998, y el pecador Street, que añadió un saxofón a la música Thackery en el año 2000. "Creo que ese disco, Trouble Man, dobló la esquina para mí, porque yo tenía un verdadero productor y yo estaba haciendo canciones originales. Eso me dio una dirección. Jim y yo hicimos un montón de proyectos juntos. Hizo todo a través de la calle pecador. Yo aprendí muchísimo de verlo como un productor que al final de Sinner Street, ambos llegamos a la conclusión de que yo estaba listo. Yo le estaba diciendo lo que estaba pasando. Él sabía que yo había perdido las ruedas de entrenamiento. "
• Después de salir de Blind Pig, Thackery ha lanzado y producido dos de sus propios registros, lo conseguimos y True Stories, de Telarc y dos colaboraciones con Telarc Tab Benoit, en vivo Tienda whisky y whisky tienda. Y allí estaba el reencuentro aclamado por la crítica con su viejo amigo David Raitt en azul It Rock "
• Todo esto ha dado lugar a un nuevo Jimmy Thackery. Debido a que cada disco es más de los originales de las cubiertas, Jimmy viajó a Nashville para trabajar con sus canciones con algunos de los mejores. Esto no es un Thackery Jimmy va país. Se trata de rocas Jimmy Thackery el blues. "Creo que True Stories en Telarc es mi mejor canción por escrito hasta la fecha. Para el nuevo proyecto de Telarc fui a Nashville para trabajar con Gary Nicholson. Quería ir a ver cómo los chicos de Nashville van a escribir canciones. Escribimos este de la tierra para arriba. Llegué con ganchos y las ideas y las líneas. Yo no quiero ser demasiado elaborado. Quería ver cómo construyen estas canciones líricamente. ¿Qué hacer con Gary Nicholson es lanzar un anzuelo o línea y tomar fuera de allí y no dejar que el garaje hasta que haya terminado con una canción. "
• Jimmy se describe lo que la escritura es como para él. "La inspiración puede venir en cualquier momento. Podría ser una primera letra o podría ser un musical lamer primero. Tal vez sólo sea una cosa formulario. En mi mundo, una letra tiende a ser una hoja de ruta musical. Tiende a establecer la música que escucho en mi cabeza. La cadencia de una lírica tiende a sugerir el camino a seguir en la guitarra. Hubo una melodía que trabajaron más de una ranura determinada y se siente y no se levantaba para la ocasión. En la parte último segundo, Gary y yo le dije, "¿Por qué no sólo de rock esta cosa. Hemos cambiado completamente los engranajes y cambió por completo los patrones y los acordes y se fue a algo completamente diferente. Lo hicimos en una sola toma. Es la primera canción en el disco y que sólo comienza el culo. "
• Y no es la guitarra de Thackery. "Hay tres instrumentales de guitarra en este disco porque quería hacer un disco de guitarra orientada. La guitarra sigue siendo un material muy profundas raíces que está muy enraizado en el blues. Pero también tiene sus raíces en el surf y la música de espionaje. Soy un tonto para que directamente ocho ritmo, gangoso, menores cosas instrumentales escala. La primera cosa que cada cuerpo tenía cuando recibió una guitarra en la década de 1960 fue a tocar la música de The Ventures. Sigo siendo fiel a las raíces. blues está bien representada, pero así es todo lo que otro tipo de música que oí. Pero también lo es toda la música que otros me escuchen ".
• Para hacer el mejor disco posible, Jimmy contrató a algunos de los mejores músicos de Nashville tenía que ofrecer. No es coincidencia que muchos de estos nombres también trabajan con el rockero de blues compañeros, Delbert McClinton. Jimmy señala que a pesar de que tiene una sensación de Delbert, todavía tiene todas las de su integridad. "Tal vez debido a la forma en que está establecido y los músicos comunes, será un eco con los aficionados que normalmente no compran mis discos."
• Para apoyar su nuevo proyecto, Thackery está listo para hacer la contrarreloj en carretera. "Comencé a pensar que me perdí los días en que yo era sólo un trío completo soplado, patear el culo. Pensé que sería divertido volver a eso. Hice mantener Marcar Stutso, mi baterista de 15 años. Él sabe qué dirección voy antes de que yo hago. "
• Entre el trabajo camino constante con su propia banda, produciendo el último disco de sus amigos en Arkansas, los Hermanos Cate, el registro de la tienda whisky con Tab Benoit y gira en apoyo y jugar varias reuniones de halcones de la noche, la placa de Thackeray es desbordante, y eso es exactamente lo Thackery le gusta la vida - desbordando.

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John Wetton

•  Nacido en Derby, se crió en Bournemouth, John Wetton Primero inició su carrera musical en la música de la iglesia en el plan de su familia. Él juega a menudo las partes de bajo para ayudar a su hermano ensayar melodías para los servicios .... Eso llevó a una experiencia de amor de Juan de melodías de bajo. En su adolescencia, John centrado Aquellas melodías en el bajo y perfeccionó jugando y cantando sus habilidades con las bandas locales. También descubrió en don temprano para escribir canciones con un compañero de banda, Richard Palmer-James, para continuar a prosperar sería esa relación a través de cinco décadas.
• Los primeros trabajos de John con una variedad de bandas que le permitió mostrar sus talentos bajo impresionante, pero hicieron muy poco para mostrar su canto y composición habilidades "igual de impresionante. Frustrado, John comenzó a escuchar poco más cerca de la echada de ventas de un viejo amigo, Robert Fripp, quien en septiembre sobre la reforma de King Crimson en 1972. El núcleo de la Carmesí posiblemente Wetton, Fripp, Bill Bruford y es a menudo considerado el "clásico" line-up, lanzando tres álbumes de estudio ("alondras" lenguas in Aspic "," Starless y Negro Biblia, "y" Red ") que de verdad la banda estirada al límite de la imaginación. Pero después de un show con ampollas en el Central Park de Nueva York en 1974, la banda que llegó a ser una pausa permanente.
• Una vez más, Juan encontró trabajo rápidamente para esperar el momento oportuno, pero los comentarios de los aficionados e incluso los medios de comunicación resultó Juan que no podía seguir siendo un poco de vida en la sección de ritmo Wetton / Bruford de King Crimson. Una serie de llamadas telefónicas y reuniones resultó ser el impulso necesario para conseguir en el Reino Unido de la tierra. El line-up de Wetton, Bruford, Eddie Jobson, Allan Holdsworth y entregó una potente mezcla de fusión de jazz y pop progresivo que trajo un gran éxito, sino también en la división de banda. Después de un álbum, Bruford y Holdsworth estaban fuera, y el baterista Terry Bozzio en. El trío entregó un álbumes de estudio y un álbum en directo antes de una muerte similar a King Crimson ... que se transformaron en pausa permanente.
• En este punto, John decida convertir atenciones a su única carrera y entró al estudio para grabar "Caught in the Crossfire", un álbum que, en retrospectiva, muestra un puente lógico de la música del Reino Unido posiblemente a la música de Asia. Aunque la mayoría de los aficionados Wetton están familiarizados con "Caught in the Crossfire", no mucha gente lo escuchó en 1980. Por ejemplo Los registros no le dan la promoción necesaria, para mover John atribuido a su avanzada edad. Tenía 31 años en el momento ... ..
• Sensación de que era hora de limpiar la casa, Juan se separó de su antigua dirección, editores, y la compañía de registro, y se unió a Brian Lane, que acababa de terminar con la carrera exitosa Sí Brian estaba trabajando con aumento de A & R estrella John Kalodner y Geffen registros para reunir a un grupo de desatar Ojalá que el nuevo sonido en el panorama musical conservando los mejores elementos del rock progresivo. Lane encontró su sueño line-up con Wetton, Downes Geoff, Steve Howe y Carl Palmer. Este "fab four" de la progresiva venta de discos pop de radio y gobernaría por un año escaso y medio antes de perder en un Wetton brusca sacudida apenas unas semanas antes en gran medida promovida por emisión de MTV Asia conciertos en Asia. No mucho tiempo después, John volvió al redil como Steve Howe Asia hizo su salida. Entró en el estudio de la banda con el nuevo guitarrista Mandy Meyer para grabar "Astra". El álbum mostró pocos Wetton / Downes clásicos como "Rock and Roll Dream" y "Go", pero el rostro cambiante de las alineaciones y el cambio de la música americana significó la pérdida de impulso y las débiles ventas.
• A finales de los años 80, reavivó el interés en Asia en Europa. John se reunió con Carl Palmer y Geoff Downes Finalmente, para una serie de conciertos que han tenido éxito, pero John se fue vacío. Para él, Asia sonaba cansada y que estaba listo para un descanso. Más atractivo era él sólo se ocupan de Virgin Records. Por lo tanto, después de concluir una gira por Sudamérica en 1991, dijo adiós a Juan temporalmente Asia ... o eso pensaba él.
• Con energía renovada, John se mudó a California y comenzó a trabajar en su "correo de voz" del álbum, el primer álbum para mostrar realmente los talentos de su emocional, material autobiográfico. Dos canciones del álbum, "Hold Me Now" y "líneas de batalla," han convertido en clásicos entre los fans de Wetton. De hecho, "Battle Lines" reemplazó a "Correo de voz", como el título del álbum Cuando el productor británico, Bob Carruthers se seleccionó como tema para su película "Chasing the Deer." Para promocionar el álbum, John se embarcó en su primera visita y luego lanzó un CD en vivo llamado "Akustik".
• Volviendo al estudio de mediados de los 90, John pistas de álbumes tributo contribuyó con las obras de Jethro Tull, Emerson, Lake & Palmer y Genesis. Profundizó en el enlace con el Génesis al firmar con Steve Hackett por su "Genesis Revisited", el cual culminó con la eficacia de gran éxito varias presentaciones en vivo en Japón.
• Continuación autobiográfica composición llevó a 1997 "Arkangel" álbum, un álbum emocionalmente arenosa que se sumaría más básicos ("Arkangel", "Emma") para actuaciones en directo de Juan solamente. "Siniestro" 2000 del álbum, también titulado "Bienvenido al cielo", acaba de terminar la trilogía de las ofertas. Que seguir promoviendo estos álbumes con extensas giras por Europa, Japón y América del Sur.
• Despi ser dejado fuera de la programación de la gira, los fans americanos HAD mucho que celebrar en el año 2002 con la primera convención de fans de John Wetton en el suburbio de Allentown, PA. Cientos lleno de una sede local para pasar un fin de semana con John, su banda, y Geoff Downes, quien se unió a John para una gala la noche del sábado concierto marcó la primera vez que tenía los dos compartieron escenario en más de diez años.
• Los aficionados se deleitaba en un resurgimiento de la Wetton / Downes Cuando John regresó al equipo para comenzar a trabajar en 2003 del estudio "roca de la fe." Dos nuevas canciones escritas por John y Geoff ("He venido para llevarte a casa" y el " establecer ") creado una gran expectativa para una esperanza entre los aficionados de la reunión original, posiblemente, Asia line-up. zumbido que rugía en el año 2005 con el lanzamiento de" icono ", un álbum de música original de Wetton y Downes que siguieron con el dúo de . serie de shows en vivo aficionados Wetton aplaudieron el hecho de que sonaba tan bien en persona, si no mejor, que lo hizo: Durante el apogeo de Asia.
• Con Wetton en la parte superior de su juego (de nuevo), imagina lo que suena como si sería Downes, Howe y Palmer se unió a todos en! Sucedió en efecto a principios de 2006, los cuatro músicos responsables de Número de la cartelera Un álbum de 1982, se sentó en un hotel de Londres y comenzó a las bases de una gira de reunión en todo el mundo. Después de bombardeo medio en los EE.UU., la gira comenzó en Rochester, Nueva York en agosto de 2006. Los fans rápidamente hizo con entradas como las fechas más y más se han añadido.
• Varios meses después de la gira de reunión, Asia y sus seguidores sorprendió al saber que se necesitan de urgencia una cirugía a corazón John Wetton. Durante su estancia en el hospital de Londres, los fans preocupados inundaron la centralita de llamadas acerca de su progreso. Afortunadamente, John se recuperó extraordinariamente rápido y, después de una pocas semanas descansando en su casa, Asia volvió a la carretera.
• Durante este tiempo de exploración, John y Geoff lanzado el segundo de su icono de discos, "Rubicon". El significado histórico del título no se perdió en los músicos o sus fans, como las canciones de John reflejada y las decisiones personales y profesionales de Geoff para cortar los lazos del pasado restrictivas y forjar un nuevo punto de vista positivo.
• Como Asia emprender un segundo año muy esperado de la gira, los aficionados exigieron más. Que ellos querían escuchar lo que sucedería si Wetton, Downes, Howe y Palmer se sentó en un estudio y ha creado un nuevo álbum. Los fans consiguieron su deseo ya que la banda se retiró al estudio a Liscombe Park y se puso a trabajar en "Phoenix". Apropiadamente titulado El proyecto fue una muy equilibrada una, totalmente mostrando la escritura y de juego de cada miembro de la banda. Sus reflexiones reflexivo sobre la crisis de salud de Juan y su resurgimiento saludable color muchas de las letras en el álbum.
• Asia envuelto meses de gira en la primavera de 2008 con una serie de shows en Europa del Este, dejando a John y Geoff, con tiempo para elaborar su álbum tercer icono. Mientras que en el trabajo duro en la escritura y grabación de ese proyecto, los cuatro miembros de Asia se espera que a principios de 2009 y por cuarto año consecutivo de gira .... Ni siquiera algo que sucedió en su apogeo 80.

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Buddy Guy

• George "Buddy" Guy (30 de julio de 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy
  Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.
• A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Luisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vio tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciéndose acreedor a un contrato de grabación.
• Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!
• Stevie Ray Vaughan
  Aparece como invitado especial en el concierto de los Rolling Stones filmado por Martin Scorsese "Shine a Light" (2008) Al final de su participación Keith Richards le rinde honores regalándole su guitarra.

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The Pretty Reckless

• The Pretty Reckless es una banda de rock alternativo
  y post-grunge de Nueva York formada y encabezada por la cantante,
   modelo y actriz Taylor Momsen. La banda iba a ser llamada originalmente
  "The Reckless", pero debió ser cambiado a
  The Pretty Reckless a causa de problemas comerciales.
  La cantante principal Taylor Momsen formó la banda en el 2009 con John Secolo en la guitarra, Matt Chiarelli en el bajo y Nick Carbone en la batería. En ese mismo año tocaron como banda soporte para The Veronicas en su gira por Norte América. Hoy, Momsen es la única integrante original de la banda, con Ben Phillips en la guitarra, Mark Damon en el bajo y Jamie Perkins en la batería.
• Momsen declaró en una entrevista con OK! Magazine que la banda firmó con Interscope Records y que lanzarían su álbum debut en el 2010. En otra entrevista, Momsen habló sobre el sonido de la banda, diciendo que sería "no lo que la gente espera" y que contaría con un sonido oscuro y pesado, pero que también tendría "algo liviano, divertido también." En una entrevista con MTV, Momsen reveló que las influencias de la banda incluían a The Beatles y Audioslave junto con otras bandas grunge, como Soundgarden y Nirvana. También declaró que sus influencias personales también incluían a Kurt Cobain, Debbie Harry, Joan Jett y Cherie Currie.
• El 30 de Diciembre del 2009, la banda lanzó una canción promocional llamada "Make Me Wanna Die". La canción fue subida para ser descargada gratuitamente mediante la página web de Interscope Records, pero ya no está disponible gratuitamente.
• La banda lanzó "Make Me Wanna Die" en el soundtrack de la película Kick Ass. Esta canción fue lanzada como primer single el 17 de mayo de 2010.
• El 9 de Abril del 2010, tocaron en el Vans Warped Tour 2010 Kick-Off Party y en el Bamboozle Music Festival el 1 de mayo del 2010.También participó en todo el |Warped Tour 2010.
• El primer EP de la banda fue lanzado el 22 de Junio de 2010, tanto digitalmente mediante iTunes y Amazon; y físicamente en los locales de Hot Topic, e incluye el primer single de la banda, Make Me Wanna Die, junto con dos canciones más, en su versión digital, y tres en la versión física. El álbum completo fue lanzado en agosto de 2010.
• "Make Me Wanna Die" También aparece en el tráiler oficial de la segunda temporada de The Vampire Diaries.
• "Make Me Wanna Die" También aparece en una escena de el capítulo 09 de la Cuarta temporada de Gossip Girl.
• Apareció en Late Show with David Letterman cantando ese mismo single.
• La banda tuvo un tour por Reino Unido de cuatro fechas, empezando por Glasgow, Escocia en el Barrowland Ballroom el 13 de Diciembre, 2010.
• The Pretty Reckless hizo un cover de "Forget You" de Cee Lo Green (con un toque de Stevie Wonder) en la BBC Radio 1's Live Lounge show en Diciembre 2010.
• El 24 de Enero del 2011, apareció en el show de TV francesa "Taratata" cantando MMWD y haciendo cover de la famosa canción "Wonderwall" de Oasis, el show había sido grabado en el 2010 durante su gira por Europa.
• En el mes de Febrero durante uno de sus conciertos en Los Angeles, la banda realizó un cover de la canción "Like a Stone" de Audioslave

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Ben Webster

• Ben Webster (Kansas City, 27 de marzo de 1909 - Copenhagen, 20 de septiembre de 1973) fue un saxofonista (tenor) estadounidense de jazz. Está considerado como uno de los "big three" (tres grandes) saxofonistas tenores del swing, junto con Coleman Hawkins (su principal influencia) y Lester Young.
• Benjamín Francis Webster, conocido en el mundo del jazz como, Ben Webster, y apodado "El rana", por sus ojos saltones, nació en la muy jazzistica ciudad de Kansas City, cuna de magníficos saxofonistas, entre ellos la del gran, Charlie Parker.
• Fue un 27 de marzo de 1909 y su carrera musical comenzó a tomar relieve en la cuerda de saxos de la orquesta del maestro Duke Ellington, en los tiempos del Cotton Club, de Harlem. El "Duke", compuso agradecido a su saxofonista, un tema emblemático que acompaño a Ben Webster, durante toda su carrera. Estamos hablando de "In a Mellotone", una pieza hecha  a la medida de nuestro músico y que le acompañaría durante toda su carrera.
•      Ben Webster, estudió varios instrumentos: primero violín, después piano y clarinete. Su primer trabajo fue precisamente el de pianista en un cine mudo en Texas. Su afición por el saxo la adquirió de Bud Johnson, el famoso saxofonista de Dallas. Tocó el saxo contralto en orquestas bastantes conocidas como la de W.H.
• Young, padre del gran Lester Young, donde estuvo tres meses. En 1931 trabajó acompañando a la cantante, Blanche Calloway, hermana del famoso director de orquesta, Cab calloway, y desde finales de ese año, hasta principios de 1933, formó parte de una de las mejores orquestas del Medio Oeste, la de Bennie Moten, cuyo pianista era por entonces, el maestro, Count Basie.
• Tras su fructífera experiencia con Moten, Ben Webster empezó a ser solicitado por las bigbands mas conocidas, y así en 1933, Andy Kirk, lo llamó para ocupar la cabecera de su sección de saxos, luego fue Fletcher Henderson quien se fijó en él, y en 1934, trabajó con Benny Carter.
• En cada una de ellas, la presencia de Ben Webster coincidió con el periodo de mas esplendor de esa orquestas.
•      Tras su paso por el atril de Benny Carter, tocó durante mas de un año con la orquesta de Cab Calloway, con el que grabó entre la primavera de 1936 y el verano de  1937, dieciséis temas.
•  La segunda mitad de la década de los treinta fue en ese sentido, un periodo donde Ben Webster se hizo un lugar propio en la escena jazzistica americana y consiguió ser uno de los grandes saxos tenores del momento.
•  Su ultimo trabajo en esa década fue tocar en el grupo de Teddy Wilson, donde le tocó acompañar en mas de una grabación a la cantante, Billie Holiday. El gran momento de su vida llegó en 1940 cuando entró a formar parte de la histórica orquesta de Duke Ellington. Su ingreso coincidió en el tiempo con la tambien incorporación del bajista, Jimmy Blanton. Entre 1940 y 1943, uno de los grandes momentos de la orquesta de Ellington, Webster fue un pilar indiscutible en la sección de saxos, sin duda la mejor de toda la historia del jazz, junto a Johnny Hodges, o Russell Procope. Temas como "Satín Doll" y sobre todo "In a Mellowtone" fueron escritos por Duke Ellington y Billy Strayhorn, para mayor gloria de su saxofonista tenor.
•      Cuando tras la II Guerra Mundial comenzó el ocaso de las Big-Bands, muchos músicos tuvieron que buscarse con mas o menos fortuna su lugar en la música de jazz como solistas, bien formando su propio grupo mas o menos estable o bien como sideman acompañando a otros músicos.
• A nuestro protagonista le vino bien la disgregación de las grandes orquestas del swing y en solitario consiguió los éxitos que dentro de la orquesta de Ellington quedaban de alguna forma camuflados. La peregrinación de Ben Webster cuando en 1943 dejó la orquesta de Ellington, comenzó con el grupo de Sidney Catlett a principios de 1944, Joh Kirby (julio de 1944); Stuff Smith (1945) y con Henry "Red" Allen desde noviembre de 1948, hasta septiembre de 1949. A partir de ahí, el productor Norman Granz, le liberó de sus problemas económicos cuando lo embarcó en la aventura del "Jazz at the Philharmonic" donde permaneció vinculado hasta 1959. Convertido en trotamundos, en 1964 emigró a Europa afincándose primero en Copenhague y después en Holanda, hasta que en 1969 echó anclas definitivamente en la capital danesa. En 1973, actuando en la ciudad holandesa de Leyda, sufrió un infarto que acabó con su vida en un hospital de Amsterdam.
•      Ben Webster, forma parte, junto a Coleman Hawkins y a Lester Young, de la triade de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz.
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Petra Magoni Ferruccio Spine

• En enero de 2003 conoce a Ferruccio Spinetti (en ese entonces contrabajista de la Orquesta de viaje Piccola Avion) ​​y con él se graba el álbum MUSICA NUDA casi por diversión, un disco lanzado en 2004 para el sello "Storie di Note" y tercer premio en el Premio Tenco 2004 para ver los mejores intérpretes.
• Bonsai Music lanza el álbum en Francia, Bélgica, Holanda, Luxemburgo y Suiza, así, la venta de 30.000 copias y las ganancias de la etiqueta de la FIP prestigio y el reconocimiento de los cuatro "clés" de Telerama, durante mucho tiempo en la cima del jazz cartas comerciales .
• .En 2004, el combo Mangoni-Spinetti gana el premio "Progetto Speciale" en PIMI (Premio Italiano Musica Indipendente).
  En el mismo año junto con la actriz y cantante Monica Demuru que subir al escenario con el espectáculo "AEDI - Sconcerto di canzoni ed epica".
• En 2005 son invitados del 01 de mayo Roma concierto, con viajes a La Grande Avion Orchestra.
  En 2006 lanzan el álbum doble "Musica Nuda 2" con prestigiosos invitados especiales.
  Con este álbum que ganar la Targa Tenco para ver los mejores intérpretes, y en el mismo año el premio "Best Tour" en el MEI en Faenza.
  retrato entrevista con los dos chicos.
• Siempre en el 2006 el DVD "Musica Nuda - Live in Paris" que sale en las tiendas, una producción francesa que los testigos del gran éxito que alcanzaron en ese país.
  En diciembre de ese mismo año lanzan "Quam Dilecta", un álbum de música sacra, y se van de gira por las iglesias para el festival "Musica dei Cieli". En 2007, Petra con Monica Demuru, Tavolazzi Ares y Paolo Benvegnu graba el álbum "Cime Domestiche", un proyecto de canciones tradicionales de las montañas, reinventado en una forma unconventinal.
• En el mismo año 2007 lanzan "MUSICA EN VIVO NUDA un FIP", un álbum en directo grabado en el Auditorio de Radio France en Parigi, y en junio de 2008 "Musica Nuda 55/21" para el sello Blue Note de prestigio. En el otoño de Petra es invitado en el Premio Tenco para "Palcoscenico", un programa de televisión en broadasted Rai2, en el que entrevista a muchos colegas.
  Petra y Ferruccio se encuentran en la consonancia de la firma al inicio y al final de la televisión cultural de espectáculo "Gargantúa", presentado por Giovanna Zucconi.
  En marzo de 2009 Petra y Ferruccio apoyo de Al Jarreau en su gira por Alemania y nunca dejar de viajar por el mundo.
• De 2009 a 2011 realiza Petra como La Reina de la noche en "Il secondo flauta Mágico Orchestra di Piazza Vittorio", una producción de Romaeuropa y el Festival di Lyon en el escenario de los más importantes teatros italianos y extranjeros (Teatro di Erode Attico en Atenas, Carlo Felice de Genova, Teatro d'Opera en Rotterdam, Bahrein Festival, Comunale di Ferrara, etc.)
• En diciembre de 2010 Al Jarreau en persona los invita para un dúo en el programa de televisión "Concerto di Natale", transmitido por Rai 2 en la noche de Navidad.
  Desde 2003 hasta la fecha, MUSICA conciertos NUDA más de 150 cada año, en Italia, Francia, Alemania, Austria, España, Luxemburgo, Bélgica, Holanda, Suiza, Rusia, Túnez, EE.UU., China, Ecuador, Israel, Montenegro. Innumerables los lugares de prestigio que tuvieron en, por ejemplo: Teatro San Carlo de Nápoles, Teatro Olympia de París, Pub de Joe en Nueva York.
  En su carrera de Petra recogido importantes colaboraciones (tanto en el escenario y en estudio) con artistas italianos e internacionales como: Stefano Bollani, Tavolazzi Ares, Al Jarreau, Z Bojan, Erik Truffaz, Benvegnu Paolo, Salis Antonello, Nicola Stilo, Tetes de Bois, Morgan, Jacques Higelin, Ginevra di Marco, Avion Travel, Les Anarchistes, Massimo Ranieri, Sanseverino.
• EL COMIENZO
  Ella empieza a cantar en un coro de voces blancas y en los años que muchas experiencias diferentes grupos vocales.
  Estudia en el Conservatorio de Livorno, en el l'Istitituto Pontificio di Musica Sacra en Milán y de la música antigua con Alan Curtis.
  Ella participa en talleres impartidos por Bobby McFerrin, Sheila Jordan (improvisación), Tran Quan Hay (canto armonico y difonico), los cantantes del Rey (conjunto vocal).
  Después de algunas experiencias en la música antigua y la ópera se cambia al rock con una banda de Pisa llamado Freni Senza, uniéndose a ellos para la edición de 1995 del festival de Arezzo Wave.
  Ella asiste el Festival de Sanremo en dos ocasiones (en 1996, con la canción "E ci sei", en 1997, con "Voglio de la ONU dio"). En el mismo período es en muchos programas de televisión (Tappeto volante, Aria fresca, en famiglia, debido vienen noi, Su le mani, etc), que las estrellas en la gira de teatros y en una película titulada "Bagnomaria" del popular actor Giorgio Panariello, quien escribe la canción "Che Natale sei" con ella.
• Bajo el apodo de Artepal trabaja como autor y cantante de música de baile ("No te des por vencido" ha sido la banda sonora de Sasch advs televisión desde hace años).
  Ella lanzó dos álbumes bajo su nombre, Petra Magoni (1996) y "Mulini vento una" (1997), un álbum Anima dulce (2000) compuesto por las canciones de Lucio Battisti escribió en Inglés, y aromáticos, junto con Giampaolo Antoni el electro -pop "Still Alive" (2004).
  En 2002, 2003 y 2004 es de Stefano Bollani y Riondino David obra "Cantata dei Pastori inmovilización-Presepe vivente e cantante" con Paolo Benvegnu, Monica Demuru, Mengali Mauro, un proyecto lanzado por Baldini Castoldi y como el libro y el disco CD.
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Keiko Matsui

• nacida en Tokio como Keiko Doi el 26 de julio de 1961, es una compositora y tecladista japonesa en el género smooth jazz/new age. Su carrera abarca tres décadas, durante las cuales ha editado veinte CD y varias compilaciones, siendo reconocida internacionalmente.
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  La trayectoria de Keiko Matsui ha estado marcada por su constante evolución musical. Desde sus estudios de piano clásico a sus primeros trabajos junto a bandas musicales encuadradas en música New Age. Su primer disco lo publicó en 1987. A Drop Of Water fue financiado con el dinero que obtuvo como regalo por su boda con el productor y flautista Kazu Matsui. Luego llegarían más discos en clave de Jazz Contemporáneo.
• Keiko Matsui se ha convertido en una de las artistas de jazz contemporáneo más reconocidas del panorama internacional. Sus elegantes melodías al piano y su estilo jazzistico nunca han decepcionado a la leal corte de fans que Matsui ha cultivado con docenas de álbumes y sensacionales shows en directo.
• Aclamada como "La Mejor Artista Femenina" en los premios "Oasis Smooth Jazz Awards", y después de haber alcanzado el nº1 en la lista de Jazz Contemporáneo independiente en el Billboard americano, la confirman como una de las artistas más innovadoras y de mayor proyección..., sobre todo por su habilidad para componer e interpretar estimulantes canciones, plagadas de guiños al clásico, el R&B, el Funk, el pop...
• Sus últimos trabajos habían supuesto una evolución de nuevo hacia la música New Age. En 2007 publica "Moyo" (palabra que en swahili significa corazón y alma), Keiko retorna al Smooth Jazz junto a colaboradores como Paul Taylor, Gerald Albright, Hugh Masekela o Richard Bona.

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Nuevo Disco De Luis Fonsi

• Luis Alfonso Rodríguez López, conocido artísticamente como Luis Fonsi nacio el 15 de abril de 1978 en San Juan, Puerto Rico. Es un cantante, intérprete, compositor, productor musical, y músico de baladas románticas, ritmos de rythm & blues y pop latino que lo han convertido en un ídolo para millones de latinos. Ha vendido más de 3 millones de copias a nivel mundial.[1]
• Para Luis Fonsi la música es como una terapia, un canal para expresar sus emociones y sentimientos más profundos. Y asegura que por ello la estabilidad musical y personal que siente ahora están reflejadas en “Tierra Firme”, su más reciente disco que salió a la venta hoy.
• “'Tierra firme' representa lo que siento hoy día ... la estabilidad, sentir que tengo los pies en la tierra, sentir que estoy pisando un lugar tranquilo, estable”, expresó el cantautor puertorriqueño en una entrevista con The Associated Press.
• Es “un disco más honesto que nunca, desnudé el alma en cada canción”, manifestó Fonsi sobre su séptima producción discográfica, cuyas canciones son todas de su autoría.
• “Es un disco que a nivel lírico dice mucho. Y positivo, romántico, un poco corta vena”, explicó.
• De mirada constante y hablar pausado, Fonsi, dialogó con la AP tras participar como invitado especial en un programa matutino de la cadena Telemundo, grabado en estudios de televisión de esta ciudad vecina de Miami.
• Vestido con pantalón de vaquero y camisa entreabierta negra, el artista de 33 años explicó que para él la música es como un escape.
• “Me ha ayudado a expresarme ... se me hace más fácil sacarme del sistema lo que siento ... atravesar un momento difícil”, reveló el cantante, que empezó a estudiar piano a los seis años en Puerto Rico.
• “Por eso es que la composición empezó como un hobby hace muchos años y ya se ha convertido en una terapia casi”, manifestó Fonsi, que en su mano derecha llevaba varios brazaletes de cuero negro.
• Producido por Sebastian Krys, Armando Avila, Dan Warner, Louis Bianconello, Sam Walters y Lee Levin, “Tierra firme” incluye el sencillo “Gritar”, que desde su lanzamiento internacional en abril, logró posicionarse como uno de los diez más escuchados en México, Chile, España, Estados Unidos y Puerto Rico.
• El disco salió a la venta casi tres años después que su anterior producción, “Palabras del silencio”, que vendió más de medio millón de copias en todo el mundo y consiguió el platino y oro en Estados Unidos, España y algunos países de Latinoamérica.
• “Tierra firme” aparece en dos modalidades: una tradicional, con 10 canciones inéditas; y otra ampliada, con 13 temas inéditos, dos remix y dos videos, uno de ellos con grabaciones tomadas durante la grabación del disco, detrás del escenario.
• El disco fue grabado en Miami, Los Angeles y México durante tres meses. De las 125 canciones que Fonsi escribió, fueron preseleccionadas unas 25, antes de quedar las 13 que finalmente están en el álbum.
• Aunque por ahora no figura entre sus prioridades, Fonsi piensa que en un futuro no tan lejano podría grabar por primera vez en inglés y retomar su carrera como compositor de otros artistas.
• “Ahora mismo mi corazón está hablando en español”, respondió el cantante cuando le preguntaron si le gustaría lanzar un disco en inglés.
• “Pues claro, me encantaría, es una puerta que nunca voy a cerrar, pero ahora mismo siento esa química más fuerte con mi público latino”, dijo Fonsi, quien es completamente bilingüe.
• Algo similar respondió al ser consultado sobre su carrera como compositor de otros cantantes.
• “No es algo que haga con mucha frecuencia, más que nada por el factor tiempo”, explicó el artista, quien ha escrito canciones para sus compatriotas Olga Tañón, Gilberto Santa Rosa y Ednita Nazario, entre otros.
• “A largo plazo es algo que sin dudas le voy a dedicar más tiempo”, aseguró.
• De apariencia simple y relajada, el artista reveló que “es bastante tímido”, callado, pausado.
• “Me falta todo. Nunca he pensado que he llegado”, respondió al ser consultado sobre qué es lo que aún no ha alcanzado en su carrera.
• Tras expresar que estaba “muuuy agradecido por todo” lo que ha logrado, destacó la importancia de “nunca perder las ganas de aprender cosas nuevas ... de querer seguir creciendo como músico, como cantante, como guitarrista, como ser humano”.
• Sobre su nuevo disco, dijo: “Cada disco es como un borrón y cuenta nueva. Hoy estoy comenzando de cero”.
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El sueño de morfeo

• Hoy después de tanto tiempo de no escucharles vamos hablar del sueño de morfeo .
• La verda que bonito es recordar la música nuestra ..
• El sueño de Morfeo es un grupo de música celta/pop/rock español procedente del Principado de Asturias compuesto por Raquel del Rosario (voz), Juan Luis Suárez y David Feito (guitarra), quienes desde Asturias llevan algunos años trabajando juntos y elaborando canciones de sólidas estructuras pop-rock aderezadas con fuertes aromas folk, apoyados en la llamativa voz de Raquel.
• Originariamente, Juan Luis y David llevaban un tiempo componiendo y tocando juntos en diversos grupos en su Asturias natal. A ellos se les unió la jovencísima Raquel, que con apenas 18 años abandonó las islas Cararias para probar suerte en Asturias. Juntos formaron El sueño de Morfeo. Con el apoyo de otros instrumentos entre los que se encuentra la gaita, lo que le da un sello muy personal, sus temas enlazan una base rock, delicadeza en los arreglos musicales y unas hermosas melodías vocales.
• Se creó en el año 2002 bajo el nombre de Xemá. Su primer disco salió ese año, titulado como "Del Interior", y no alcanzó demasiado éxito. En ese disco, se podía apreciar más que en el segundo su estilo celta, con la presencia de dos temas instrumentales.
• Tras la incorporación de Juan al grupo en 2003, deciden elegir otro nombre para éste y sacar su segundo disco (con el título de El sueño de Morfeo, también nombre del disco) salió a la luz en 2005. Su primer single Nunca Volverá fue un éxito de ventas en España, y se confirmaron definitivamente en las listas con su segundo single, Ojos De Cielo.
• El grupo recibió un importante empujón en su carrera con su aparición en la teleserie española Los Serrano. Actualmente, están en la recta final de su primera gira, un derroche de talento y originales estilos por más de 100 localidades de la geografía nacional, que han podido presenciar más de un millón de personas. Recientemente han llegado a su segundo disco de platino, con más de 150.000 copias vendidas de su primer disco. Actualmente acaban de sacar a la luz su último trabajo: un dueto con Diego Martin, titulado Déjame Verte.
• Componentes Vocalista: Raquel del Rosario Macías Guitarra acustica y coros: David Feito Rodriguez Guitarra electrica: Juan Luis Suarez Garrido La Banda Violin: Belinda Alvarez Lopez Bajo: Javi Mendez Batería: Israel Sanchez Gaita y Whistle: Ricardo Soberado

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The Mick Pini Band

• Mick comenzó a tocar la guitarra como un nuevo niño en 1960. Desde entonces ha pagado sus deudas en los bares, clubes, festivales, salas de concierto - el infierno, incluso tocando en las calles. Durante toda su vida ha trabajado con todo tipo: Doctor Ross, profesor de pelo largo, Grech Rich, Buford Mojo, Red Louisana, Dick Heckstall Smith, Chris Farlowe, Mike Vernon, BB King, Luther Allison - y más de unos pocos. Actualmente, con sede en Alemania, Mick, más recientemente, trabajó con Roy Estrada (Little Feat) y Jimmy Carl Negro (Frank Zappa).
• Vivo que es simplemente genial - pero ¿por qué tomar mi palabra para ella, Eric Clapton lo llamó el "legítimo sucesor de Peter Green", mientras que Mick Vernon lo describió como "tener la energía y el ataque que hizo Freddie King uno de los grandes. Hay grandes guitarristas muy pocos de trabajo de la escena europea. Seguro que hay muchos buenos, pero sólo unos pocos tienen el potencial de hacer una marca en forma de Peter Green hizo hace muchos años, "produjo un concierto reciente de la titular de periódico:".. Es un honor ver leyenda del blues en la acción "Tal vez el homenaje más elocuente es el hecho de que cuando Mick está en la ciudad, Mick doble, gerente de Eric Clapton, suelen estar presentes en la parte posterior de la habitación, en silencio disfrutando de conjunto de Mick.
• Maggie Bell - Sigue jugando los azules Mick.
  Ann Nightingale - absoluteley brillante.
  Roger Chapman - un gran jugador.
  Dick Smith Hextall - No he oído nada como esto desde que hice el Clapton Beano 1966 John Mayall Album.
  Mick Avery (batería The Kinks) - gran jugador real.
  Joachim Kirsten (Blues Noticias Alemania) - será uno de los mejores grupos en el continente en el futuro.
  Sherman Robertson - que eres el primer jugador blanco de blues con un toque negro.
  B. B. King - gran hombre, me gusta.
  Luther Allison - El hombre que vamos a tener que reunirse.
  Dirk Fohrs (Blues News Magazine, Alemania) - Un gran jugador del blues británico.
  El Dr. Ross - hombre que amo tu forma de tocar.
  Ian Parker (Asuntos Blues) - Mejor jugador de blues en vivo que ha visto y han sido influenciados por el.
  Roger Inniss - "Es necesario ayudar a su hermano '
  Es un animal "GRAN SER en el escenario con - Sam Kelly
  Micks equipo
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  Con un tiempo de vida en la música se escucha ecos e influencias de toda la tradición del blues en el juego de Mick. Su adherencia inflexible a una creencia genuina en su música nunca ha sido desviado. Los distintivos riffs crudos, atacando y frases, a menudo recuerda a nombres tan legendarios como Freddie King, Albert Collins o T-Bone Walker le golpeó con la agresión, no a diferencia de una tonelada de ladrillos, a continuación, en un momento, que va a derretir su corazón con un frase de barrido de la belleza pura. Estas son las señas de identidad de Mick Pini: encontrar a su vivir es un placer que no debe perderse - es una clase magistral de blues...
• Fender Stratocaster Guitarra 1954
  Gibson Guitar Goldtop 1973
  Gibson Guitar 345 1967 Cherry Red
  Martin DX1 Guitarra acústica
  Dreadnaught 1968 Gremio de guitarra acústica
  Amplificadores
• Mesa Boogie marca 111
  Fender Hot Rod Deluxe
  Dean Markley Combo

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Ravi Shankar

• Este es otro de los discos que Dixie nos deleita con su cultura músical ..La verda que es Espectacular ..Gracias  Dixie TQM
• Ravi Shankar (nacido el 7 de abril, 1920 en Benarés, Uttar Pradesh, India) es un músico bengalí conocido mundialmente por ser un virtuoso del sitar. Se le conoce con los títulos honoríficos de Pandit o Sri sri Ravi Shankar
  

  

  Discípulo de Allauddin Khan (fundador del Maihar gharana de música hindú clásica), Pandit Ravi Shankar es posiblemente el instrumentista hindú más reconocido, es conocido por ser pionero en la traída del poder de la tradición de música hindú clásica, así como por músico hindú y sus ejecutantes en general. Esto fue hecho por su asociación con The Beatles así como por su carisma personal. Su carrera musical atraviesa más de seis décadas y Shankar actualmente sostiene el Récord Guinness por la carrera internacional más larga.
  

  Ravi Shankar es el padre de la cantante estadounidense Norah JonesSu casa ancestral es hoy en día Kalia Upozila en el Distrito Narail, Jessore, Bangladesh. El nombre de su madre era Hemanginee, y su hermano mayor Uday Shankar era un bailarín famoso hindú clásico. De adolescente Ravi tocó el sitar con la compañía de baile de Uday Shankar, más notablemente con Anna Pavlova en la Unión Soviética.Amen de su virtuosismo, logro influenciar increíblemente la música occidental abriendo así las puertas de la percepción.
  Ravi Shankar dejó una posible carrera de baile y comenzando en 1938 él pasó largos años de estudio bajo su gurú Khan Allaudin. Su primera presentación en público en la India fue en 1939. El entrenamiento formal acabó en 1944 y él trabajó en las afueras de Bombay. Él comenzó a escribir canciones para películas y ballet clásico y comenzó una carrera de grabación con el afiliado indio HMV. Él se hizo director de música de All India Radio en los años 1950.
  Shankar entonces se hizo conocido fuera de la India, primero presentándose en la Unión Soviética en 1954 y luego en el Oeste en 1956. Él se presentó en acontecimientos principales como en Edinburgo Festival así como lugares principales como el Royal Festival Hal
  George Harrison, miembro de The Beatles, comenzó a experimentar con el sitar en 1965. Los dos se encontraron eventualmente debido a este interés común y se hicieron amigos cercanos, ampliando la fama de Shankar como una estrella pop y como el mentor de Harrison. Esto desarrolló enormemente su carrera. Le invitaron a tocar en lugares que eran insólitos para un músico clásico, como el Monterrey Pop Festival, 1967 en Monterrey, California. Él era también uno de los artistas que tocaron en el Woodstock (1969) y el Concierto para Bangladesh en 1971. Ravi Shankar y Amigos eran también el acto de apertura para la gira de Harrison de los Estados Unidos en 1974.

  

  Shankar ha escrito dos conciertos para sitar y orquesta, composiciones de sitar-violín para Yehudi Menuhin y él, la música para el virtuoso de flauta Jean Pierre Rampal, y la música para Hozan Yamamoto, maestro del shakuhachi (la flauta japonesa), y el virtuoso del koto Musumi Miyashita. Él ha compuesto extensivamente para películas y ballets clásicos en India, Canadá, Europa y los Estados Unidos, incluyendo Chappaqua, Charly, Gandhi, y Apu Tryology. Su grabación Tana Mana, lanzado por el sello Private Music en 1987, penetró el género New Age con su combinación única de instrumentos tradicionales con la electrónica. El compositor clásico Philip Glass reconoce Shankar como una influencia principal y los dos colaboraron para producir Passages, una grabación de composiciones en las cuales cada uno adapta temas compuestos por el otro. Shankar también compuso la parte de sitar en la composición Glass de 2004, Orión.
  En el año 1998 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música.

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Fausto Papetti

• Fausto Papetti (*Viggiù, Italia, 28 de enero de 1923 - † San Remo, Italia, 15 de junio de 1999). Músico internacional, inicia su carrera artística a finales de 1957. Empleando en sus grabaciones Saxofón y Clarinete.
• Inicia su carrera artística a finales de 1957, después de haber sido parte de algunas orquestas de jazz, comenzó a tocar con el grupo Campeones en la que acompaña el disco y en concierto Tony Dallara. Al abandonar el grupo en 1959, firma de un contrato para la Durium período de sesiones como un hombre, tocando lo tan difícil para los artistas a grabar. Un día, sin embargo, el director de la gran orquesta no se desea grabar el lado B de un 45 vueltas debido a la pieza elegida, era una violenta película de verano con el mismo nombre y no llega a un acuerdo satisfactorio, empleando en sus grabaciones solos de saxofón alto y clarinete, instrumentos que ejecutaba con gran maestría, pero siendo más apasionado del primero, por lo que se le llegó a llamar el mito del saxo confidencial. Se llegó a decir que las portadas de sus álbumes fueron más famosas que sus grandes interpretaciones, ya que tomó por costumbre que en cada producción apareciese una bella mujer, con poses insinuantes, maravillosos cuerpos y auténticas beldades, pues se trataba de verdaderas modelos que se escogían para aparecer en esas grandiosas, coloridas y maravillosas portadas, en muy pocas salía el artista.
• Deleitó varias generaciones con las coloridas, dulces y enamoradas notas de su saxo, por eso los amantes de la música instrumental, con certeza recordarán a éste particular músico, tanto por su exquisitas interpretaciones, como por las sensuales portadas de sus discos, que en aquellos años eran escandalosas, ya que el pudor era lo que privaba entre toda la sociedad americana y europea. Se especulaba casi con sorna que ver la carátula de un disco de Papetti era una de las pocas oportunidades en que los jóvenes tenían para ver el cuerpo al natural de una bellísima mujer. El músico resaltando lo que es la parte musical, tuvo la especial virtud de que recorrió incontables estilos con sus instrumentos y jamás, puede decirse, que se equivocó en las selecciones que hacía, puesto que cada disco se enfocaba en una forma de hacer música especial, convirtiéndose en piezas de colección.
• Como no logramos dar con una biografía más o menos aceptable de este extraordinario músico, para completar su semblanza biográfica, se escoge esta reseña, que es por demás simpática y muy elocuente: “No hay portada de Fausto Papetti que no haya engolosinado mis años mozos, ésos en los que medio centenar de tentaciones revoloteaban el sentido común y anulaban toda posibilidad de que la inteligencia, caso de que alguna allí anduviera, tomara parte en el combate".
• Anulado por esa iconografía concupiscible, imaginaba que el futuro sería un solo largo de saxo con un ejército de violines tutelando mi ingreso en el reino de lo carnal. Pensaba que la felicidad consistía en ver desfilar jacas de Ipanema tímidamente vestidas, dúctiles amazonas de mi delirio adolescente. Ya se sabe: en esas edades, el pecado sucede siempre en las novelas y en las películas, pero de vez en cuando hay ocasiones en las que está tan a mano pecar que no se puede hacer otra cosa.
• Al menos en esos años. Algunos o muchos después, la realidad busca a Kafka y regala fiebres y migrañas y letras de automóvil y tal vez algún quebranto en lo político, pero cuando el azar te regala una portada de un disco de Fausto Papetti se renueva el caudal de afectos, la sensibilidad adormecida y desaparece de cuajo la angustia existencial, el peso formidable de la injusticia que te impide conciliar el júbilo familiar y eso tan vago que consiste en la armonía del cosmos. El cosmos está herido: lo hiere la barbarie canalla de los extremismos y la falta de luces de unos y de otros. El cosmos, aunque ahora Marte invite a pensar en cabalgadas siderales y en franquicias del Hilton exquisitamente diseñadas por marcianos, descarrila sin que ninguna brida firme lo frene en seco.
• A Fernando Pessoa, al que he vuelto este verano, se habría sentido identificado con este mejunje moral de facciones antagonistas que comparte, en el fondo, idéntica pasión por los mismos placeres: suficiente ancho de banda, protagonismo mediático, palomitas a las diez cuando el cine apaga las luces de la realidad y el proyectista acciona el play de los sueños.
• La película de estos tiempos no se parece en nada a una portada de Fausto Papetti. Tiende más a emular las gloriosas portadas de Yes en los setenta: aquellos mundos irracionales, de topología intoxicada de formas delirantes. Entre una y otra iconografía me quedo con las portadas del intrépido saxofonista italiano. Cosa de la hípica del momento.

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Il Guardiano Del Faro

• Aqui les traigo un disco precioso de este gran hombre ..La verda yo cuando escuche este tema en especial Il Guardiano Del Faro - Amore Grande Amore Libero, ME parecio estraudinario ..
• Tengo que darle las gracias a Mi amigo javi , DIXIE aquien aprecio muchisimo por su cariño y amistad y sobretodo por su cultura músical ..Gracias Javi TQM
• Il Guardiano del Faro es el seudónimo de un músico milanés nacido Federico Monti Arduini. Diplomado en piano en el Conservatorio Giuseppe Verdi, comenzó su carrera musical como compositor y productor de la casa discográfica Bluebell, empresa que destacó en el mercado italiano por su combinación de temas pop y baladas románticas, muy al uso en los años sesenta. Sólo con echar un vistazo rápido al catálogo de la Bluebell puede uno imaginarse el perfil empalagoso de los cantantes: Rocco Granata, Joe Damiano, Carmen Villani, Tony Dallara… Aunque había excepciones, como la de Mina, la gran Mina Mazzini, injustamente olvidada en España (acaso recordada por ‘Parole, parole’ y poco más), para la que Federico Monti compuso ‘Ma ci pensi’.
• Tras su paso por Bluebell, Federico Monti dio el gran salto de su carrera en 1972, cuando se convirtió en director de Dischi Ricordi, otra discográfica similar a la anterior, pero con mayor proyección internacional. Este sello se encargó de distribuir en Italia los discos de Island Records, la casa de origen jaimacano que lanzó la carrera de Cat Stevens, Bob Marley o U2. Posiblemente, este periodo, más abierto y en contacto con la música anglosajona, conduciría a Monti a otros terrenos en la composición. Fue entonces cuando adoptó el seudónimo de Il Guardiano del Faro, nombre bajo el que se ocultaba un artista con una doble sensiblidad tanto para la música clásica como para las últimas creaciones del rock y el pop. El resultado de esta doble inquietud se hizo patente en sus primeras grabaciones, en unos temas interpretados con moog y arreglos orquestales. Entre todos ellos, el más famoso fue ‘Amore grande, amore libero’ (1975).
• ‘Amore grande, amore libero’, aunque pueda identificarse con el género romántico de los setenta, tiene un aire etéreo y nostálgico que sirve para acompañar cualquier instante. Cada uno que lo interprete y aplique a su gusto.

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Olivia newton john

• Olivia newton john Nnacido en Cambridge, Inglaterra en 1948, el hijo menor del profesor Brin Newton-John e Irene, hija del Nobel el físico ganador del premio, Max Born, Olivia se trasladó a Melbourne, Australia con su familia cuando tenía cinco años. A la edad de quince años, se había formado un grupo de chicas llamado Sol Four.
• Más tarde ese mismo año ganó un concurso de talentos en el popular programa de televisión, "Sing, Sing, Sing", que le valió un viaje a Londres. En 1963, Olivia aparecía en programas de televisión locales durante el día y programas semanales de música pop en Australia. Olivia cortar su primer single para el sello Decca en 1966, una versión de Jackie DeShannon de "Till You Say serás mía." En 1971, grabó un cover de Bob Dylan "If Not For You", co-producido por John Farrar, con quien sigue colaborando con la actualidad.
• Olivia debut en EE.UU. del álbum, "Let Me Be There", produjo su primer top ten solo del mismo nombre, con Olivia siendo honrado por la Academia de Música Country como vocalista femenina más prometedora y un premio Grammy como mejor vocalista de los países.
• Esto resultó ser sólo el comienzo de una carrera muy emocionante. Con más de 50 millones de discos vendidos, sus éxitos incluyen más tres Grammys, numerosos Música Country, American Music y los Premios Elección de los Pueblos, diez hits 1 como "física", que encabezó las listas durante diez semanas consecutivas, y más de 15 sencillos Top 10 . (En septiembre de 2008, la revista Billboard, lista de "Física" en el # 6 en su Top 100 canciones de todos los tiempo de la lista.) En 1978, su co-protagónico junto a John Travolta en "Grease", Olivia catapultó al estrellato. Esta película de mayor venta en la banda sonora contó con la duetos "Tú eres el que quiero" y "Summer Nights", con Travolta, así como su mega-hit, "Hopelessly Devoted To You". Hasta la fecha, "Grease" sigue siendo la película más exitosa en la historia musical y, en 2008, que celebrará su 30 aniversario. Sus otros créditos cinematográficos incluyen "Xanadu", "Two Of A Kind", "Es mi fiesta" y "Sordid Lives".
• Apelación Olivia parece ser eterno. Con una carrera que abarca más de cuatro décadas es todavía una persona dinámica y creativa que es adorado por los aficionados de todo el mundo. A lo largo de su carrera, la estrella muy querida, que bailó con Gene Kelly en "Xanadu", fue anfitrión de la popular a nivel internacional sindicado "Vida Silvestre" programa de televisión, fue concedido un OBE (Orden del Imperio Británico) por la reina Isabel en 1979, ha tenido muchas causas humanitarias cerca de su corazón, sobre todo desde el nacimiento de su hija Chloe, en 1986. (Es evidente que sigue los pasos de su madre, Chloe ha terminado recientemente su primera grabación en solitario.) Olivia se desempeñó como Embajador de Buena Voluntad para el Programa de las Naciones Unidas y en 1991, la Colette Chuda Fondo Ambiental / CHEC (Coalición de Salud Ambiental Infantil) fue fundada después de la la trágica muerte del mejor amigo de Chloe de un cáncer infantil poco común, con Olivia servir como Portavoz Nacional durante diez años. Su dedicación y el compromiso compartido con la misión de CHEC y las metas de la organización habilitado para recibir la atención mundial y de apoyo.
• Su vida de ensueño, no ha estado exento de su cuota de malestar. En los años 90, Olivia superó con éxito su propia batalla con el cáncer de mama, que inspiró su álbum uno mismo-escribió y produjo, "GAIA", su álbum más personal de reflexionar sobre su experiencia con el cáncer. Ella utiliza estas experiencias para lograr una mayor conciencia de sí mismo y se convirtió en una inspiración positiva para millones de personas luchando contra el cáncer. Como sobreviviente de cáncer de mama, Olivia se ha convertido cada vez más conocido y respetado por hablar abiertamente sobre su batalla con el cáncer de mama y para promover la conciencia pública sobre la importancia de la detección temprana. Su victoria personal contra el cáncer le llevó a anunciar su asociación con la Salud de Austin y la creación del Centro de Olivia Newton-John Cáncer y el Centro de Bienestar (ONJCWC) en el campus de Austin en su ciudad natal de Melbourne, Australia. El ONJCWC ofrecerá una amplia gama de servicios e instalaciones para el tratamiento del cáncer, la educación, la formación y la investigación como un centro de bienestar para la mente, cuerpo y espíritu (http://www.oliviaappeal.com/). En abril de 2008, Olivia lidera un equipo de compañeros sobrevivientes de cáncer, las celebridades y atletas olímpicos en un viaje a lo largo de la Gran Muralla de China (http://www.greatwalktobeijing.com/) y recaudó más de $ 2 millones para encontrar una nueva forma de tratar el cáncer y la construcción de la ONJCWC . Un CD que acompaña a beneficio de la ONJCWC como parte de este esfuerzo de recaudación de fondos global, "Olivia Newton-John & Friends: Una celebración en la canción," se ha lanzado a nivel internacional y cuenta con duetos con Keith Urban, Delta Goodrem, Sir Cliff Richard, Richard Marx, Amy Sky, y Barry Gibb para nombrar unos pocos. En noviembre de 2009, Olivia estuvo presente en la pionera de la ONJCWC. Olivia sigue dando a la comunidad con generosidad y ha sido reconocido en numerosas ocasiones por organizaciones de caridad y del medio ambiente por sus constantes esfuerzos, entre ellos: la Cruz Roja Americana, la Environmental Media Association, el gremio de la Mujer del Sinaí Centro de Cedar Médico, Rainforest Alliance y el concepto de curación.
• Continuando con sus esfuerzos para encontrar una cura para el cáncer de mama, Olivia lanzó el Liv Aid ®, un autoexamen de mamas de ayuda que asiste a las mujeres para ejercer el autoexamen de mamas correctamente (http://www.liv.com/). Olivia da crédito a su propio pecho auto-examen, como el primer paso para su diagnóstico definitivo de cáncer de mama. Ahora, 18 años después (y sin cáncer) se ha convertido en un apasionado defensor de la creación de conciencia para la detección temprana y alentar a las mujeres a asumir un papel más activo en la salud de sus senos.
• En 1999, Olivia obtuvo un premio Emmy por su composición y volvió a trabajar como intérprete giras en los Estados Unidos por primera vez en diecisiete años. En el nuevo milenio, su reconocimiento internacional ha seguido creciendo. Ella fue invitada por el Vaticano en nombre del Papa Juan Pablo II para llevar a cabo en la Celebración del Jubileo de los trabajadores enfermos y la salud y, que estaba encantada de actuar en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Sydney 2000 a una audiencia mundial estimada de cuatro mil millones personas. Añadiendo a esta experiencia olímpica es lo que Olivia siente que es uno de sus momentos más memorables - el honor de portar la antorcha olímpica durante el relevo de la antorcha olímpica.
• En 2002, Olivia fue incluido en el prestigioso Salón de la Música de Australia de la Fama de los Premios Anuales Aria 16. Luego, en 2006 recibió el Lifetime Achievement Award, presentado por su amigo John Travolta en el baile G'Day LA. Su pasión por Australia se comprobó una vez más, cuando Olivia se reunió con un amigo y socio de negocios Pat Farrar para lanzar sus vinos claramente de Australia bajo la icónica marca de cosecha propia Azul Koala, para llevar con orgullo el "sabor de Australia" con el resto del mundo. En febrero de 2005, junto con sus socios del negocio, Gregg Cave, Evans Warwick y Kalnin Ruth, Olivia abrió la Gaia Retreat & Spa en Byron Bay, Nueva Gales del Sur, Australia como un lugar ideal para renovar y refrescar o de restauración.
•  El retiro fue honrado con el Conde Nast Traveller Winner 2008 Readers 'Premio de Spa para los "favoritos del hotel Spa en el extranjero:. Australasia y el Pacífico Sur" En enero de 2010, llamado Gaia TripAdvisor N. º 3 de los 10 hoteles propiedad de la celebridad en el mundo, Olivia poniendo en compañía de los dueños de hoteles compañero, Robert Redford, Bono y Robert De Niro, entre otros.
• 2007 Olivia de grabación de vacaciones, "Christmas Wish" cuenta con dos favoritos de las festividades nuevos y clásicos y duetos con estos ganadores de premios Grammy como Barry Manilow, Michael McDonald, David Foster y Jon Secada, entre otros, y fue llamado uno de los CDs de vacaciones Best "de . 2007 "por los EE.UU. de hoy y, columnista Liz Smith lo llamó su" nuevo CD favorito de vacaciones de 2007 "En 2007, Olivia se estrenó su primer concierto especial para la televisión pública -" Olivia Newton-John: Live From Sydney "filmada en el histórico de la Ópera de Sydney con la Sinfónica de Sydney. Un comunicado de dos horas en DVD de este rendimiento sorprendente, con imágenes de conciertos y la gira más personal de Olivia de algunos de sus lugares favoritos en Sydney, fue lanzado por Capitol / EMI en enero de 2008. En 2008, Olivia comenzó a co-anfitrión y co-producción de la serie de PBS, "Quest curación" y, que repitió su papel en una película de Bitsy Mae Harling de "Sordid Lives" en la serie del mismo nombre de LOGO, con excelentes críticas. En 2010 Olivia también apareció en dos episodios de la exitosa serie "Glee", y añadió otro hit Top 100 de sus créditos con una nueva versión de "Physical", cantada con la estrella de Glee, Jane Lynch. En octubre de 2010 Olivia será protagonista en el docudrama de cáncer de mama "1 A Minute" y la película "Puntuación: El Hockey Musical".
• En 2008 se casó con Olivia propietario de Amazon Herb Company y fundador, John "Amazon John" Easterling .
•  Junto a Olivia y John son dar a conocer la importancia de preservar la selva y de los valores de la salud se encuentran en los ingredientes botánicos de la Amazonía. Recientemente han lanzado la bebida Selva orgánica, Zamu, con excelentes críticas. Además, están trabajando en conjunto con la Organización ACEER  para ayudar a los pueblos indígenas de la Amazonía y la propiedad ganar el título de propiedad. En septiembre de 2009, también se unieron con el Proyecto del príncipe Carlos Selva del Príncipe  hacer más hincapié en la importancia global de la Selva.
• Con sus proyectos actuales y en curso y las iniciativas filantrópicas, la popularidad mundial de Olivia es tan fuerte como siempre! ...

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Cher

• Cherilyn Sarkisian (n. El Centro, 20 de mayo de 1946), conocida como Cher, es una cantante, actriz, compositora, diseñadora y productora estadounidense. Ha sido galardonada por su carrera musical y como actriz con, entre otros, los premios Óscar, Grammy, Emmy, Globo de Oro y un premio en el Festival de Cine de Cannes.
• Denominada como «La Diosa del Pop», Cher llegó a la fama en 1965, formando parte del dúo musical Sonny & Cher, junto con su exesposo Sonny Bono. Posteriormente Cher se estableció como solista. Ha lanzado veinticinco álbumes de estudio, varias compilaciones y cincuenta y seis sencillos; cinco de ellos han llegado a la cumbre del Billboard Hot 100, teniendo en cuenta además que trece de sus sencillos han entrado a esta lista.
•  El más notable es «Believe». Fue número uno en veintitrés países y la hizo acreedora al premio Grammy, además puede considerarse como la tercera canción más exitosa de toda la historia interpretada por una artista de sexo femenino detrás de “My Heart Will Go On” de Céline Dion y “I Will Always Love You” de Whitney Houston. Según Billboard, ella es la 39º mejor artista de la historia dentro de la lista encabezada por The Beatles, Madonna, Elton John y Michael Jackson.
• Se convirtió en actriz de televisión a mediados de 1970 y en actriz de cine a comienzos de 1980. En 1987 ganó el premio Óscar como mejor actriz por la película Hechizo de luna.
• Con una carrera que rebasa los 40 años y sin mostrar signos de decadencia, Cher ha sido conocida por ser un ícono pop y una de las pocas cantantes consideradas divas de la música además de su joven apariencia, debido a sus múltiples cirugías plásticas.
• Ha vendido más de 100 millones de grabaciones como solista lo cual la convierte en una de las cantantes más exitosas de la historia y en una de las artistas más exitosas de todos los tiempos.
• Dentro de los Estados Unidos la artista ha logrado la venta de 12,5 millones de copias certificadas por la RIAA.
•  Ha colocado a 10 de sus álbumes dentro de la lista Billboard 200 teniendo 2 de estos en el #4 Believe y The Very Best of Cher. Asimismo, la revista Rolling Stone ha considerado a su canción "I Got You Babe" como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
• A 2009, la cantante reside en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, presentando allí su espectáculo Cher At The Colosseum. También es reconocida por poseer un rango vocal de contralto
• Cher nació en El Centro, California, el 20 de mayo de 1946, a las 7:25 a.m.. Su padre, John Sarkisian (1920-2005), era un refugiado armenio que trabajó como camionero. Su madre, Georgia Holt, nació en Arkansas el 20 de junio de 1927. Se casó ocho veces, aspiró a ser actriz y trabajó como modelo ocasional. Es de ascendencia cheroqui, británica y alemana. Los padres de Cher se divorciaron cuando ella era joven y se crio principalmente con su madre y su media hermana Georgeane (1951), hija de Gilbert LaPierre, segundo esposo de Holt, un banquero que adoptó a Cher. Además de los graves problemas financieros que había en la familia, a Cher se le diagnosticó dislexia, lo cual la hizo retirarse de la escuela a muy temprana edad. En ese tiempo mantuvo una relación amorosa con el ahora actor Warren Beatty.
• A los 16 años, y siguiendo los pasos de su madre, Cher viajó a Los Ángeles para estudiar actuación. Sin embargo, no tuvo ningún resultado ya que su enfermedad se lo impedía. De camino a Los Ángeles en 1963 conoce en una cafetería local al productor musical Sonny Bono; se convirtieron rápidamente en amigos, luego se comprometieron y más tarde se casaron.
• Sonny Bono trabajaba en ese tiempo con el productor Phil Spector en Gold Star Studios en Hollywood. A través de Sonny, Cher entra al ámbito musical grabando demos, cantando en coros y participando en varias grabaciones de Spector, para artistas como The Righteous Brothers y Darlene Love. Spector vio el potencial que tenía la voz de Cher y no dudo en lanzarla a la escena musical. Bajo el nombre artístico Bonnie Jo Mason, Cher lanzó su primer sencillo en 1964 llamado Ringo, I Love You, dedicada a Ringo Starr, sin alcanzar el éxito. Los esfuerzos de Spector no cesaron y decidió unir a Sonny con Cher bajo el nombre artístico Cesar & Cleo, lanzando el sencillo "The Letter" que tampoco tuvo éxito.
• A comienzos de 1965 deciden relanzarse con el nombre "Sonny & Cher" y con su primer álbum de estudio, Look At Us, que fue un éxito de ventas en el mercado estadounidense y europeo. De este álbum salió el sencillo "I Got You Babe" que se convirtió en un gran éxito mundial llegando al puesto #1 del Billboard Hot 100. A este éxito le siguieron sencillos como "Baby Don't Go", Just You", "But You're Mine", "Little Man" y por último "The Beat Goes On".
• Ese mismo año el dúo aparece en programas de entretenimiento como The Ed Sullivan Show, American Bandstand, Top of the Pops, Ready Steady Go! y Shindig!. Cher se destacó como icono popular moderno por su extravagante forma de vestir y pronto Sonny & Cher se convirtieron en un ícono hippie. Paralelamente Cher lanzó al mercado su álbum debut como solista titulado All I Really Want To Do, que tuvo gran reconocimiento y llegó al puesto 16 de Billboard 200. El sencillo homónimo al álbum es una reversión de la canción de Bob Dylan del mismo título y logró llegar al puesto 15 del Billboard Hot 100.
•  En 1966 lanzó su segundo álbum en solitario titulado The Sonny Side of Chér, que fue un gran éxito en Reino Unido; de este álbum salieron los sencillos "Where Do You Go" y "Bang Bang (My Baby Shot Me Down)" (ambos compuestos y producidos por Sonny Bono). Esta última canción fue un gran éxito en Norteamérica, convirtiéndose en el sencillo más exitoso de Cher en los años 60s. En 1966 Cher lanzó su primer álbum homónimo que, aunque no fue tan exitoso como los anteriores, incluyó el sencillo "Sunny", que ocupó los primeros lugares en las listas del Reino Unido. Al año siguiente lanza otro nuevo álbum de estudio titulado Backstage, pero fue un fracaso comercial...
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